Mariana Bezerra e Valentina Ferri

Após o enorme sucesso de Divertida Mente 2 (2024), a Pixar retorna às telonas com Elio, uma aventura inédita e divertida sobre um garoto de mesmo nome que, após perder os seus pais e passar a morar com sua tia, desperta o estranho desejo de ser abduzido por alienígenas. Infelizmente, o desinteresse  do público por histórias originais, além de diversos conflitos durante a produção do longa, fizeram com que um longa bonito e emocionante como esse se tornasse a pior estreia do estúdio até então. 

A produção chegou aos cinemas após muitos tropeços, adiamentos, substituição na direção e mudanças centrais no roteiro. O filme foi anunciado na D23, evento expositivo bienal da Disney, em 2022, e só foi lançado em junho de 2025, com uma proposta bem diferente da original. Até mesmo os dubladores foram substituídos ao longo desse processo. Originalmente, a direção seria de Adrian Molina, responsável por Viva: A vida é uma festa (2017), mas foi assumida por Domee Shi e Madeline Sharafian, de Red: Crescer é uma fera. Porém, os reais motivos por trás de tantas mudanças ganharam luz somente depois do lançamento, quando foi revelado que, na ideia original, Elio (Yonas Ascunsion Kibreab) seria uma criança queer.

Segundo funcionários da Pixar, a história idealizada por Molina não teria agradado o público nas exibições teste feitas em 2023, fazendo o estúdio optar por remover a representatividade existente na história, o que afastou não somente o cineasta, mas outras pessoas que estavam trabalhando no projeto. Muitos dos antigos envolvidos concordaram que não somente o protagonista perdeu muito de sua personalidade após as mudanças, como a própria obra ficou sem parte de sua profundidade também, tudo devido a uma decisão covarde de um estúdio que segue priorizando o lucro e o conservadorismo ao invés de valorizar a Arte e tudo o que ela tem a dizer.

Porém, apesar de sua versão final ser com certeza bem menos interessante do que poderia ter sido, o longa não deixa de ter muitos pontos positivos. A começar pela animação e pelos visuais deslumbrantes; os gráficos são incrivelmente realistas, com texturas variadas e extremamente bem feitas, como já é de costume quando o assunto é a Pixar. Além disso, a paleta de cores se estabelece ali como um auxílio para a construção da narrativa e cria uma identidade visual marcante para o filme.

Entretanto, o aspecto que mais impressiona é a genialidade por trás dos designs de personagens, tanto o do protagonista quanto os das diversas espécies de aliens apresentadas. Tal maestria fica evidente quando se nota, por exemplo, que em meio a todas as diferentes cores de todos os diferentes extraterrestres, a paleta de Elio é predominantemente verde, azul e marrom, que são as três cores associadas ao seu planeta de origem, a Terra. 

Como qualquer boa produção da Pixar, Elio também não falha em arrancar lágrimas do público. Isso porque, para além da aventura espacial, o enredo aborda questões delicadas como luto, solidão, bullying, família e pertencimento. E é aqui que entra a grandiosidade de sua narrativa, uma vez que, para abordar os temas que deseja de forma a se manter apropriado para o público infantil, o longa se aproveita dos elementos do próprio gênero de ficção científica. Assim, uma história densa sobre uma criança que, diante do desamparo provocado por uma perda traumática, começa a acreditar que seria melhor se ela simplesmente deixasse esse mundo, é traduzida para um filme sobre um garoto que quer ser abduzido.

Elio quer ser raptado porque se sente sozinho e deslocado, ou seja, ele se sente um alienígena em seu próprio planeta. O roteiro então utiliza como principal premissa a pergunta: “será que estamos sozinhos no universo?”, traçando um paralelo muito inteligente entre a solidão subjetiva e a solidão cósmica. O primeiro pouso do homem na lua foi marcado por frases emblemáticas e uma narração pomposa. Já, em Elio, o primeiro contato com alienígenas foi totalmente espontâneo, caloroso e finalizado com um apressado “Beijo. Te amo”.

Quando Elio enfim tem seu desejo realizado, ele é levado para o Comuniverso, um planeta brilhante, colorido e peculiar no qual entendem que ele é o líder da Terra e o convidam para se tornar um embaixador. O lugar é extremamente desenvolvido e tecnológico. Lá, as grandes mentes contribuem cada uma ao seu modo para o desenvolvimento da comunidade. Acredite se quiser, mas ali, esses seres brilhantes não se tornam cientistas malucos que desejam dominar as galáxias e deter todo o poder da ciência para si. Muito pelo contrário, ao mesmo tempo que somos lembrados de nossa infinita pequenez neste tão vasto universo, entramos em contato com um mundo em que toda a tecnologia se volta a assistir o próximo e fazê-lo se sentir acolhido, ambientando e amparado na sociedade.

Diante disso, é nítido que durante o desenvolvimento de Elio houve uma preocupação em destacar a importância da ciência e da pesquisa para as crianças. Além do Comuniverso, isso também pode ser observado através das diferentes necessidades biológicas de cada alien, da presença de mecanismos como a clonagem, da referência às sondas espaciais Voyager 1 e 2, e da reafirmação da importância da física quando o assunto é o espaço sideral.

Nessa jornada, em que o garoto se mostra determinado a ser aceito nesse novo lugar, Elio irá encontrar amizades verdadeiras e momentos de descontração e leveza que deveriam ser comuns a todas as crianças. O garoto passa por uma aventura repleta de aprendizados. Ao longo do tempo, é mostrado que o desamparo sentido pelo protagonista é, em partes, resultado de uma barreira que ele mesmo criou diante da dor provocada pela perda de seus pais. 

As relações entre pai e filho / tia e sobrinho, apresentadas, humanizam os mais velhos e mostram que pessoas – ou aliens – de todas as idades e formas também têm o direito de errar. Os responsáveis e familiares também estão crescendo, aprendendo e se descobrindo. Assim, a história se torna ainda mais bonita por mostrar a importância da família e dos vínculos afetivos, transmitindo, por fim, uma mensagem de que, por mais diferente que você seja, nunca estará sozinho de verdade. 

Portanto, em um período no qual os principais lançamentos da Disney são somente continuações e live-actions desrespeitosos ou malfeitos de franquias que eles não conseguem deixar para trás, é bom ver em filmes como Elio, que a Pixar, pelo menos dessa vez, se recusou a seguir pelo mesmo caminho. Porém, de nada adianta o carinho pela Arte e a vontade de criar novas histórias permanecerem se o público continua a cair no bait da nostalgia e a ignorar os originais que vêm sendo lançados, fazendo com que, infelizmente, uma história tão bonita e tocante caia no esquecimento. Em contrapartida, já é possível prever a agitação que continuações desnecessárias como Toy Story 5 e Os Incríveis 3 vão causar quando suas estreias, previstas para os próximos anos, estiverem mais próximas. 

Elio carrega o peso da solidão e do luto, já seu longa, da originalidade e da censura. Se adotada uma perspectiva otimista, vale a pena acreditar que a nova produção abre espaço, pelo menos entre a crítica, para que a Pixar volte a ousar. De qualquer forma, a história garante um abraço terno a todos – de qualquer idade – que vão ao cinema e decidem dar mais um voto de confiança no trabalho e na sensibilidade daqueles que embalaram com louvor boa parte das nossas memórias com o mundo da animação. 

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Livia Queiroz

“Como evitar que memórias ruins gerem convicções equivocadas?”. Essa é uma frase da Nojinho no final da trama desse filme, após uma conclusão da Alegria de que lembranças que não nos agradam devem ser colocadas no esquecimento. A verdade é que todas as nossas memórias são importantes e criam o que somos, as boas formam nossas expectativas, sonhos e habilidades sociais, e as ruins nos ajudam a sermos mais fortes psicologicamente e a digerir nossos erros para melhorar nossas atitudes. Divertida Mente 2, lançado em Junho de 2024 e candidato ao Oscar de Melhor Animação, é recheado de filosofias do crescimento pessoal. 

O segundo filme chegou aos cinemas após quase dez anos desde o primeiro e, dentro da história, se passaram três anos. Com isso, a narração gira em torno da passagem da Riley como criança ao início da adolescência e, consequentemente, a chegada da puberdade. Então, nada mais normal do que surgirem novos sentimentos, mais sofisticados e, antes, não necessários – como diz a Ansiedade no longa. Assim, começa a ‘bagunça’, com quatro novas personagens: Ansiedade, Vergonha, Tédio e Inveja. Apesar de todas serem vistas pelo ser humano como defeitos, elas têm papéis fundamentais na construção social; a sofreguidão, por exemplo, nos ajuda a recordar e se importar com nossas tarefas, relações e eventos, e o aborrecimento nos leva a buscar aventuras para nos satisfazer e se livrar da monotonia. 

Assim como no primeiro filme, a psicologia das cores é praticada na criação de cada nova emoção. A Ansiedade é laranja, com personalidade energética, overthinker, atrapalhada e que se vê na obrigação de cuidar e se preocupar com o futuro, fato comum do distúrbio psicológico. Já a vergonha foi colocada como um homem gigante rosa com nariz grande e um moletom para se esconder em sua timidez, mesmo assim, ele foi um dos que se mostraram mais corajosos e dispostos a mudar os problemas que a Ansiedade cria ao longo da trama. O tédio foi personificado como uma francesa roxa desinteressada com o mundo, ficando alheia em seu celular; uma clara e fiel representação do desenvolvimento social das novas gerações junto da tecnologia. E a Inveja, uma pequena menina verde turquesa de olhos esbugalhados e brilhantes, uma referência à expressão “olho gordo”, que apoia e inveja Ansiedade o tempo todo. 

