Catarina Pereira e Jhenifer Oliveira

Há 20 anos, O Diabo Veste Prada marcou uma geração traduzindo os bastidores da moda de luxo ao mundo e trazendo curiosidades sobre a produção editorial. O longa se tornou icônico, atingindo uma bilheteria de enorme sucesso – 326,6 milhões de dólares – e conquistando um Globo de Ouro e inúmeras outras premiações, como BMI Film Award e Satellite Awards, além de contar com as atuações brilhantes de Anne Hathaway e Meryl Streep. Em 2026, a obra ganha uma sequência que chega aos cinemas com muita antecipação do público.

O Diabo Veste Prada 2 é uma continuação satisfatória que vai contra o movimento de sequências decepcionantes lançadas nos últimos tempos, como Meninas Malvadas (2024). O filme ainda se baseia na história de Anna Wintour, ex-editora-chefe da Vogue americana, trazendo conflitos e crises da transição do jornalismo impresso para o digital e da corporativização do jornalismo editorial. Tudo isso sem perder o viés pessoal da evolução das memoráveis personagens Miranda Priestly (Meryl Streep) e Andrea Sachs (Anne Hathaway).

A direção de David Frankel traz novamente um olhar sensível às relações interpessoais das personagens, como a conexão entre a Miranda e Andy, que, mesmo após anos, segue sendo complexa e interessante. O filme cria uma conexão com o público transmitindo uma intimidade maior com as protagonistas, que são retratadas em suas múltiplas faces. A direção de arte assinada por Jess Gonchor é excepcional para a sequência conversar com a obra anterior, já que segue trazendo as marcas do primeiro filme, mas sendo adaptadas para o momento atual.

Outro ponto essencial ao falar sobre O Diabo Veste Prada é o renomado figurino. O novo longa traz para as telas uma elegância minimalista, com peças-chave de grandes marcas, como Chanel e Dior, sem necessitar de muito para criar looks icônicos. A responsável pelo visual é Molly Rogers – parceira de Patrícia Field, figurinista do primeiro filme – que captou muito bem a sutileza necessária para ser extremamente sofisticado.

É de se esperar que, em uma sequência, a dicotomia entre o velho e novo exista, mas em O Diabo Veste Prada 2 esses antônimos convivem entre si dentro da narrativa sem necessitar explicitamente recorrer ao anterior. A grande problemática do enredo se apoia em conciliar as mudanças sofridas através do tempo pelas relações entre os personagens e seu amadurecimento, além das formas de se compreender jornalismo e arte.

O roteiro feito por Aline Brosh McKenna tem enfoque crítico, abordando as mudanças do atual mercado através da ficção. A trama é surpreendente, apresentando uma não obviedade aos acontecimentos e mantendo o espectador cativado durante o filme inteiro. Os personagens são bem desenvolvidos, dando um maior espaço à novos enredos, como Nigel (Stanley Tucci) e Emily (Emily Blunt), que ganham um certo protagonismo na obra, esse teor emocional trás à produção uma nova visão da narrativa, que ganha discussões que abordam além do que foi apresentado originalmente no primeiro filme. Por outro lado, a história se perde ao propor um romance à Andy, que fica em último plano e não conversa com os outros eventos. A impressão que fica é que foi algo necessário para completar a vida da protagonista, sendo que sua carreira sempre foi o enfoque principal.

O Diabo Veste Prada 2 não decepciona ao prometer uma sequência icônica com novos cenários e propostas, porém com fidelidade ao sentimento de nostalgia e apego ao antigo filme. Assim, o longa não procura apenas continuar a proposta da primeira obra, mas sim reinventá-la, e tem sucesso ao fazê-lo. Mesmo com novos enredos, os pontos de conexão entre o primeiro e o segundo exemplar de O Diabo Veste Prada mantém o espectador instigado e satisfeito com a continuação de uma história que lhe é tão íntima e adorada, não decepcionando quem vai aos cinemas buscando sentir o mesmo que sentiu há 20 anos.

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Vitória Borges

Os vizinhos mais queridos do Upper West Side estão reunidos novamente, Charles (Steve Martin), Oliver (Martin Short) e Mabel (Selena Gomez) retornam mais uma vez com sua sagaz habilidade em desvendar mistérios. Na terceira temporada de Only Murders in the Building, indicada na categoria de Melhor Série de Comédia no Emmy 2024, o trio apaixonado por crimes reais é encarregado de manter a dinâmica e química que somente eles possuem. Criado por Steve Martin e John Hoffman, o seriado que conquistou uma legião de fãs mistura o humor afiado de Martin e Short com o jovem talento de Gomez. 

Não muito diferente das outras duas partes, a terceira temporada de Only Murders in the Building acompanha o trio reunido para desvendar um misterioso assassinato, dessa vez, fora do Edifício Arconia. A nova fase da série ganha um ar teatral e implementa figuras novas ao seu enredo. A trama, que acompanha o drama do ‘Quem matou?’, segue dando show de glamour e excelência dentro e fora de cena.

Com o desafio de manter o frescor e a originalidade das temporadas anteriores que prenderam a atenção dos espectadores, o Teatro se torna o novo palco para os acontecimentos da série; Meryl Streep, Ashley Park e Paul Rudd se juntam ao elenco da nova parte da trama. A transição entre a teatralidade e o cenário narrativo dialoga entre si, afinal, tanto o Teatro quanto Only Murders in the Building vivem da performance, das máscaras e das revelações inesperadas.

Proporcionando novas vivências e interações entre os personagens, a inclusão de novos rostos é uma grande tentativa de expandir o universo da série e adicionar camadas de complexidade aos episódios. O papel de Rudd como o egocêntrico ator Ben Glenroy, e Meryl Streep, na pele da talentosa atriz Loretta Durkin, dão fôlego à terceira temporada, que é marcada pelo ar cômico, trágico e envolvente.

