Giovanna Freisinger

A quarta e última temporada de Barry responde às perguntas existenciais levantadas pela obra até então e leva a história, que parecia estar em uma rua sem saída, ao seu desfecho. Seus momentos finais a consolidam como uma das melhores produções de televisão dos anos recentes. Os fãs da série estão na torcida para que esse seja o ano em que ela finalmente conquiste o título de Melhor Série de Comédia no Emmy 2023, após três indicações nesta categoria, mas nenhuma vitória até então. O obstáculo é a concorrência pesadíssima da categoria, com Abbott Elementary, A Maravilhosa Sra. Maisel, Jury Duty, Only Murders in the Building, Ted Lasso, The Bear e Wandinha.

A premissa boba da série, sobre um assassino de aluguel que descobre uma paixão avassaladora pelo teatro, não deixa transparecer as profundidades que Bill Hader, protagonista e co-criador, é capaz de levar a narrativa nos anos seguintes. A conclusão assume um tom bem mais sombrio do que quando começou – sem clima nem para manter a música de abertura descontraída. Barry aproveita ao máximo a tragédia e a comédia de seu niilismo, orquestrando metodicamente os sentimentos infligidos na audiência para transitar, de um instante para outro, dos altos da sua natureza cômica à tensão e angústia consequentes da sua violência, sem parecer apática com o conteúdo nem comprometer seu ritmo impaciente.

Uma comédia ácida, com elementos de suspense, drama psicológico e crime, poderia facilmente se perder, mas a produção prova que revelar as nuances e contradições da vida e da condição humana, quando bem feito, pode criar algo que transcende as restrições dos gêneros narrativos. A série evoluiu ano após ano, com o estilo e o tom se tornando mais bem definidos e ambiciosos conforme progredia, caminhando em direção ao surrealismo, que acrescenta para uma experiência audiovisual ainda mais imersiva. 

A temporada anterior introduziu a linguagem mais introspectiva que a série adotou em diante. Isso aconteceu quando Hader começou a dirigir mais do que apenas alguns episódios e começamos a ter contato com as montagens surreais e minimalistas que ele aperfeiçoa nesse novo ano – ele dirige a totalidade dos oito capítulos. Podemos observar o diretor pegando gosto pela prática, desenvolvendo e aperfeiçoando o seu estilo próprio por trás das câmeras. Com razão, já recebeu, por Barry, três indicações ao Emmy nas categorias de Melhor Direção em Série de Comédia e Melhor Roteiro em Série de Comédia. Esse ano, ele concorre novamente às duas categorias, ambas pelo episódio final da série, wow. 

A liberdade tomada por Hader com as sequências experimentais é restrita ao seu comprometimento com os 30 minutos semanais. A quarta temporada pode ser considerada apressada, por vezes até atropelada, principalmente em consequência do divisivo salto temporal. No entanto, esse foi o melhor caminho para manter o passo da história e a resolução de todos os conflitos em um ritmo rápido que acompanha a urgência da narrativa. Barry é a estreia diretorial do ator e comediante e, agora que acabou, fica a ansiedade para ver o que ele planeja fazer em seguida. 

Dessa vez, a performance de Bill Hader é mais brutal do que nunca, interpretando Barry como uma bomba relógio. Com sua entrega ao personagem, o ator se provou desde o primeiro momento, foi indicado ao Emmy como Melhor Ator em Série de Comédia por todas as temporadas e ganhou em 2018 e 2019. Agora, para fechar a série com um terceiro troféu em casa, concorre com Jason Segel (Shrinking), Martin Short (Only Murders in the Building), Jason Sudeikis (Ted Lasso) e Jeremy Allen White (The Bear).

Barry desenvolveu uma marca registrada com a sua linguagem visual que prende o olhar do espectador na tela, mesmo diante de cenas violentas ou perturbadoras: uma câmera impessoal e observadora, que tende a enfatizar as reações dos personagens, independente do quão mirabolante os acontecimentos ao seu entorno sejam. Isso dá aos atores mais espaço para explorar suas performances. Grande parte do que eleva a série a algo realmente especial são as interpretações que eles entregam a essas figuras, contemplando as dualidades e conflitos internos de cada um. 

