Mauê Salina Duarte

Em 21 de março de 2011, a Rede Record de televisão exibiu o primeiro capítulo da adaptação da tão aclamada Rebelde mexicana, que marcou a vida de muitos e chegou a ter sucesso a nível mundial. Muitos dizem que a versão de Anahí e companhia é insubstituível e que o remake fracassou, porém a adaptação brasileira também teve seu sucesso e merece ser melhor lembrada, mas antes de tudo, é preciso algumas contextualizações. Em 2008 a Record TV e a emissora mexicana Televisa anunciaram a parceria, envolvendo a exibição de tramas produzidas no México, além da regravação dessas tramas com roteiro e atores brasileiros. O primeiro reboot feito pela emissora brasileira foi Bela, a Feia, protagonizado por Giselle Itié e Bruno Ferrari, sendo exibida entre 2009 e 2010. Já o segundo é nosso assunto da vez, a queridinha e polêmica Rebelde, escrita por Margareth Boury e dirigida por Ivan Zettel.

A trama tem como cenário principal o Colégio Elite Way, um semi-internato da alta sociedade bem no estilo Elite, porém sem os assassinatos. As famílias cariocas mais ricas fazem questão que os filhos estudem no tal colégio. Entre eles Roberta (Lua Blanco), Diego (Arthur Aguiar), Tomás (Chay Suede) e Alice (Sophia Abrahão), jovens cheios de capricho que têm em comum o amor pela música. Já Pedro (Micael Borges) e Carla (Mel Fronckowiak) são bolsistas e também se juntam ao quarteto.

Em meio a dilemas da adolescência, como problemas de auto aceitação e familiares, paixões e até alcoolismo, os seis amigos se unem e formam uma banda, Rebeldes. Entretanto, a convivência nem sempre é fácil. Vira e mexe acontece algum conflito por conta das diferenças de classe, injustiças e ciúmes. Sem falar da marcação cerrada de Jonas (Floriano Peixoto), diretor do Elite Way, e de sua filha manipuladora e invejosa, Pilar (Rayana Carvalho).

A narrativa da novela tem uma vibe Gossip Girl. Isso porque além de dar destaque ao cotidiano de uma escola de ricos, mistura o mundo de privilégios com a vida fora dessa bolha. Em GG, temos Brooklyn e a família Humphrey. Já Rebelde apresenta a Vila Lene, bairro simples do Rio de Janeiro que Carla e Pedro moram, que é um refúgio fora da vida do colégio, rendendo cenas mais descontraídas. No entanto, eles têm um esconderijo ainda mais especial dentro do próprio colégio, o porão. Nele aproveitam para tirar um som, fugir da supervisão de Jonas ou mesmo namorar, e é nesse cenário em que a banda Rebeldes nasce.

Pedro, de família simples, nunca superou o suicídio do pai e culpa o empresário Franco Albuquerque pela morte. Ao ir como bolsista para o Elite Way, o jovem conhece a vaidosa e popular Alice, filha de Franco. No entanto, os dois jovens se apaixonam. É aquele clássico de “os opostos se atraem”, que apesar do afeto sempre traz brigas, mas, como o próprio dueto deles diz, são o ponto fraco um do outro. Além de tudo, tem Pilar como pedra no sapato. A filha do diretor é apaixonada pelo rebelde e nutre uma rivalidade por Alice, fazendo de tudo para atrapalhar o casal e até mesmo os demais da banda.

Indo na mesma onda de namoros improváveis, temos o de Roberta e Diego. Ela é marrenta e vive se desentendendo com a mãe, a cantora Eva Messi, que a trata como uma irmã mais nova. Diego é todo boyzinho e tem a vida controlada pelo pai, o empresário Leonardo Maldonado, porém perde noção dos limites longe da vigilância paterna exagerando na bebida, o que lhe causa muitos problemas. Ele e a moça vivem em pé de guerra, parecendo brincadeira de gato e rato, mas chega um momento em que o sentimento fala mais alto, o que não quer dizer que as brigas acabam.

Os outros dois integrantes do grupo são Tomás e Carla. Eles ficam amigos rapidamente e em meio a um plano para evitar que Pedro seja expulso, se beijam e acabam ficando balançados. É todo um rolê até ficarem juntos e tudo piora por conta do ciúme de ambos os lados. Ele tem uma avó gananciosa que faz de tudo para pôr o rapaz na linha, mas ele gosta mesmo é de curtir tudo ao máximo. Tem um jeito desleixado e não leva as coisas muito a sério, sendo imaturo em vários momentos, inclusive vacilando demais com a Carla. 

Ela é um amor de pessoa e às vezes acaba confiando em quem não deve. A jovem sonha em ser bailarina, cuida muito do corpo e nesse excesso desenvolve anorexia e bulimia. Aliás, abordar o tema foi de extrema relevância, ainda mais para jovens, que são os que mais sofrem com os padrões e muitas vezes veem o assunto como tabu. Após muitas confusões e idas e vindas, amadurecem e aprendem a lidar melhor um com o outro, sendo o casal mais tranquilo da banda. 

Por se passar em um colégio, é claro que muitas cenas envolvem aulas. Mas com toda a certeza, o professor destaque é Vicente. Em meio aos ensinamentos de português e literatura, ele cativa e envolve os alunos em reflexões que marcam a vida de cada um na sala de aula e até mesmo do público. A exemplo uma cena em que discutem a fascinação humana pela tragédia e em como arte nos ajuda a entender o mundo que nos rodeia e a nós mesmos. Dentro do assunto, o professor menciona uma história bem parecida com a de Pedro e Alice, que estão brigados e se abalam ao ouvir, ficando intrigados. 

O legal de assistir produções que envolvem a vida escolar, assim como Rebelde, é a fácil identificação. Em meio a tantos personagens e o universo das salas de aula, a gente se vê na tela. Para quem era mais novo e estava longe do colegial, ficava por conta da imaginação. Se estava justamente nessa fase, de certo cresceu junto e refletiu sobre o momento. Agora, para a galera mais velha, que não é exatamente o público-alvo, bate aquela nostalgia de quando a maioria dos problemas ficavam apenas dentro das paredes da escola e dá saudade dos amigos.

Se tem algo que fazia sucesso entre os jovens na época da novela, desde seus livros até seus filmes, é a saga Crepúsculo. Aproveitando que narrativas envolvendo vampiros e afins estavam em alta, a segunda temporada de Rebelde se iniciou com um certo ar sobrenatural bem bizarro. O Elite Way ganha novos alunos, entre eles os irmãos Miguel e Lucy, que chamam a atenção logo que chegam, principalmente pelo jeito misterioso dos dois. Logo é revelado que ambos são vampiros, mas isso é apenas dentro de um jogo de RPG, o qual os Rebeldes acabam participando. Pedro é o único da banda que fica de fora e percebe que tem algo sinistro rolando.

Assim como em RBD, a banda formada na novela ganhou os palcos da vida real, além de marcar presença nas rádios brasileiras com canções como Do Jeito Que Eu Sou e Rebelde Para Sempre. O grupo passou com suas turnês por diversas cidades do Brasil, batendo o público-recorde de 80 mil pessoas em uma apresentação em Brasília. Gravaram dois álbuns de estúdio e um ao vivo e receberam indicações a prêmios como Troféu Imprensa, Meus Prêmios Nick e Capricho Awards. 

Manu Gavassi abriu alguns dos shows da banda e sua música Garoto Errado era tema da personagem Roberta na novela. Nossa ex-sister namorava Chay Suede na época, terminando o relacionamento em 2014 de forma conturbada e com boatos de traição. Entretanto, a situação só ganhou maiores proporções em 2020, após uma conversa dentro da casa mais vigiada do Brasil entre Manu e outras participantes.

Elas falavam sobre relacionamentos e comportamentos dos homens. Gavassi comenta a respeito de um ex que a traía e logo completa dizendo: “um cara que depois, Deus me perdoe, mas foi endeusado pelo Brasil, tá? Endeusado. E eu? A Manu, coitada. Manu recalcada por anos!”. Rapidamente a internet ligou os pontos e constatou que o tal ex era Chay. Meses depois, dona Manu Gavassi ousou e escalou o rapaz e sua atual esposa, Laura Neiva, para protagonizarem seu clipe icônico Deve ser horrível dormir sem mim, feat com a maravilhosa Gloria Groove.

E por falar em participante do BBB, Carla Diaz fez parte do elenco de Rebelde interpretando Márcia, uma garota meiga e estudiosa, que junto com Téo (Bernardo Falcone), ajudavam os Rebeldes a se safarem das furadas que se metiam. Ah, os dois também formam um casal ao longo dos capítulos, que por sinal é a coisa mais fofa, ao contrário do ship Carthur no reality show.

Com o encerramento da novela e, por consequência, da banda, cada rebelde trilhou seu próprio caminho. Sophia Abrahão atuou nas novelas globais Amor à Vida (2013) e Alto Astral (2014), lançou um álbum em 2015, foi co-autora de três livros, além de apresentar o Vídeo Show nos últimos dois anos do programa esbanjando simpatia; sobre a vida pessoal da moça, ela está a seis anos namorando o também ator Sérgio Malheiros e demonstram ser um casal bem parceiro e tranquilo.

