Lucas Lima

Quando perguntam “qual a melhor novela que você já acompanhou?“, não é difícil ver muita gente falar Avenida Brasil. A novela que literalmente parou o país, ficou no imaginário popular e se mantém viva, mesmo após uma década de seu início. Quem acompanhou a saga da vingança de Nina contra Carminha sabe quão fervorosos eram os momentos em frente à TV, com todos os olhos vidrados na tela e muitas respirações quase nulas com as cenas mais tensas, até o último capítulo, transmitido em outubro de 2012.

Novelas são muito criticadas pelas pessoas “cultas“ por serem produzidas para, segundo eles, alienar as pessoas. Dizem que são quase como uma “receita de bolo”, sendo comum o amor do mocinho e da mocinha atrapalhado pela vilã ou pelo vilão. Sim, Avenida Brasil não é completamente um ponto fora da curva, mas ela é especial. Ela tem a dádiva do tempero certo no momento certo. Não à toa foi indicada ao Emmy Internacional, prêmio em reconhecimento aos melhores programas de Televisão inicialmente produzidos e exibidos fora dos Estados Unidos.

A novela que liderou em absoluto o horário das nove, escrita por João Emanuel Carneiro (que deve estar cansado de ser pedido para fazer uma nova Avenida Brasil), contou com participações de atores como Débora Falabella, Adriana Esteves, Murilo Benício, Cauã Reymond, Alexandre Borges, Débora Bloch, Vera Holtz e José de Abreu, nomes de peso da emissora Globo. Foi televisionada em 2012, um ano de muitos extremos. Quem não lembra do fim do mundo que não chegou ao fim? 

Lá em 2012, houve uma grande ascensão da classe média brasileira, que, na época, equivalia a mais de 50% da população, a considerada Classe C. As políticas públicas aplicadas na época e em anos anteriores fizeram com que mais de 40 milhões de pessoas emergissem e saíssem da linha da pobreza, elevando o país a marca de sexta maior economia do mundo, gerando até mesmo pane no sistema aeroviário, com tantas novas pessoas tendo a oportunidade de viajar de avião.

Esses milhões de brasileiros estavam ali, representados no horário nobre da maior emissora do país. A Classe C foi a verdadeira protagonista da novela, Tufão (Murilo Benício) se tornou um dos novos ricos mas não deixou de lado suas raízes que advinham da Classe C: atrapalhado, espalhafatoso, sem os modos da elite, roupas, ao mesmo tempo que simples, mas também com acessórios luxuosos, honesto e trabalhador. Tufão leva consigo sua família para uma mansão digna de Beverly Hills, mas não na zona sul, e sim no Bairro do Divino, fictício bairro da periferia do Rio de Janeiro, não largando suas origens. 

E era nesse contexto que tudo se passava, uma mansão dos novos ricos, entre seus amigos que não eram ricos e ainda trabalhavam todos os dias para pagar suas contas. A população se identificou com o enredo, com as cenas da família de Tufão na mesa de jantar falando alto, um por cima do outro, o tradicionalismo de alguns personagens, seus encontros no Bar do Silas para comer uma coxinha com um suco… Tudo isso gerou a identificação com o público para com essas similaridades. Afinal, estavam podendo se ver, finalmente. Não mais assistindo uma Helena voltando de sua viagem da Europa.

Foi um grande passo social na teledramaturgia, que sempre renegou às classes menos favorecidas o direito de pertencimento. O pertencimento é o direito que as classes têm de se afirmar como grupo e de se diferenciar dos demais. Com tais personagens encantadores e representativos, Avenida Brasil se tornou um fenômeno popular. Seu enredo alternou maravilhosamente entre a tomada para si da realidade social (tendo temas do cotidiano e temas importantes como a estratificação social como suas aliadas) e a ficção. O público projetou na novela a oportunidade de se ver representado em meio aos personagens, que tinham figuras conhecidas e famosas em seus papéis, ganhando ainda mais o telespectador.

As situações da trama foram compostas de modo a mexer com os sentimentos de quem a assistia. Após a morte de seu pai, Rita (Débora Falabella) foi deixada quando pequena em um lixão por sua madrasta Carminha (Adriana Esteves), que contou com a ajuda de Max (Marcello Novaes), fazendo todos tomarem repúdio pela vilã e seu comparsa. Quando Rita cresce, se faz passar por Nina e começa a trabalhar na mansão que a madrasta atualmente mora, arquitetando uma vingança contra Carminha, fazendo todos torcerem pela empregada disfarçada.