Esse ano, Anthony Carrigan (NoHo Hank) e Henry Winkler (Gene Cousineau) disputam novamente o Emmy de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia. É a terceira indicação para ambos e Winkler levou o troféu em 2018 pela primeira temporada. Vale notar, contudo, a inexplicável insistência da Academia de Televisão em esnobar a contribuição de Sarah Goldberg (Sally Reed), desde 2019 sem a indicar, apesar de seu imenso talento e inegável impacto para o sucesso da série. 

A quarta temporada chegou para subverter expectativas, reunindo todos os temas abordados nos anos anteriores da obra de maneira mais audaciosa e definitiva. Sua abordagem mais intensa não vai ser para todos, mas as decisões ousadas, performances estelares e habilidades técnicas fazem desse encerramento uma inegável jogada de mestre. Os primeiros episódios demoram um pouco para pegar no embalo, mas, quando as coisas começam a sair dos eixos, a produção te prende e não solta mais. Barry sempre foi boa em manter a audiência na beirada do sofá e, caminhando para a sua conclusão, domina isso em seu potencial máximo. Nunca se sabe qual o próximo passo de nenhum dos personagens. 

A série rejeita as nossas tendências de simpatizar com anti-heróis. Em sua reta final, apresenta uma exploração angustiante dos danos causados por um homem violento. A essa altura, Barry já não é mais o protagonista. O drama se dá ao examinar todas as vidas que ele comprometeu, direta ou indiretamente. A escolha ousada de descentralizá-lo da narrativa tem um efeito em fazer a audiência enxergá-lo por quem ele é, assim como os outros personagens começam a fazer.

A angústia da história vem da vontade que o personagem expressa em mudar, mas nunca muda. No último episódio, ele enfim toma uma decisão que pode ser considerada uma mudança, mas já é tarde demais. Ele não é oferecido redenção, nem vingança: o roteiro não recompensa Barry de qualquer maneira. Há um argumento, desde a terceira temporada, de que o arrependimento, não importa o quão sincero, não têm valor algum sem mudanças de comportamento. O protagonista cruza todos os limites que traça para si mesmo. Ele sente culpa, mas, ainda assim, prefere cometer atos injustificáveis a sacrificar a vida que reivindica para si. 

Barry se agarra a suas boas intenções – apesar de autocentradas – para não ter que admitir para si mesmo que tem controle sobre essas situações, e os danos que causa são uma escolha egoísta e calculada. Ele é definido por suas ações e, nesse sentido, é uma resposta a todos os anti-heróis. O trope é dominado por histórias de homens que fazem coisas terríveis, só para depois serem representados como vítimas mal compreendidas de más circunstâncias. É nesse ponto que Barry escolhe seguir por outro caminho e, fazendo isso, configura uma história anti-anti-heróis, que não deixa o seu protagonista, nem a audiência, escapar das duras consequências da realidade. A série finalmente responde a sua questão central: o remorso é o suficiente para a redenção? Claro que não.

O final, apesar de imprevisível, é anticlimático – de propósito. Em seus últimos momentos, a série compõe sua última piada, ao mesmo tempo que consegue sintetizar a sua mensagem, retornando os temas que expandiu nesta temporada para onde tudo começou: a indústria do teatro, cinema e televisão. Barry sempre usou a paixão do personagem pela atuação como sua metáfora central, para tratar das mentiras que contamos a nós mesmos. A tese da série é expressa, surpreendentemente, por Fuches (Stephen Root), quando ele compreende que ninguém se torna melhor do que é por negar a verdade.  

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Nathan Nunes

Um dos reality shows mais famosos do canal Food Network é o S.O.S. Restaurante, apresentado pelo chef de cozinha Robert Irvine. Nele, o anfitrião tenta salvar restaurantes em situação crítica, seja financeira, sanitária ou emocional. O grande charme do programa é a possibilidade de imersão no cotidiano da gastronomia, nem sempre tão atrativo e tampouco saudável para os profissionais quanto os pratos de comida são para nós. Felizmente, tudo dá certo ao final de cada episódio e Irvine consegue cumprir sua missão de mudar a rotina dentro desses estabelecimentos, coisa que os trabalhadores da casa de sanduíches The Beef provavelmente sonham desde os minutos iniciais de O Urso. 