Outro que conquistou seu lugar na plim plim é Chay Suede. O rapaz que ficou conhecido após sua participação no Ídolos em 2010, tem seis novelas da Globo no currículo, entre elas Império (2014), Novo Mundo (2017) e atualmente está em Amor de Mãe interpretando Danilo. Ainda em 2013, lançou seu álbum solo e apresentou o programa da MTV, Hora do Chay. O rapaz que hoje é casado com a atriz e modelo Laura Neiva e que é pai de uma menina de apenas um ano, interpretou Erasmo Carlos no Minha Fama de Mau em 2019, unindo sua bela atuação com seu dom com a música.

Para completar o time de Rebeldes que coleciona participações em novelas da Globo, temos Arthur Aguiar. O intérprete de Diego Maldonado atuou na novela Em Família (2013), integrou o elenco da Malhação Sonhos (2014/15) que a emissora está reprisando no momento, além de participar das produções de Walcyr Carrasco, Êta Mundo Bom (2016) e O Outro Lado do Paraíso (2018). 

Arthur casou-se com a coach Mayra Cardi em 2017 e juntos tiveram uma filha, Sophia. Porém a relação terminou em 2020 e logo Mayra veio a público afirmando ter vivido um relacionamento abusivo com o ator. Mesmo queimado no mundo artístico, o rapaz conseguiu um papel da novela Gênesis da Record, porém foi dispensado pela emissora meses depois por conta de problemas nos bastidores. Não há dúvidas do potencial de Arthur, mas antes ele precisa mostrar que realmente amadureceu.

Já Mel Fronckowiak se despediu de Rebelde de uma maneira diferente. A gaúcha lançou em agosto de 2013 o livro Inclassificável: Memórias da Estrada, com direito a prefácio escrito por Dulce Maria. A obra possui reflexões poéticas e uma coletânea de crônicas que Mel registrou durante sua passagem por 40 cidades do Brasil junto aos demais integrantes da banda Rebeldes em suas turnês. Entretanto, desde 2014 vem se dedicando a carreira de apresentadora. Mel fez parte do programa A Liga da Band, apresentou dois dos oito episódios da série bilíngue El Hipnotizador em parceria pela HBO Latin America Group e HBO Brasil, como também fez parte da 3ª temporada de Troca de Estilos no Discovery Home & Health, sem falar de algumas webséries. 

Lua Blanco passou boa parte dos últimos anos se dedicando ao teatro e à música. A paulistana atuou em peças como As Coisas Que Fizemos e Não Fizemos (2013), Se Eu Fosse Você, O Musical (2014) e O Despertar da Primavera (2019). Em setembro de 2016, lançou o álbum chamado de Mão No Sonho nas plataformas digitais e seu grupo musical Lágrima Flor lançou Pretérito Perfeito depois de anos sem novidades. Lua também participou do programa Popstar da Globo, sendo eliminada na sétima semana da competição. A moça que deu vida a Roberta em Rebelde hoje mora junto com o roteirista Leandro Soares, com quem namora desde 2016.

Na época de Rebelde, Micael Borges já fazia parte do grupo musical Melanina Carioca, mas em 2013 optou em seguir carreira solo, lançando o álbum Qual É O Andar Da Felicidade em 2014. No mesmo ano, gravou Remixes e em 2016 lançou o Pra Elas. Micael foi um dos participantes da 1ª temporada do Dancing Brasil, programa com 14 celebridades e 14 profissionais de dança, no qual formam duplas e disputam o prêmio final, tendo Xuxa como apresentadora. O ator tem um relacionamento com a empresária Heloisy Oliveira desde 2013 e hoje são pais de Zion, de 7 anos.

Voltando a falar da novela e da rivalidade entre a versão do Brasil e do México, um episódio bem especial da versão brasileira é justamente o que Dulce María, intérprete de Roberta na versão mexicana, participa. Dulce passa um dia bem agitado com os Rebeldes e a noite vão a um barzinho em que mexicana assume o palco. Não é tão comentado, mas a versão realmente original da telenovela Rebelde é a argentina, Rebelde Way, transmitida entre 2002 e 2003 e que lançou o grupo musical Erreway. Fora as versões já mencionadas, países como Índia, Portugal e Chile também produziram suas adaptações, porém tiveram menos repercussão.

Independente de qual seja sua produção preferida, não dá pra negar que elas marcaram os jovens dos anos 2000/2010 e repercutiram bastante, cada uma do seu jeito. Sem falar que todas revelaram grandes nomes, tanto na atuação quanto na música. Por fim, Rebelde Brasil é importante justamente por ser nossa. Ela explora lados que só quem é brasileiro entende. Mostra algumas das desigualdades que existem em nosso território sob a perspectiva de jovens que se não fossem colocados no mesmo colégio, provavelmente não teriam criado laços ou mesmo se conhecido. Ser Rebelde não é questão de desrespeito, pelo contrário, é sobre respeito a si próprio. Acreditar em seus próprios ideais e não temer ser você mesmo. Mas e aí, seu coração vai ser Rebelde para sempre?

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Em um contexto ainda atingido pela pandemia de covid-19, a largada da temporada de premiações foi dada mais tardiamente em 2021. O mês de Fevereiro se encerrou com o polêmico, e nem tão aclamado, Globo de Ouro. Nesse ano atípico, os filmes elegíveis poderiam ter sido lançados no próprio mês do evento, e muitos dos que chegaram nos minutos finais acabaram concorrendo e, até mesmo, levaram a estatueta para casa. Foi o caso de Nomadland, que conquistou duas das categorias principais e é uma das principais apostas para o Oscar 2021.

Mais uma vez, a Netflix está com tudo entre os concorrentes da temporada, mas com candidatos nem tão promissores. Relatos do Mundo, produzido pela Universal Pictures, chegou esse mês ao catálogo e ganhou duas indicações ao Globo, porém sem sucesso, enquanto o complicado Malcolm & Marie não conquistou nem uma nomeação. Por outro lado, I Care A Lot (Eu Me Importo) foi um dos grandes lançamentos do mês e surpresas da noite, e deu a primeira estatueta de Rosamund Pike.

Fora do universo dos tapetes vermelhos, o serviço de streaming entregou o controverso capítulo final da saga de Lara Jean, com Para Todos Os Garotos 3: Agora e Para Sempre, e seu maior produto nacional até agora, com a estreia da série Cidade Invisível. Fevereiro também foi um mês para a Apple TV+ trazer grandes lançamentos, a nova temporada de Dickinson foi mais uma vez bem recepcionada pela crítica, assim como o documentário Billie Eilish: The World’s a Little Blurry, que se aprofunda na vida da estrela em ascensão Billie Eilish.

Nesse extenso período de isolamento, observar o cotidiano alheio nunca foi tão interessante. Pudemos ver novamente Selena Gomez se estabanar na cozinha com seu reality show Selena + Chef, da HBO Max. E, em terras brasileiras, a luta pela saída da Karol Conká do BBB 21 conseguiu unir a nação de uma forma nunca antes vista nos últimos tempos.

O Cineclube de Fevereiro traz os grandes lançamentos do mês do mundo audiovisual. Aqui você confere os filmes aclamados e massacrados pelo público, séries que terminaram de ter seus episódios exibidos (WandaVision há de aguardar o seu momento), e grandes produções televisionadas. Tudo isso com a curadoria da Editoria e colaboradores do Persona.

Cinema

Relatos do Mundo (News of the World, Paul Greengrass)

“Um faroeste com Tom Hanks” é sinopse suficiente para atrair qualquer um. Ainda mais em um catálogo cheio de opções “tanto faz” da Netflix. Relatos do Mundo, que se não fosse uma pandemia estaria em todas as salas de cinema ao invés do streaming, chamou atenção do espectador – e até do Globo de Ouro -, mas não atende a expectativa que cria. Para além da descrição superficial, na trama, que se passa após a Guerra de Secessão, o Capitão Jefferson Kyle Kidd (Tom Hanks) viaja o sul dos Estados Unidos lendo notícias aos moradores locais. 

Quando topa com Johanna (Helena Zengel), uma menina alemã capturada e criada pelo povo indígena Kiowa, ele decide que é seu dever percorrer mais de 600 quilômetros para levá-la em segurança à sua família biológica. Apesar do leque de possibilidades que o contexto histórico abre para a narrativa, como a proibição do porte de armas no sul e a recente abolição da escravatura, consequências da guerra para os derrotados, o diretor Paul Greengrass opta pelo óbvio: explorar a inevitável relação emocional que se formará entre os dois ao longo da jornada. Nem a profissão de Kidd, que logo de cara desperta a curiosidade, evolui para além de um pano de fundo. 

Mesmo com os bang-bangs em escassez e com a previsibilidade da narrativa, que não surpreende nem no final, o espectador só não se decepciona pelas performances de Tom Hanks e Helena Zengel, que trabalham bem seus personagens e, com os nuances de cada um, despertam certo interesse. O trabalho do cinematógrafo Dariusz Wolski também se destaca, com uma fotografia que torna as paisagens fim de mundo típicas do gênero deslumbrantes. Embora não chegue nem perto de atingir todo o seu potencial, Relatos do Mundo é uma boa para aqueles que se contentam em apreciar o veterano de Hollywood em ação e descobrir mais do talento da revelação mirim alemã. – Vitória Lopes Gomez

Nomadland (Idem, Chloé Zhao)

Qualquer pessoa que assuma a difícil tarefa de falar sobre Nomadland certamente ficará sem palavras. O drama mais aclamado da temporada é de um cinema que é algo além, que, valendo-se de sutileza e precisão magistrais, conta a história de uma vítima de um colapso econômico de uma cidade do interior de Nevada em sua jornada por sobrevivência – tanto física quanto emocional. O grande vencedor do Globo de Ouro e do Critics Choice Awards (e, com fé, de todas as outras premiações que os seguirem até o Oscar) é baseado em um livro homônimo de Jessica Bruder, que foi adaptado e dirigido pela genial e já lendária Chloé Zhao. 