Mas a história muda totalmente de tom de forma inesperada, pois tanto Nina quanto Carminha começam a ser desenhadas pelo autor como lados de uma mesma moeda, ambas com facetas humanas e contraditórias, conquistando o sentimento do público que começou a gostar de ambas. Gostavam de Nina e a apoiavam para finalmente chegar o dia da vingança. Porém, quando seus planos foram concretizados, o público não queria mais o mal de Carminha pelo passado conturbado com seu pai, que era o verdadeiro vilão, revelando suas fragilidades.

Carminha também era engraçada e carismática. Emanuel Carneiro conseguiu a façanha de expor o lado mais introspectivo do público que, ao se identificar com a personagem nestes dois pontos, passava a transmitir seu lado obscuro, mas que não se podia materializar na vida real. 

Afinal, todos temos um lado vilão, mas não o mostramos devido a nossa moral e ética. Por isso os vilões são tão instigantes. E Carminha, (menos em suas cenas mais tenebrosas, como quando enterrou a Nina viva), mesmo tendo suas atitudes repudiadas pelo público, era idolatrada por todos, pois era carismática, engraçada e divertida. Quem não cantou Eu Quero Tchu, Eu Quero Tcha junto da vilã?

Fomos apresentados a perspectivas singulares tanto de Carminha quanto de Nina. Chegamos a debater sobre a enteada ir mesmo até o fim com sua vingança. Estivemos alternando entre ora uma, ora outra. Toda essa delicadeza de construção dos vieses serviram para tornar Avenida Brasil o fenômeno que é até os dias de hoje. 

No decorrer da trama, muita coisa aconteceu. Memes com a vinheta final de congelamento dos personagens inundaram as redes sociais, bordões não faltaram (“A CULPA É DA RITAAA“) e cenas memoráveis. Além da já citada, tivemos outras como quando Nina humilha Carminha na mansão da família, ou também naquela em que a família de Tufão desmascara Carminha após saber de sua traição com Max.

Muitos coadjuvantes se destacaram e ganharam holofotes. Nilo (José de Abreu), morador do lixão, ganhou o público com sua insanidade e risada “hi-hi-hi”. A trabalhadora doméstica Zezé (Cacau Protásio) foi o alívio cômico da mansão, que cantava “Eu quero ver tu me chamar de amendoim…”. Suellen (Ísis Valverde), a “piriguete” do Divino que, supostamente, veio da Bolívia mas que não carrega nenhum sotaque ou algo da cultura de seu país (sim, um erro da produção da novela). 

E como não falar da Mãe Lucinda (Vera Holtz)? A mãezona da novela que criou dezenas de crianças no lixão, inclusive Nina. Foi enganada, renegada, presa injustamente, esbanjou conselhos e, ao final, pôde assistir a reconciliação de Carminha com Nina, que era o que tanto queria. Fato este que não agradou em nada a crítica nacional, que considerou a redenção de Carminha como previsível. Enfim, os críticos!

Se o início e o meio já estavam bons, foi nessa reta final que, podemos dizer: Avenida Brasil parou o Brasil. Ruas desertas, sobrecargas de energias, bares lotados com TVs ligadas no canal 5, bolões de apostas para saber quem matou o Max, adiamento de compromissos presidenciais, recesso de aulas… Ufa! Tudo para não perder um segundo sequer do desfecho das rivais e do jogo de futebol do Divino Futebol Clube que, claro, ganhou a competição. 

Todo esse movimento rendeu picos de quase 54 pontos de audiência em seu último capítulo, tendo atingido um marco de 70 em Fortaleza. A obra de João Emanuel Carneiro provou que novela boa não é apenas do século passado, e que podemos ter ótimas tramas capazes de encantar o país ambientadas nas camadas mais populares, para as camadas mais populares. Afinal, essa Avenida tem nome e é Brasil.