Tendo Christopher Storer (Bo Burnham: Make Happy) como showrunner, a série, original da Hulu nos Estados Unidos e do Star+ no Brasil, é figurinha carimbada nas premiações do começo desse ano, com projeções até mesmo para o Emmy. Além da indicação na categoria de Melhor Série de Comédia ou Musical, o projeto se destacou principalmente através de seu único membro vitorioso: Jeremy Allen White (Shameless e Homecoming), vencedor do Globo de Ouro e do Critic’s Choice como Melhor Ator em Série de Comédia pelo desempenho como o protagonista Carmy.

Quando seu irmão Mikey (Jon Bernthal, de O Justiceiro) se suicida, o chef de cozinha em frangalhos emocionais é incumbido da tarefa de administrar o restaurante, a contragosto do gerente de longa data Richie (Ebon Moss-Bachrach, de Star Wars: Andor). O que ambos encontram, para o mínimo espanto do primeiro, é uma cozinha caótica e desorganizada, onde os nervos dos cozinheiros estão sempre à flor da pele e as contas nunca saem do vermelho.

Logo à primeira vista, The Bear (no original) já evidencia a tônica técnica que pretende seguir dentro desse ambiente tão bélico. A câmera de Storer e Joanna Calo (Hacks, Bojack Horseman), por exemplo, se movimenta de forma brutal e intensa pelos espaços apertados da cozinha, além de se fechar muito nos closes dos atores e nos planos-detalhe dos alimentos sendo cortados e preparados para as receitas. Enquanto isso, o que embala nossos ouvidos é uma sinfonia tóxica de gritos, xingamentos, panelas e tigelas batendo no chão, entre outras insalubridades. É curioso notar, inclusive, a linha tênue que separa a precisão dos pratos do caos dentro do restaurante, pois, a cada minuto, surgem novos obstáculos e diminui o tempo para resolvê-los.

Contudo, o grande chamariz da série é o desenvolvimento de seus personagens, com três deles se destacando em especial. A primeira é a jovem Sidney, interpretada por Ayo Edebiri (Big Mouth). Desde o instante em que ela entra na cozinha, seu talento e determinação já são notados por Carmy, que não hesita em delegá-la a funções importantes dentro do trabalho, algo que incomoda veteranas como Tina (Liza Colón-Zayas, de In Treatment). Nessa linha, sua história ganha importância e expansão nos cruciais episódios Brigade, no qual ela é encarregada de instaurar o sistema de brigada francesa entre os cozinheiros; e Dogs, em que vemos seus esforços para conquistar o respeito dos demais, incluindo da rival. 

Em paralelo à jornada da aspirante, temos o arco narrativo do Richie de Bachrach, um homem que exala forte sentimento de decadência. Ceres, o sexto dos oito episódios da primeira temporada da série, o representa já em seus primeiros minutos de rodagem: começamos ouvindo Mikey contar uma história absurda e engraçada que empolga todos ao seu redor e terminamos com o fracasso de Richie em replicar o sentimento ao contar a mesma história para outra pessoa durante um encontro. O momento é, na superfície, corriqueiro, mas logo se expande para um reflexo das inseguranças do gerente e do peso de ‘ficar para trás’, principalmente quando ele se depara com o crescimento de Sidney. 

Essa estratégia de progressão orgânica e bem amarrada, na qual um mero acontecimento repercute em aspectos fundamentais no futuro, e assim avança a história, não se restringe apenas a esse ponto. No mesmo episódio, por exemplo, Sidney desenvolve um prato de risoto que não agrada tanto o gosto de Carmy. A refeição vai parar nas mãos de um freguês qualquer que descobrimos ser um importante crítico gastronômico no sétimo capítulo, Review, quando uma ótima resenha do restaurante é publicada e aumenta absurdamente o número das reservas de pedidos. O que se segue, a partir daí, é a tensão e animosidade da série elevada à enésima potência, conforme o chefe tem um colapso nervoso. Todos os conflitos previamente estabelecidos explodem na frente da câmera, tudo registrado em um único plano sequência a lá Birdman e 1917. 

