Costanza Guerriero

“Eu não sou uma estilista. Eu uso as roupas para contar histórias”, disse a figurinista Jenny Beavan após ganhar o Oscar de Melhor Figurino pelo filme Cruella. Sua frase define bem o que a categoria representa, ou deveria representar, dentro da indústria cinematográfica. A Moda pela Moda deixa de existir em nome da Sétima Arte e se transforma em uma linguagem visual com um único objetivo final: contar uma história. Desde os primórdios da interpretação, do teatro ao começo do Cinema, o figurino está presente como um elemento essencial na construção de uma narrativa. Ainda assim, a categoria parece ser uma das menos prestigiadas, como ficou claro no Oscar de 2022, quando ficou entre as oito a serem premiadas fora da transmissão ao vivo.

Destaca-se que a Moda e o Cinema possuem muitos pontos em comum, sendo ambos linguagem multimidiáticas, que trabalham com a narração. No audiovisual, a comunicação se dá de maneira mais óbvia, contando histórias por meio dos sentidos a que remete, enquanto a primeira expressa narrativas de modo mais silencioso, por meio de modelos, tecidos, texturas e artefatos. A união dessas duas artes dá origem ao design de figurino, situação na qual a produção cinematográfica cresce, com as contribuições do estilismo. Apesar do papel essencial das vestimentas nas produções, o Oscar e seus telespectadores insistem em trazer pouca visibilidade para a categoria, o que pode se justificar por três fatores: a associação errônea da modalidade ao binarismo e ao preconceito de gênero, a pouca abertura para novos nomes no costume design, ou ainda a preferência por determinados gêneros cinematográficos, o que, para alguns, pode tornar a premiação previsível e repetitiva. 

Por meio de um entendimento de qual direção a Academia costuma tomar para premiar as melhores vestimentas, e uma análise dos indicados em 2023 é possível desprender algumas problemáticas, desde a criação da categoria, e levantar motivos plausíveis pelos quais esta deveria ser mais prestigiada. A premissa é que um bom filme está diretamente atrelado com um design de figurino notável. Assim, os indicados sempre são as obras que atingem boas avaliações em outras modalidades técnicas, em meio a raras exceções. Esse ano, os cinco indicados a Melhor Figurino também ganham destaque em mais categorias e premiações, o que reforça importância do costume design em meio a falta de interesse pelo departamento.

Começando pela indicação de Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, o favorito da temporada, inclusive para Melhor Filme, também se destaca pelo figurino assinado por Shirley Kurata. Por outro lado, Elvis parece adotar um favoritismo com produções da veterana Catherine Martin, além de receber outras indicações, como a de Austin Butler para Melhor Ator. Babilônia foi reconhecido pelas criações de vestuário de Mary Zophres e também entrou na disputa para o prêmio de Melhor Trilha Sonora e Melhor Direção de Arte. Em seguida, Ruth Carter assina as vestes de Pantera Negra: Wakanda Forever, filme que ganhou notoriedade nas demais premiações da temporada, e no Oscar, recebe outras três indicações. Sra. Harris vai a Paris é o único que não recebeu menções em outras categorias, contudo os designs de Jeanny Beaven também foram destacados em eventos anteriores.

Como fica claro em todas as indicações desse ano, o figurino na produção cinematográfica é um elemento que auxilia na clareza e veracidade da narrativa. Toma-se como exemplo vencedores de edições anteriores, como O Gladiador, de Ridley Scott, o Melhor Filme do Oscar de 2001 que também levou o prêmio de Melhor Figurino, sendo as roupas umas das responsáveis pela construção da história concisa, que se passava em um império romano convincente. Já em 2004, O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei também levou as duas estatuetas, destacando o vestuário do mundo fantástico de Peter Jackson. 