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Felipe Nunes

Afogados em um mar de reprises, o público do sofá esperava ansiosamente por uma trama inédita para chamar de sua. Pausadas desde o início da pandemia do novo coronavírus, as narrativas que integravam as noites da comunidade noveleira foram substituídas por teledramaturgias de sucesso que já haviam sido transmitidas pela Rede Globo em outros anos. Com a sensação de estar em um looping eterno de Vale a Pena Ver de Novo, os telespectadores aguardavam os desfechos de Salve-se Quem Puder e Amor de Mãe como uma criança aguarda o término de um pudim que é cozido lentamente em banho-maria.

Escrita por Daniel Ortiz, Salve-se Quem Puder é um folhetim da faixa das sete, engraçado, leve e com um enredo diferente das demais narrativas escritas pelo autor, conhecido pelas obras Passione, Alto Astral e Haja Coração. A história inicial da trama se passa em Cancún, no México. Lá, três mulheres, Kyra (Vitória Strada), Luna (Juliana Paiva) e Aléxia (Deborah Secco), presenciam, em meio a um furacão, o assassinato do Júiz Vitório (Ailton Graça) por uma quadrilha de políticos corruptos. 

Pela falta de provas, a quadrilha não pôde ser presa, e, para a segurança do trio, é necessário que as jovens ganhem novas identidades e entrem no Programa de Proteção à Testemunha. Substituindo seus antigos nomes, a atrapalhada Kyra torna-se Cleide, a doce Luna agora é Fiona, enquanto a artista Aléxia vira Josimara. Dadas como mortas, elas mudam de identidade e aderem a um novo visual, morando com Zezinho (João Baldasserini) e Hermelinda (Grace Gianoukas) – família escalada para proteger as mocinhas dos bandidos. Enfrentando a saudade de suas antigas vidas e o medo de serem encontradas pela quadrilha, elas embarcam em novas aventuras, se abrindo para novos destinos, novos lugares e novos amores.

Em uma nova fase, a segunda temporada da obra, dirigida por Fred Mayrink, retornou com capítulos inéditos após a reprise de Haja Coração. Seguindo os protocolos de biossegurança, a distância e a falta de beijos e abraços foi notável em seu regresso, porém, alguns dias após a tão esperada volta, essas medidas não foram tão percebidas e comentadas pelo público, que já havia se acostumado com o formato que contava com distanciamento entre os atores e beijos em acrílico. 

As incertezas perante o panorama sanitário brasileiro, o lento processo de vacinação e as novas variantes do vírus fizeram com que a emissora decidisse encurtar a novela em 48 capítulos, para que as gravações terminassem no menor período de tempo possível. A redução de capítulos e a falta de integrantes do elenco pertencentes aos grupos de risco foram grandes obstáculos no andamento da trama. Mas vale ressaltar que o encurtamento deixou o início da segunda parte muito mais dinâmico e atrativo. A pouca quantidade de cenas adiantou revelações que os noveleiros tanto esperavam e o reencontro de Luna/Fiona e Helena (Flávia Alessandra), sem dúvidas, foi a catarse mais esperada de toda a narrativa.

Separadas pela manipulação de Hugo (Leopoldo Pacheco), chefe da quadrilha de corruptos, mãe e filha ficaram distantes por 20 anos. Luna acreditava ter sido abandonada pela mãe, ao passo que Helena foi enganada por uma notícia falsa que alegava o falecimento da filha. Afastadas uma da outra, a personagem de Juliana voltou para São Paulo quando teve que fingir sua própria morte, cidade na qual sua mãe gerenciava um espaço gastronômico, e aproximou-se da personagem de Flávia Alessandra – contudo, não revelou sua verdadeira identidade. 

Esse segredo deixava os nervos do público à flor da pele. A angústia de Luna afligiu o coração de todos que acompanhavam a telenovela e a revelação foi a sequência mais solicitada pelos telespectadores, que ovacionaram o momento do reencontro na capela de Nossa Senhora de Guadalupe, santa de devoção de ambas. Com uma carga dramática hiperbólica, a cena foi muito bem interpretada pelas atrizes que, em um caloroso abraço, concluíram o desfecho de um dos arcos mais relevantes na obra.

Com um menor número de capítulos, as conclusões de alguns núcleos foram efêmeras e sem a devida atenção que mereciam. A história de Micaela (Sabrina Petraglia) com Bruno (Marcos Pitombo) é um dos maiores exemplos disso. A atriz não participou ativamente das gravações em virtude de sua gravidez, mas chegou a gravar um final feliz ao lado de Pitombo. Entretanto, a tão aguardada cena não foi exibida na telenovela. 