O início do longa-metragem é uma recapitulação dos primeiros 15 anos da protagonista, mostrando o seu crescimento, o que foi uma ótima ideia já que, tecnicamente, a audiência ‘perdeu’ três anos da vida dela. Primordialmente, existe uma beleza intencional por trás da demora para a sequência chegar aos cinemas, as crianças que antes viram o filme na mesma idade ou até menores que a Riley, chegaram para a segunda obra cinematográfica já tendo vivenciado o que ela estaria passando e, nesse sentido, correlacionam as situações e sentimentos com si mesmos. Essa nova filmagem torna-se, então, uma terapia lúcida em formato de animação, já que seu público alvo continua sendo o público infantil e a intenção é ser um programa familiar. 

Essa genialidade, que foi o ápice da sequência quando observamos a proposta de inteligência emocional que a obra promete, só foi possível com um roteiro mais complexo que o anterior, com construções de diálogos mais profundos e reflexivos, no sentido de abordar problemas da vida com maior seriedade. Um exemplo dessa abordagem é o Senso de Si – figura mental que guarda nossas convicções por meio de aprendizados de memórias e que molda quem somos – o qual é destruído conforme a Ansiedade toma o controle da mente, trazendo a conclusão de que esse transtorno faz esquecermos de nosso juízo. Ficamos tão pilhados com possibilidades e medos que não ‘ativamos’ nosso discernimento sobre o nosso ‘verdadeiro eu’ e, então, acabamos fazendo algo que não é do nosso feitio. Por essas razões, é inegável a ousadia e habilidade dos roteiristas, Meg LeFauve e Dave Holstein, ao tratarem de uma emoção tão complexa como essa e, mesmo assim, manterem o filme leve. 

Entretanto, a complicação e clímax da filmagem colocam uma máscara de vilã na ansiedade como um todo, para somente no final deixar implícito que não existem emoções ruins. Teria sido mais agradável para interpretar corretamente se o público visse mais da vulnerabilidade da personagem para além de quando ela ativa uma crise de ansiedade na Riley e perde o controle, se arrependendo veementemente. Em contraste com o erro, a produção soube diferenciar um distúrbio de um sentimento comum de forma cativante. O excesso de ansiedade é tratado no filme como o principal vilão, e ele realmente é. A inquietação é natural em pequena quantidade, ela nos faz pensar mais em cada possibilidade – como a primeira ação da criatura laranja para ajudar a protagonista – mas a doença (que se caracteriza a partir do momento que a Ansiedade isola as antigas emoções) não é saudável e isso é mostrado em diversos momentos que a Riley poderia ter aproveitado o momento presente – como as pequenas conquistas nos treinos de hóquei – porém não o fez, pensando no futuro. 

É perceptível que Alegria não gosta da mudança com a puberdade e novas emoções se envolvendo na vida de Riley, muito embora ela não admita até o final de Inside Out 2 (no original). O motivo? A nostalgia da vivência que teve com a menina até crescer na adolescente que e a insegurança para caso ela não precise mais das ‘velhas’ e tradicionais emoções. É por essa sensação que outra filosofia é refletida no clímax do filme: seria normal sentirmos menos alegrias depois da infância? Sim, no primeiro setênio da vida somos muito inocentes, não compreendemos a diferença entre o que é bom e o que é maldade e tudo vira uma descoberta – o que consequentemente causa felicidade pela curiosidade atingida. Porém, isso não significa que não haja momentos de felicidade nas próximas fases da vida e que devemos deixar que a insegurança e ansiedade tomem conta de nós, como ocorreu com Riley. 

A Alegria, principal emoção da protagonista, passa por uma transição assim como sua dona, experimentando outras sensações além da sua própria. Um exemplo dessa mudança é quando eles fogem do isolamento e buscam por soluções para chegar à cabine de controle da mente novamente, já que a figura que emana felicidade surta de raiva e mostra sua preocupação e tristeza com a lentidão para resolverem os problemas causados pela Ansiedade. Essas cenas são o que nos conformam de que não somos nós mesmos se nos limitamos a somente memórias boas, como questionado por Nojinho no filme. O que nos leva ao final do longa, quando as emoções aceitam que todas elas são importantes para a Riley ser quem ela é e formar, então, seu Senso de Si verdadeiro, um exemplo de auto aceitação e reconciliação, mais um elemento da inteligência emocional que a cinematografia quis ensinar. 

Além dos problemas na cabine cerebral, alguns eventos canônicos da vida de toda adolescente são mostrados na obra, como a separação entre amigas por mudanças de escolas, a estranheza do início da puberdade, os primeiros crushes, crises de personalidade na transição entre infantilidade e juventude, e a vontade de impressionar pessoas mais velhas nas quais você se inspira. Esses momentos também são de extrema importância para a construção da intimidade e carinho do público com a protagonista, já que elas se enxergam nas mesmas situações que ela está experienciando. 

Fora da trama, como sempre, a Pixar surpreende com a beleza na produção de suas animações, cada ambiente novo dentro da cabeça de Riley era feito pensando nos mínimos detalhes e significados. O mais lindo é com certeza o Centro de Convicções, que constitui uma cachoeira com brilho azul fluorescente que vai banhando as memórias, que formam convicções por cordas brilhantes as quais ligam-nas para se juntarem ao Senso de Si no formato de uma árvore, uma metáfora para o crescimento pessoal. 

Por fim, o filme tem uma mensagem para os adultos e, principalmente, aos pais de crianças e adolescentes: Tenham paciência com seus filhos, vocês já tiveram a idade deles e sabem como é difícil passar por mudanças significativas em si mesmo. Esse nível de compreensão recomendado entre pais e filhos é de extrema importância para a construção de relações mais saudáveis na adolescência – fase conhecida pela ausência de diálogo entre os dois grupos – que, consequentemente, levarão a uma vida adulta com maior afeto e longevidade, ou seja, uma divertida mente.

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Aryadne Xavier

Ao lançar Toy Story 1 em 1995, a Pixar foi muito além da proeza de fabricar o primeiro filme de animação longa-metragem totalmente produzido em um computador. Após quase 30 anos, o longa segue sendo um dos maiores clássicos do Cinema e um marco em toda uma geração que cresceu assistindo aos desenhos do estúdio. Anos e sucessos de bilheteria depois, a fórmula do sucesso pode ser descrita, de maneira simplória, como um casamento entre a inovação visual e a profundidade de suas histórias. Indo além de apenas um show técnico, as jornadas de seus personagens sempre foram cativantes e relacionáveis com o público, trazendo aquilo que era contado na tela próximo de quem assistia, emocionando e conectando com multidões.

Com o tempo, a técnica foi se transformando, deixando de focar em apenas uma jornada e ambicionando a criação de um universo inteiro em duas horas de produto final em que, entre erros e acertos, muitas coisas poderiam ser pontuadas. Talvez o maior sucesso nessa lógica tenha sido Divertida Mente (2015), acompanhando de perto a mente da pequena Riley.  Tentando replicar o mesmo método de sucesso em Elementos, o estúdio foi pego então pela sua maior armadilha: a balança desigual entre técnica e humanidade. E na tentativa de conciliar os gráficos e a química impecável por trás do seu visual, o filme peca ao deixar de lado sua premissa original em prol de um romance que brilha aos olhos e até emociona, mas não leva muito ao coração.

A premissa de Elementos surge em um contexto interessante: buscando criar uma condição de vida melhor para sua filha, Brasa e Fagulha deixam a Terra do Fogo em direção a Cidade Elemento. A pequena garota nasce, cresce e cultiva dentro de si a vontade de assumir a loja dos pais, agora já mais velhos. A questão da imigração, no começo do filme, é abordada de maneira objetiva, mesmo se tratando de um universo alegórico, criando uma conexão com quem vive ou já viveu essa mudança para um novo lugar. Na cidade onde se passa a maior parte da obra, é notória a crítica à forma como imigrantes são tratados, com desprezo e descaso total da estrutura, que os segrega em uma parte do território e não abre brechas para que as pessoas possam demonstrar suas diferenças e todo o talento e possibilidades que nascem disso. 

Faísca, a filha de Brasa e Fagulha, é uma protagonista que carrega em si muitos dilemas e questionamentos relacionáveis. Mesmo ao perceber que não é seu o sonho assumir a loja da família, ela se coloca no lugar de pagar esse sacrifício por se sentir em dívida pelo que seus pais fizeram por ela a vida toda. Esse talvez seja o maior acerto: tratar a relação de pais e filhos de maneira direta e não romantizada, algo já realizado de outras maneiras em animações anteriores. A capacidade da Pixar de esmiuçar e transbordar nos gráficos os pensamentos e angústias da personagem criam ali uma atmosfera marcante, que demonstra toda a substância do material. No entanto, ao nascer de outro personagem, toda essa ideia parece ficar em segundo plano, deixando um romance brilhar. 