Além de criar mundos e reviver o passado, as vestimentas por muitas vezes assumem papel central em um enredo, como por exemplo o mistério envolto no traje que oculta Darth Vader em Star Wars, e no próprio indicado deste ano, Sra. Harris vai a Paris, cuja história gira em torno das criações do estilista francês, Christian Dior. Portanto, o figuro serve para situar o tempo e espaço no qual a narrativa é contada, além criar situações, atribuir valores, designar a índole, sinalizar a evolução, o estado emocional e social das personagens.

Mesmo com todas as evidências apontando para a importância do figurino no Cinema, sempre foi dado pouco destaque para o departamento, começando por sua emergência tardia no Oscar. A categoria começou a fazer parte da premiação em 1948, 21 anos após a primeira edição. Nesse momento, a cor, elemento tão importante para Moda e para os filmes, fazia a divisão da modalidade em duas: melhor figurino em preto e branco e melhor figurino colorido. Dos vencedores em preto e branco são destacados os designers de La Dolce Vita de Federico Fellini, por saltar a memória à elegância de Anita Ekberg e Marcello Mastroianni, e os modelos vestidos por Marilyn Monroe em Quanto Mais Quente Melhor, vencedor em 1960. Da subvisão em colorido, Cleópatra, de 1963, é um destaque e o vestuário que dá vida a rainha marca o visual camp, que chegou junto com o cinemascope. Essa distinção foi abandonada em 1957, um marco na história do Cinema como um todo, pois é quando ocorre a consagração da técnica da película em cor. 

Em meio aos anos nos quais a categoria distribuía dois prêmios, foi criado o Sindicato dos Figurinistas, em 1953. Os costume designers sempre viveram perante a resistência do resto da Academia, mas, na época, a indústria cinematográfica urgia por uma reforma que visasse a valorização dos profissionais. Um dos motivos para tal pouco caso pode ser a falsa associação da mulher com a moda, no sentido de “moda é coisa de mulher”, e assim como tudo que é atribuído ao sexo feminino é levado ao desprestigio. Esse binarismo abre espaço para o desmerecimento da categoria, por acabar tendo mais nomes femininos do que masculinos. 

Diferentemente de outras categorias mais destacadas, como Melhor Direção e Melhor Roteiro, a de Melhor Figurino está repleta de mulheres e a falta de consideração para tal pode ser mais um sintoma do machismo incubado na indústria. Seguindo o mesmo raciocínio, uma das maneiras de desvalorizar o trabalho delas é associá-los à futilidade e à inutilidade, bem como aconteceu com a Moda. Esse viés distorcido é ainda mais problemático dentro do Cinema, já que, aqui, as vestimentas possuem uma função além de representar esteticamente os movimentos politicamente e sociais, pois assume papel central nas narrativas.

Dentre os indicados desse ano, nota-se mais um problema com a categoria: a falta de espaço para figurinistas emergentes. A Academia se repete ao nomear e premiar diversas vezes os mesmos designers, dando pouco espaço e incentivo para novos nomes. A pessoa mais indicada na história da modalidade foi Edith Head, figurinista dos anos 50 que vestiu tantas vezes a atriz Audrey Hepburn. Incluindo os prêmios por Princesa e o Plebeu, em 1953, e Sabrina, em 1956, ela venceu oito estatuetas, em um total de 35 indicações. Em 2023, a vantagem vai para Martin, que já venceu o Oscar duas vezes e, além de Bevan e Carter, que possuem uma vitória cada, Zophres já foi indicada quatro vezes. A única profissional que concorre pela primeira vez é Kurata, trazendo uma perspectiva diferente para a categoria.

Sabe-se bem que existem algumas preferências da Academia na entrega da estatueta de Melhor Figurino, o que pode se tornar repetitivo, gerando desinteresse. Porém, algumas dessas predileções se justificam, pois são nessas produções que o design de figurino tem maiores oportunidades para mostrar seu valor. Uma das escolhas preferidas são as obras de época, ainda que nesse ano não haja nenhum filme representante: na história do Oscar, oito já saíram vitoriosas. E não é à toa. Nesse gênero, o costume de design tem a chance de dizer, em claro e bom tom, o poder que possui de transportar para outro tempo. Ajudam a contribuir tanto para a interpretação, ao vestirem imperadores e imperatrizes com em Anna Karenina, vencedor do Oscar de 2013, quanto para a representação mais fiel possível de momentos clássicos, como visto em Maria Antonieta, vencedor em 2007. 