Quando chegamos ao oitavo e último episódio da temporada, Braciole, o texto já começa colocando os personagens contra a parede e os forçando a lidar com os acontecimentos passados, em especial Carmy. No semblante de Jeremy Allen White e nas palavras proferidas em um forte monólogo, vemos um homem completamente em pedaços, que não consegue lidar com seus demônios pessoais. Essa dificuldade particular se relaciona perfeitamente com o título da série, pois o urso em si é uma metáfora para tudo aquilo que não é dito e confrontado pelos personagens. É um obstáculo que os impede de se reconciliar consigo mesmos. 

Nesse sentido, a cozinha opera quase como um purgatório para essas pessoas. Um local que suga suas energias, mas também as externaliza quando o resultado é bem feito e claramente afeta a vida de alguém. O chef Irvine entende esse potencial em S.O.S Restaurante e, não à toa, é difícil esquecer de seus esforços enquanto assistimos The Bear. Ele nunca foi mencionado na produção, mas a noção de que vale a pena confrontar diretamente suas angústias e ansiedades para crescer dentro de um meio é notável em ambas as atrações. Aqui, é a culinária, mas, na vida real, pode ser qualquer outra.

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Enrico Souto

Muita coisa mudou nos quatro anos que separam a segunda e a terceira temporada da aclamada e assustadoramente relevante série do multiartista Donald Glover. Hoje, vivemos em um mundo pós-This Is America, em que racismo nunca foi um assunto tão comentado, simultaneamente que, divididos por uma pandemia implacável e a eclosão de protestos contra a violência policial, as tensões raciais dos nossos tempos se transformaram e, sobretudo, se amplificaram. Dentro desse contexto caótico e indubitavelmente distinto de 2018, Atlanta inverte a lógica e, para transpor a realidade às telas, aguça o que a produção tem de mais fantasioso.

Apesar disso, a série chama a atenção há tempos – desde sua estreia em 2016 – por seus comentários sobre raça, fama e indústria musical. Não foi à toa a reação estarrecida quando a adaptação de Sr. e Sra. Smith para o Prime Video foi anunciada primariamente como uma parceria entre Glover e Phoebe Waller-Bridge. Tanto o seriado da FX quanto Fleabag foram lançados no mesmo ano, popularizando de vez o fenômeno moderno que cunhou-se como dramédia. É claro que takes tão ousados chamariam a atenção da Academia de Televisão e, desde 2017, Atlanta é destaque nas principais categorias de Comédia do Emmy.

Indicada 22 vezes por suas duas primeiras temporadas, o provável momento de maior brilho da obra na premiação foi em 2018, quando o episódio mais aclamado da série, Teddy Perkins, adentrou em cinco categorias entre principais e técnicas, incluindo Melhor Direção em Série de Comédia e Melhor Edição de Som – essa, que levou para casa. O detalhe é que, ao mesmo tempo, esse episódio se distingue completamente do formato convencional da série, transportando sua linguagem excêntrica e surrealista para o contexto do terror. O terceiro ano de Atlanta é intensamente influenciado pelo feedback positivo de Teddy Perkins e decide acentuar esse experimento à décima potência, elevando-o a todo o escopo do seriado e afastando-se ainda mais das convenções de suas fases anteriores.

O choque se inicia logo no primeiro episódio. Quem esperava ser introduzido às novas aventuras do astro do rap Paper Boi (Bryan Tyree Henry) e sua turma foi surpreendido ao ser levado para um cenário totalmente novo. Three Slaps, vencedora em Melhor Fotografia em Série de Meia Hora pelo trabalho de Christian Sprenger – um repeteco de sua vitória na mesma categoria por Teddy Perkins – é uma releitura do caso real de Devonte Hart, um garoto que, ao ser afastado da mãe pelo conselho tutelar, foi levado com seus irmãos para um casal de duas mulheres brancas, que eram negligentes e cometiam inúmeros abusos contra as crianças. O terror é a âncora do episódio, nos introduzindo à perturbadora residência das cuidadoras como se explorássemos os confins de uma casa mal-assombrada.