Características como fragilidade e sagacidade são essenciais para a narrativa de mistério da série, flutuando entre o suspense e a Comédia. No entanto, é impossível não notar que o seriado parece se perder em sua fórmula ‘risonha’ e descontraída. Episódios que poderiam conter excelentes acréscimos à trama acabam se alongando em diálogos pouco produzidos e sem sentido, dispersando o foco do mistério central da temporada. 

Em 2024, Only Murders in the Building foi nomeada em 21 categorias do Emmy. Pelo terceiro ano consecutivo, o seriado foi indicado como Melhor Série de Comédia. A química entre os atores expõe muito o motivo da série ser tão aclamada pela crítica, não é atoa que Steve Martin e Martin Short foram ambos nomeados na mesma categoria como Melhor Ator em Série de Comédia. Eles se uniram a Matt Berry (What We Do in the Shadows), Larry David (Curb Your Enthusiasm), Jeremy Allen White (The Bear) e D’Pharaoh Woon-A-Tai (Reservation Dogs) na busca pela estatueta. No entanto, o vencedor da noite foi Jeremy Allen, o icônico Carmen de The Bear.

Após duas rejeições na premiação, Selena Gomez finalmente foi indicada na categoria de Melhor Atriz em Série de Comédia. A cantora conquistou a posição de produtora com ascendência latina mais indicada na história do Emmy. Ela competiu com Quinta Brunson (Abbott Elementary), Ayo Edebiri (The Bear), Maya Rudolph (Loot), Jean Smart (Hacks) e Kristen Wiig (Palm Royale), perdendo para a protagonista de Hacks.

Visualmente, a cinematografia explorou com maestria os novos ambientes de Only Murders in the Building, o figurino e a direção de Arte contribuíram para a criação de uma atmosfera única e familiar. O novo cenário teatral ofereceu um contraste interessante e excêntrico, expandindo o universo visual da série. Em 2024, a produção foi nomeada à categoria de Melhor Figurino Contemporâneo, porém disputou com fortes concorrentes, como The Crown – que saiu vitoriosa – e The Bear.

Misturar humor com tragédia nem sempre é fácil, mas a tranquilidade que a trama encontra um equilíbrio único entre mistério e Comédia é excitante. A série, que retorna com tudo, cantando e investigando uma temporada criativamente dramática na Broadway, parece confiar demais em seu próprio charme, esquecendo alguns pontos ainda em aberto e os deixando mal resolvidos.

Em resumo, Only Murders in the Building prova que, apesar de ter entregue uma temporada morna, ainda tem muito a oferecer. É impossível dizer que a série anda em uma linha tênue, já que possui erros e acerto durante sua produção. O mistério central da trama acaba não sustentando o peso das subtramas e da expansão narrativa dos personagens, colocando em jogo a necessidade de reavaliar a fórmula e encontrar novas maneiras de surpreender o público.

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Laura Hirata-Vale

Quem matou Bunny Folger? É essa a pergunta que abre a segunda temporada de Only Murders in the Building, série da Hulu lançada no Brasil em Junho de 2022 pelo streaming Star+. Depois de solucionarem o assassinato de Tim Kono (Julian Cihi), os moradores Mabel Mora (Selena Gomez), Charles-Haden Savage (Steve Martin) e Oliver Putnam (Martin Short) se juntam novamente após o corpo da mais querida e detestada síndica do edifício Arconia ser encontrado com uma agulha de tricô no peito, no apartamento de Mora. Em dez episódios, o público descobre informações sobre a história dos três protagonistas e do prédio, enquanto tenta desvendar o mistério da morte de Bunny (Jayne Houdyshell).

A série continua com sua proposta de ser um podcast de true crime bem-humorado, sendo sempre narrado por um personagem. Por terem relação com a vítima, e por serem pessoas de interesse para a polícia, o trio protagonista decide – em um primeiro momento – não investigar o caso. Mas, conforme as evidências começam a surgir e a serem plantadas em seus respectivos apartamentos, o grupo percebe que não há como ficar parado: eles precisam correr contra o relógio para achar o assassino, antes que a podcaster rival, Cinda Canning (Tina Fey), e sua assistente, Poppy White (Adina Verson), montem um falso quebra-cabeça e os coloquem como culpados.

Durante a temporada, conhecemos ainda mais o que acontece por dentro das paredes do Arconia. Moradores – antigos e novos – têm suas histórias apresentadas e, dessa forma, tentamos resolver o mistério junto a Charles, Mabel e Oliver. Além disso, os capítulos permanecem com o conceito de recontar o passado enquanto se está no presente. A série utiliza flashes com vislumbres de cenas para mostrar alguns acontecimentos, que, por causa do recurso escolhido, dão um ar de dúvida para a investigação. Por causa da grande quantidade de fatos e momentos contados ao longo da trama, o espectador pode ficar confuso em relação à sequência da narrativa. Porém, Only Murders in the Building mantém sua trilha sonora ótima, feita por Siddhartha Khosla, responsável pelo mesmo departamento em This Is Us: são músicas bem-humoradas, escolhidas a dedo, que beiram a metalinguagem por falarem sobre assuntos tratados durante os episódios.

A história do segundo ano se desenvolve em idas, vindas e reviravoltas, além de possuir flashbacks que voltam para a noite do crime. Depois de uma celebração da vida e morte da síndica, Oliver recebe uma herança inusitada de Bunny Folger: o papagaio Senhora Gambolini. A ave é um ser intrigante, boca suja e até ranzinza, como era sua falecida dona, e, com uma frase, torna o fim do episódio Incriminados chocante. As quatro palavras que formam a fala “eu sei quem foi” também guiam o terceiro capítulo, intitulado O último dia de Folger. Nele, vemos ‘tim-tim por tim-tim’ o que Bunny fez no seu último dia de vida. Assim, conhecemos ainda mais a mulher que estava por trás do gerenciamento do Arconia, quais eram seus segredos, hábitos e tradições, enquanto vemos, em detalhes, o que poderia ter levado ela à morte. 