Outro gênero que possui a cara do vencedor de Melhor Figurino para o Oscar é o guarda roupa de mundos fantásticos. Dos clássicos vitoriosos Star Wars e Senhor dos Anéis, esse ano a indicação de Pantera Negra: Wakanda para Sempre representa as vestes de um mundo fictício e extraordinário. A indicação é importante para a designer Ruth Carter, que se consagrou a primeira mulher negra a vencer a categoria em 2018, pelo prequel do MCU. Em uma parceria com Adidas, Carter traz para o filme a junção da tecnologia do design 3D, com referências à mitologia africana e maia, além de elementos e artefatos de tribos africanas reais, como a Mursi e a Surma. Somam-se a isso elementos oceânicos, como conchas e algas, para vestir a civilização aquática, Taloqan. Portanto, a profissional possui o repertório e a propriedade necessários para trazer substância a uma produção na qual a estética do afrofuturismo é um dos focos.

O Oscar também sempre está de olho em produções cuja temática é a própria Moda. Nesses filmes, o costume design tem o seu momento de glória, como em Trama Fantasma, de Paul Thomas Anderson, e Coco Antes de Chanel, de Anne Fontaine. Dos indicados na categoria em 2023, Sra. Harris vai a Paris é o delegado da vez. Além de reafirmar o cenário nos anos 50, a produção da designer Jenny Beavan tinha incumbência de fazer os olhos brilharem com os modelos desfilados nas ruas de Paris e nas passarelas representadas no longa. 

Produções de musicais são uma outra preferência da premiação. Com Moulin Rouge, em 2002, e Chicago, em 2003, houveram obras do gênero vencendo a categoria por dois anos consecutivos. Neste ano, Elvis representa o musical indicado: com as criações de Catherine Martin, o design de figurino vê mais uma vez a chance de replicar vestimentas de figuras emblemáticas. O estilo icônico de Elvis Presley caiu em Butler como uma luva e Martin conseguiu recriar as jaquetas de couro e trajes decotados do músico de maneira que não parecem uma fantasia, mas sim, a própria pele do rei do rock n’ roll. A indicação também é mérito dos deslumbrantes conjuntos utilizados por Olivia Djonga, que interpreta Priscila. A história do artista jamais poderia ser contada sem a presença das roupas espalhafatosas e marcantes do artista. 

Uma indicação que parece estar em desvantagem comparada às demais é a de Shirley Kurata, por Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo. O gênero do filme parece não se encaixar em nenhuma das direções que o Oscar costuma tomar para a categoria de Melhor Figurino. Na realidade, a produção não tem a cara da premiação em nenhum aspecto, contudo, segue sendo a preferida nessa temporada, rendendo prêmios nas mais diversas modalidades. Kurata expressa a representatividade asiática por sua nacionalidade nipo-americana. Contudo, as indicações que costumavam aparecer com esse background remeteram a obras de época da China imperial, como na indicação de O Tigre e o Dragão, de Ang Lee, produção na qual a própria Michelle Yeoh fez parte. Aqui, as vestimentas criadas por Kurata, além de representarem o cotidiano, conquistaram menções graças às peças extravagantes vestidas por Stephanie Hsu e Yeoh nos múltiplos universos. A força do figurino é pela contribuição à estética megalomaníaca e de confusão perpétua, diante da possibilidade de diversas possibilidades que o filme oferece.