Entretanto, se a série reproduz o desfecho trágico desta ocorrência, quando as mães atiraram seu carro para um rio de um penhasco de 30 metros, com elas e os filhos dentro, Stephen Glover, irmão de Donald e roteirista do episódio, concede uma reparação. Loquareeous (Christopher Farrar), personagem inspirado em Devonte, tira as outras crianças do porta-malas e pula para fora do carro antes do pior ocorrer, conseguindo enfim voltar para casa. Three Slaps não tem conexão alguma com a narrativa original de Atlanta, com exceção da cena final, que mostra Earn Marks (Donald Glover) acordando em um quarto de hotel, como se tudo não passasse de um sonho ruim.

Esse não é um evento à parte. Para além de uma estrutura não linear, a terceira temporada intercala sua narrativa principal com uma série de episódios com fábulas isoladas, em uma espécie de antologia completamente independente. Essa escolha gera dois efeitos. Por um lado, isso dá total liberdade editorial para que os roteiristas possam explorar os temas e circunstâncias mais estapafúrdios possíveis, criando histórias relevantes e provocantes que jamais poderiam ser feitas em outra conjuntura. Por outro, toda escolha é uma renúncia e, nesse caso, a consistência da temporada foi sacrificada.

Talvez, por isso mesmo, sua recepção não tenha sido das mais unânimes. Não só a crítica especializada, o que se reflete nas apenas três citações de Atlanta no Emmy 2022, mas também grande parte do público se viu frustrado com a nova abordagem. O tempo de tela dos nossos personagens favoritos foi cortado pela metade e parte de seu progresso foi inevitavelmente perturbado graças a tais contos ‘desconexos’ que estão longe do interesse da audiência. Porém, engana-se quem pensa que estes episódios não dialogam com a storyline principal. Cada uma dessas temáticas conecta-se intimamente com o núcleo emocional da obra, contudo, alicerçada sob pontos de vista únicos.

E é então que nos deparamos com uma das escolhas mais controversas por parte dos criadores. Graças a esse acervo de fábulas, pela primeira vez, temos episódios de Atlanta protagonizados por personagens caucasianos. Verdade seja dita, a série furou a bolha e, nesses quatro anos de hiato, passou a abarcar uma audiência cada vez mais branca. Todavia, ao invés de ignorar esse fato, a mesa de roteiristas opta por abraçar a contradição e enfrentá-la diretamente. Esses capítulos colocam um espelho à frente dessa parcela do público, obrigando-nos a sair do conforto da impessoalidade e confrontar nossas próprias hipocrisias. Afinal, como pode uma pessoa branca, que se diz antirracista, continuar se beneficiando e operando a favor de uma hierarquia racial conscientemente genocida?

Esse questionamento, evidentemente, não está tão distante quanto parece da jornada de nossos protagonistas. Isso porque, desta vez, nos afastamos das locações em Atlanta e os acompanhamos pela primeira turnê internacional de Paper Boi pelo – extremamente branco – continente europeu. O sentimento de constante estranhamento e deslocamento dilata-se sobre um corpo social em que Earn, Alfred – nome real de Paper Boi – e Darius (Lakeith Stanfield) se vêem em ainda menor número, e que cultiva costumes excepcionalmente racistas. Não é à toa que o ano três de Atlanta reapresenta seu microuniverso enquanto desconstrói o Sinterklaas, tradição de final de ano da Holanda, semelhante ao Natal, mas que banaliza seu próprio imaginário racista ao naturalizar o uso do blackface – que Alfred, claro, não deixaria barato.

A escolha de retratar situações bizarras através de elementos da vida real ocorre porque o surrealismo da obra atua sobre outros tons. Se uma festa nacional baseada em um arquétipo racista, ou duas mães que colocam os próprios filhos adotivos para realizar trabalho infantil, parece insano, é porque é mesmo. Porém, o insano se revela ainda mais grave pela conexão desses cenários com o presente. Diferente dos ensaios de linguagem propostos por Twin Peaks, que visavam se afastar ao máximo do que entendemos como lógico, Twin Peaks com rappers aproxima-se de suas abstrações ao replicar nossa realidade material, denunciando o absurdo inerente às violências raciais. É o afrossurealismo em sua expressão mais pura.