Não satisfeita em conduzir brilhantemente cada detalhe da base do filme, Zhao também dirige a grandiosa Frances McDormand, que compõe, com destreza e delicadeza, cada nota da peça principal da orquestra de Nomadland e uma das melhores atuações que você vai assistir na vida, sentida direta, física e silenciosamente no nosso coração. Muito, muito, muito longe de cair numa obra torturante, as alegrias do filme também são genuínas e, depois de um ano vivendo no isolamento social, elas são especialmente belas, nos lembrando de como é boa e importante a vida em comunidade.

Desde sua concepção mais original até sua transposição para o cinema que envolve aspectos como a escrita, a direção, a atuação e produção, o longa é uma orquestra regida por mulheres que estão em perfeita sintonia. Elas, em domínio pleno de seus ofícios, estão em outro nível, outra vibração, outra dimensão, e bondosamente as compartilham conosco através do Cinema. – Raquel Dutra

Host: Cuidado Com Quem Chama (Host, Rob Savage)

Investindo em um formato atual e inteligente, já visto antes em filmes como Amizade Desfeita, Buscando… e na série de comédia Modern Family,  Host, além de ter sido gravada durante a pandemia, possui uma narrativa contada a partir da tela de um notebook, mas, não se engane, os pontos positivos do filme acabam aí. Com uma história, personagens e sustos apenas ficando no plano básico, o filme de terror desperdiça todas as oportunidades para se destacar nesse formato.

Apesar de se passar inteiro numa tela e num contexto curioso, com os personagens no meio do isolamento social, o erro da obra é não sair da guia da reunião feita no Zoom. Mesmo com o estilo clichê de terror mais simples, onde os personagens morrem um por um em cenas cheias de tensão, a história não investe em detalhes ou nos recursos que o ambiente online oferece, com a única indicação desse formato sendo o aumento no volume da tela.

A trama acontece a partir de uma sessão (online) espírita que dá errado, e o terror se faz com momentos de susto rápido, estilo joguinho do labirinto do exorcista com direito a demônios de cara feia, e uma justificativa preguiçosa para a razão dos acontecimentos sobrenaturais. Host fica na sombra de obras que foram gravadas dessa mesma forma, e, infelizmente, a desculpa do isolamento não justifica a chatice de mais esse meeting na vida da gente. – Isabella Siqueira

Nova Ordem Espacial (Seungriho, Jo Sung-hee)

Lançado no início do mês pela Netflix, Nova Ordem Espacial é considerada a primeira space opera sul-coreana, narrando as desventuras de um grupo de sucateiros espaciais desajustados à bordo da nave Victory, que encontram, por acaso, uma andróide capaz de mudar o mundo.

A direção de arte é uma amálgama de diferentes referências visuais que vão desde Star Trek até Cowboy Bebop, mas que são remixadas de maneiras inovadoras. O filme é ancorado por uma narrativa emocional que, apesar de não ser nada original, nos faz ter apego ao seu elenco de personagens problemáticos e desiludidos, com destaque para Kim Tae-ri (A Criada), no papel da capitã Jang, e Song Joong-Ki como Tae-ho, o piloto com um passado sombrio.

Como todo bom bando de aventureiros, a tripulação da Victory passa por inúmeros perrengues na sua busca por fazer dinheiro no futuro brutal e apocalíptico de 2092, passando por caçadas em espaçonaves e tiroteios em bares inundados por neon. Apesar de indulgir em vários clichês do gênero, Nova Ordem Espacial nunca perde de vista sua mensagem de rebeldia e esperança hopepunk: bilionários e corporações estão matando a Terra e a união da classe operária é a única maneira de impedi-los. Possivelmente usando espaçonaves. E lasers. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Para Todos os Garotos 3: Agora e Para Sempre (To All The Boys: Always and Forever, Michael Fimognari)

Se despedir de algo é realmente dolorido, mas algumas despedidas são necessárias. Nesse mês, tivemos que dar tchau para Lara Jean e Peter Kavinsky, e a finalização da história dos dois adolescentes trouxe mais fofura para a Netflix. Trazendo inveja aos solteiros no Valentine’s Day, Para Todos os Garotos 3: Agora e Para Sempre estreou no dia 12 de fevereiro, e acredito que cumpriu as expectativas. 

A história do último filme pode ser um pouco enjoativa, os protagonistas escondem problema,  ficam enrolando para uma conversa franca, e a espera pela aprovação nas universidades faz com que o futuro do casal fique indeciso. O filme, que era para ser leve, acaba sendo puxado e cansativo para uma comédia adolescente romântica.  Mas é aquela história que todo mundo já conhece e no final dá tudo certo. 

Nessa última adaptação, a produção supera os outros filmes, tendo até animações em alguns momentos deixando o filme com uma estética graciosa.  Porém, a conclusão da história não ganha como a melhor, esse prêmio já pertence ao primeiro. Não dá para negar o desejo por esse amor irreal de Lara e Peter, só queremos que eles sejam felizes agora e para sempre bem longe de novas adaptações. – Ana Beatriz Rodrigues

Tim Maia (Mauro Lima)

A cinebiografia do Rei do Soul Brasileiro, protagonizada pelo campeão moral do BBB 20, foi um dos resgates do mês da Netflix. O filme de 2014 foi adaptado do livro Vale Tudo – O Som e a Fúria de Tim Maia, de Nelson Motta, através do roteiro e direção de Mauro Lima (Meu Nome Não É Johnny) e da atuação do querido Babu Santana, acompanhado de um elenco de peso vindo da televisão brasileira.

Sem rodeios, Tim Maia é desenhado na tela com toda a potência que era, tanto criativa, quanto autodestrutiva. O texto não poupa os problemas do artista com álcool e drogas, não apaga seu brilho, ousadia, nem sua personalidade explosiva. Também não disfarça as situações externas que agravaram os problemas de Tim, que é interpretado enquanto jovem de forma morna por Robson Nunes. 

Babu, por sua vez, nasceu para vivê-lo, e faz tudo com tanta beleza que o filme mais parece uma homenagem à existência grandiosa de Tim Maia em toda sua complexidade. Os mais de 120 minutos podem assustar, mas quem quiser mergulhar pode ir sem medo. O filme tem ritmo, tem enredo, tem beleza visual e tem personagens que seguram a responsa de reviver um dos maiores artistas do Brasil. – Raquel Dutra

Saint Maud (Idem, Rose Glass)

Saint Maud é um filme de sensações. Maud, a protagonista, interpretada com a cautela sacra de Morfydd Clark, é uma enfermeira particular obcecada em salvar a alma de sua paciente atual, uma mulher fadada à morte por sua doença degenerativa. A atmosfera de terror sobrenatural é abafada o tempo todo pela direção calculada de Rose Glass, estreante no ramo e que ainda assina o roteiro do filme.

Nada interessado em se enveredar ao terror gráfico, Saint Maud investiga os temores da personagem principal, sua busca por Deus e os martírios auto impostos para ficar mais próxima Dele. Até que ponto a religião significa prazer, e onde a linha da dor se sobrescreve? Pode ser que os noventa minutos não respondam diretamente às questões de Maud nem do público, mas a experiência de limpeza espiritual do filme faz valer a investida. E a cena final marca a fogo nossa mente. – Vitor Evangelista

Music (Idem, Sia)

O filme de estreia da cantora australiana não merece mais do que um parágrafo no hall de fevereiro. Music, em teoria, acompanha a personagem de Maddie Ziegler, uma garota autista não-verbal, depois que perde a avó e precisa viver com a irmã, uma ex-dependente química vivida por Kate Hudson. Entretanto, o musical escrito, dirigido e produzido por Sia é um desastre ofensivo e horrendo. Ziegler é neurotípica, e sua escalação é um desrespeito com a comunidade neurodiversa. O filme é terrível, com números musicais sem noção e desconexos com a trama. As atuações são medíocres, mesmo que Leslie Odom, Jr. esteja presente (sim, o ator incrível de Hamilton e Uma Noite em Miami…). Não há absolutamente nada de positivo nessa tragédia. Gaste seu tempo com algo mais útil, como contar quantos grãos de arroz existem em um pacote de 1kg. – Caroline Campos

Billie Eilish: The World’s a Little Blurry (Idem, R. J. Cutler)

Billie Eilish é uma das maiores revelações recentes do meio musical. Em paralelo com o lançamento de seus novos singles e videoclipes, a vencedora de cinco Grammys lançou, em parceria com a Apple TV+, sua primeira obra cinematográfica, sob direção de R.J. Cutler. O documentário Billie Eilish: The World’s a Little Blurry retrata o processo criativo do seu grandioso álbum WHEN WE ALL FALL SLEEP, WHERE DO WE GO? e os desenrolares da turnê do mesmo.

Diferente de outras produções de mesma temática, o filme tem um aspecto caseiro e nada ensaiado, apresentando o ponto de vista de familiares de Billie diante de sua carreira e escolhas profissionais. A cantora também não hesita em mostrar seus problemas pessoais, que vão desde algumas questões e desilusões amorosas, que toda adolescente passa, até seu enfrentamento diante da síndrome de Tourette. 