O quinto capítulo, O Indício, é um dos melhores. Ambientado quase que inteiramente no apartamento de Mabel, vemos uma festa feita por Alice (Cara Delevingne) que, para o trio de podcasters-detetives, serve para revelar segredos e mentiras. Oliver propõe aos convidados uma diversão: um jogo parecido com “Cidade Dorme”, que jogava durante os seus anos de juventude e usava para descobrir qual era o vestígio que seus amigos e colegas davam quando estavam mentindo. Putnam procura quem é o “assassino filho de Sam” em uma sequência de cenas bem montadas, que misturam o tempo real e a brincadeira. Por causa disso, vemos os figurinos corriqueiros e atuais da série se intercalarem com roupas feitas para remeter aos anos 70. O episódio ainda é regado com a música Psycho Killer, dos Talking Heads, fazendo uma grande conversa entre a cena, a série, o jogo e os acontecimentos recentes das vidas dos protagonistas.

Enquanto processamos esses acontecimentos, a primeira temporada da produção criada por Steve Martin e John Hoffman recebeu 17 indicações ao Emmy 2022, e venceu três, incluindo Melhor Ator Convidado em Série de Comédia, pela atuação de Nathan Lane no papel de Teddy Dimas. Além disso, Meryl Streep, Paul Rudd, Ashley Park e Jesse Williams entraram para o elenco, e dessa forma, o seriado televisivo começa a preparação para seu terceiro ano. 

A segunda temporada de Only Murders in the Building é genial, cheia de muitos detalhes. Em um whodunnit bem feito, a série consegue se encaixar, sempre deixando uma ponta solta – ou uma peça faltando – para iniciar uma nova fase. Bem escrita, possui suas reviravoltas e seus instantes que deixam o espectador boquiaberto, em choque, quase sem reação, e continua com a proposta de ser como uma montanha-russa, possuindo momentos de tensão e relaxamento, de comédia e risadas, e de drama e lágrimas. É um bom podcast visual, que nos faz tentar resolver, junto a Charles, Mabel e Oliver, esse grande quebra-cabeça que habita o Arconia. 

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Nathália Mendes

O que você faria se descobrisse um meteoro vindo em sua direção? Diminuindo a distância que o separa do planeta Terra a cada vez que você respira, ou na medida em que lê essas palavras? O diretor Adam McKay achou que seria apropriado rir das nossas caras de tacho. E assim, nasceu Não Olhe para Cima (Don’t Look Up), com seu elenco estrelado vomitando o iminente fim da humanidade. O que você faria então, mediante tamanho desastre? Desviaria o olhar, vestiria seu uniforme de imbecil, e abriria o TikTok para ser feliz novamente vendo vídeos de cachorros fofos, com certeza.

Não é lá muito divertido assistir Dr. Mindy (Leonardo DiCaprio) e Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence) travando uma batalha para fazer o mundo acreditar na Ciência. Ao ter o negacionismo científico como o princípio de toda a narrativa, o longa está tão próximo da realidade que a piada se transforma em um bolo no estômago, fazendo cada parte do corpo formigar conforme se assiste. McKay, que venceu um prêmio por A Grande Aposta e voltou a ser lembrado por Vice, não precisou de sacadas geniais para incomodar, nem para receber suas 4 indicações ao Oscar 2022. Longe de ser uma crítica profunda revestida de adereços, o diretor alugou um triplex na cabeça dos espectadores por derramar verdades às claras.

Nos primeiros minutos de Não Olhe para Cima o choque transborda nos personagens. Se trata, claramente, de uma catástrofe, e o espectador compartilha da sensação apocalíptica. Até que McKay coloca suas primeiras artimanhas na tela, e transforma o ligeiro terror em uma sátira de puro escárnio. Tirando sarro do que a sociedade se tornou, é evidente o menosprezo da narrativa pelos poderes e poderosos que governam. Seja mostrando órgãos estadunidenses – com emblemas ridículos – que não deveriam existir, ou com um general do Pentágono que cobra pelos lanches gratuitos da Casa Branca, é prazeroso e angustiante rir de quem comanda.

O paralelo com os últimos acontecimentos na humanidade também irrita. Estivemos tempo demais presos no Metaverso, fabricando notas de repúdio contra o negacionismo científico enquanto uma pandemia explodia do lado de fora das telas. Assistir a tentativa frustrante dos protagonistas em contar às pessoas que em torno de 6 meses o planeta seria extinto, é igual precisar de programas de vacinação que paguem a população para se imunizar em pleno século 21.  Mas, mesmo com as doses em dia por vontade própria, nós estamos junto dos personagens de Não Olhe para Cima, filme que se tornou o mais assistido da Netflix e é um de seus dois representantes na categoria principal, remando contra a maré de presidentas que querem “sentar e esperar”.

A personagem de Meryl Streep, reconhecida pelo Sindicato de Atores junto dos companheiros na disputa de Melhor Elenco, é uma junção grotesca da grande maioria de líderes que ascenderam nos últimos anos ao redor do mundo. Entre Jair Bolsonaro e Donald Trump, a presidenta Orlean é um óbvio retrato de como a sociedade tem aplaudido o ridículo, e idolatrado políticos que sequer dão o trabalho de esconder seus conluios. Muito pelo contrário, ao lado do filho Jason (Jonah Hill) – que tranquilamente se parece com os filhos do chefe do gabinete brasileiro -, exemplificam que o poder tem estado nas mãos de grandes personalidades narcisistas que andam de motoca. No jogo político do entretenimento, não há como a catástrofe ganhar.

Um dos grandes momentos do longa de McKay é de Leonardo DiCaprio. Quando seu personagem Randall Mindy enxerga seu papel de imbecil – incluindo ao fazer comerciais infantis sobre o meteoro -, ele desengasga um discurso agoniante em rede nacional, que facilmente sairia da boca de qualquer um. Em outro paralelo com a realidade, é fácil se sentir tão sufocado quanto o cientista, precisando provar às pessoas que a destruição é iminente e real. Junto do esforço de poderosos em desacreditar o que não lhes é financeiramente conveniente, a sociedade parece não querer enxergar nem se a evidência estiver à frente. Ou, no caso, acima de suas cabeças, descendo em sua direção. 