De fato, o dramaturgo precisou reajustar a obra não somente pelos atores que não poderiam atuar, como também pela redução que a trama sofreu. Todavia, mesmo com todas essas saídas, as personagens que continuaram na narrativa também não tiveram finais consistentes e bem construídos. Deixando claro que responsabilizar a saída de Sabrina com a superficialidade do desfecho de sua personagem não é uma justificativa plausível.

Concluindo as pontas soltas deixadas pela primeira temporada, o folhetim expôs, durante a reta final, a prisão dos bandidos e os encontros do trio de testemunhas com seus parentes e amigos, além, é claro, de seus antigos companheiros amorosos. Em um clima de reencontros e revelações, as únicas dúvidas mantidas até os últimos capítulos foram os casais que ficariam juntos no fim da novela, ainda que alguns fossem óbvios, como é o caso dos casais Luna/Fiona e Téo (Felipe Simas), e Aléxia/Josimara com Zézinho. 

Os triângulos amorosos pareciam confetes espalhados por toda a teledramaturgia, algo muito presente em comédias românticas da Netflix, diga-se de passagem o sucesso estrondoso das sequências de Para Todos os Garotos que Já Amei e A Barraca do Beijo. Trazer o telespectador para dentro da trama e criar torcidas entre dois casais não é um recurso novo na Arte, entretanto, o que podia ser um trunfo, em Salve-se Quem Puder tornou-se uma âncora que levou a novela ao mar profundo da monotonia.

Os triângulos amorosos estavam presentes em quase todas as tramas, começando pelas protagonistas e se espalhando por outros núcleos da novela. Por vários momentos, a sensação era de que os personagens se restringiam a três funções: ser o indeciso do triângulo, ser o pretendente do triângulo, ou ser a segunda opção daquele que fosse rejeitado. A situação que mais nos despertou quanto ao excesso de indecisões amorosas presentes na trama foi quando Daniel Ortiz convidou Rodrigo Simas para interpretar Alejandro na nova leva de capítulos. Foi evidente que Alejandro foi criado para suprir a ausência de Juan (José Condessa), par romântico de Paiva antes da pausa nas gravações. O intérprete de Juan abandonou a trama para dedicar-se a outros projetos em decorrência do atraso nas filmagens, deixando um espaço vago no triângulo de Luna/Fiona que foi preenchido por Alejandro, amor de infância da protagonista.

 O recurso não foi bem utilizado, já que, no meio de tantos triângulos amorosos, o único que caiu nas graças do público foi o vivenciado por Kyra/Cleide  (Vitória Strada), Alan (Thiago Fragoso), seu novo amor, e Rafael (Bruno Ferrari), seu noivo antes do furacão. Gerando movimentações em todas as redes sociais, com destaque ao Twitter, a fusão dos nomes dos casais liderou os trendings topics nas cenas, fazendo com que Alyra (Alan+Kyra) e Kyrael (Kyra+Rafael) fossem os termos mais procurados na internet pela torcida dos casais. Sem contar em grande parte daqueles que não sabiam por quem torcer, afinal, a química entre os dois pares românticos foi muito bem explorada e esplendorosamente interpretada pelos atores envolvidos.

Na dúvida em saber com quem Kyra/Cleide ficaria, o grande público, críticos e redatores de sites novelescos apostaram na mocinha terminando com Alan, tendo em vista a evolução de ambos no desenrolar da trama. Para surpresa de uns, alegria de outros e tristeza de muitos, a indecisa Kyra/Cleide terminou com Rafael. O susto foi tanto que diversos fãs criaram abaixos-assinados e mutirões pela liberação dos finais alternativos. Isso porque o próprio escritor revelou que cada protagonista teria 2 finais alternativos que só seriam decididos por ele na reta final da narrativa, ou seja, um desfecho no qual a personagem de Strada termina ao lado de Alan foi gravado. 

Entretanto, mesmo com tamanha adesão do público, os finais alternativos não serão divulgados. A Rede Globo informa que, em próximas reprises ou venda das novelas para outros países, esses finais podem ser um diferencial atrativo e pretende utilizar essa técnica em futuras produções. Enquanto a decisão de Kyra era tão aguardada, Aléxia casou com Zézinho (João Baldasserini) e Luna viajou para o exterior com Téo (Felipe Simas), o que não era mistério para ninguém. Principalmente no caso da personagem de Deborah, que viveu uma intensa história de amor com Zézinho durante todo o folhetim.