Gota é um personagem adorável. Carismático, sincero e carinhoso, ele demonstra e sente até demais. Seu encontro com Faísca é, em todos os sentidos, fascinante. É como acompanhar uma história de amor que nasce aos poucos e se desenvolve prendendo a atenção do espectador. Um amor proibido, porque água e fogo nunca se misturam, deixa a emoção ainda mais para cima. E, em níveis de romance, Elementos acerta em cheio no relacionamento fofo (e até meio brega), mas muito bem feito. Talvez de um breve enemies to lovers, o roteiro ainda sustenta a emoção ao demonstrar como esse sentimento vai aumentando tanto quanto as dificuldades que distanciam o casal.

Os gráficos dos dois, quando próximos, elevam o nível técnico do estúdio ainda mais. O trabalho com elementos tão únicos é pura química e transborda nos olhos de quem vê. O desenvolvimento desses personagens, da mesma maneira que o de secundários como Névoa (chefe do Gota) e Turrão (personagem do elemento terra que possui uma ‘paixonite’ por Faísca), soma como uma grande fortuna do projeto. O filme pode deixar talvez uma mensagem de que mudou sua temática no curso do projeto, mas, se olhado minuciosamente, Elementos fala do início ao fim sobre o amor. O amor de pais pelos seus filhos, romântico, platônico e até mesmo pela profissão que exerce. Do primeiro minuto ao último, amar é o verbo que dita todos os cursos da história.

Em seu original, a animação ainda conta com a narração de Leah Lewis como faísca e Mamodou Athie como Gota, um elenco de peso que contribuiu ainda mais para a temática da diversidade, sendo ela chinesa e ele mauritano-americano. Se por um lado, a contratação atingiu um ponto magnífico, no quesito sonoro o filme deixa uma lacuna, não contando com nenhuma faixa viciante que fique na cabeça do espectador dias após a sessão, feitos conquistados com louvor por seus predecessores Coco (2017) e Toy Story.

Em 2024, Elementos concorre como Melhor Animação na premiação ‘queridinha’ do Cinema, o Oscar. Contradizendo o título de pior bilheteria da Pixar, a produção alcança a disputa contra O Menino e a Garça, o mais novo longa do Estúdio Ghibli que vem sendo cotado como favorito após o sucesso estrondoso na crítica e em outras premiações; Homem-Aranha: Através do Aranhaverso, sequência muito aclamada da obra que mudou a maneira de produzir animações; Nimona, que obteve sucesso ao questionar convenções de heróis e vilões; e Meu Amigo Robô, que agrada de crianças a adultos com uma trama de muitas camadas. Mesmo no meio de gigantes, Elementos ainda possui seu charme, sua técnica extraordinária e a leveza de abordar assuntos pertinentes e identificáveis em uma trama que nos faz mesmo sorrir  após umas lágrimas terem escapado.

Trazendo pontuais reflexões profundas, Elementos é um filme que retrata diversidade e que depende das experiências individuais de cada telespectador para poder se entrosar intimamente. Em alguns, causa empatia pela familiaridade com a situação e, em outros, causa apenas um carinho pelo romance ou talvez uma apreciação pelo visual. Contudo, não se pode dizer que o produto não vale de nada ou não rende, ao mínimo, uma distração agradável por quase duas horas em uma tarde entre amigos, sendo um show de cores, técnica e um romance gostoso de assistir. 

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Nathan Nunes

Na manhã do dia 15 de Janeiro de 2015, Hollywood ficou em polvorosa com a falta do então favorito Uma Aventura Lego entre os indicados ao Oscar de Melhor Animação. Lembrado, ainda assim, na disputa de Canção Original com Everything is Awesome, o longa de Phil Lord e Christopher Miller (que seriam premiados anos depois por Homem-Aranha no Aranhaverso) foi preterido em razão de dois candidatos menos conhecidos: O Conto da Princesa Kaguya, do cultuado Studio Ghibli, e A Canção do Oceano, da pequena produtora irlandesa Cartoon Saloon. Completavam a lista Como Treinar o Seu Dragão 2, da DreamWorks, Os Boxtrolls, da LAIKA Studios, e o eventual vencedor Operação Big Hero da Disney. Apesar do esnobe, é notável que havia um equilíbrio na disposição dos estúdios por trás dos concorrentes naquele ano, abraçando tanto os gigantes quanto os independentes e estrangeiros. 

Essa harmonia não se vê mais atualmente. Das cinco animações indicadas em 2023, apenas uma se encaixa nesse perfil “pequeno” antes mais reconhecido: Marcel the Shell with Shoes On, falso documentário em stop motion orçado em menos de 7 milhões de dólares e distribuído pelo atual pedigree independente, a A24. O restante pertence aos figurões, sendo duas da Netflix (Pinóquio por Guillermo del Toro e A Fera do Mar), uma da Disney (Red: Crescer é uma Fera) e uma da DreamWorks (Gato de Botas 2: O Último Pedido), além de serem todas superproduções de grande orçamento. Não é à toa que a categoria está novamente dominada pelos grandes estúdios, pois o que se evidencia, na prática, é a constatação de um descaso da indústria com a própria Arte da animação em si. 

O Oscar de Melhor Animação: Uma História

Em 19 de Fevereiro de 1992, assim como na manhã de 2015, Hollywood também pulou da cadeira quando A Bela e a Fera foi anunciado como um dos cinco concorrentes ao Oscar de Melhor Filme, tornando-se a primeira animação a realizar esse feito na história. O reconhecimento potencializou a chamada Era do Renascimento da Disney, marcada por um sucesso quase constante de bilheteria e crítica em suas produções, que, não à toa, cada vez mais adentravam a disputa pela estatueta dourada. 

A conversa sobre uma categoria para reconhecer única e exclusivamente as animações se intensificou à medida que outros estúdios começaram a surgir para disputar espaço com a Casa do Mickey, notoriamente a Pixar de Monstros S.A. e a DreamWorks de Shrek. Em 2002, a concorrência entre ambos esses filmes, juntamente com a presença de outros competidores de peso (Jimmy Neutron foi o terceiro indicado), se mostrou suficiente para inaugurar a modalidade, que fez da comédia do ogro verde o seu primeiro vencedor. 

Ainda assim, na época, não faltaram críticas a como o prêmio poderia ser uma forma de excluir as animações da disputa de Melhor Filme, pois o longa foi esnobado nela, mesmo com menções significativas no BAFTA e no Sindicato dos Produtores. O histórico da Academia também não era favorável, pois a indústria sempre foi tendenciosa com a presença animada na categoria. Esse sentimento, até então, tinha sido mascarado pela entrega de prêmios especiais para três produções específicas ao longo das décadas: Branca de Neve e os Sete Anões, em 1938, Uma Cilada para Roger Rabbit, em 1989, e Toy Story, em 1996.  

Depois de sua estreia, o Oscar de Melhor Animação continuou evoluindo. 2003 viu o seu primeiro e único vencedor vindo de fora dos Estados Unidos, A Viagem de Chihiro de Hayao Miyazaki. A presença internacional também foi se expandindo com o passar dos anos, através de nomes como os franceses As Bicicletas de Belleville, em 2004, e Persépolis, em 2008. Isso ocorreu devido ao aumento do número de membros no comitê que selecionava os indicados, composto apenas por profissionais da área. 

Em retrospecto, a década de 2010 pode ter sido o ápice dessa representatividade, tendo em vista o equilíbrio que a seleção de 2015 exalou, por exemplo. Candidatos pequenos de outras nacionalidades que não a americana ou a inglesa como Um Gato em Paris, Ernest e Celestine e A Tartaruga Vermelha, da França, Chico e Rita, do México, e Minha Vida de Abobrinha, da Suíça, foram agraciados com as indicações que antes estariam destinadas a outros campeões dos grandes estúdios, como Universidade Monstros, O Bom Dinossauro e Procurando Dory da Pixar, todos esnobados em seus respectivos anos. 

O golpe

Hollywood, obviamente, não estava feliz com essa situação. O contra-ataque veio na forma de uma mudança nas regras de votação da categoria, sancionada em 2017. Através dela, o comitê foi descontinuado, em razão do fato do voto para indicação ter sido aberto para todo e qualquer membro votante da Academia. O resultado disso nunca ficou tão claro quanto no ano passado. Entre as cinco animações indicadas em 2022, apenas uma (o dinamarquês Flee) era internacional, sendo três (Raya e o Último Dragão, Luca e a vencedora Encanto) das outras quatro pertencentes a um único estúdio, aquele do rato com fome de monopólio. 

Para coroar a situação, a cerimônia do tapa ainda apresentou os concorrentes animados da seguinte forma, nas palavras de Lily James (Cinderella), Naomi Scott (Aladdin) e Halle Bailey (A Pequena Sereia): “experiências formativas para as crianças que assistem elas”. A frase evidenciou a noção da indústria de que a animação é uma coisa de criança, algo que os mesmos Phil Lord e Christopher Miller de Lego, indicados na noite com A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas, criticaram em uma coluna na revista Variety. “Não estamos querendo diminuí-las, mas está na hora de as elevarmos”, defenderam. 

O problema

O caso do último Oscar é emblemático para discutir os dois principais problemas que assolam o prêmio de Melhor Animação. O primeiro deles é o sequestro de sua existência como mais um meio para os grandes estúdios prestigiarem apenas a si mesmos. É notável o posicionamento de James, Scott e Bailey para a entrega da estatueta, pois as três são as novas encarnações das princesas da Disney para a geração atual, implicando que a empresa seria a grande e única guardiã responsável pelo impacto sócio cultural dos filmes animados.  