Entre a briga por Roteiro Original, assinado por McKay em parceria com David Sirota, e a de Trilha Sonora Original com créditos para Nicholas Britell (de Succession),  a indicação mais merecida de Não Olhe para Cima é em Melhor Montagem para Hank Corwin, pois o veloz jogo de cortes e de cenas no meio de falas é brilhante. A rapidez com que o editor muda a câmera ou pula para a próxima parte do roteiro consegue transmitir a sensação de instantaneidade da vida atual. Bombardeados de informações na mídia e internet, a sensação realista é de inconstância no nosso dia a dia, um borrão atravessado por acontecimentos em cada canto do mundo. E, mesmo assim, a entrega do prêmio da categoria foi cortada da cerimônia ao vivo do Oscar, apagando artistas importantes – como o próprio Corwin relatou. Esse é o tamanho da controvérsia em ter um filme que zomba da indústria cinematográfica, concorrendo na mesma.

A necessidade de parte da crítica de que o longa de McKay fosse revestido de opiniões bem pensadas é burrice. Toda a estrutura da narrativa, os memes que invadem as cenas, e o próprio tom de comédia meia boca, é completamente condizente com o deslocamento da realidade que vivemos. Nem uma catástrofe em tempos modernos com milhões de mortos em todo o planeta foi capaz de deixar a humanidade mais consciente. Muito possivelmente, os esforços de ambientalistas e jornalistas sérios não serão suficientes, que dirá de um diretor de Cinema. Por isso, contar uma piada basta.

Parece irreversível, assim como o desfecho do filme, que sejamos salvo dessa situação. De fato, não merecemos ser salvos, e Não Olhe para Cima exemplifica os motivos pelos quais a espécie merece a extinção. Quem seria salvo, afinal de contas? Quais pessoas embarcariam em uma espaçonave para viver fora do planeta Terra? É plausível que bilionários, como Peter Isherwell (Mark Rylance) – vulgo a mistura de Steve Jobs e Elon Musk -, da tecnologia construam foguetes para se divertirem durante alguns minutos em órbita?

Não olhe para cima, seu imbecil. Enquanto você foge da realidade, o sistema se reforça, embrenhando seus tentáculos muito além da altura de nossas cabeças. E, na verdade, ninguém de fato olha para cima. Temos descido o precipício cantarolando. Não há comédia ou entretenimento que sobreviva à catástrofe existente aqui embaixo, onde nos encontramos anestesiados. Somos – ou estamos – todos imbecis. E não precisou de muito para sentir um incômodo angustiante com alguém rindo do buraco sem fundo em que nos enfiamos.

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Ana Júlia Trevisan

O que esperar quando dois grandes nomes da cultura pop como Meryl Streep e Anne Hathaway se juntam em um filme? Nada menos que uma produção tão calorosa quanto o inferno. Dirigido por David Frankel e adaptado de um livro de mesmo nome (esse escrito por Lauren Weisberger), O Diabo Veste Prada é um dos maiores marcos de 2006, eternizando a toda-poderosa Miranda Priestly, a jornalista recém-formada Andrea Sachs e os corredores da revista Runaway.

É ao som de Suddenly I See, música da britânica KT Tunstall, que uma das produções mais marcantes dos anos 2000 começa a ganhar vida, mostrando Andrea como uma completa desleixada – por Deus, produção. Era só um suéter grande e uma saia que não combinava. E sim, ela estava magríssima, mas o filme insiste em dizer o contrário. A jovem não vive imersa no mundo da Moda, muito menos conhece o arrebatador trabalho da indomável Miranda Priestly. Por esse motivo, a personagem não se intimida ao encarar Miranda, e assim consegue o estágio na editoria de Moda, que muitas pessoas venderiam a alma para estar no lugar.

Os elementos que constroem a narrativa são inspirados na inatingível Vogue America. A Runaway é a recriação da revista de Moda e Miranda Priestly faz a Arte imitar a vida da mitológica Anna Wintour. A personagem é uma completa tirana, cheia de si, que dita todas as regras do mundo da Moda e possui o maligno poder de autoridade sobre tudo e todas. Basta um olhar para que todos seus pensamentos críticos da megera que lançou o Halston sejam expostos. Uma mordida nos lábios, e uma coleção completa vai parar no lixo.

Meryl Streep é uma das maiores atrizes do planeta, não há personagem complexo o suficiente que ela não consiga dominar. Todos os filmes que a gigante toca, vira ouro e reluz. Não dá pra definir a imensidão da atriz em apenas uma personagem, mas Miranda Priestly é, sem dúvidas, um dos maiores destaques de sua filmografia. A chefe infernal não precisa nem ser primeiramente apresentada para entendermos a pressão que faz no local. Toda correria no escritório da Runaway deixa claro que a chefe é uma força da natureza. E a simplicidade da produção nos leva a prever que a jornada do herói está prestes a começar para desafiar a diabólica.

Além das protagonistas, os coadjuvantes são essenciais para o filme permanecer em foco. Emily (Emily Blunt), Nate (Adrian Grenier) e Nigel (Stanley Tucci), respectivamente, exercem os papéis de: a estagiária que sonhava com o reconhecimento da editora-chefe, o namorado da Andy e o braço direito da Miranda. E não podemos esquecer de Serena, interpretada por Gisele Bündchen – ok, essa última não rouba cena, mas é extravagante ver uma atuação brasileira em um dos longas mais icônicos dos anos 2000. Emily e Nigel estimulam as atitudes e a evolução de Andy e Miranda no enredo simples porém ardiloso de O Diabo Veste Prada. O escudo criado na personalidade de ambos para sobreviverem à dissimulação de Priestly faz com que a inocente Anne Hathaway ganhe a simpatia e o carinho total do público.