Com os finais traçados, a novela chegou ao fim no dia 16 de julho de 2021. Entre acertos e erros, Daniel cumpriu sua missão em trazer alegria e boas risadas ao público nesse momento tão difícil. Contudo, seu excesso de triângulos amorosos trouxe monotonia à sua obra, que contava com uma história inicial excelente. A ótima direção e a irretocável atuação do elenco auxiliou na atenuação desses aspectos negativos e acolheu os noveleiros de plantão, que, com o fim de Amor de Mãe, esperavam inquietos pelos capítulos inéditos da narrativa.

Salve-se Quem Puder trouxe leveza e companheirismo em nossas noites. Nos apresentou um trio de mulheres completamente diferentes, mas que se completavam quando estavam juntas. Nos fez torcer, rir e chorar por cada uma. Deixando saudades, a novela se despede com finais superficiais, mas que acalentam os corações em saber que todas estão felizes depois do furacão que transformou suas vidas, seus sonhos e seus sentimentos, para sempre.

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Giovanne Ramos

Não vou me prolongar falando da jornada – uso não intencional da palavra – e atitudes em detalhes da rapper Karol Conká durante a sua estadia relâmpago no Big Brother Brasil 21. Mesmo ficando apenas 4 semanas na casa mais vigiada do Brasil, a Mamacita ditou a dinâmica do programa, colocou em destaque personagens da edição e saiu sendo a segunda figura mais odiada do Brasil, título ainda segurado por governantes milicianos, eu espero. Mas o fato é que uma legião sedenta querendo o sangue da mulher preta guardava uma certa expectativa em saber o pós-confinamento de Karol, e isso foi alimentado com o documentário, que na minha humilde opinião, é precoce demais.

O título, quase satírico, A Vida Depois do Tombo foi lançado pelo Globoplay no dia 29 de abril, mas desde a sua primeira prévia, já deu o que falar. O ressentimento do Brasil ainda estava recente quando o documentário, feito às pressas, foi anunciado. A população nacional não estava preparada para uma narrativa redentora de Karol, na verdade não a queria. A posição de criticar seus atos reproduzidos em rede nacional, ameaçar sua família (que não possui culpa alguma), e regozijar do que parecia o declínio da intérprete da canção Tombei, era muito mais confortável.

Mas ainda assim, o documentário foi forçado goela abaixo, tal como a grande turnê de Karol pelos programas da Rede Globo após uma rejeição de 99,17% – a maior de todos os Big Brothers mundiais. A Vida Depois do Tombo é dividido em quatro episódios curtos, onde cada um deles mostra algum pedaço da ‘humanidade’ da rapper e ajuda o público a reconstruir uma trajetória de dificuldades e traumas que eclodiu no comportamento que  parte do país acompanhou. E, claro, nas suas consequências fora do reality.

Dois grandes atos se misturam no documentário focado em Karol: a sua perspectiva presente de como lidou diretamente com o cancelamento, e uma pequena biografia de sua carreira artística e também como pessoa. As duas questões vão se desenvolvendo nos episódios com títulos bem autoexplicativos: O Cancelamento, Realidade, Ruptura e O Pai. O seriado documental cria uma narrativa linear coerente com as suas falas e suas defensivas em relação aos seus comportamentos com Lucas Penteado.

Os episódios iniciais da obra são difíceis de assistir. Assim como os pedidos de desculpas imediatos de Karol nos programas televisivos da Globo, a sua desenvoltura diante das câmeras não passa uma verdade ou, até mesmo, naturalidade. É incômodo ver uma figura tão potente e que demonstrou tanta confiança – em expressão e estética – num programa 24/7 adotando uma construção visual e comportamental de mocinha em tão pouco tempo. Isso não significa que o arrependimento não seja verdadeiro, talvez a direção da minissérie não soube valorizar os momentos de vulnerabilidade da artista, que inegavelmente era o foco da narrativa inicial.

O desconforto se prolonga quando é anunciado que os seus convidados para um ‘bate-papo’ recusaram a participação no projeto. Reforçando o que todos, de maneira subconsciente, pensavam: “não é o momento para isso”. Ainda assim, uma cena quebra-gelo foi proporcionada pela única que se dispôs a encarar o momento constrangedor de um flashback. Lumena Aleluia, talvez a segunda mais afetada com o ódio popular, chegou no sincero “erramos”, proporcionando então um momento de apoio entre duas mulheres negras.