Já o segundo é o próprio descaso em si da categoria como representante de um “tipo inferior” de Cinema, na visão da Academia. Ao citar o público infantil como o único a ser impactado pela animação, a instituição deixa claro que enxerga as animações dessa forma, e somente reforça isso ano após ano, ao nem sequer considerá-las como dignas de mérito igual – ou, às vezes – maior que seus grandes concorrentes de carne e osso. 

As animações do Oscar 2023: tão boas quanto os Melhores Filmes?

Nos 31 anos que separam a indicação de A Bela e a Fera da atual lista de Melhor Filme, apenas duas outras animações repetiram o feito: Up: Altas Aventuras em 2010 e Toy Story 3 em 2011, nos primeiros anos de expansão do número de nomeados de cinco para dez, cujo um dos motivos foi justamente o esnobe de Wall-E em 2009. Para além do fato de que outras grandes produções animadas mereciam demais o mesmo reconhecimento (em especial Divertida Mente em 2016, Aranhaverso em 2019, e Soul em 2021), 2023 marca um ano em que os concorrentes de Melhor Animação apresentam aspectos tão bons e quiçá até melhores que os indicados da categoria principal.

As sequências marítimas de A Fera do Mar são tão deslumbrantes quanto as de Avatar: O Caminho da Água, enquanto o valor familiar é tão emocionalmente catártico em Marcel como em Os Fabelmans. Gato de Botas 2 é uma história sobre um herói frente a sua obsolescência e a quebra de seu mito, assim como Top Gun: Maverick. Red se utiliza da estilização e da fantasia para explorar as barreiras emocionais no relacionamento entre mãe e filha amarelas, tal qual o favorito Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo. Por fim, o Pinóquio por Guillermo Del Toro fala melhor sobre o valor da humanidade em tempos de guerra do que Nada de Novo no Front, sendo que ambas as produções dividem a mesma distribuidora – a Netflix. 

Conclusão

O que se tenta dizer com essas comparações não é um desmerecimento dos outros candidatos, mas sim um exemplo de que essas animações possuem tanto valor quanto eles. Onde estão os filmes animados nas disputas de roteiro, atuação, montagem, fotografia, efeitos, design de produção e outras? Sabemos que eles têm qualidade suficiente para figurarem nesses mesmos espaços, e só não o fazem por concepções arcaicas, vazias e preconceituosas da própria indústria cinematográfica. Concepções essas de que seu público-alvo é apenas o infantil, ou de que seu valor está apenas ligado ao nome de grandes corporações. Nas palavras do diretor Guillermo del Toro: 

“Animação é um meio. Animação é filme. Animação é Arte e pode contar histórias que são lindas e complexas, e que são feitas à mão por humanos para humanos”  

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“Nosso destino vive dentro de nós. Você só tem que ser valente o suficiente para vê-lo.”

Júlia Caroline Fonte

Qualquer criança nas últimas décadas, com certeza, em algum momento, sonhou em viver em um castelo e encontrar um príncipe encantado, mas hoje sabemos que as coisas não são bem assim. Há 10 anos, a primeira e única princesa dos estúdios Pixar veio para mostrar isso: Merida (Kelly Macdonald), a corajosa protagonista de Valente, protagoniza uma história empoderadora sobre liberdade e amadurecimento, que mergulha em uma aventura mística e afetiva.

Nas terras do Clã Dunbroch nas Highlands da Escócia medieval, em meio a regras e costumes, uma jovem princesa vem se preparando para um dia assumir a função do pai, o rei Fergus (Billy Connolly), ao lado de um bravo cavaleiro que deverá conquistá-la, em um torneio organizado pela rainha Elinor (Emma Thompson), sua mãe. Decidida a mudar o próprio destino, Merida causa uma grande confusão com os clãs do torneio ao competir pela própria mão. Ela então foge para a floresta, e segue uma trilha de fogos-fátuos até a cabana de uma bruxa, que realiza o feitiço que ela desejou; porém, não da forma como esperava, uma vez que sua mãe é transformada em um urso e elas precisam correr contra o tempo para reverter a magia.

Desde o primeiro contato com o público, em 20 de julho de 2012, Merida chamou muita atenção, pois, além de também ser a primeira protagonista mulher de um filme da Pixar, ela marcou uma grande transformação em meio ao universo das princesas Disney. Narrativas estereotipadas, que funcionaram em um passado de contexto social diferente, não cabem mais no cenário contemporâneo, o que obrigou a gigante do entretenimento a mudar o rumo de suas personagens. Essa transição, que já vinha criando raízes com Mulan, A Princesa e o Sapo e Enrolados, tornou-se efetiva com o surgimento de Valente, abrindo espaço para as narrativas de Frozen, Moana – Um Mar de Aventuras e Raya e o Último Dragão.

Graças a isso, agora vemos narrativas de fato focadas em suas protagonistas, cujas tramas não se baseiam em encontrar um homem para se realizar, mas sim em princesas com as quais podemos nos identificar na busca de nossos maiores desejos e ambições. A princesa de Valente (Brave, no original) trouxe essa mensagem com grande força, ao decidir que além do dever, ela pode lutar pelos próprios sonhos e por sua liberdade de escolher como trilhar o próprio caminho. Merida desafiou não só os clãs e sua família ao terminar sua história sem um casamento, mas também o público tão acostumado com o “final feliz ideal”, anunciando que a felicidade de uma princesa deve ser encorajada, mesmo que não haja um príncipe nela.

Merida também rompe com os estereótipos físicos de suas antecessoras. Os estúdios da animação conseguiram inovar ao dar um passo em direção a mudança do corpo padrão das personagens femininas. Merida ainda é uma mulher magra e branca, porém, quando comparada as outras princesas das animações anteriores, seu tipo físico está mais próximo de uma mulher real, como, por exemplo, seus cabelos volumosos e com frizz, e sua cintura mais reta com quadris maiores – que também fazem referência às representações das vestimentas femininas escocesas do período. Agora, esperamos que, a partir disso, a Disney possa continuar essas mudanças a fim de ser cada vez mais inclusiva e representativa para as novas gerações.

O comportamento da princesa escocesa também é algo marcante no filme. Ela surpreende não sendo da forma que todos esperam, com atitudes até mesmo consideradas brutas para uma princesa, sem delicadeza, descontente com suas regras de etiqueta e negando os moldes ideais impostos e esperados de qualquer mulher. Essas características fazem parte tanto de sua personalidade quanto das crianças que a assistem, e podem se identificar. Merida normaliza que garotas podem agir da forma que realmente são, independente da expectativa que colocam sobre o gênero e do papel que terão no mundo. Ser uma princesa não significa abdicar de quem é em prol do que a sociedade quer que você seja.

Apesar de ser impactante por todos esses motivos, Valente também se destaca pela sua história e as temáticas que aborda. A principal delas é a relação entre mãe e filha construída por Merida e Elinor. Ambas possuem personalidades muito diferentes, bem como alguns valores e visões de seus deveres, o que as coloca em conflito em diversos momentos. O filme mostra a construção de uma relação saudável e de equilíbrio entre as personagens, e faz isso de modo perfeito, terminando com as personagens encontrando um ponto de equilíbrio e entendendo uma à outra. 

A conclusão do conflito entre elas parte do entendimento de Elinor de que precisa compreender a realidade e vontades da filha e reconhecer seus talentos, bem como lidar com as escolhas dela. Mas é principalmente com o amadurecimento de Merida que as coisas começam a se encaixar, pois ela passa a entender as consequências de seus atos e a importância de seu papel – e de defender sua liberdade de escolha. A partir do contato com suas origens e o passado de sua terra, a protagonista tenta a todo custo consertar os problemas que causou para não sucumbir ao mesmo fim do príncipe Mor’du, e condenar a própria mãe; assim, “remendar a união por orgulho separada” acaba sendo a solução para elas e o grande resumo de todo esse processo.

O roteiro de Valente, assinado por Steve Purcell, Irene Mecchi e pelos também diretores Mark Andrews e Brenda Chapman, traz uma trama com uma encantadora relação entre duas mulheres fortes e com um poderoso laço de amor, algo pouco mostrado nas histórias atribuídas às princesas, mas que se repete em Frozen – Uma Aventura Congelante, produção do mesmo estúdio lançada no ano seguinte. Discutir o amor além do romântico parece ser uma tendência que agradou muito o público e a Academia, e um tema importante a ser retratado nas telas, principalmente para as novas gerações, que cada vez mais tem contato com as novas produções e mensagens que a Disney traz. O longa recebeu o Oscar de Melhor Animação, e consagrou Chapman como a primeira mulher na História a levar a estatueta pela categoria.

Seguindo uma outra tendência dos filmes da Pixar e da Walt Disney Animation Studios, o local em que a história se passa torna-se um elemento muito importante para a construção do enredo, e assim como em todos os filmes do estúdios, a Escócia aparece em Valente de forma impecável. Mais que apenas um lugar onde habita a história, o país foi fundamental para construí-la, sendo a cultura escocesa indispensável para o desenvolvimento da narrativa e para a transformação da personagem. Bem como nos filmes da série Frozen e Moana: os mitos, lendas e processos ritualísticos acabam por sustentar todo o mistério e misticismo, sendo também uma outra forma importante de representatividade para o público diverso, e que deve sempre ser celebrado. 