Para finalizar o panorama dos indicados ao Oscar de Melhor Figurino de 2023, deve-se sempre considerar a boa parceria entre a direção e o costume designer. Esse ano, destacam-se duas colaborações que funcionam bem em conjunto. A primeira delas já foi citada em Elvis, pois Luhrmann e Martim já trabalhavam juntos para retratar a comunidade artística parisiense de meados do século XIX, em Moulin Rouge!, e novamente em 2013 para conhecer os luxuosos nova-iorquinos da década de vinte em O Grande Gatsby. Porém, a indicação de Babilônia, de Damien Chazelle, reencarna outra dupla dinâmica. 

A figurinista Mary Zophres já trabalhou com Chazelle em La La Land, que, apesar de não ter vencido a estatueta, construiu um dos figurinos mais belos já vistos em narrativas sobre a contemporaneidade. Na produção mais recente, as roupagens estiveram encarregadas de trazer o âmago das personagens dos anos loucos de Hollywood. Uma extensa pesquisa foi feita a respeito das vestimentas dos anos 20 e do próprio estágio no qual o design de figurino se encontrava na época, já que a obra mostra como eram os sets de gravação durante a chegada dos filmes falados. Os trajes representam bem o estado de espírito de cada protagonista e vão acompanhando seus momentos de ascensão e queda. O vestido vermelho de Nellie LaRoy, interpretada por Margot Robbie, se movimentando ao som de majestosos trompetes não será esquecido.

Esse último atributo ajuda a pensar em um elemento que agrega valor à categoria de Melhor Figurino. Afinal, na criação de um longa, o figurinista atua em parceria com os demais profissionais da indústria. Trabalhando de igual para igual e alinhado ao que a direção deseja comunicar, as roupagens constituem um elemento vital para o desenrolar da história e a qualidade de uma produção. Não pode haver um bom filme sem um direcionamento do designer, da mesma maneira que não há função em ótimo figurino dentro de um filme raso. 

Diante do panorama, a excelência do Cinema não pode existir sem o costume design e a existência dessa categoria em grandes premiações serve para consolidar o valor dessa profissão. A Moda e a produção cinematográfica convergem de tal maneira, que na elaboração de trajes convincentes e marcantes, o conceito do estilismo é elevado para outro patamar. O designer de figurino é, acima de tudo, um profissional do audiovisual e deve ser reconhecido como tal. Os melhores figurinistas são aqueles que, antes de adentrar o mundo do estilismo, viviam imersos no mundo cinematográfico e os filmes mais completos são também aqueles que tiveram as vestimentas bem desenvolvidas, de mondo que perduram na memória do público.

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Jamily Rigonatto

Arrumar a bagunça de patricinhas pomposas, fazer camas com edredons importados e esperar a boa vontade de megeras para receber o próprio pagamento são algumas das normalidades do dia a dia de Ada Harris (Lesley Manville). A viúva trabalha como faxineira e, apesar das inconveniências da rotina, leva a vida com um bom humor ímpar. Mas a satisfação com o mediano muda quando seu caminho veste toda a elegância da moda parisiense e a habitualidade dá lugar aos sonhos. Em uma aventura à francesa, Sra. Harris Vai a Paris costura entre rendas e bordados uma história brilhante. 

O filme, lançado pela Universal Studios em 2022, usa um vestido Dior como gatilho para que Ada tenha um belo despertar. Os dias da mulher estavam fadados à ilusão de esperar a volta do marido soldado da Guerra, pegar todo dia a mesma condução com a amiga Vi Butterfield (Ellen Thomas) e fazer trabalho extra com reforma de costuras. No entanto, uma silhueta bem estruturada e uma quantidade estonteante de brilhos aplicados à mão são, sim, suficientes para fazer alguém deixar de se contentar com o limbo. 

À primeira vista, o roteiro desenvolvido por Anthony Fabian, Olivia Hetreed e Carroll Cartwright pode parecer superficial. Um típico clichê de tons juvenis com uma protagonista simpática que ganha uma reviravolta um tanto encantada. Ao assistir a produção, não é isso que nos é mostrado. Aqui, os caminhos escolhem desviar por rotas menos óbvias e deixam o grande bilhete premiado ser encontrado entre os detalhes. 