Billie Eilish: The World’s A Little Blurry é um convite de entrada para a mente conturbada e inovadora de Eilish. Poder passear por sua trajetória e ideias criativas nos ajuda muito a entender como uma jovem californiana alcançou o estrelato apenas gravando músicas direto do quarto do seu irmão mais velho. – Vitória Silva

Judas e o Messias Negro (Judas and the Black Messiah, Shaka King)

Assim como o bordão de Fred Hampton, seu personagem central e líder político do partido dos Panteras Negras no auge da luta por direitos civis dos EUA da década de 60, Judas e o Messias Negro é revolucionário. Na narrativa, ao mostrar a história pelo olhar “do vilão” (com muitas aspas) traidor Bill O’Neal, que entregou a vida do líder ao FBI; no paralelo das histórias bíblicas, cooptadas pelo ocidente branco; nas escolhas de abordagem, que não suavizam estruturas de poder.

Conduzido pelas atuações inacreditáveis do messiânico Daniel Kaluuya – vencedor do Globo de Ouro e do Critics Choice Awards – e do perdido levado à loucura Lakeith Stanfield, o drama biográfico combina carga emocional – quase sempre segurada pela interpretação impecável de Dominique Fishback – com pontas de documentalismo, sem balela de neutralidade ou medo de ser radical. Tudo aqui é muito sincero em sua intenção de defender a memória de uma das facetas mais importantes da história recente da América, que é alvo de muito preconceito e desonestidade.  

Todos os elogios se estendem ao restante do elenco afiado, à direção de arte que fala por si só, à fotografia explícita e cúmplice, ao roteiro atento e à instância de produção, que carimba a importância de se ter os próprios grupos contando sua história. E se a narrativa é condizente à uma parábola para algo que aconteceu dois mil anos atrás, quem dirá permanecer fiel ao que se vê 60 anos à frente. Judas e o Messias Negro não se fecha em si, é verdadeiro no micro e no macro, retratando como as estruturas de poder reagem às movimentações que ameaçam rui-las. – Raquel Dutra

Minari – Em Busca da Felicidade (Minari, Lee Isaac Chung)

As memórias de Lee Isaac Chung germinaram em uma belíssima obra sobre sonhos e raízes. Minari possui uma trama simples – acompanhamos uma família sul-coreana na tentativa de se estabelecer em uma fazenda no Arkansas durante os anos 80. Ponto. Seria só isso se não fosse a ternura e a delicadeza com que a história do jovem David, sua irmã, seus pais e sua avó é contada. Jacob, chefe da família Yin, se dedica a sua plantação intensamente enquanto tenta conciliar seu papel de pai, suas aspirações e as brigas recorrentes com Monica. O casal é interpretado por Steven Yeun, dono de muitos corações com seu Glenn em The Walking Dead, e Yeri Han, que possui um ar contido e severo, sempre em contradição com o marido.

A luz brilhante de Minari, no entanto, é o nome mais novo que sobe os créditos. Alan Kim, com seus 8 aninhos, caiu no choro ao ganhar o prêmio de Melhor Jovem Ator no Critics Choice Awards. Não é para menos – o garotinho entrega um personagem multifacetado, que enfrenta a sombra da morte ao mesmo tempo que caminha pelos prazeres da infância. E não há nada melhor do que seu relacionamento com a avó recém-chegada da Coréia, vivida por Youn Yuh-jung. Quando os dois estão em tela, as lágrimas correm, sejam elas de gargalhadas ou de emoções extremas. Soonja se redescobre em David, que tem dificuldade de entender o porquê de só a avó dele falar palavrão e não assar cookies.

O roteiro, também assinado por Chung, é sutil em entregar o sonho americano almejado por Jacob. No ano seguinte à vitória de Parasita no Oscar, primeiro filme estrangeiro a alcançar a categoria máxima do homem dourado, Minari surge com a força de seus personagens e a universalidade de sua história. E, com todos os méritos, está sendo reconhecido nessa temporada de premiações. Ao lado do forte Nomadland,  o longa de Lee Isaac Chung tem tudo para conquistar estatuetas. Wonderful, wonderful minari. – Caroline Campos

Eu Me Importo (I Care a Lot, J Blakeson)

Eu Me Importo oscila entre ser instigante e, em outros momentos, até um pouco tedioso. Pelo sucesso nas redes sociais, a espera de um filme mais envolvente pode decepcionar um pouco. O enredo é algo que te faz ansiar muito mais pelo final, que foi justo com a obra mas pode não ter sido o que o público esperava. O longa retrata um esquema de golpes em idosos a partir de curadoria organizados por Marla Grayson (Rosamund Pike) e sua companheira Fran (Eiza González). Essa história começa a dar errado quando elas tentam cometer esse crime com uma idosa que não é tão boazinha quanto parece. 

Além de roubar idosos, Rosamund Pike acabou tomando para si o Globo de Ouro, que poderia facilmente pertencer a Maria Bakalova em seu papel na sequência de Borat. O filme teria tudo para ser um dos melhores, porém o envolvimento da protagonista com a máfia é estranhamente vergonhoso e a trama se perde ao decorrer dos minutos. 

O ápice da narrativa chega quase no encerramento e a reviravolta é atropelada. Mesmo assim, essa história é uma daquelas que faz o público se apaixonar pelo vilão. Expondo verdades grotescas de um sistema que não cuida de idosos, I Care a Lot finaliza com um desfecho vingativo para a protagonista  por se importar demais com si mesma. – Ana Beatriz Rodrigues

Malcolm & Marie (Idem, Sam Levinson)

Dirigido por Sam Levinson, mente criadora por trás de Euphoria, Malcolm & Marie retrata o relacionamento entre um cineasta e uma atriz, que têm seus nomes intitulados na produção e são interpretados por John David Washington e Zendaya, respectivamente. Com apenas os dois personagens compondo o elenco, a trama se ambienta na casa deles, após a noite de estreia do filme de Malcolm nos cinemas.

Remetendo muito a linha narrativa de História de um Casamento, por mostrar uma relação fragilizada pelas divergências e conflitos do casal, a produção se arrasta até o último segundo. O que poderia se resumir em uma cena de 20 minutos, acaba resultando em mais de uma hora de diálogos agressivos e exaustivos, com raras exceções, de um namoro totalmente destrutivo para ambos.

Filmado no contexto da pandemia de covid-19 e do isolamento social, os conflitos por detalhes mínimos podem ser bem compreensíveis para o atual momento que estamos vivendo, mas não convencem. Em compensação, a química entre os protagonistas é algo inegável, e um dos poucos fatores que captam a atenção, juntamente com a brilhante interpretação de Zendaya, que é uma desejável surpresa na corrida para o Oscar 2021. – Vitória Silva

Estados Unidos Vs Billie Holiday (The United States vs. Billie Holiday, Lee Daniels)

Drama biográfico, essa é a definição original do filme Estados Unidos Vs Billie Holiday, que traz parte da história de uma das maiores cantoras de jazz do mundo. A trama relata a perseguição feita pela agência americana de narcotráfico à cantora após dar voz à canção Strange Fruit, que tem em suas entrelinhas um protesto sobre o linchamento de pessoas negras. Uma história necessária de ser contada teve o desprazer de receber a direção clichê de Lee Daniels, que apagou parte da personalidade de Billie em sua própria biografia. O trunfo da produção, sem dúvidas, é a atriz e cantora Andra Day.

Andra encarna Holiday de forma visceral. A preparação da atriz é pensada nos detalhes, como a voz rouca por causa do cigarro. As cenas nas quais a personagem usa drogas, Day ultrapassa atuação nos fazendo identificar a diferença entre prazer e dor. Os momentos referentes à prisão também se tornam memoráveis graças a atriz que se doa por inteira e de forma poderosa à narrativa. Seu olhar fixo ao cantar músicas que exigiam uma maior atenção acerta em cheio quem está assistindo ao filme. Andra Day é impecável do começo ao fim, e sem ela Estados Unidos Vs Billie Holiday não chegaria às premiações. – Ana Júlia Trevisan

TV

Eliminação de Karol Conká (BBB 21, Rede Globo)

Aconteceu. O país se mobilizou nas semanas iniciais do Big Brother Brasil 21 com um objetivo único em mente: precisamos tirar a cantora da casa mais vigiada do Projac. Fatores não faltaram para Karol cair na desgraça dos espectadores, teve xenofobia contra Juliette, teve bifobia contra Lucas Penteado e teve abuso psicológico com todo e qualquer um que se opusesse à curitibana.

A água bateu quando, junto de Lumena, Nego Di e Pocah, ela causou a desistência de Lucas do programa, antes mesmo do segundo paredão. A partir daí, Jaque Patombá (sarcástico apelido dado no Twitter e que virou consenso na internet) cavou a própria cova, mas não sem antes enforcar seu estimado Gabinete do Ódio. Para começar, o otimismo transformou-a em Líder, indicando Sarah, que puxou e eliminou o Inimigo do Riso. Karol então caiu de bunda no Paredão seguinte, que fez história no reality. Eliminada com 99,17% dos votos, Karol Conká foi embora. Tchau, Mamacita.

A Globo mexeu seus palitos, teve comercial longo demais, teve roteiro no Mais Você e teve bateção de ponto no Faustão e no Fantástico. Karol saiu e acabou. Não existe espaço para linchamento, ameaça ou o racismo escancarado que tirou Lumena da casa e tem tudo para fazer o mesmo com Projota daqui alguns dias. O BBB21 mobilizou o Brasil como o até então imbatível BBB20 não havia conseguido. Será mesmo que foi por conta do senso de justiça social, ou apenas uma maneira ‘legitimada’ de propagar preconceito? A resposta é clara. – Vitor Evangelista

Framing Britney Spears (The New York Times Presents, FX on Hulu)

O mundo está de olhos em Britney Spears há muito tempo. O Clube do Mickey foi só uma pontinha do que o futuro guardava para a estrela em ascensão. O sucesso estrondoso de seu debut, que deslanchou sua vida como pop star, cravou na história seu título de Princesa do Pop, e, nos anos seguintes, Spears governou como tal e cresceu como pessoa. Porém, assim como um pai controlador e ciumento, o mundo – e principalmente os Estados Unidos – não aceitaram que sua garotinha não era mais uma garotinha. 