Além disso, a ambientação do local e da época também ocorreram de forma perfeita, sendo marcante neste filme mais do que em qualquer outro da Disney. Trajes tradicionais, costumes, clãs, características físicas, músicas, castelos e paisagens: todos esses aspectos da História do país foram inseridos de forma certeira e conseguem nos transportar para o período com muita facilidade. Também são essenciais para criar o tom da narrativa, que se distancia um pouco daquele criado em outras obras sobre princesas. A atmosfera mística foi trazida de forma precisa, com as cores escuras contrastando com as chamas dos fogos-fátuos e com qualquer outro ponto de luz na tela.

Ao fim, Merida veio ao mundo para abalar qualquer estrutura estereotipada nos cinemas, tornando-se uma importante voz principalmente para as meninas, tanto aquelas que cresceram nas décadas passadas quanto para as que estão adentrando agora neste universo. A personagem segue lembrada por sua coragem, não só de escalar montanhas, cavalgar e soltar flechas, mas também de lutar pelo que quer e ser quem é, independente do que esperam dela, estimulando, assim, grandes mudanças. Valente é um marco para os filmes de princesas, e uma mensagem permanente sobre lutar pelos próprios sonhos.

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Enrico Souto

Em 25 de fevereiro de 2022, o Orlando Sentinel, principal jornal da cidade da Flórida, Estados Unidos, desvendou uma bomba. Legisladores do estado, envolvidos ativamente com uma proposta de lei homofóbica que tramitava no Congresso, receberam doações milionárias da Walt Disney Company, conglomerado multibilionário de mídia. Hoje, quase três meses depois, após a Disney já ter alterado seu posicionamento, a lei ter sido aprovada e outros escândalos revelados, uma questão continua acaçapada. O que uma empresa deste tamanho teria a ganhar financiando um projeto como este?

Apelidado de “Don’t Say Gay” (Não Diga Gay, em inglês), o Projeto de Lei Pelos Direitos dos Pais Sobre a Educação foi criado pelo deputado republicano Joe Harding visando a proibição de discussões sobre orientação sexual e identidade de gênero em salas de aulas, do infantário ao 3º ano, ou “de forma que não seja apropriada à idade ou desenvolvimento dos alunos”. Sob a premissa falaciosa de oferecer maior controle sobre a educação de seus filhos, na prática, a ambiguidade da lei busca podar a liberdade de professores para além dos graus de escolaridade previstos na lei, ao passo que cria um ambiente ainda mais hostil para crianças LGBTQIA+ de todas as idades, que muitas vezes sofrem violências dentro de casa e encontram na escola o único espaço de acolhimento.

Trata-se de uma lei imbecil, com motivação e pretensão puramente LGBTfóbicas. À vista disso, é especialmente curioso que a Disney apoie uma proposta como essa, diretamente da Flórida, onde estão instalados seus principais parques temáticos. Além de ter o privilégio de agir com total autonomia e controle no território dos parques, adquirindo poderes equiparáveis ao do próprio governo – apesar de, hoje, essa soberania estar em risco, ainda chegaremos lá –, seu domínio econômico lhe dá um poderio político sem precedentes. Não é difícil imaginar o porquê a marca, com envolvimento notável em produções destinadas ao público infantil, teria interesse em dar suporte a um projeto que visa monitorar justamente essa demografia. 

O que, de um jeito ou de outro, gerou imensa revolta entre a comunidade e a fanbase queer da Disney. Afinal, se aos olhos do público a empresa diz apoiar a causa LGBTQIA+, debaixo dos panos ela não vê problema algum em contribuir para a violação e subalternização desse mesmo grupo. Com a acusação, Bob Chapek não demorou a se retratar. Em nota para seus funcionários, mais tarde obtida pela imprensa, o CEO da Disney admitiu a contribuição financeira aos políticos republicanos, apesar de negar que as doações tivessem qualquer conexão com a lei. A respeito do seu silêncio ensurdecedor sobre o tema por meses, Chapek optou pela covardia e alegou que declarações corporativas são pouco efetivas em conjunturas políticas como essa.

“Acredito que a melhor maneira de nossa empresa trazer mudanças duradouras é por meio do conteúdo inspirador que produzimos, da cultura acolhedora que criamos e das diversas organizações comunitárias que apoiamos”, aponta o CEO. Porém, por trás dessa declaração florida, há um cenário muito, muito mais sombrio. Em resposta, funcionários LGBTQIA+ e aliados da Pixar, estúdio pertencente à Disney, assinaram declaração pública não apenas repudiando a atitude da companhia do rato, como também escancarando atos deliberados de censura desses executivos contra elementos abertamente queer em suas produções.

Quem acompanha o histórico das duas empresas já sabe que a relação sempre esteve entre tapas e beijos. Esses conflitos existem desde que a Disney era responsável unicamente pela distribuição dos filmes da Pixar, e a negociação para aquisição do estúdio em 2006 foi extremamente conturbada. Hoje, a rixa continua, com a Pixar acusando seus superiores de barrar a circulação dos seus filmes no cinema – mesmo porque, apesar de justificadas pela pandemia, obras de outras produtoras, como Marvel Studios e Walt Disney Animation, continuaram ocupando as telonas. Porém, nenhum desses casos atravessavam o escopo do conteúdo, não como agora.

A carta inicia expondo algumas das maiores hipocrisias do discurso de Bob Chapek. Enquanto a Disney diz que apresenta uma longa trajetória de suporte à comunidade LGBTQIA+, os trabalhadores da Pixar rebatem que a empresa nunca havia manifestado apoio público à causa antes de 2018. Se Chapek argumenta que declarações corporativas não são eficazes, seus funcionários demonstram como isso não só nunca impediu o rato de liderar ações políticas, mas também como essas ações apresentam sim efeitos factíveis, dentro e fora dos Estados Unidos. No entanto, os tons mais fúnebres da nota surgem somente no parágrafo seguinte: 

“Nós da Pixar testemunhamos pessoalmente belas histórias, cheias de personagens diversos, voltarem das críticas corporativas da Disney trituradas em migalhas do que já foram. Quase todos os momentos de afeto abertamente gay são cortados a pedido da Disney, independente de quando há protesto tanto das equipes criativas quanto da liderança executiva da Pixar. Mesmo que a criação de conteúdo LGBTQIA+ seja a resposta para corrigir a legislação discriminatória no mundo, estamos sendo impedidos de criá-lo.”

Ou seja, muito além de um financiamento externo, a LGBTfobia da Disney se trata de uma política interna, aplicada violentamente contra estúdios subordinados. Por trás do discurso vazio de “conteúdo inspirador” e da venda extensiva de merchandising com estampas coloridas, apenas sobra o preconceito. Todavia, vale dizer que, apesar de apavorante, essa notícia está longe de ser surpreendente. A Disney tem um vasto histórico de queerbaiting, ou seja, obras que codificam um ou mais personagens com características queer, mas nunca se comprometem em se aprofundar ou mesmo em declarar essa identidade abertamente E a Pixar não sai ilesa disso.

Sim, “o primeiro personagem gay da Disney” já se tornou uma platitude. Porém, fato é que o primeiro personagem ‘abertamente’ gay a aparecer em uma produção da Pixar foi em Dois Irmãos, de 2020: Specter (Lena Waithe), uma policial de um olho só, com menos de cinco minutos de tela, que surge em uma cena apenas para pronunciar uma frase solta e ambígua em que ela comenta que a filha de sua namorada a fez arrancar seus cabelos. Uma personagem sem história, sem subjetividade, utilizada somente como um broche para que a empresa possa vangloriar-se sem remorsos por sua suposta diversidade. O que não impediu que o filme fosse banido ou alterado na Rússia e em vários países do Oriente Médio.

Mais recentemente, o assunto voltou à tona com o lançamento de Red: Crescer é uma Fera. Durante o teaser de anúncio do longa, aparecia no canto superior esquerdo da tela, em uma cena de menos de um segundo, um casal gay de mãos dadas caminhando pela calçada. Ao passo que alguns parabenizaram a empresa pela atitude, enxergando a inserção como uma forma de naturalizar a existência dessas relações no cotidiano, outros viram com maus olhos. Dada a experiência prolífica de fãs da Disney com queerbait, não é nada mais que frustrante assistir essas referências escondidas enquanto personagens queer nunca são plenamente assumidos. Uma representatividade comedida, ainda presa dentro do armário.

Ao assistir propriamente o filme, além de outros figurantes LGBTQIA+ surgindo ao fundo de cenas pontuais, nos deparamos com insinuações mais profundas. A personagem Priya (Maitreyi Ramakrishnan), do grupo de melhores amigas da protagonista, parece criar uma conexão diferente com outra garota da escola. No decorrer de uma festa de aniversário, ambas começam a dançar juntas, encarando-se com seus olhares vazios dignos do arquétipo emo que encarnam. Priya, frequentemente incompreendida por seus colegas pela sua personalidade inusitada, encontra enfim identificação em alguém. Tudo ao mesmo tempo que suas amigas trocam cutucadas e olhares maliciosos, dando a entender que ocorria ali um flerte.

Em uma conjuntura diferente, provavelmente esse elemento de Turning Red reforçaria as críticas feitas contra seu teaser. Contudo, assistindo a essas cenas após os eventos do início de março, o sentimento é diferente. Não mais vê-se uma empresa gananciosa que investe em conteúdos apelativos para a comunidade queer, porém ocultos o suficiente para que o público conservador continue lhes entregando seu dinheiro, mas sim um estúdio que luta por migalhas de representação em suas obras, enquanto subordinado por uma companhia autoritária e abusiva. De uma hora para outra, essas insinuações subliminares passaram de um ato de má-fé para um manifesto de coragem e resistência de um grupo de trabalhadores que, mesmo extensivamente suprimidos, se recusam a sumir.