A diferença é que, desta vez, o surreal ganha um aspecto metalinguístico. Há algo de muito estranho nesse lugar e, agora, os personagens sabem disso também – de tal forma que passam a questionar seu próprio papel naquele universo. Fato é que os protagonistas de Atlanta nunca estiveram tão diferentes – e tão instáveis. Paper Boi, por exemplo, introduzido na série como um aspirante a rapper que, apesar de angariar um viral, continuava no tráfico para sobreviver, finalmente encontrou a popularidade, sucesso e fortuna que procurava.

Porém, os problemas antigos são substituídos por novos ainda mais conflitantes. Alfred é incapaz de se relacionar e simpatizar com sua nova onda de fãs jovens e brancos. Ele torra seu dinheiro de olhos fechados em busca de um sentido que pensa ter perdido no decorrer de sua carreira. Assombrado por um bloqueio criativo, ele sequer consegue escrever músicas mais, enquanto é obrigado a vestir roupas e frequentar espaços que nem ao menos gosta. É como se, no processo para chegar ao topo, a fama tivesse feito permuta com sua liberdade. Se seus conflitos em temporadas anteriores eram cotidianos, dessa vez são sucedidos por dilemas sobre sua posição como artista na indústria musical e as implicações que essa posição acarreta. 

O episódio New Jazz destaca esses reveses e evidencia a ambiguidade de Paper Boi. Antes representado como sisudo, aqui ele é vulnerabilizado e colocado como mártir do nosso olhar. A câmera de Hiro Murai – indicado a Melhor Direção em Série de Comédia – se recusa a tirar o foco do protagonista, mesmo que isso signifique dispersar-se de momentos que julgaríamos mais pertinentes. Os efeitos da droga que Alfred consome com Darius nos primeiros minutos são traduzidos da maneira mais sóbria possível, encaçapando o estado cíclico de inadequação que o aterroriza por toda a temporada. Ava Grey, primeira atriz trans com papel de destaque em Atlanta, faz uma ponta como Lorraine, encarnando as inquietações de Alfred e revelando-se ser, no fim, uma alegorização de sua própria mãe. 

Enquanto Paper Boi lida com sua maior crise criativa, Earn nunca esteve melhor em sua carreira. Ao passo que, na primeira temporada, ele é retratado como um falido que descobre na súbita notoriedade do primo uma oportunidade de conseguir dinheiro rápido e melhorar de vida, mas frustrado por seu jeito desajeitado e sua incrível capacidade de fazer tudo sair do planejado, nesta terceira fase o personagem nunca esteve tão seguro, realizando seu papel como agente de Alfred com frieza e objetividade. Sua felicidade passa a ser a realização do rapper, o que o faz, em consequência, perder de vista a si mesmo. Earn fica tão mergulhado no trabalho que até sua presença como ponto focal da série se esvai, fazendo com que a indicação de Donald Glover em Melhor Ator em Série de Comédia soe somente como uma nota de rodapé.

Darius parece o único que se mantém fiel à sua persona de 2016. Lakeith Stanfield preserva seu exímio trabalho em materializar a completa falta de sustentáculo na realidade do personagem, que prossegue por sua busca pelo sentido da nossa existência, batendo na trave uma vez ou outra sobre viver dentro de uma obra ficcional. A função de Darius como reagente, veia cômica e suporte continua fundamental para a narrativa, e não é por acaso que ele é introduzido juntamente ao arco emocional de Vanessa (Zazie Beetz) que, mesmo após o fim da temporada, ainda é cheia de perguntas.

Ao que tudo indicava no fechamento da segunda temporada de Atlanta, Van – a ex-namorada de Earn, com o qual compartilha uma filha e um relacionamento disfuncional – ficaria em Atlanta durante a turnê do grupo pela Europa. No entanto, sem motivo aparente, ela deixa Lottie, a filha do casal, nos EUA e surge de supetão na Holanda para acompanhá-los pela viagem. Dali em diante, a presença da personagem é como a de um fantasma, fazendo aparições pontuais de episódio em episódio, geralmente tomando alguma atitude imprudente e sumindo logo em seguida. Earn tenta convencê-la a se abrir, mas ela insiste em manter distância. Para nós, como público, ela se torna praticamente irreconhecível.