De repente, as mesmas vozes que gritavam eu te amo passaram a gritar palavras de ódio, a duvidar da índole de Britney, de seu caráter, e até da capacidade de criar seus filhos. Seu corpo foi questionado, sua sexualidade, seu rosto, seu envelhecimento, seus relacionamentos, sua carreira e sua maternidade. A imprensa e os tabloides de fofoca não a deixavam em paz; o machismo transbordava nos comentários sobre sua vida; as produções midiáticas zombavam de todas as suas características físicas e psicológicas; e sua família ainda enxergava na filha uma máquina de fazer dinheiro. Assim como qualquer pessoa tem seus limites, Spears também tem. O resto da história você já sabe: uma cabeça raspada e um guarda-chuva, e um processo judicial para retirar as liberdades individuais da cantora e entregar para seu pai. 

Framing Britney Spears, do The New York Times, é apenas uma minúscula fração de desculpas que a imprensa estadunidense e mundial deve à Britney. Já vimos alguns tabloides se desculparem, e muitos dos telespectadores que atiraram pedras no passado hoje as recolhem com vergonha. Mas as consequências prevalecem: a tutela de seu pai Jamie Spears, que controla a vida da artista, a colocou em uma condição quase literal de marionete. A justiça é lenta e às vezes parece estar do lado de Jamie, enquanto Britney apenas pede pela sua liberdade, então cabe a nós assumirmos essa luta, também por outras pessoas que se encontrem na mesma situação mas não sejam famosas. É o mínimo a fazer por tudo que o mundo deve à Spears. #FreeBritney – Jho Brunhara

Cidade Invisível (1ª temporada, Netflix)

Após Bom dia, Verônica, a Netflix acertou em outra produção brasileira. Cidade Invisível chegou prometendo levar o folclore brasileiro ao mundo com Marco Pigossi e Alessandra Negrini. Os sete episódios conseguem viciar, e a abstinência da série chega rápido com o final, que deixa diversas dúvidas. Mas, antes do encerramento, a produção acumulou diversos pontos positivos. A trama foi bem desenvolvida, e a mistura de suspense, investigação e o folclore mostrou um ótimo resultado. 

O sucesso no Brasil e no mundo foi garantido, entretanto, as ocupações em diversos Top 10 vieram também com várias críticas. O folclore brasileiro é fruto das culturas nativas do nosso país, porém há falta de representatividade indígena na produção e no elenco da série. Além disso, os gringos vão continuar só conhecendo o Rio de Janeiro e São Paulo se todos os grandes produtos não saírem desse eixo. E Cidade Invisível era uma ótima oportunidade para explorar as outras regiões do país. 

Mesmo com esses grandes erros, assistir à série pode ser uma boa experiência. Conhecer uma Cuca sem ser um jacaré gigante, e o Boto ser mais bonito do que imaginaríamos, pode trazer uma maior curiosidade sobre histórias que escutávamos quando éramos crianças. Os efeitos especiais também são incríveis, e a representação do Curupira com seu cabelo de fogo é surpreendente. Em Cidade Invisível, ficamos encantados com a Iara, demos risada com o Saci e nos apavoramos com o Corpo Seco. Porém, a melhor sensação é saber que mais pessoas possam conhecer as histórias do nosso país.  – Ana Beatriz Rodrigues

Dickinson (2ª temporada, Apple TV+)

A segunda temporada de Dickinson, a romantização anacrônica da vida de Emily Dickinson, terminou no final de fevereiro, após uma série de críticas positivas que conquistaram os almejados 100% no Rotten Tomatoes e uma renovação antecipada para a terceira temporada ainda em 2020. A queridinha dos assinantes da Apple TV+ voltou com tudo e mais um pouco.

Com ainda mais enfoque na estética irreverente e rebelde, a showrunner Alena Smith consegue usar as lacunas na vida da reclusa poeta (interpretada por Hailee Steinfeld) para tecer uma narrativa poderosa e até mesmo surreal sobre a natureza da fama, da arte e do motivo pelo qual perseguimos ambas. Assombrada pelo fantasma de Ninguém e pela figura carismática e traiçoeira de Sam Bowles (Finn Jones), Emily terá de decidir que tipo de poeta ela quer ser, e o que ela está disposta a dar em troca dessa fama. A figura reinventada de Sue Dickinson (Ella Hunt) também é um dos pontos chaves da temporada, se desenvolvendo sutilmente ao longo dos 10 episódios e culminando em alguns de seus momentos mais explosivos e emocionantes.

Um elenco de personagens secundários extremamente bem desenvolvidos e aparições especiais de figuras como o Ceifador (mais uma vez interpretado por Wiz Khalifa) e o fantasma bêbado e com tesão de Edgar Allan Poe (Nick Kroll) ajudam a cimentar essa comédia familiar esquisita e extremamente bem escrita como um dos carros chefes do streaming da Apple. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Mr. Mayor (1ª temporada, NBC)

Mr. Mayor foi idealizada como um spin-off de 30 Rock, mas o projeto não foi para frente. Muitos anos depois de sua concepção original, a dupla imbatível Tina Fey e Robert Carlock reformulou o núcleo da comédia e escalou Ted Danson, recém-saído do Bom Lugar, como o prefeito de Los Angeles e protagonista dessa sitcom da NBC.

O resultado é frustrante. Para ser justo, Mr. Mayor tem todos os atributos para ser uma comédia de sucesso, só que dez anos atrás. O texto é óbvio demais e moderno demais, tem TikTok, tem cancelamento, tem a bobeira que a TV aberta dos EUA adora adotar e chamar de refinado. Ted Danson fala e se move em cena exatamente igual a como fazia em The Good Place, nem o figurino muda. 

A comédia é uma grower em potencial (quando o amor cresce ao passar dos episódios), mas o rápido contrato de 9 capítulos na temporada inicial não parece um bom sinal para a produção. Dedos cruzados para Tina Fey acordar com boas ideias para um eventual ano dois e colocar Mr. Mayor nos eixos. Por agora, é melhor reassistir 30 Rock e Unbreakable Kimmy Schmidt. – Vitor Evangelista

Selena + Chef (2ª temporada, HBO Max)

Selena + Chef foi um sucesso e a HBO Max resolveu nos presentear com mais uma temporada. Nesta segunda parte, os chefes ainda tentam aprimorar os dotes culinários de Selena Gomez, mas os desastres na cozinha para fazer bons pratos não mudam. E a atração mais esperada continua: o “papa”, como a cantora chama seu avô, participa dos dez novos episódios da série. Após quase perder um dedo e ganhar uma conta no Instagram especialmente para suas exóticas facas de cozinha, Selena está de volta para entreter mais um pouco. 

Necessariamente remoto, leve, diferenciado e perfeito para relaxar a mente sozinho ou com a família, o programa persiste em seu formato certeiro. De praxe, a cantora não deixa de reverter seus trabalhos à uma boa causa. A cada final de episódio, a texana ainda pede para um chef apoiar uma organização de caridade de sua escolha e a mesma doa uma quantidade de dinheiro para diferentes necessidades. Se existe um fato sobre Gomez é que ela jamais deixará de apoiar causas em que acredita, seja nos palcos, cinemas e até mesmo na cozinha.

O mais notável da série é o público ter o privilégio de conhecer melhor Selena. A cantora é restrita e não aparece muito em suas redes sociais, não dá as caras a não ser que seja a trabalho. O programa dá espaço para entrar na casa dela e ter contato com a artista, amigas e familiares em um bom bate-papo dos renomados chefs de cozinha que, além de questões culinárias, sempre a questionam sobre sua vida pessoal. Até mesmo ligar para Taylor Swift, uma de suas melhores amigas, através do FaceTime, o programa já proporcionou. Para quem a quer conhecer melhor, Selena + Chef é um prato cheio. – Giovana Guarizo

Por Trás de Seus Olhos (Behind Her Eyes, Minissérie, Netflix)

Surpresa nem sempre é boa e não só de reviravoltas se faz um suspense, e Por Trás de Seus Olhos está aí pra comprovar isso. A produção da Netflix baseia-se no best-seller homônimo de Sarah Pinborough e se vende como um suspense psicológico, entregando, na verdade, uma base em fantasia que não cola e um humor que não vira, falhando, assim, com boa parte dos pressupostos do gênero.

Ritmo, roteiro bem dosado e direção segura são elementos que a minissérie desconhece. As estonteantes Eve Hawson e Simona Brown seguram até onde dá o roteiro esquisito e criam uma dinâmica para suas personagens que segue até a última cena, sendo a verdadeira joia do suspense. Tom Bateman, entretanto, não consegue superar a limitação do texto e imprimir verossimilhança da terceira parte do triângulo amoroso que fundamenta a história. 