Pensando nisso, é difícil não voltar os olhos a outro episódio recente envolvendo o nome da Pixar. Isso porque, em 2021, o estúdio foi responsável por Luca, o filme mais não-assumidamente gay da história. Quem poderia imaginar que a trajetória de dois monstros marinhos que, mesmo aparentando ser iguais a qualquer outra criança, precisam esconder sua verdadeira essência para que possam ser aceitos em um ambiente hostil, compartilharia semelhanças tão profundas com a experiência de pessoas queer? A jornada de um garoto que, ao alcançar a adolescência, descobre um fascínio por um mundo que sempre foi ensinado a odiar?

Ainda por cima, o longa centraliza-se na relação de dois meninos, cujo maior sonho é comprar uma única moto – onde dividem o assento – para que possam pegar a estrada e construir uma vida juntos, longe de todo o preconceito e discriminação do mundo. Do início ao fim, a relação de Luca (Jacob Tremblay) e Alberto (Jack Dylan Grazer) é retratada como um romance proibido, com direito até a uma cena de despedida na estação de trem, um clichê nada sutil em narrativas românticas. E acredite, essa não é a primeira nem a última vez que apontam isso. Leituras queer de Luca pipocaram antes mesmo do seu lançamento, quando fãs começaram a identificar simetrias estéticas muito marcantes com o longa Me Chame pelo Seu Nome que, tal qual a animação, se trata de um romance gay coming-of-age com a Riviera Italiana como plano de fundo.

São elementos que surgem de forma tão visível e ostensiva que é difícil imaginar que ninguém dentro da equipe criativa tomou essa decisão conscientemente. Como Luca passou por tantas mãos e nenhuma pessoa se atentou a esse detalhe? Com os murmurinhos circulando, o diretor Enrico Casarosa não demorou para negar veementemente que uma ‘alegoria gay’ estava nos planos do estúdio. “Nós realmente miramos em uma história pré-pubescente. É tudo sobre amizades platônicas”, assegurou em entrevista. O que é curioso, já que isso nunca impediu nenhuma peça de mídia de retratar romances com crianças ‘pré-pubescentes’. Afinal, por que Casarosa sentia-se tanto na obrigação de isolar completamente seu filme de um possível espectro LGBTQIA+?

Infelizmente, essa suposição pertencerá para sempre ao plano das teorias da conspiração. O que é possível dizer assertivamente é que, para além da Pixar, este é um padrão de representação que permeia todas as produções da Disney. De A Bela e a Fera à Star Wars, as inserções rápidas e facilmente editáveis de cenas dúbias com personagens sem relevância são as mesmas. É verdade que, no campo da Televisão e do streaming, narrativas queer são bem mais estimadas. Owl House, Star vs. As Forças do Mal – ambas já canceladas – e mesmo produções menores da Pixar – é o caso do curta Out – são exemplos de obras saídas dessas mídias que comentam sobre temas LGBTQIA+. Porém, está longe do suficiente.

Após mais de dois meses de polêmica, o cenário se transformou incontáveis vezes para o lado da Disney. À primeira vista, seu CEO demorou a tomar um partido. Na tentativa de exercer um papel mediador e, supostamente, não privilegiar nenhum dos dois lados, Chapek prometeu doar 5 milhões de dólares ao Human Rights Campaign, o maior grupo de defesa dos direitos civis LGBTQIA+ nos EUA, ao mesmo tempo em que se reuniu pessoalmente com o governador republicano da Flórida, Ron DeSantis, sob pretexto de discutir ‘preocupações’ sobre as implicações negativas da lei. Em retorno, o HRC rejeitou prontamente o dinheiro, exigindo por ações verdadeiramente significativas por parte da Walt Disney Company. “Hoje, eles deram um passo na direção certa. Mas foi meramente o primeiro passo”, concluiu o presidente da organização.

Assim que as respostas inflamadas de funcionários e organizações vieram à tona – e esse discurso centrista não colou –, a Walt Disney passou por uma mudança radical de posicionamento. Poucos dias depois da declaração da Pixar, Bob Chapek se pronunciou de forma muito mais categórica, anunciando que lutaria pela revogação da lei e pausaria todas as doações políticas no estado da Flórida, que passarão por uma revisão que garantirá seu alinhamento com os valores da empresa: “Vocês precisavam de mim para ser um aliado mais forte na luta pela igualdade de direitos e eu lhes decepcionei. Eu sinto muito”.

Na esfera de conteúdo, a surpresa foi um vazamento feito por fontes de dentro da produção de Lightyear, próximo lançamento da Pixar, revelando que Hawthorne, principal personagem feminina do longa, teria um relacionamento significativo com outra mulher. E não apenas isso, como também que um beijo entre as duas havia sido retirada do corte final e, após o escândalo da lei Don’t Say Gay, a cena foi restaurada. O que já é um enorme ponto de virada para a representatividade queer nas animações – em geral –, esse poderá ser o primeiro beijo gay da história de um filme da Pixar. De um jeito ou de outro, os riscos que inúmeros funcionários do estúdio tomaram ao enfrentar seus superiores da Disney parece, ao fim, ter gerado efeitos significativos para a comunidade.

Mas, é claro, o outro lado não ficaria calado. Primeiro, a lei Don’t Say Gay foi efetivamente aprovada, com vias de entrar em vigor em 1 de julho deste ano. Indo além, no que parece um ataque direto do governo da Flórida contra a Disney, após declarar oposição a seu projeto, o senado do estado aprovou em abril uma lei que dissolve o status de distrito especial dos parques temáticos da Walt Disney World – aquele que lhes dava completa autonomia em seus territórios. Em contrapartida, se o rompimento desse regime, vigente desde 1967, poderia significar um enfraquecimento político da companhia na região, o tiro saiu pela culatra agora que os condados de Orange e Osceola herdarão uma dívida de mais de um 1 bilhão de dólares. 

Quem diria que, de uma hora para outra, a Disney iria de companhia reacionária a forte aliada da comunidade queer. Porém, há um aspecto questionável em como os eventos se sucederam. Será que a Walt Disney Company realmente mudaria seu ponto de vista dessa forma tão brusca sem nenhum benefício pessoal por trás? A Disney, como o colossal conglomerado de mídia que é, sempre colocará o capital em primeiro lugar. Na realidade, seu apoio às demandas LGBTQIA+ não é tão diferente de sua omissão anterior. No fim, tudo não passa de uma ação intensiva de publicidade e rebranding para limpar a reputação da marca, desatrelá-la do imagético homofóbico engendrado durante a polêmica Don’t Say Gay e recuperar o público progressista que havia sido perdido. E, acredite, tem dado certo. 

Pesquisando hoje por “Disney” e “Don’t Say Gay” no Google, dominam o topo da aba notícias que proclamam que a empresa está “em guerra contra o governo da Flórida” e que a colocam como sua principal opositora. Sim, é isso mesmo. O rato conseguiu apagar quase que totalmente seu envolvimento com a lei homofóbica, invertendo a narrativa a seu favor. O poder político e econômico da Disney é tamanho que ela provou deter o controle até mesmo sobre a nossa história. Entretanto, é preciso sempre lembrar: todas as atitudes da Disney visam somente o lucro, e se isso significa continuar administrando o interesse de países conservadores e legislações LGBTfóbicas, a troco de financiar nossas mortes e pisar em cima de nossos corpos putrefatos, assim será. Ao construirmos nossa luta, não podemos esquecer quem é o verdadeiro inimigo.

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Thuani Barbosa

Se você está procurando algo fofo e divertido, mas que tenha sua pitada de realidade e lição de vida, Red: Crescer é uma Fera é o filme certo. Mantendo uma estética focada nos anos 2000, a era dos tamagotchis e boy bands, a animação esbanja fofura, musicalidade e tradição. Lançado em março de 2022, o longa animado faz parte do conjunto de produções da Pixar com a Disney, assim como Luca, Soul e Viva: A Vida é uma Festa. 

O filme, originalmente chamado de Turning Red, é comandado pela diretora e roteirista Domee Shi, responsável pelo curta-metragem Bao, que lhe rendeu um Oscar na categoria Melhor Curta-Metragem de Animação, em 2019. Já Red é sua estreia em longas na Pixar, cujo lançamento deveria acontecer nos cinemas, mas, devido à pandemia e ao crescimento dos catálogos de streaming, chegou diretamente no Disney+. A produção também foi o primeiro longa-metragem do estúdio a ser dirigido unicamente por uma mulher.

A trama se inicia apresentando a protagonista Meilin Lee (voz original de Rosalie Chiang e dublada por Nina Medeiros na versão brasileira), uma pré-adolescente canadense com descendência chinesa, espontânea, animada e extremamente amável. Mei tem fortes laços com sua família, principalmente sua mãe (voz original de Sandra Oh e dublada por Flávia Alessandra), e ambas cuidam do templo da família, dedicado aos ancestrais e aos pandas vermelhos, em Toronto. Ming se mostra uma mãe controladora e extremamente preocupada com o futuro de sua filha, deixando-a pressionada à perfeição, limitando o tempo de Mei-Mei às tarefas e filtrando as amizades da garota.