As cenas em que Ada e Vi aparecem juntas estão espalhadas ao longo de toda a narrativa e essa relação é uma das pontes mais importantes da história, além de oferecer um tom cômico e leve extremamente necessário para que o filme mantenha os ares frescos mesmo quando trabalha com assuntos complicados. A amizade entre as personagens faz com que o telespectador experimente um sentimento reconfortante, derivado da ótima interação entre as atrizes, já que seus gestos carregam um carinho fraternal capaz de ultrapassar os limites do enquadramento. 

É a amiga que tenta motivar a protagonista e fazê-la perceber o quanto sua rotina está sendo exaustiva e abusiva. São nas conversas das duas e nas idas ao baile em busca de distração que a ideia de que o Sr. Harris não vai retornar entra em pauta, e as feridas começam a ser escancaradas para que a cura tenha espaço para se alojar. Assim, o encontro inesperado com o vestido Dior, guardado no armário de uma de suas patroas, acaba sendo apenas o pavio necessário para que perspectivas que já vem sendo abordadas ganhem chance de florescer. 

Em seu tempo de tela, Ellen Thomas reafirma todo seu carisma e coloca sua bagagem com papéis de comédia para jogo. Suas falas têm seriedade, mas ainda se afirmam em notas espirituosas e brincalhonas. É esse movimento que faz com que a ausência da personagem no meio do filme não pese e a presença seja algo sem necessidade de materialização, como se o cuidado de Vi com Ada fosse ubíquo. 

Desde a preparação para a viagem a Paris até o momento em que esta finalmente é consolidada, a questão da estrutura social começa a aparecer com mais força. As dificuldades financeiras de Ada e o suor empenhado para juntar o valor necessário para o deslocamento e a compra do vestido mostram a trabalhadora em um embate com políticas de trabalho não afirmadas em contrato, jornadas exorbitantes e pouca remuneração, características do cenário inglês. Essa inserção é feita de forma discreta, mas serve de introdução para os acontecimentos em terras francesas. 

Ao chegar no desfile Dior, que tanto batalhou para conseguir, as ruínas da sociedade elitista do continente europeu voltam a mostrar as caras e derrubar seus entulhos sobre a cabeça da Sra. Harris. Uma das primeiras interações da personagem com a funcionária da Casa Dior, Claudine Colbert (Isabelle Huppert), é carregada de preconceito e propaga a ideia de que a alta costura é feita para os ricos de berço. O tom excludente dá espaço para que um cavalheiro abra as portas da gentileza e o Marquis de Chassagne (Lambert Wilson) nos seja apresentado. 

Um dos grandes acertos de Mrs. Harris Goes to Paris – nome original da obra – é não escolher que seus personagens sejam puramente bons ou maus. A construção caminha por uma trajetória de pessoas multifacetadas, capazes de carregar aspectos duais. Assim, o Marquis logo menos demonstra suas falhas e os estigmas que mantém em seu ideal, enquanto Claudine também tem sua fragilidade e humildade esmiuçadas. 

Entre as desavenças e obstaculos separando a Sra. Harris de seu sonho, a fotografia nos leva a uma viagem a um outro aspecto de Paris: a greve trabalhista. Os enfoques dos ângulos e câmeras comandados por Felix Wiedemann são delicados e faceiros, nos transportando para o caimento impecável das peças da Dior, mas também mostrando a situação das ruas cheias de lixo diante da paralisação dos lixeiros. A cada pequeno salto temporal, a capital tem sua bela arquitetura inundada por sacos e mais sacos de lixo, filmados de forma sutil sem passar despercebidos. 