Se você valoriza o inesperado acima de tudo e gosta de narrativas que jogam pela janela todas as crenças que você constrói sobre elas, o play pode até valer a pena, desde que você esteja com paciência para relevar a falta de liga da minissérie. Se você não dispensa algo bem amarrado que gradativamente chega ao ápice, talvez não de forma tão surpreendente mas mais fiel à história que o suspense construiu entre o primeiro episódio e a reviravolta final, é melhor não perder seu tempo e (re)assistir Little Fires Everywhere. – Raquel Dutra

How to Get Away With Murder (6ª temporada, Netflix)

A terrível última temporada de How to Get Away With Murder finalmente chegou ao catálogo da Netflix. Uma narrativa que já não tinha nada a oferecer há um bom tempo foi extraída até o último segundo para entregar capítulos medíocres do início ao fim.

Pegando o gancho do ano anterior, os roteiristas não se esforçaram nem um pouco para entregar uma conclusão decente, e apenas reciclaram casos do passado. O cansativo conflito com os Castillo, o retorno do fantasma do Sam (Tom Verica), e familiares que surgem apenas para atrapalhar tudo. E, mais uma vez, o mundo todo está contra Annalise Keating (Viola Davis) e os malas dos seus alunos não se dispõem nem a ajudar. 

A brilhante atuação de Viola Davis não necessita de mais elogios, e entrega pela sexta vez um dos únicos pontos altos da temporada. Ao seu lado, uma das principais motivações para se enfrentar cada um dos episódios é a performance majestosa de Cicely Tyson, e sua última atuação em vida, que rendeu a única indicação da série ao Emmy 2020. Para quem já chegou até o quinto ano da série, o melhor a se fazer é assistir o mais rápido possível para se livrar dessa bomba.  – Vitória Silva

Cena do Crime – Mistério e Morte no Hotel Cecil (Crime Scene: The Vanishing at the Cecil Hotel, Minissérie, Netflix)

A história é conhecida: em 2013, a jovem Elisa Lam desapareceu em Los Angeles sem deixar nenhuma pista. Ela estava hospedada no infame Hotel Cecil, localizado no centro da cidade e famoso pelas mais variadas formas de violência que já ocorreram em seus quartos. Alguns dias depois, os hóspedes notaram a falta de pressão e o estranho gosto da água. Elisa estava morta na caixa d’água do hotel. O desenrolar chocou a todos – polícia, mídia, stalkers, teóricos da conspiração. Não cabe aqui os detalhes da história, extremamente triste, de Elisa.

O que poderia ter sido um documentário interessante sobre a canadense se tornou um desrespeito. Ao invés de elucidar os fatos e prestar uma homenagem, o diretor Joe Berlinger criou suspenses desnecessários, enrolou até o limite por quatro episódios, e o pior: deu voz aos detetives fanáticos e desesperados da internet. Por trás do estranho desaparecimento de Elisa, os “detetives” criaram milhares de teorias, argumentos e passaram a ignorar provas, atrapalhar a investigação e acabar com a vida de pessoas aleatórias que eles supuseram estar envolvidas. Para terminar de massacrar a sua minissérie, Berlinger ainda chamou os youtubers e teóricos para darem seus depoimentos. O diretor resolveu dar mais palco às pessoas que, em nome da justiça por Elisa, atormentaram a vida de seus familiares e dos investigadores.

O resultado foi desastroso. A linha narrativa é brega, confusa e de mau caráter. Principalmente após introduzir o vídeo bizarro da jovem no elevador do hotel, Joe Berlinger dá espaço para a chamarem, novamente, de “arma biológica”, “possuída” e outras suposições enterradas da época. O último episódio, com os relatos mais sensatos, não consegue corrigir a tentativa estúpida de retratar o acidente através de terceiros, de pessoas que achavam ter alguma ligação com a garota, ignorando todo o impacto do acontecimento na vida de quem realmente a conhecia e a amava. Que Elisa esteja em paz. – Caroline Campos

Amigas Para Sempre (Firefly Lane, 1ª temporada, Netflix)

Amigas Para Sempre mostra a amizade duradoura e complicada de Tully Hart (Katherine Heigl) e Kate Mularkey (Sarah Chalke), sendo baseada no romance Firefly Lane de Kristin Hannah. A série se passa nos anos 2000, momento decisivo na vida das duas. Tully está tendo problemas em seu programa de TV e sofre também uma reviravolta amorosa. Já Kate está se divorciando de Johnny (Ben Lawson), com quem dividiu os últimos 15 anos e têm uma filha adolescente, além de tentar voltar ao mercado de trabalho. A narrativa é complementada com flashbacks das décadas de 70 e 80, revelando mais sobre os altos e baixos das amigas. Entretanto, algumas lembranças são confusas ou mesmo vagas, tornando o roteiro desconexo, sem falar que a série enrola bastante nos seus 50 minutos de cada episódio. 

Apesar desses problemas com o roteiro, é uma produção gostosa de assistir, com direito a riso, reflexão, choro e conforto. Cabe também o aviso de que há gatilhos, como cenas de estupro e aborto espontâneo, deixando a vibe mais pesada em alguns momentos. Nota-se também o desejo da Netflix de atrair um público na casa dos 30-40 anos, pois mostra temas bem pertinentes a essa geração, entretanto, todo o contexto com o passado das personagens traz identificação a qualquer idade. É fácil recordar vivências parecidas ou se imaginar nas situações.  – Mauê Salina Duarte

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Mauê Salina Duarte

Amizade: sentimento de afeição, de estima, de dedicação recíproca entre pessoas. Amigo é quem nos acolhe mesmo se estamos errados, nos aconselha e até briga com a gente, mas não nos abandona. É a pessoa que desabafamos, rimos, confiamos e torcemos. É a pessoa que corremos para contar as novidades, com quem curtimos festas ou mesmo o colo que nos aconchega quando nos sentimos vulneráveis. Amigo é a pessoa que nos faz bem só de estar junto, mesmo se for pra compartilhar o famoso “fazer nada”.  São a família que escolhemos ao longo da vida. Amigos verdadeiros são espécie em extinção, se você tem algum, cuide bem.

E é mostrando uma amizade duradoura e complicada que a nova série da Netflix, Amigas Para Sempre, estreou no início de fevereiro, sendo baseada no romance Firefly Lane de Kristin Hannah. Tully e Kate se conheceram na chamada Alameda dos Vagalumes durante a adolescência e, apesar dos altos e baixos, se mantêm unidas na vida adulta. Melhor dizendo, elas são amigas inseparáveis! As duas vivem trinta anos de cumplicidade, porém as personalidades das personagens são bem distintas.

Tully Hart (Katherine Heigl) é extrovertida e se dedica de corpo e alma a sua carreira, ao contrário de Kate Mularkey (Sarah Chalke), mais discreta e que concentrou os últimos 15 anos no matrimônio e na criação da filha. A infância delas também foi bem diferente. Enquanto Kate foi criada por uma família aparentemente tradicional, Tully não sabe quem é seu pai e cresceu com uma mãe completamente sem noção viciada em drogas.

A narrativa se passa nos anos 2000, entretanto se desenvolve junto aos flashbacks da adolescência das personagens nos anos 70 e início da vida adulta na década de 80. A ideia de voltar no tempo para contextualizar algo lembra This Is Us, e é útil por trazer um lado dinâmico ao enredo, em especial quando mostram momentos marcantes, e até pesados, da adolescência de Mularkey e Hart, reforçando traços de cada uma. Porém, Amigas Para Sempre se perde em algumas lembranças vagas e confusas, outras até são desnecessárias, a exemplo a explicação de como Tully conseguiu uma cicatriz no joelho em um momento de descontração entre os colegas de trabalho. Esses deslizes fazem com que o roteiro fique desconexo, prejudicando o entendimento do público. 

Sem dúvida, o que realmente salva a produção é a química entre as atrizes. Katherine Heigl (A Verdade Nua e Crua) e Sarah Chalke (Scrubs) formam uma dupla e tanto! Há verdade quando contracenam juntas, não parece ficção. Apesar das diferenças, ambas as personagens escolhem o jornalismo como carreira, inclusive chegam a trabalhar juntas em uma emissora de televisão, rendendo boas cenas sobre o mundo das notícias. O dom para a comunicação faz de Tully uma repórter, depois âncora de jornal, chegando a ter seu próprio programa na TV.

Já Kate, com seu jeito mais tímido e reservado, ficou por trás da câmera atuando maravilhosamente como roteirista. Em meio a isso, quase se desenrola um triângulo amoroso que vira e mexe traz algum desconforto à elas. Apesar dos percalços e das diferenças, as amigas se compreendem e são o porto seguro uma da outra, isso quando Tully não dificulta as coisas com sua postura inabalável e dona de si, deixando Kate de escanteio em certas ocasiões e abalando sua relação.

Pode-se dizer que a vida imita a arte ou vice-versa. Heigl vem tentando recuperar seu status de estrela de Hollywood que conquistou graças ao papel de Dra. Izzie Stevens em Grey’s Anatomy, e protagonizando comédias românticas de grande bilheteria, como Vestida Para Casar. Isso pois ficou com fama de ingrata e prepotente no mercado após declarações sobre filmes em que atuou. A exemplo, quando se referiu ao longa Ligeiramente Grávidos, seu maior sucesso cinematográfico, como “um pouco machista” e criticou os estereótipos da obra e, embora estivesse certa em seus argumentos, foi atacada pela indústria da época e que a rotulou como “díficil de lidar”. Será que com Amigas Para Sempre Katherine Heigl reconquista o seus tempos de glória?