Entretanto, suas amigas Miriam (Ava Morse), Priya (Maitreyi Ramakrishnan) e Abby (Hyein Park) são parte fundamental da história. Simpáticas, excêntricas e fofas, elas possuem suas próprias paixões e estilos, como toda adolescente comum, mas são unidas pelo amor Philia. Após sua primeira transformação em panda vermelho, frustrada com a fera que a habita, Mei-Mei se descontrola e encontra no amor pelas amigas seu lugar de paz e tranquilidade. Contudo, o grupo das meninas se mantém firme não somente pelo poder da amizade, mas também pela boy band 4*TOWN.

As letras da banda 4*TOWN foram compostas pelos ícones do pop atual Billie Eilish e Finneas O’Connell, recém ganhadores do Oscar de Melhor Canção Original pela música No Time To Die. Os irmãos escreveram canções especialmente para o filme: Nobody Like U, o hit de maior sucesso, U Know What’s Up, uma canção de empoderamento, e 1 True Love, com uma letra mais romântica e melodiosa. Todas são cantadas pelos rapazes talentosíssimos: Robaire (Jordan Fisher), Aaron Z. (Josh Levi), Aaron T. (Topher Ngo), Jesse (o próprio Finneas O’Connell) e Tae Young (Grayson Villanueva). O papel do quinteto na trama está diretamente ligado ao amadurecimento das garotas, sua liberdade de expressar os sentimentos e admiração por seus ídolos, mesmo que questionados pelos pais. 

Outro ponto de destaque para a animação é a diversidade facilmente encontrada em várias cenas e personagens, como no zelador muçulmano da escola, ou em Priya, que possui descendência indiana e recebe, por parte da direção, importância para com sua cultura e ancestralidade, atitude demonstrada em outras produções, como a já citada Viva, em que a atenção aos detalhes foi vista com a montagem dos altares e representações culturais. Tais qualidades foram colocadas a prova com a dublagem nacional, e com certeza reprovaram, pois a atenção que os produtores tiveram ao escolher dubladores que contemplassem a nacionalidade de seus personagens não tiveram qualquer consideração na versão brasileira.

Os gráficos utilizados também foram muito criticados pelos internautas, uma vez que a postura anterior da Pixar foi produzir filmes mais clássicos e com traços mais robustos, como a franquia Toy Story. Já a Disney, parceira nas criações, tem um lado mais versátil, focando em momentos diferentes.  Portanto, a crítica dos fãs veio da fofurização do desenho, julgando que o estilo Pixar se aproxima mais de gráficos como os de Raya e o Último Dragão, que são menos caricatos, corroborando a ideia de inversão dos papéis entre as produtoras. Mas, a reclamação do público não está totalmente  correta, uma vez que ela ignora a versatilidade da produtora.

Ao fim, a história mergulha em vulnerabilidade, mostrando o quanto cada pessoa tem suas feridas e como elas podem afetar gerações, reafirmando a frase dita no início: “Honrar os seus pais parece ótimo, mas se não tomar cuidado pode acabar não honrando a si mesmo”. Red: Crescer é uma Fera apresenta um diálogo atual sobre o amadurecimento e pressão social e familiar, e ainda assim consegue manter a graciosidade de uma menininha de 13 anos, com toda a sua espontaneidade e paixões. O longa animado deixa uma mensagem de liberdade, pois Meilin libertou sua fera interior e a deixou guiá-la. E você, vai abraçar a sua fera?

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A Pixar é muito conhecida por suas obras carregadas de mensagens profundas, e por sua tentativa de explicação de conceitos complexos para crianças. Durante os 35 anos de existência da empresa, eles trataram sobre depressão em Divertida Mente (2015), amadurecimento nos quatro filmes de Toy Story, o luto em Dois Irmãos (2020) e até o sentido da vida em Soul (2020). Parecia que a aventura era um bônus na história. Mas, eis que surge Luca, em junho de 2021, e os papéis se invertem. A mensagem está lá, mas não é o foco principal.

A história gira em torno de Luca Paguro (Jacob Tremblay é a voz original do personagem, e Rodrigo Cagiano dubla o garoto na dublagem brasileira), um monstro marinho de 13 anos que tem apreço pela superfície, mas que nunca chegou nem perto, pois seus pais o proíbem disso – lembra uma certa sereia bem famosa do estúdio parceiro. Então, rapidamente, somos apresentados a Alberto Scorfano (Jack Dylan Grazer/Pedro Miranda), outro ser da espécie de Luca, mas que vive em um farol na superfície. E, assim, começa uma história de amizade e aventuras que os dois passam, em busca de liberdade e aceitação.

O filme é dirigido pelo vencedor do Oscar 2012, na categoria Melhor Curta-Metragem de Animação, Enrico Casarosa, e traz uma aura infantil e desbravadora. O cineasta italiano utiliza de suas lembranças da infância para construir a cidade de Portorosso, e suas paisagens. Tudo é muito rico e, ao mesmo tempo, contido. Essa é uma das grandes diferenças do filme para os demais do estúdio: a criação de mundo. A Pixar sempre teve uma construção de cenários muito grandiosos, desde Monstrópoles até o minúsculo mundo dos insetos. Já em Luca, todo o universo dos personagens era em Portorosso, e, por poucos momentos, pode-se ver suas vidas no fundo do mar e suas peculiaridades.

Ainda falando sobre as questões técnicas do filme, Luca se destoa um pouco da forma convencional do estúdio em sua animação. E isso é extremamente benéfico. Mesmo que as texturas e riquezas de detalhes sejam uma marca registrada da Pixar, o longa traz uma diferença no desenho. Os personagens são mais cartunescos e arredondados, com cores vivas e performances como se estivessem em uma pintura. A transição dos protagonistas quando estão em sua forma humana e acabam se molhando, tomando sua verdadeira feição, parece como quando uma tinta aquarela encosta na água. 

Luca é um personagem fácil de se apaixonar. Ele é ingênuo, afetuoso e extremamente curioso. É lindo ver sua alegria ao conhecer aquele novo mundo, e depois sua vontade de aprender mais sobre o universo e tudo além de Portorosso. Já Alberto vai na contramão. Ele é excessivamente confiante e impulsivo, mas com um coração imenso. Com o passar do tempo, as feridas de Alberto são expostas ao público, e a conexão com ele é imediata, e se entende o real motivo pelo qual a Vespa é a solução dos seus problemas. 

O roteiro de Mike Jones e Jesse Andrews consegue construir uma amizade verdadeira entre os dois, e cresce com a chegada de Giulia Marcovaldo (Emma Berman/Beatriz Singer). A garota italiana é uma personagem encantadora, com sua audácia e vontade de ganhar o grande torneio de Portorosso. Sua aparição marca o ponto de partida do crescimento dos personagens.

A habilidade de transformar o pequeno em majestoso é o grande mérito do longa. A “Nova Iorque” do filme é uma vila italiana de duas ruas. O grande desafio é um triathlon: com os desafios de uma competição de natação, quem come mais rápido uma massa e um caminho de pedalada. O grande vilão, um adolescente chato – e bota chato nisso – que quer vencer as crianças. E o grande sonho, que vai mudar a vida deles, é comprar uma Vespa. Na simplicidade, Luca ganha sua forma, e encanta quem o vê. 

O filme ser simples não é um defeito. Não quer dizer que não há um desenvolvimento de personagens, ou que a narrativa é irrelevante, pelo contrário, a todo momento ele está em constante evolução. O crescimento de Luca, as feridas de Alberto – momento em que a Pixar consegue retirar as lágrimas do seu público –, a motivação pela qual os pais do protagonista não queriam o deixar ir para a superfície. No fim, o que temos é uma linda história para assistir no Disney+.

Porém, a produção desliza em um aspecto: ela acaba se apressando na construção. Em sua uma hora e trinta e seis minutos, algumas questões são corridas demais. Nos primeiros minutos do filme, nós conhecemos a família de Luca, sua casa e o Alberto, já o convidando para ir para a superfície, sem uma maior interação e exploração do mundo aquático. Mas isso não é algo que estrague completamente a experiência, só deixa com uma pontinha de que poderia nos dar um pouco mais.

Mesmo sendo simples em sua narrativa, Luca traz uma mensagem importante: a de se desprender de seus preconceitos, e crescer junto aos outros. É uma obra sobre proteção, aceitação e compreensão das diferenças entre as pessoas. Os criadores flertam disso com o público, ao inserir o pai de Giulia, Massimo (Marco Barricelli/Dláigelles Riba), como um homem truculento, sendo um dos personagens mais queridos e amáveis da história – além de ir contra o discurso capacitista ao colocá-lo como um PCD que nasceu sem um braço, e demonstrando sua força e autonomia. 

Não é à toa que muitos internautas ligaram o filme com a descoberta da sexualidade. Realmente, a situação passada pelos personagens é vivida pela comunidade LGBTQIA+, e frases ouvidas por eles são comuns em suas vidas. Uma cena em especial foi muito compartilhada, da avó de Luca dizendo: “Algumas pessoas nunca vão aceitá-lo. Mas algumas vão. E parece que ele sabe encontrar as pessoas boas”. Mas, isso pode ser amarrado a outras diferenças sociais, dependendo de suas vivências. Independente disso, a mensagem continua a mesma, de que é necessário exercitar o ato do respeito. E, se caso tentarem te menosprezar, dizendo que você não consegue algo, ou se você se sentir inseguro de algo, grite “Silenzio, Bruno”, e siga em frente. 