O entrelace das cenas até o acontecimento que quase faz com que a Casa Dior decrete falência tem muito do protagonismo dos trabalhadores e de como a mudança do mercado e o foco da indústria são projetados até se desvincularem da exclusividade para abordarem a ideia de globalização. Assim, Sra. Harris expõe como até mesmo o criador do New Look precisou de seus trabalhadores para manter seu império e se consolidar como uma das maiores grifes do mundo da moda. 

E falando de Christian Dior, é preciso destacar a escolha de Philippe Bertin para encarnar o estilista. Além da atuação austera bastante conveniente para a ocasião, a aparência do ator conseguiu se aproximar de forma certeira à inspiração. Em suas pequenas, mas marcantes aparições, temos o designer de moda representado praticamente em pele e osso nos frames.

Apesar de dizer muito em entrelinhas, a produção cinematográfica dirigida por Anthony Fabian continua sendo uma comédia dramática e é marcada pela atmosfera de contos de fadas. O que não é ruim, mas acaba fazendo certas conclusões ficarem em segundo plano e deixa a ideia de que simpatia e esforço levam as pessoas para onde quiserem. Dessa forma, a narrativa fica apegada às cores vibrantes dos universos utópicos. 

Ainda assim, os pedaços românticos alimentam o cenário parisiense e os amores iluminados pela cidade luz. Ver Natasha (Alba Baptista) e André (Lucas Bravo) se apaixonando deixa aquela sensação mágica passeando pelas ruas e, mesmo com a sujeira, as estradas garantem a presença do brilho dos jovens amantes. Além de um par romântico adorável, os dois são uma marca da autonomia e liberdade individual, já que suas escolhas partem para as prioridades pessoais de cada um de forma singular. 

Para completar os tons fantasiosos, a cereja do bolo fica com a produção e reprodução de peças da Dior realizadas pela figurinista Jenny Beavan. Os bordados, os movimentos das vestimentas e o impacto do brilho são todos feitos a perfeição, criando cenas de encher os olhos. Cada modelo é impecável e capaz de fazer com que quem assiste se sinta em um universo de princesas fabulosas. 

Toda a beleza das peças da produção não passaram despercebidas e, no Oscar de 2023, o filme concorre na categoria de Melhor Figurino. Beavan está no páreo com Mary Zophres por Babilônia, Ruth E. Carter por Pantera Negra: Wakanda Para Sempre, Catherine Martin por Elvis e Shirley Kurata por Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo. Mrs. Harris Goes to Paris foi contemplado em 2022 no British Independent Film Award por Melhor Figurino e chegou a fazer parte dos indicados ao BAFTA de 2023 na mesma categoria. Leslie Manville apareceu nas categorias de atuação das premiações deste ano, estando entre as indicadas ao Globo de Ouro 2023 como Melhor Atriz em Filme Comédia ou Musical. Mas o destaque da produção fica com os figurinos, enquanto a maioria das categorias principais não destacaram os trabalhos de atuação, direção ou roteiro aplicados na releitura do original de 1992, intitulado Um Sonho em Paris.

Como não poderia ser diferente, Ada ganha seu felizes para sempre com um lindo vestido Dior e seus sonhos mais vivos do que nunca. O que faz da obra, inspirada no livro homônimo de Paul Gallico, tão especial é a forma com a qual sonhar não é apenas um verbo, mas um ato de resistência. Apesar de distante do real, o filme é esperançoso e torna a vontade de reviver a criança dentro de nós uma visita frequente. 

Inundado pelo brilho da moda, Sra. Harris Vai a Paris nos deixa lições valiosas e uma história cheia de temáticas importantes envolvidas em uma aventura simpática. Seja no amor na terceira idade, na luta pelos direitos trabalhistas ou na prova de uma roupa extravagante, vale a pena dar uma chance para essa senhora apaixonante e aproveitar para vislumbrar os encantamentos oferecidos por Christian Dior. 