É fato que a Netflix passou anos investindo na sua popularidade entre os jovens produzindo séries teen, mas pelo que parece, quer conquistar um novo nicho. O foco da vez são os melodramas para adultos, tendo destaque para Doces Magnólias e Virgin River, e Amigas Para Sempre é a nova integrante desse time. Pelos temas apresentados, envolvendo mercado de trabalho, maternidade e casamento, nota-se o objetivo da plataforma de alcançar o público na casa dos 30 a 40 anos. No entanto, todo o contexto da amizade, incluindo os flashbacks da juventude, faz a série ser atraente a diversas demografias.

Em seu lançamento, a trama ficou entre os 10 títulos mais assistidos da plataforma. Apesar de alguns problemas no roteiro, a série é gostosa de assistir, tendo uma média de 50 minutos por episódio, com direito a riso, choro, reflexão e sensação de conforto. É bom avisar que contém gatilhos também, como cena de estupro e de aborto espontâneo, deixando a série com uma vibe mais pesada e chocante em certas partes. Entretanto, o mais legal é ver o amadurecimento (ou nem tanto) de Tully, Kate e os demais. Cada fase mostrada tem suas provocações, medos e posicionamentos. Mostra que certas coisas ficam enterradas no passado, mas outras marcam e influenciam até a eternidade.

É nítido que o foco de Amigas Para Sempre é a amizade, o que torna comum se identificar com as personagens. Pode ser nos amores platônicos da adolescência, nos trabalhos da universidade, ou mesmo nas crises existenciais, com certeza  você vai lembrar de alguém que vivenciou essas situações com você e esteve ali para te apoiar. Aliás, já fica a dica para assistir com quem veio a sua cabeça ao ler esse texto, ou, já que ainda estamos na pandemia, vale procurar pelo Netflix Party e assistir em tempo real com a pessoa, mesmo separados!

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Mauê Salina Duarte

Perambulando pelo mundo publicitário em mais um clichê americano, Emily em Paris chegou causando à Netflix. Em poucos dias, a série de comédia romântica  já estava entre as mais assistidas da plataforma, despertando a atenção até mesmo da crítica francesa, que, por sinal, não curtiu muito os estereótipos parisienses dos personagens. A trama é uma fuga de tudo que envolve a pandemia atual, ou seja, é exatamente o que estávamos precisando. Para completar, é dirigida por Darren Star, conhecido por Sex and the City.

Emily em Paris foi coproduzida pela Jax Media e MTV Studios, e desenvolvida originalmente para a Paramount Network, encomendada dois anos atrás. Entretanto, em 2020, a produção passou para a Netflix. Interpretada por Lily Collins, a protagonista Emily é uma jovem executiva de marketing que deixa os Estados Unidos para trabalhar em uma empresa na França, passando por um choque cultural. Acontece que a moça mal sabe falar francês, e ainda encara outras barras, como a não aprovação de sua nova equipe e o término de um namoro. Com o intuito de mostrar seu dia a dia na nova cidade, a estadunidense ataca como blogueira e cria um perfil no Instagram.

Emily chega sacudindo o mais novo job com sua criatividade, despertando a ira de alguns e a simpatia de outros no escritório, lindíssimo por sinal, da empresa Savoir. Enquanto a arquitetura é clássica, a mobília atrela o moderno ao glamuroso, ficando um charme. Sylvie, interpretada pela francesa Philippine Leroy-Beaulieu, é a mais nova chefe da blogueira, autoritária e inflexível. No escritório, também trabalham Luc (Bruno Gouery) e Julien (Samuel Arnold), colegas irreverentes de Emily.

Fora do ambiente de trabalho, a norte-americana logo faz amizades. Entre elas, Mindy, uma jovem de origem chinesa que trabalha como babá na cidade luz, dona de uma voz lindíssima, e que ainda guarda um segredinho. Ela é aquela personagem vibrante e divertida que dá até vontade de ter como amiga. A sintonia entre Mindy e Emily mostra que nem sempre a amizade precisa ser antiga para ser leal, além de ser uma delícia acompanhar os papos e as aventuras delas. A estadunidense também cria afinidade com Gabriel (Lucas Bravo), seu atraente vizinho de apartamento, que é chefe de cozinha. Logo, Emily se interessa amorosamente por ele. Porém, alguns minutos depois de beijá-lo pela primeira vez, ela descobre que está em um triângulo amoroso, quebrando suas expectativas e a do próprio público. 

Patricia Field é a figurinista da produção. Ela carrega na bagagem o filme O Diabo Veste Prada e o vestuário da Carrie Bradshaw de Sex and The City. Não à toa, os looks da protagonista deram o que falar, com descontração e originalidade, o guarda-roupa da estadunidense chamou a atenção do público. Seu estilo é basicamente uma mistura caricata e exagerada de Serena Van Der Woodsen e Blair Waldorf de Gossip Girl, com toques mais atuais. Provavelmente imaginando a comparação, Darren Star, diretor da trama, agregou à produção referências ao Upper East Side, com direito até a um “spoiler” do final de GG em uma das cenas.

A trama é praticamente toda ambientada na França, principalmente na cidade de Paris e seus subúrbios. Algo interessante da série é que maioria dos atores e atrizes são realmente franceses, ainda sim, seus personagens são muito estereotipados, sendo taxados como antipáticos e sexistas na maior parte do tempo. Se a atuação fosse apenas de norte-americanos poderíamos entender o porquê disso ocorrer.

A própria situação ‘peixinho fora d’água’ já não é nada inédita e, ainda mostrando os supérfluos white people problems, Emily em Paris é superficial. Apesar dos percalços, a vida de Emily não é das mais difíceis. Emprego novo e romances fazem parte da história da maioria das tramas de séries e filmes, é só lembrar do próprio O Diabo Veste Prada ou de Como Eu Era Antes de Você. No entanto, todos querem uma fuga de seus problemas. Acompanhar produções que não abalam ainda mais o psicológico, como esta, é sempre um boa pedida.

A série é leve e até boba pois não aborda temas tão pesados e é fácil de assistir, perfeita para quem quer dar um tempo da vida fora da tela. Os 10 episódios de Emily em Paris demonstram que a comédia é aquela futilidade necessária. Notando isso, a Netflix já confirmou a renovação das  histórias de Emily e companhia. “Dois é melhor que um”, diz o anúncio. Pelo jeito, o coração da norte-americana vai continuar dividido. Darren Star já comentou sobre a ideia da moça viajar pela Europa no segundo ano da trama, será que vai rolar? 

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Mauê Salina Duarte

Lançada em novembro de 2019 pela Netflix e dirigida por Daniel Rezende, a série Ninguém Tá Olhando usa o humor para discutir temas existenciais, lembrando um pouco a aclamada The Good Place. No entanto, enquanto a produção americana explora a vida após a morte, a brasileira foca na vida mundana. Contando com a atuação de nomes bem conhecidos pelos jovens, entre eles Kéfera, que interpreta a personagem Miriam e Projota, que dá vida a Richard. Entretanto, o protagonista é o carioca Victor Lamoglia, intérprete de Úli, um anjo da guarda novato do Sistema Angelus De Proteção Aos Humanos.

Antes de tudo, é necessário explicar como funciona o sistema mostrado na série. Esse modelo é formado por “angelus”, anjos da guarda reais, porém bem diferentes dos que imaginamos. Os angelus possuem cabelos vermelhos e asas somente de enfeite. Isso mesmo que você leu, eles não voam! São gente como a gente, até andam de transporte público. A função de cada um deles é acompanhar um humano selecionado pelo Chefe, que, por sinal, nunca foi visto. Além disso, precisam obedecer 4 regras importantíssimas: cumprir a ordem do dia, não aparecer para os humanos, não proteger humanos fora da ordem do dia e jamais entrar na sala do Chefe.

Tudo ocorria normalmente no Sistema até a chegada de Úli, o primeiro angelus criado no distrito em 300 anos. O grande problema é que o rapaz não concorda com os códigos estabelecidos e, ao contrário dos demais, realmente queria ajudar os humanos de forma mais profunda, e acaba quebrando regras. Porém, para a surpresa dele, nada de punição. Assim, o angelus começa a acreditar que ninguém realmente os observa, e é aí que tudo sai dos trilhos. 

Úli decide explorar a humanidade, levando consigo os veteranos Greta (Júlia Rabello) e Chun (Danilo de Moura), e interferindo na vida de algumas pessoas. Na Terra, os três tentam desvendar a vida mundana. A atuação do trio tem muita sintonia, e é gostoso vê-los experimentando sensações tipicamente humanas. Greta se joga aos excessos e, em consequência, paga por isso. Úli conhece a paixão e suas decepções. Chun é mais cauteloso, pois tem medo de romper com as normas que sempre lhe foram postas como absolutas, ficando em um impasse.

A reflexão principal da série gira em torno de algo como: se ninguém está olhando, podemos fazer o que quisermos e não seremos punidos? Pois é, complicado. Mas deixe para analisar isso durante os episódios. Ademais, a produção vai te fazer questionar e ver que algumas preocupações não fazem sentido algum.

Apesar de reflexiva, a história é leve e divertida. O começo é um pouco devagar, com o intuito de situar o público no contexto da obra, mas, em seguida, tudo flui perfeitamente. Com seu jeitinho despretensioso, Úli traz familiaridade, causando uma identificação imediata. Seu lema “a vida não é aleatória por acaso” pode ser confuso, mas resume a história e também a realidade. A trama é irreverente e os episódios são curtos, de 20 a 30 minutos, tornando natural maratonar a série em uma tarde. 