Até que chegamos a season finale, que prometia responder o que Van andou fazendo este tempo todo. Porém, ao invés, somos apresentados a Tarrare, sua nova identidade francesa. Ela agora usa uma peruca curta, fala em um forte sotaque gaulês, transa e chantageia Alexander Skarsgard ao mesmo tempo, faz baguete de arma e vira cozinheira de um restaurante de mãos humanas. O episódio nos dispara uma sucessão de eventos cada vez mais bizarros e aleatórios, incitando tendenciosamente nossa suspensão de descrença para o ralo. É fácil deixar a história neste instante, presumir que descaracterizaram Van e a transformaram em uma sociopata. Todavia, Atlanta pede para que, assim como sua melhor amiga Candace (Adriyan Rae), acreditemos no seu potencial de redenção.

O ponto de virada ocorre quando a amiga, que presenciou cada um desses absurdos – tão chocada quanto nós –, questiona Van sobre as decorrências dessa nova fase: “e a Lottie? Onde ela se encaixa nisso tudo?”. A partir disso, a personagem abandona instantâneamente o forçado sotaque e libera todo o seu sentimento reprimido. Por fim, acobertada pela impetuosa camada de delírio, jazia somente uma indagação: “eu não sei quem eu sou”. Ela conteve por tanto tempo suas próprias vontades – seja por Earn, por Lottie ou por simples aprovação dos outros –, que acabou por tolher-se de sua própria identidade. Assim como Tarrare, soldado francês que, de tanta fome, se alimentava inclusive de carne humana, Van estava faminta por propósito e, em desespero, decidiu viver todas as experiências que se privou – e todas as possibilidades de si que perdeu – de uma só vez.

Prova-se, então, que a abordagem invulgar do seriado está longe de ser uma excepcionalidade, referente apenas aos episódios antológicos, mas sim um fragmento central da trama, que altera radicalmente seu status quo. Atlanta eleva o sarrafo da ousadia, brincando e manipulando com nossas concepções de tempo e realidade. Afinal de contas, a jornada de Van no episódio final teria de fato ocorrido ou seria fruto de sua imaginação? Seria possível que ela tivesse noivado e se tornado uma agiota francesa em poucas semanas? E Lorraine, em New Jazz, era ou não real? Teria Alfred realmente se aprisionado em um loop temporal devido aos efeitos de uma droga? Nenhuma dessas respostas importa. O que importa é como esses cenários inusitados são capazes de transpor os dilemas que rondam esses personagens. 

Porque, no fim das contas, todas as firulas narrativas e experimentos malucos com linguagem se reduzem a ferramentas de estudo de personagem, manifestando o que as correntes do realismo não são capazes de comunicar: um mergulho íntimo sob as emoções humanas mais profundas e complexas. Mesmo os contos isolados e estrutura desconexa da temporada agem em prol do arco dos personagens, espelhando suas crises existenciais e o estado de perdição que a viagem pela Europa escancarou. O argumento de que o desenvolvimento dos protagonistas foi abandonado já não vale mais.

Esta terceira temporada tinha uma árdua missão e uma ambiciosa pergunta para responder: o que sobra de Atlanta sem Atlanta? Sem as locações na cidade de Geórgia e, inclusive, sem Earn, Alfred e todos os outros personagens carismáticos que tanto aprendemos a gostar? Entre confusões e fervedouros, sua terceira fase mostrou que a essência da série está no poder de sua equipe criativa em transformar ensaios eremíticos em histórias instigantes e incisivamente sensíveis. De, explorando os afetos mais mundanos e pessoais, serem capazes de incorporar sublimemente debates sociais e raciais delicados, a partir de uma consciência coletiva vital. Com sua temporada final encaminhada ainda para este ano, a verdade é que Atlanta está mais Atlanta do que nunca.

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