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Júlia Paes de Arruda

Pensar na existência de um segundo live action da vilã de 101 Dálmatas não era muito animador. Seria à altura da icônica performance de Glenn Close na adaptação de 1996? Pois é, quando Emma Stone apareceu num look exuberante, já deu pra notar que não seria igual ao outro. De protagonistas, os cachorros passaram a ser meros figurantes. A antagonista invade a Londres da década de 70 carregada pela moda, cheia de frustrações e mágoas de um passado solitário. Original, criminosa, vestida para matar. É assim que Cruella se apresenta para nós. 

A nova produção do Disney+ acompanha a jornada de Estella (Emma Stone), uma criança geniosa e determinada, até a fase adulta de pequenos crimes, ao lado de Gaspar (Joel Fry, de Game of Thrones) e Horácio (Paul Walter Hauser, de Cobra Kai). Inspirada pela mãe, a jovem mantém o desejo de um dia se tornar uma grande estilista. Seu talento chama a atenção da Baronesa Von Hellman (Emma Thompson), dona de uma influente grife e, a partir daí, uma sucessão de eventos farão com que Estella desapareça para que Cruella se materialize. É como se enxergássemos duas personalidades: enquanto Cruella esbanja poder, Estella é uma garota tímida e sonhadora.

O mérito de Cruella é de Emma Stone. A atriz sai da cômica Hannah de Amor à Toda Prova e da dramática Mia de La La Land para despertar a brilhante Cruella De Vil. Seu visual monocromático vibra, grita e abala os olhares gélidos e neblinosos da tediosa capital britânica. Stone se sente à vontade no papel visto que entrega cargas dramáticas com muito fôlego ao mesmo tempo que se solta para performar uma complexa e surpreendente vilã. Ela consegue transitar do ácido ao engraçado em segundos de cenas. Nossos olhos ficam fixos na sua transformação cheia de glamour e nem um pouco entediante.

A cereja do bolo é Emma Thompson, que se desprende da boba professora Sibila Trelawney de Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban para dar lugar à egocêntrica Baronesa. Sua versatilidade é magnífica, incorporando uma solidão e obscuridade dignos de uma elite hipócrita da época. Aderindo somente a tons clássicos da alta costura, Thompson constrói uma personagem megalomaníaca, capaz de descartar tudo e todos para se manter no status da grandeza.

Ao lado de Baronesa, temos John (Mark Strong) que é basicamente o próprio Nigel de Miranda Priestly. Além de ser o mordomo/assistente, John tem papel fundamental para que Cruella se defina e se estruture como a personagem que conhecemos. O filme solo da vilã de 101 Dálmatas também nos apresenta Anita e Roger, os donos de Pongo e Perdita. O diferencial é que, no live-action, os dois não são um casal. 

Anita (Kirby Howell-Baptiste) é uma jornalista, que auxilia Cruella a se destacar nas manchetes londrinas. Já Roger (Kayvan Novak) é o mero advogado da Baronesa. Ambos não desempenham uma função de proeminência, porém se tornam referências icônicas do desenho animado. A mudança para uma atriz negra e um ator descendente de iranianos busca trazer a representatividade, mas, pelos poucos momentos dos personagens em tela, a proposta acaba se tornando mais uma estratégia comercial.

Não se pode falar de Cruella sem explorar a ousadia e a vaidade de seus figurinos. A designer Jenny Beavan, ganhadora de dois Oscars – um deles por Mad Max: Estrada da Fúria (2015), se inspirou no movimento punk da década de 70 para demonstrar a rebeldia que a personagem precisava. Em meio ao ambiente urbano, Cruella é a própria visão do futuro. 

Nesse período, a alta costura deixou de ser algo exclusivo e começou o processo de democratização da moda. Visuais andróginos estavam em alta, fazendo transparecer a sexualidade, a liberdade e a criatividade. O movimento punk, muitas vezes incompreendido, substituiu o colorido e o glitter da discoteca pelas jaquetas de couro pretas, um visual grotesco e as tachas pontiagudas. A vilã abusa da extravagância e de maquiagens carregadas. A fúria e o desejo de vingança se revelam através de suas roupas e, assim, Estella transforma-se em Cruella. 