“Um brinde a empregos que pagam o aluguel”: é assim que Andy comemora seu novo e pavoroso trabalho. Diferente de tudo que ela almejava conquistar, a Runaway carrega seu maior desafio: o de sobreviver às ordens de Priestly. O trabalho é sem limites, o salário é terrível e as tarefas saem do âmbito jornalístico para entrar até na vida pessoal de sua chefe. Na revista, não apenas se trabalhava para Miranda, era necessário viver a Miranda. E é a partir daqui que O Diabo Veste Prada vira pauta de perfis do Instagram, portais e mesas de bar. A produção de 2006 cresce ao lado de uma sociedade que está passando por transformações e reflexões a respeito de suas relações de trabalho e amorosas, e isso faz com que aquele roteiro Sessão da Tarde seja como whiskey: ganhando mais sabor ao ser envelhecido.

Em 2006, Miranda Priestley ficou pintada e bordada como a grande vilã (praticamente a Carminha deles). Em 2021, a discussão ganha outro ponto de vista, apontado como tóxico o comportamento de Nate, que não suportava ver sua namorada crescer profissionalmente. “Mas quem é o verdadeiro vilão de O Diabo Veste Prada?” É uma pergunta impossível de ser respondida. Por maiores que sejam as tentativas, essa é uma questão em que o próprio filme coloca inúmeras variáveis que impedem a resposta. 

Em momento algum se pode colocar Miranda em um pedestal, até mesmo porque ela já está esquecida em cima dele. É sempre importante salientar que a personagem de Meryl Streep é sim uma chefe nociva, que causa medo não apenas em seus funcionários, mas em todos que de alguma maneira se relaciona com seu trabalho. Entretanto, essas características não são inovadoras da produção, qualquer filme que tenha um homem nessa posição o torna um mero coadjuvante dentro do roteiro. A postura de Miranda pode ser interpretada como um mecanismo de defesa adotado por mulheres em posições de poder. Esse olhar não é uma tentativa de endeusar trabalhos tóxicos, mas sim, de amenizar a vilania por proteção.

Do outro lado da moeda, temos Nate. Aqui, o problema tem nome e sobrenome: falha de comunicação. Entre todos os cansativos julgamentos, que fez com que o público criasse birra pelo personagem, Nate nunca usou a posição de namorado a seu favor, ajudando sua companheira a se livrar das garras da chefe. Não há como sair de uma relação tóxica, seja ela pessoal ou profissional, sem uma rede de apoio. Ele não está nem perto de ser nenhum coitadinho abandonado. Seu personagem serve para melhor ilustrar como a vida pessoal de Andy está caminhando pela estrada que Miranda abriu. Ele é chato? Sim. Egoísta? Também. Mas não tem tempo de tela suficiente para carregar a titulatura de vilão – o que também não faz dele alguém sem culpa.

Entre glamour, viagem para Paris e muita obstinação, apoiado em um humor inteligente, agudo e irreverente, O Diabo Veste Prada tem material para suscitar discussões por anos e anos. Seus silogismos fazem com que a trama tenha um final fechado após uma grande quebra, e é esse segmento de saber onde quer chegar e quais decisões textuais tomar para gerar combustível para o filme alcançar o patamar que ocupa hoje. As mudanças nas personagens são notáveis porque a direção quer deixar claro as convicções delas, com o objetivo de fomentar reflexões sobre nada ser duradouro.

A produção não massacra Nate e tampouco vangloria Miranda. O mundo cobra mais das mulheres, e sempre cobrou mais da diaba que se importou com a sua carreira, mesmo na ânsia de conciliar seus valores maternais. Meryl Streep dá toda força necessária para a construção dessa mulher afetada pelo ambiente inóspito – que mais tarde, ela mesma acabou recriando. A chefe é intimidadora sem levantar a voz, fazendo com que todos tenham que se inclinar para ouvir. A imortalidade da personagem vem de sua maneira passiva-agressiva de agir, que quebra qualquer caricatura da mulher descompensada que grita para mandar.

A visão sobre o filme amadurece com o tempo. A definição do verdadeiro vilão de The Devil Wears Prada fica a cargo dos valores de quem o assiste. Mas essa procura pelo culpado é banal em um roteiro que engendra suas figuras com camadas consistentes e humanizadas. Colocar cada personagem em sua caixinha com o rótulo de mocinha ou vilão é desleal com o texto sobre pessoas falhas que buscam progredir na vida. Dentro do longa, as personagens que funcionam separadamente, e a condecoração de vilão a um não imuniza o outro. Assistir e reassistir O Diabo Veste Prada é um confronto consigo mesmo e com o mundo.

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Ana Laura Ferreira

Ser uma amante de musicais é um caminho perigoso que proporciona altos estratosféricos e quedas dolorosas. Não é todo dia que temos a oportunidade de aproveitar um Mamma Mia (2008) e por vezes nos deparamos com alguns Cats (2019) pela frente. E por mais que A Festa de Formatura (The Prom) tivesse absolutamente tudo para entregar uma história recheada de carisma, atos de dança deslumbrantes e atuações dignas de Oscar, o filme se torna apenas mais um entre as inúmeras produções de Ryan Murphy. Nem a pior, nem a melhor, apenas a mais esquecível.

O longa foi inspirado em uma peça de teatro musical de mesmo nome que conta a história de Emma, uma estudante do Ensino Médio que deseja ir ao baile de formatura com sua namorada, mas é impedida pelo conselho escolar. Indignados com a proibição e buscando por uma manchete que possa trazer seus nomes de volta ao estrelato, quatro atores da Broadway rumam em direção a Indiana para ajudar a mudar os pensamentos conservadores. E é através dessa narrativa que todo o glitter e purpurina teatral é acrescentado ao longa.