Ainda por cima, Ninguém Tá Olhando é pura brasilidade, por se passar no Rio de Janeiro e retratar um cotidiano popular. O humor assemelha-se ao da Porta Dos Fundos e Parafernalha, que já estamos acostumados. Daniel Rezende, diretor da produção, é importantíssimo para o audiovisual brasileiro. É responsável pelo recente longa Turma da Mônica: Laços, bem como o filme Bingo: O Rei Das Manhãs (2017) e alguns episódios da série O Mecanismo (2018).

Apesar das qualidades, o final deixou a desejar. Para não dar spoiler, melhor dizer que o desfecho ficou bem vago. Ainda por cima a Netflix confirmou que não produzirá uma sequência para Ninguém Tá Olhando, decepcionando quem queria a continuação das aventuras de Úli e companhia. Entretanto, mesmo com apenas uma temporada, a série de Daniel Rezende foi indicada ao Emmy Internacional na categoria comédia, concorrendo com Back To Life (Reino Unido), Fifty (Israel) e Four More Shots Please (Índia). A cerimônia do evento será em Nova York e irá ao ar em 23 de novembro.

Para dar boas risadas, passar o tempo, refletir um pouco e, ainda por cima, dar créditos à produção audiovisual brasileira, assistir à Ninguém Tá Olhando é uma ótima opção. Durante a história você vai perceber que “o que os humanos chamam de sorte, nada mais é do que o trabalho invisível de um angelus”.

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Mauê Salina Duarte

Quase Uma Rockstar chegou a Netflix no finalzinho de agosto, e já está fazendo barulho na plataforma de streaming. O filme é baseado no livro All Together Now, escrito por Matthew Quick, o mesmo autor de O Lado Bom da Vida. O longa tem direção de Brett Haley, diretor de Por Lugares incríveis. A mais nova produção cinematográfica tem estilo adolescente mas, não pense que se trata de romance platônico, líderes de torcida ou qualquer outro clichê do cinema americano teen. Aqui a história é outra: a adaptação de Quase Uma Rockstar mistura drama e amadurecimento, com doses de humor e romance.

Amber Appleton é uma jovem extremamente esperançosa e empática de 17 anos. Ela é musicista e excelente aluna, e seu sonho é ingressar na Universidade Carnegie Mellon. A personagem dá aulas de inglês para imigrantes coreanas de graça, ajuda em um lar de idosos, trabalha em uma loja de donuts e tem seu cãozinho Bobby Big Boy sempre ao seu lado.

Entretanto, seu sorriso esconde os dramas familiares que vive. A garota perdeu o pai anos atrás e a mãe, que é alcoólatra, está namorando um cara violento. A mãe ainda dirige um ônibus escolar que ela e a filha usam como moradia. Como se não bastasse tudo isso, a vida segue dando rasteiras na menina e assim o filme se desenrola.

A protagonista esconde seus dramas de todos, se afundando cada vez mais em si mesma, e acredita que deve resolver tudo sozinha. Porém, ao decorrer da história, entende que pode (e deve) aceitar ajuda de quem a ama. Amber é interpretada pela talentosíssima Auli’i Cravalho, conhecida por dublar a protagonista de Moana – Um Mar de Aventuras na produção infantil da Disney.

A atuação de Auli’i em Quase Uma Rockstar é encantadora. A jovem realmente sabe se aprofundar em um papel e passar emoção ao público, o destaque aqui é definitivamente ela. Todavia, um filme dificilmente se estrutura por completo em torno de um único personagem. Esse é o erro do longa, a maioria dos demais personagens não cativam.

Nem a mulherada do coral coreano nem os amigos de Amber conquistam o espectador, pois sequer tem suas histórias mostradas superficialmente. Desse modo é difícil criar um laço de proximidade com eles, comprometendo o envolvimento do público. A própria mãe da menina, interpretada por Justina Machado (que deu vida a Darci Factor em Jane The Virgin e Penelope Alvarez em One Day At a Time) não tem seu lado mostrado, o que seria muito enriquecedor à trama. A diversidade de personagens e elenco tinha tudo para ser um destaque, inclusive pela representatividade que possui. No entanto, Quase Uma Rockstar tem seu ponto negativo justamente no que mais brilharia caso fosse diferente.

Resumindo, o filme é bem bacana e comovente, porém, para quem leu a obra original de Matthew Quick, é um tanto decepcionante. Não é novidade para ninguém que na maioria das vezes o livro tem detalhes riquíssimos que não vão para o filme, contudo, a adaptação de Quase Uma Rockstar para o cinema peca demais nesse quesito. Deixando para trás personagens e outros dramas, que realmente podiam deixar qualquer um com lágrimas nos olhos.

Sim, o filme também é emocionante, mas sem dúvidas o livro o supera. Assim como na adaptação para o cinema do livro O Lado Bom da Vida, também escrito por Quick, Quase Uma Rockstar parece se apressar para o final. O enredo poderia conter mais detalhes, ganhando mais tempo no filme. Mas, apesar dos defeitos, a história de Amber merece ser conhecida.

Para quem quer passar um tempinho assistindo algo tocante e que deixe o coração quentinho, o longa é uma ótima sugestão. Caso deseje algo mais profundo e gostar de ler, a obra original é uma excelente pedida. A história é bem diferente dos atuais filmes teen, trazendo problemas reais. Sendo no livro ou no filme, não se nega que Amber muda a vida das pessoas com quem convive.

Seus amigos, os idosos e as imigrantes que ajudam, todos tem a vida tocada pela jovem, e até mesmo o público. A garota ensina aquela velha história de que os problemas existem, mas a esperança deve ser maior, e mais: receber ajuda não é sinal de fraqueza. Pode soar bobo, mas é verdade: Quase Uma Rockstar te faz sentir abraçado.

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Mauê Salina Duarte

Como funciona o triângulo das bermudas? Será que as inteligências artificiais dominarão o mundo? O aquecimento global realmente existe? Apresentada por Felipe Castanhari, a série Mundo Mistério produzida pela Netflix, estreou no começo de agosto com um formato bem interessante, lembrando os vídeos de ciências e história produzidos pelo próprio youtuber em seu canal Nostalgia.

De forma leve e com roteiro acompanhado por profissionais da área, a série apresenta temas curiosos relacionados à ciência. Os assuntos são contextualizados em conversas no laboratório da Dra. Tay ( Lilian Regina) com o zelador Betinho (Bruno Miranda), BRIGGS (inteligência artificial dublada por Guilherme Briggs, famoso por dar voz ao Buzz Lightyear em Toy Story) e o próprio Castanhari.

Cada episódio possui aproximadamente 25 minutos e trata de um tema distinto aos demais. Entre os 8 temas apresentados, estão: Os mistérios do triângulo das bermudas, Os 20 milhões de mortos da Grande Peste, Do lobo ao cão, Apocalipse zumbi. E se fosse real?, A grande extinção e Aquecimento global. Uma grande conspiração? Temas interessantes não faltam!

É possível desanimar ao assistir o primeiro programa, referente ao triângulo das bermudas, pois é um tanto parado. Porém, é garantido que os demais prendam sua atenção, desses, dois merecem destaque: “Aprendendo a viajar no tempo” e “O caminho para uma super inteligência artificial”. Ambos são muito bem explicados e não te deixam tirar os olhos da tela.

O primeiro, como o nome já diz, diz respeito à viagem no tempo, mais especificamente se é ou não possível tal feito. Neste episódio, o dono do canal Nostalgia visita o Sirius, o maior acelerador de partículas da América Latina, com 500 m de comprimento, localizado em Campinas (SP). No local, Castanhari descreve como elétrons são acelerados quase na velocidade da luz, com objetivo final de produzir um tipo especial de luz, usada em diversos experimentos pelo mundo. Por que a série mostra isso? Bom,  tudo faz relação à viagem no tempo, porém, é só assistindo Mundo Mistério para entender da melhor forma.

O segundo episódio destacado anteriormente, referente às tecnologias artificiais, é o penúltimo da série. Nele, BRIGGS apresenta alguns defeitos e Betinho acredita que a máquina quer atacá-lo, Castanhari acha graça e decide explicar ao zelador sobre os tipos de inteligência artificial. O capítulo também aborda como a sociedade tem evoluído no ramo da tecnologia cada vez mais rápido, e nas palavras de BRIGGS: “Cada salto desses transforma completamente a forma que vivemos, e precisa cada vez menos tempo para acontecer”.

Quanto à imagem, a fotografia de Mundo Mistério é de cair o queixo, tendo até resolução 4K. Os cenários do estúdio são muito bem pensados e as locações são simplesmente incríveis. Ao falar da Peste Negra, Felipe Castanhari visita deslumbrantes castelos do Reino Unido. Aliás, a respeito de epidemias, o apresentador faz a seguinte pergunta: “será que uma epidemia mudaria o mundo nos dias de hoje?”. É Castanhari, 2020 te respondeu. Vale lembrar que a série foi gravada em 2019, quando não fazíamos ideia do que nos aguardava.

Apesar das qualidades, a série também tem seus defeitos. Como por exemplo, há momentos em que a encenação do trio deixa a desejar e os atores não têm tanta sintonia, além de que algumas piadas parecem forçadas. Entretanto, de modo geral, a produção é bem bacana para quem quer relaxar e ao mesmo tempo aprender. O tempo curto dos episódios e a forma como são apresentados, os deixam bem instigantes e didáticos. É uma série bastante dinâmica e ainda mostra exemplos práticos do que é abordado, facilitando o entendimento dos assuntos. Vale a pena tirar um tempinho do dia para assistir Mundo Mistério, e descobrir se o mundo realmente é um mistério.

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