A audácia da personagem também se reflete nas suas atrevidas exibições. No meio de um monótono baile preto e branco, Cruella encarna uma Katniss Everdeen e abre espaço para o vermelho vivo tomar conta da celebração. Ela não tem medo de se arriscar e não nega o grandioso talento que possui em mãos. Ousa em tecidos, cortes e costuras exóticas para sacudir as passarelas dominadas pela Baronesa. É assim que ela conquista seu espaço.

Diferentemente de Malévola, o filme de Craig Gillespie (Eu, Tonya) é um acerto. Talvez pela participação de Emma Stone e de Glenn Close na produção executiva, unindo gerações de atrizes incríveis num trabalho que prometia muito. A diretora de arte Fiona Crombie também merece os cumprimentos, já que ela consegue transparecer ambas as personalidades da personagem de Stone de maneira sutil, mas decisiva. 

Enquanto estamos com o olhar em Estella, as cenas escritas por Dana Fox e Tony McNamara (juntamente com Aline Brosh McKenna, Kelly Marcel e Steve Zissis adaptando a história de Dodie Smith) se desenrolam com mais suavidade, acompanhando o desempenho da jovem compartilhando a vida com seus novos parceiros. Quando Cruella toma posse, tudo acaba virando caótico: a organização do apartamento, os desenhos nas modelos, a relação entre a vilã e seus (agora) capangas. A iluminação dos cenários também acompanha esse desenrolar, transitando de uma paleta mais amarelada para uma mais avermelhada, quase um vinho, mais sombrio.  

É em seu filme solo que conhecemos a obsessão da antagonista por dálmatas, tão evidente na elegante atuação de Glenn Close. Os cachorros demarcam um momento de dor da personagem, ao mesmo tempo que reforçam seu poder, sua ascensão num novo patamar. Seu alter ego maléfico assume a nova posição e nos confrontamos com uma anti-heroína extraordinária e destemida.  

A pegada punk não se limita aos trajes de Cruella. Esse estilo também se faz presente dentro da trilha sonora do filme, o que contribuiu para essa áurea mais sombria. Além das criações de Nicholas Britell (indicado ao Oscar por Moonlight: Sob a Luz do Luar e Se a Rua Beale Falasse), músicas de The Clash, Queen, Black Sabbath e Deep Purple criam a atmosfera do lado ácido da vilã. Entretanto, existem quebras de ritmos mais pesados com as divertidas Should I Stay or Should I Go e One Way or Another, que espelham a ironia e o deboche da antagonista. Tudo foi milimetricamente pensado para que as duas particularidades de Cruella pudessem transparecer para o público. 

Juntamente com uma instrumentalidade espetacular, o diretor Craig Gillespie une uma narrativa primordialmente vinda do público infantil com o adulto, trazendo o equilíbrio entre o drama e a comédia. Ele procura dar profundidade aos capangas de Cruella para que eles possam acrescentar aos arcos da vilã e não servir apenas como burros de carga. Enquanto Gaspar é inteligente, Horácio é o alívio cômico, dono das cenas mais divertidas. Os dois funcionam como questionadores da vilania da amiga. Dessa forma, o trio não forma apenas uma gangue, mas sim uma família.

Cruella reinventa a fórmula de sucesso do desenho animado e faz com que Emma Stone deixe sua marca, tanto que já acumula mais de um milhão e meio de dólares de arrecadação nos cinemas. Incorporando novos aspectos, mas ainda mantendo-se na tradicionalidade, o filme é completo e dinâmico. Com uma cena pós-créditos (obrigada pelos feitos, Marvel) curiosa, a trajetória de Cruella começa de maneira majestosa. Se depender de Craig Gillespie para criar novos filmes solos de vilãs queridas, temos uma próxima onda de live-actions belíssimos da Disney para degustar. 

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