Esse parece um pontapé inicial digno de uma obra a ser aclamada pela crítica e conquistar a unanimidade do público, mas The Prom não chega nem próximo a isso. Seguindo por caminhos tortuosos e por vezes megalomaníacos demais, nem mesmo seu cast repleto de estrelas consegue resgatar esse navio que naufraga aos poucos. Meryl Streep, Nicole Kidman e Kerry Washington são apenas alguns dos grandes nomes que vemos correr pela tela, mas ainda com todo seu talento e buscando fazer magia com nada, o roteiro e a direção diluem seus dons e não usufrui o quanto poderia de suas oportunidades.

Esse chamariz de nomes conhecidos funciona como uma forma de encobrir o limite da linha tênue entre a sátira e o mal gosto pela qual Ryan Murphy, que assina a direção e produção de A Festa de Formatura, caminha. O criador de Glee e Hollywood tem uma marca e isso é inegável. A facilidade que temos em enxergar toda sua personalidade logo nos primeiros minutos de filme é impressionante, mas o problema aqui é que The Prom se resume a ser Murphy demais. Chamativo, forçado, bagunçado, com muitas histórias, personagens, desperdícios e tentativas demais de nos empurrar um carisma exagerado e difícil de comprar, haja visto algumas atuações. 

É claro que em sua maioria os atores entregam performances impecáveis dentro do possível do roteiro, como é o caso de Meryl e Nicole, mas por outro lado James Corden nos faz pensar o porquê dele ter sido escalado. O comediante e apresentador do The Late Late Show é engraçado e carismático, e isso é inegável, mas como ator o buraco é mais embaixo. Mesmo apresentando uma performance mil vezes melhor do que seu personagem em Cats, Corden se prende em maneirismos que funcionam bem na programação da TV, mas que no cinema o tornam caricato e sem expressão própria.

Ainda assim, o filme traz um produção técnica primorosa, com jogos de luz inspirados nos grandes palcos da Broadway e que trazem um ar teatral ao longa. Assim como os figurinos, fotografia e cenografia, pensados com um cuidado tão grande que vemos todo o esforço que foi dedicado aos detalhes, buscando torná-los parte integral da narrativa e nos fazer crer que apesar dos spots de luz colorida que surgem do nada, A Festa de Formatura poderia unir o crível ao fantasioso. Essa estratégia parte até para o roteiro que por vezes deixa de lado o fictício para abordar assuntos sérios e que merecem discussão, o que dói são esses momentos serem ofuscados por todo o exagero da narrativa.

O que mais pesa em The Prom é ele ser o tipo de filme que nós gostaríamos de amar e panfletar para o mundo, mostrando como musicais podem ser divertidos, deslumbrantes e ainda trazerem uma história completa. Infelizmente, aqui a trama é só mais uma desculpa para produzir grandes números musicais em sequência. E isso porque Murphy não soube aproveitar as pedras preciosas que tinha em mãos. Talvez o maior exemplo de desperdício que podemos encontrar é a personagem de Nicole Kidman, que é descartável e não interfere na trama, usando o nome da atriz apenas como uma forma de chamar atenção do público. 

Entretanto, nos poucos momentos que são dados, Nicole brilha tão intensamente que sentimos vontade de ver uma produção totalmente dedicada a ela. E enquanto alguns são desperdiçados, outros são usados de forma desgastante, como é o caso das personagens Emma e Alyssa. As supostas protagonistas do longa se perdem em meio ao seu romance água com açúcar que não tem sequer uma pitada de química, tornando o plot das atrizes irrelevante e sem emoção.

A estrutura episódica de A Festa de Formatura também não contribui para a narrativa que se torna quebrada e segmentada. Essa fórmula funciona perfeitamente em séries de TV e no teatro, com atos bem demarcados que nos dão uma amostra a cada nova parte. Mas quando pensamos em cinema é essencial ter uma história bem amarrada e que se construa de forma sólida, sem deixar pontas soltas, porque não precisamos de uma nova narrativa a cada cinco minutos se já tivermos comprado a principal.

É tudo exagerado, Ryan Murphy e cintilante demais, na conotação ruim das palavras. A Festa de Formatura é uma diamante que não soube ser lapidado e se perdeu em meio às tentativas megalomaníacas de seu diretor. Talvez em outras mãos, como a de Adam Shankman de HairSpray (2007) e Rock of Ages (2012), pudéssemos ter uma versão de The Prom tão magnífica quanto a sua peça de inspiração, mas por enquanto nos contentamos em fingir que suas longas dua horas de duração não serão rapidamente esquecidas. 

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Vitor Evangelista

‘Quando se tem olhos, é impossível olhar para o nada. Você sempre está perante alguma coisa, baleias, o mar.’ Quando Barb (Jane Morris) diz isso antes de morrer no trágico acidente que enviuvou Ellen (Meryl Streep), A Lavanderia cria uma inusitada e pessimista dicotomia dentro da estranha narrativa que quer contar. Passados os créditos do longa de Steven Soderbergh, é possível afirmar que sim, mesmo tendo olhos, acabamos de olhar para 96 minutos de nada. 

A comédia da Netflix encontra um caminho desordenado, com elementos metalinguísticos, narração em off e a quebra da quarta parede para debater fraude e economia, tudo baseado em ‘segredos’ reais. Steven Soderbergh, como bem prova sua filmografia, não segue padrões. Indo da série de filmes Onze Homens e um Segredo (2001) para a pataquada Magic Mike (2012), o americano experimenta diversas técnicas aqui, mas nunca leva o filme até seu máximo potencial. Fator já conhecido da obra do diretor, ele ainda assina a Direção de Fotografia e a Edição, com seus pseudônimos Peter Andrews e Mary Ann Bernard. 

O roteiro de Scott Z. Burns (que adapta o livro de Jake Bernstein) não poderia ser pior lapidado. Um argumento fraco adendo ao texto bruto e sem qualquer preocupação em soar interessante ou relevante. Mesmo abordando uma série de assuntos de interesse público, o filme nunca se contenta em traçar uma linha reta de A até B; sobra sempre espaço para uma grande desvio, ora proveitoso, ora excruciante, para enfim chegar ao ponto necessário.