É difícil de ver um filme da Pixar contido, sendo que o último lançado por eles literalmente tentou explicar o sentido da vida. Então, Luca chega com essa visão mais ingênua, sem grandes conceitos, acessível a todas as idades. É o que chamariam de ‘filme Sessão da Tarde’, que agrada a família toda, perfeito para assistir em um domingo depois do almoço. Não acho que seja a melhor animação do estúdio, e tão pouco penso que essa era a pretensão dos criadores. Mas o selo da luminária saltitante pode atrapalhar nas expectativas. Se fosse um longa da DreamWorks, teria sido um dos melhores filmes do ano. Ainda assim, Luca é cativante e gostoso de assistir. Ele está disponível no Disney+, sem custo adicional, para apreciar com a família toda.

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Júlia Paes de Arruda

De fato, falar sobre Procurando Dory é algo muito especial, principalmente lembrar de assisti-lo nos cinemas, junto com os amigos. Em tempos como os de agora, o contato humano se torna cada vez mais distante. É inevitável sentir falta das conversas até altas horas da madrugada e das memórias afetivas que esses momentos proporcionam. 

As animações, em sua grande maioria, são responsáveis por criações de lembranças e, consequentemente, por aquela sensação de nostalgia. Por causa disso, sequências de desenhos queridos sempre geram alguma polêmica, tanto de críticos que acreditam em acertos, quanto em erros. Porém, o caso de Procurando Dory é que o enredo mantém a mesma fórmula de seu antecessor. Cinco anos depois, o filme realça ainda mais a importância da amizade, da confiança e do companheirismo, sem falar da relevância extremamente atual da preservação da biodiversidade. 

A narrativa acontece um ano depois dos acontecimentos de Procurando Nemo, com Dory (Ellen DeGeneres) tentando se adaptar à vida nos recifes. O caso é que, no meio de uma das aulas com o Tio Raia, a peixinha vê flashs da sua infância, ainda com sua família. Determinada a fazer de tudo para lembrar e encontrar seus pais, Dory, Marlin e Nemo embarcam para mais uma aventura para o Instituto de Biologia Marinha. 

Novos animais são incorporados dentro da história, como o polvo Hank (Ed O’Neill), a tubarão-baleia Destiny (Kaitlin Olson) e a beluga Bailey (Ty Burrell). Sem falar no leão-marinho Geraldo e na mergulhão Becky, os mais carismáticos de todo o enredo e responsáveis pelas risadas do público. Porém, o encanto e a graça dos animais despertam para um assunto de alta relevância: a preservação da biodiversidade marinha. 

Com a estreia de Procurando Nemo em 2003, mais de 1 milhão de peixes-palhaço foram capturados e aprisionados em aquários. A partir da estreia de seu sucessor, a ONG Saving Nemo lançou uma campanha de proteção aos cirurgiões-patela por se tratar de um quadro especial: a reprodução da espécie da Dory somente ocorre em recifes, ainda que existam tentativas em cativeiro. A humanização dos animais no filme, ainda que seja simpática, também promove o comércio (legal ou não) desses seres marinhos. A conscientização para tais atos é fundamental, sobretudo, por se tratar de uma animação tão amada quanto Procurando Dory. Entretanto, é nisso que a obra de Andrew Stanton peca. 

O debate sobre a conservação do meio ambiente não é algo atual, mas ele tomou altas proporções com a velocidade do mundo online. Desde a utilização de canudos plásticos até a produção de lixo, animais marinhos são as primeiras vítimas do consumo exacerbado desses polímeros. Aliado à pesca predatória e ao aquecimento global, o desequilíbrio ambiental nos oceanos, os verdadeiros donos do posto de pulmão do mundo, é extremamente danoso. 

Fora a questão ambiental, Procurando Dory abre espaço para abordar a inclusão. A perda de memória recente da peixinha é tratada com naturalidade desde sua apresentação, em 2003. Ainda que Marlin zombe e menospreze as atitudes da amiga, Dory é um exemplo de como compor uma pessoa com deficiência na sociedade de forma exemplar. Ao oferecer autonomia e recursos necessários para sua inserção nos recifes, a personagem consegue ser ela mesma sem preconceitos. O grande símbolo de empatia e solidariedade de seus companheiros é pensar “o que a Dory faria?”. Com o auxílio de seus pais, Jane e Charlie, junto de Marlin e Nemo, Dory mantém o seu clássico lema de “continue a nadar” e segue normalmente sua aventura. 

Além da protagonista, Hank, com seu transtorno pós-traumático e comportamentos antissociais, e Destiny, com seu problema de visão, acabam aderindo a temática. Contudo, é importante ressaltar que inclusão é diferente de integração. Ao contrário do que o atual governo estava propondo no final de 2020, a inclusão diz respeito às ações de combate às desigualdades de acesso. A romantização e segregação das deficiências apenas corrobora para que o indivíduo se adapte ao meio e não ao contrário. A acessibilidade, tanto pública quanto particular, é um dos principais alicerces para que atitudes capacitistas se extinguem e “normalizem” PcDs.    

Assim como a maioria das animações brasileiras, é a dublagem que conquista o público. A mineira Maíra Góes é quem dá vida à protagonista esquecida. Utilizando trocadilhos ritmados como “bar do Alberto” e “mar aberto”, cria-se todo o charme e encanto que somente Dory teria. A grande surpresa de todo o filme é encontrar Mckeidy Lisita soltando um “miga, sua louca” como voz de Bailey. Além disso, Antonio Tabet entrega todo seu aprendizado no Porta dos Fundos para o rabugento Hank. A menção honrosa vai para a cena dentro do caminhão, em que frases como “Perdeu, bípede!” e “Vem cá, essa esquerda aqui é pra sempre, é?” saem espontaneamente do polvo. 

Procurando Dory pode não ter sido o sucesso que Stanton procurava naquele momento. Apesar disso, a animação permanece fresca na memória e no coração dos fãs pelos peixinhos. O olhar mais maduro dos (agora) adultos, que cresceram aguardando a sequência dos anos 2000, promove uma conscientização pertinente sobre a preservação dos ecossistemas marinhos e mobilizações acerca da inclusão. A narrativa descontraída, inocente e divertida estabelece ensinamentos primordiais em diversas estruturas da sociedade sobre resgate, reabilitação e retorno. Eu não sou Marília Gabriela, mas agradeço por terem vindo. 

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Larissa Vieira

Toca (Burrow) é mais uma das produções SparkShorts do Disney+, a série de curtas-metragens de animação independentes, criada por funcionários temporários dos estúdios Pixar. A produção conta a história de uma aventureira coelhinha que procura cavar a toca ideal para ela morar, porém, ao se deparar com vizinhos, ela decide ir explorando cada vez mais a fundo até que se mete em problemas e tem que recorrer a pedir ajuda à quem ela estava fugindo. 

A animação encanta ao trazer a mensagem de que não há por que ter vergonha ao pedir ajuda. Em tempos de isolamento social, ver alguém buscando a solidão dói como nunca doeu antes, porém é ainda mais prazeroso ver a coelhinha recorrer ajuda e encontrar apoio no próximo. Toca ainda mostra muita determinação e garra da jovem que faz de tudo para conquistar seu objetivo, mostrando toda sua resiliência, que se torna ainda mais forte com o apoio dos outros animais, que crescem ao lado da protagonista. 

A animação do Disney+ foi escrita e dirigida por Madeline Sharafian ao lado do produtor Mike Capbarat, inspirados em desenhos de livros infantis; por isso, Burrow é rico em detalhes, até nas minúsculas tocas de formigas. As cores da obra também remetem a esse universo dos livros, o que faz com que a animação se torne uma agradável e inspiradora história de dormir para crianças. 

Produzida somente em 6 meses, Toca ainda conta com elementos de uma nova era de curtas da Pixar, em 2D, mais próximos de esboços reais, afastando-se do traçado computadorizado do 3D, conhecido de antigos curtas vencedores do estúdio como O Avião de Papel (Paperman) e Bao. 

Indicado ao Oscar 2021 de Melhor Curta-Metragem de Animação, a produção desponta na lista por ser uma produção dos estúdios Pixar e inovar, em partes, em seus desenhos, porém disputa ao lado de favoritos como o popular If Anything Happens I Love You, da Netflix e os grandes vencedores de prêmios internacionais Yes-People e Genius Loci. 

Apesar do grande destaque, Burrow ainda é uma produção pop, voltada para o público infantil, bem reconhecida pela Academia por seus traçados, um enredo interessante e pertencer ao famoso universo Pixar. Porém, a animação fica devendo por não passar sua mensagem de forma mais real e, menos “colorida”, como nos curtas concorrentes. Cenário que pode ser analisado nas demais premiações, que indicaram e premiaram mais os trabalhos da Netflix e Genius Loci, por exemplo, por esses fugirem do popular, infantil e de fácil compreensão. 

A mensagem maior por trás do filme também é ainda rasa e não inovadora, já que o trabalho em equipe já foi contado por outras produções do estúdio, porém a forma como foi explorado é o que dá destaque à obra, além de nos fazer refletir, em meio à uma pandemia mundial sobre o isolamento. Portanto, Toca (Burrow) é bem desenhada e passa um recado às crianças, mas ainda é mais uma das produções da Pixar, sem muita inovação, porém com muita popularidade já que carrega seu nome. 

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