A Lavanderia segue a rotina de Ellen Martin (Streep) após seu marido morrer num acidente de barco e ela receber o dinheiro da seguradora. Ao passo que os advogados fraudadores, Jurgen Mossak (Oldman) e Rámon Fonseca (Banderas) riem e conversam com a audiência. Enquanto a dupla detalha os esquemas de roubo, o filme leva o espectador a diversos pontos do planeta, traçando um mapa que ilustra o tamanho do esquema bolado. A trama adapta a história real do escândalo Panama Papers, que vazou em 2016.

O papel de cinema é, e sempre foi, o de subverter expectativas e contar histórias diferentes, instigantes. Quando um filme assim, encabeçado por um elenco de alto calibre, não consegue cativar sua audiência, algo está errado. Enquanto no papel tudo possa parecer funcional, na prática quase nada orna. A começar por Meryl Streep. Sua Ellen é amargurada, ressentida e relutante em lutar pelo que acredita. A atriz carrega uma dor latente, que cresce conforme ela se desenvolve em cena. Todavia, a participação da personagem nesse mar de confusão é quase injustificável. Fora a tremenda cena final, com um texto bufante e bravejador, a veterana de Hollywood e cadeira-cativa no Oscar estaria aqui para nada.

Quem conduz a produção é a dupla Gary Oldman e Antonio Banderas. Caricatos, os atores criam personas detestáveis para seus personagens, distanciando o público ainda mais da história contada ali. A decisão de Soderbergh em narrar as fraudes aos olhos dos ‘vilões’ da história, embora soe interessante, é só mais uma escolha ruim do filme. Chega a ser estranho pensar que Banderas entregou uma das melhores atuações do ano em Dor e Glória, e logo em seguida se prestou a esse papel na Lavanderia.

Ainda compõe o elenco Jeffrey Wright (ótimo ator, péssimo papel), James Cromwell (que tem pouco tempo de tela, mas encanta como pode), Melissa Rauch (nula ao lado de Meryl Streep, mas a culpa não é dela), David Schwimmer (outro que é esquecido logo que suas cenas acabam). Sobra espaço para uma ponta hilária dos comediantes Will Forte e Chris Parnell (essa dupla junta aquece o coração dos fãs de 30 Rock).

Quem melhor desenvolve a micro-narrativa dentro de A Lavanderia é o núcleo de Charles (Nonso Anozie) e sua filha Simone (a brilhante Jessica Allain). O drama da traição e do suborno é interessante tanto pela interpretação quanto pelo texto. A esquizofrenia do roteiro do filme se torna pedante; enquanto em boa parte da produção o texto é desagradável, existem parcelas com um trabalho bem feito sendo transmitido. A parte chinesa da história é outra que chama atenção positivamente. O principal motivo para tal, talvez sendo a minutagem destas sequências. Normalmente variando na casa dos quinze minutos, estes momentos crescem sua importância exatamente por terem vida curta.

A trilha sonora jocosa retira o espectador da experiência danosa que o filme acaba por transmitir. Plano-sequências elaborados, jogo de câmera inteligente e fora do comum, um uso interessante do visual, todos esses elementos técnicos levam A Lavanderia por um caminho mas são subitamente sabotados pelo cerne de sua história, a narrativa contada. Desperdiçando um elenco magnânimo e cheio de alma, Steven Soderbergh pode enterrar a Lavanderia em qualquer lugar do mundo e perder o mapa.

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Lara Ignezli

Big Little Lies, originalmente um livro de Liane Moriaty, ganhou uma adaptação em formato de minissérie no ano de 2017. A criação de David E. Kelley é televisionada pela HBO e produzida pela Hello Sunshine, empresa co-fundada por Reese Witherspoon — quem, inclusive, é uma das principais estrelas da produção. A produção pretendia ter apenas uma temporada com sete episódios e, através de uma narrativa misteriosa e carregada de suspense, utilizou o ano inicial para entrelaçar a vida de cinco mulheres residentes de uma comunidade (aparentemente pacata) em Monterey.

Antes de citar qualquer outra grandiosidade de Big Little Lies, é necessário exaltar seu elenco pesadíssimo. Além de Reese Witherspoon, que interpreta Madeline Mackenzie, a primeira temporada é protagonizada por Nicole Kidman (Celeste Wright), Shailene Woodley (Jane Chapman), Zoë Kravitz (Bonnie Carlson) e Laura Dern (Renata Klein).

 Uma reunião de talentos desse nível começou a intrigar o público e a construir expectativas estratosféricas. Expectativas, essas, que foram superadas quando o produto final foi lançado. As cinco atrizes interpretam mulheres complexas e extremamente interessantes, mas o destaque da temporada é, sem dúvidas, Nicole Kidman. A atuação impecável da australiana dá vida à Celeste, uma dona de casa extremamente rica, casada com o marido perfeito, Perry Wright (Alexander Skarsgård), e mãe de gêmeos. 

O que aconteceu na primeira temporada, mesmo?

Para relembrar o que tinha acontecido é necessário focar na história de três personagens: Celeste, Jane e Madeline. A vida de Celeste começa a chamar atenção quando sua privacidade começa a ser exposta. Perry Wright não é um marido tão perfeito assim, e casos de violência doméstica são frequentes na convivência do casal. Paralela à história da família Wright, a de Jane Chapman começa a se desenvolver. A jovem passa pelo processo de ser aceita na comunidade para a qual tinha acabado de se mudar, além de sofrer com a adaptação do filho Ziggy (Iain Artmitage) na nova escola. 

Mas o que torna o foco em Jane interessante são os flashes que a personagem tem constantemente, partes confusas de um acontecimento passado. Ao desenrolar da narrativa, fica claro que os flashes que atormentam Jane se tratam de um estupro do qual a personagem foi vítima. Foi desse abuso sexual, inclusive, que nasceu seu único filho. 

O último nome que recebe destaque na temporada é Madeline Mackenzie. Ela enfrenta os próprios erros do passado por ter traído o companheiro Ed Mackenzie (Adam Scott), o marido perfeito. Em compensação, o presente também a atormenta com conflitos quando ela descobre que seu ex-marido Nathan Carlson (James Tupper) se casou com Bonnie., a personagem de Kravitz.

As três tramas se cruzam definitivamente e aproximam Renata e Bonnie do resto do grupo no último episódio. Durante uma festa, Celeste decide finalmente se separar do marido e o deixa ciente de sua decisão, o que faz com que Perry fique absurdamente atormentado. Por conta disso, Celeste, muito abalada, resolve deixar o evento mais cedo. Seu comportamento alarma Madeline, Renata e Jane, que seguem a amiga. Perry, completamente alterado, também segue a esposa.  

Os cinco se encontram entre dois lances de escada, onde Perry começa a agredir Celeste fisicamente. Enquanto cada uma começa a entender o que estava acontecendo, Jane reconhece Perry como seu estuprador e pai de Ziggy. O caos reina em todos os aspectos. As agressões e lágrimas continuam freneticamente, até Bonnie entrar em cena e, finalmente, empurrar Perry. 

O homem cai alguns lances da escada e morre, deixando todas muito confusas e em completo choque. Foi genial a decisão de construir tensões psicológicas ao longo da temporada e enfim transformá-las em um conflito externo com um final satisfatório. A sensação que fica é de ciclo encerrado, com mistérios solucionados. 

O fenômeno Big Little Lies

Entre categorias de direção e atuação, a primeira temporada levou um total de 17 prêmios. Dentre esses, cinco Emmys e quatro Globos de Ouro. No Rotten Tomatoes, a aprovação chega a 93%. A aclamação da crítica foi tanta, e a recepção do público tamanha, que a produção optou por lançar uma segunda temporada. Como se não bastasse toda a expectativa para uma continuação, Meryl Streep foi confirmada como parte do elenco dos próximos episódios. Segundo a atriz, ela não precisou nem saber qual seria o seu papel para aceitar a proposta de casting. “Meus agentes me perguntaram: ‘Mas você não quer saber quem é sua personagem?’ e eu disse que não. A primeira temporada foi a melhor coisa que eu vi na televisão.”, afirmou.

A pré-produção se encontrou, então, diante de dois desafios muito familiares para séries já conhecidas e adoradas pelo público: ousar escrever uma temporada sem o apoio do romance que deu origem à história — visto que o livro de Liane Moriaty termina no fim da primeira temporada —, como foi o caso de The Handmaid’s Tale e corresponder à expectativas inalcançáveis, como foi o caso de Game of Thrones. No meio dessa encruzilhada, a liberdade criativa podia ser uma dádiva. Outras personagens poderiam ter segredos revelados com fins satisfatórios. Novas informações poderiam enriquecer ainda mais a história que já conhecíamos. Muitas facetas poderiam ser exploradas, mas a narrativa tomou um caminho pouco ousado.

A temporada que parecia apostar tudo na atuação de Meryl Streep

Desde o primeiro momento fica claro que a temporada vai se prender completamente aos acontecimentos da primeira. As cinco personagens principais começam dando seu depoimento para a polícia, mas uma versão que omitia o empurrão de Bonnie, para que ela não fosse incriminada. 

Foi a partir dessa mentira que a grande aposta da temporada se tornou Mary Louise. A personagem de Streep desenvendaria o que realmente aconteceu, e daria muita dor de cabeça para as protagonistas. Mas não foi isso o que aconteceu. A mulher se tornou alguém previsível e sem muita atitude. Foram muitas ameaças vazias e que nada contribuíram para o desenrolar da temporada, um completo mau uso da atuação da atriz três vezes oscarizada. É seguro dizer que a única contribuição efetiva de Mary Louise foi forçar o desenvolvimento pessoal de Celeste ao ameaçar tirar a guarda de seus filhos. 

Além de Mary Louise, Bonnie também se tornou uma promessa não cumprida. Durante toda a temporada, a personagem e sua mãe (também adicionada à trama sem nenhum objetivo) tiveram flashes de um suposto afogamento de Bonnie. Devido ao desenrolar da história de Jane na temporada anterior, parecia que eles fariam sentido em algum momento. Não fizeram. 

Mas a temporada não foi só composta por pontos negativos: Jane e Madeline conseguiram superar os conflitos internos que ainda tinham em aberto. A primeira evoluiu diante do seu trauma causado pelo abuso sexual e se envolveu romanticamente com uma nova pessoa, enquanto a segunda superou o adultério que havia cometido junto de seu marido, e os dois acabaram renovando os votos de casamento a fim de recomeçar. 

Entretanto, o holofote da segunda temporada é de Renata Klein. A personagem vai à falência por conta de decisões econômicas irresponsáveis de seu marido, e as circunstâncias acarretam frases verdadeiramente icônicas, como “I will not not be rich!” (Eu não não vou ser rica!).

Renata Klein ganha o destaque que não havia recebido antes e Laura Dern mostra de novo e de novo como é que se faz. Uma das cenas mais satisfatórias é Renata quebrando todos os itens de colecionador de seu marido com um taco de baseball, enquanto grita que ele tem que aprender a respeitar as mulheres. Outros momentos também tornaram a temporada especial, como Jane explicando para Ziggy que ele é fruto de um estupro. E, claro, Celeste e Jane conversando sobre os traumas que haviam vivenciado, dando o apoio de sobrevivente uma à outra.

Muitas storylines sem fundamento, nem objetivo tornaram a segunda temporada descartável. Seria mais seguro apostar em novas histórias, ao invés de fazer sete episódios parecerem um flashback da finale. Sem novas informações e sem um novo mistério. São muitas críticas à história em si, mas a forma como ela foi contada manteve completamente a qualidade. As atuações são impecáveis e a trilha sonora extremamente icônica. Serviu para matar a saudade de ver as personagens dirigindo seus carros na beira da praia. E só para isso. 

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