À partir de Ruptura, o penúltimo episódio da série, há uma reviravolta no enredo. O foco passa de uma redenção insossa para uma biografia, pontuando o início de carreira da Karol Conká junto de polêmicas, revelações e exposição de desafetos no meio artístico. Uma escolha inteligente, pois nada prende mais a atenção de um espectador do que os bastidores conturbados da vida de uma figura pública. Para além da estratégia, essa foi uma ótima dose de humanidade e uma oportunidade perfeita de conhecer as dificuldades e o processo de construção da rapper curitibana.

A jornada pela carreira da Mamacita desde o seu início mostrando a relação com a família – e aqui, já entrando no último capítulo O Pai -, as barreiras que teve de enfrentar e seu carisma no palco destrói aos poucos a visão de vilania construída no Big Brother Brasil. É a Karol apaixonada pela música e só. Nesse sentido, para quem enfrenta o início embaraçoso da série, a recompensa é boa: conseguimos imergir em um relato de vida bastante envolvente e empático de uma protagonista que é a definição de resiliência.

A questão é, se o documentário desde seu início fosse pensado para contar a história de quem é a Conká e os perrengues pelo qual ela passou para chegar até à fama, esse seria um baita material. O seu lado musical é o mais interessante da proposta toda, não é à toa que conseguiu emplacar um sucesso mesmo “detestada”. Mas é compreensível que nem todos aceitariam o desafio de deixar o desafeto pela antagonista do reality global para prestigiar um pouco de sua história. Então fica explícita a necessidade de usar um gancho para que o público sádico, sedento pela derrota da artista, possa consumir o produto. Mas para alguém que espera encontrar uma Karol Conká derrotada e se lamentando, já aviso que A Vida Depois do Tombo vai te decepcionar.

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Vitória Silva

O meio cultural está em constante mutação. Com o passar dos anos, fomos alterando e desenvolvendo as nossas formas de consumir conteúdo, seja pelo meio impresso, radiofônico ou televisivo. Assim como os meios mudam, o seu público também muda. Temas que no século passado eram tratados com normalidade não são mais cabíveis nos dias atuais. Dessa forma, os produtos culturais foram recebendo novas vestimentas. Hoje, já sabemos que nem toda narrativa precisa ter uma mocinha que vai atrás do seu par romântico, assim como estereotipar personagens homossexuais não é (e nunca deveria ter sido) motivo de piada.

Essa revolução iria se estender, é claro, para o mundo das novelas. Uma das principais formas de entretenimento do público brasileiro, grande adepto do sofá. Com a ascensão dos streamings e a concorrência cada vez maior de seriados, a teledramaturgia precisou se modificar. Assistir histórias com desfechos sem pé nem cabeça já havia se tornado algo rotineiro, “coisa de novela”, como se o gênero tivesse que ser sinônimo de algo mal feito. Não dava para sustentar um público cada vez mais em busca de abordagens sérias e profundas com os mesmos temas batidos de sempre. 

E o meio novelesco sentiu essa necessidade de mudança. Temáticas relevantes passaram a ser cada vez mais trabalhadas no horário nobre, e algumas até provocaram discussões que se elevaram para o ambiente social, como o machismo abordado em O Outro Lado do Paraíso e a questão da transição de gênero em A Força do Querer. Recentemente, a reprise de Fina Estampa na Globo até causou certo espanto e repulsa, por uma abordagem já retrógrada e que se pautava apenas em um arco de vingança de uma personagem histérica e sem motivações. 

Um dos lançamentos mais recentes da emissora veio para romper de vez com padrões novelescos até então impostos. Escrita e criada por Manuela Dias, Amor de Mãe já nasceu com altas expectativas. A autora foi a mesma que deu vida para a minissérie Ligações Perigosas e a grandiosa Justiça, que foi indicada ao Emmy Internacional. Manuela fez escola em como trabalhar narrativas realistas e com críticas sociais como pano de fundo, conseguindo entrelaça-las da maneira mais natural possível. Seu novo desafio era fazer o mesmo em um dos produtos principais da televisão: a novela das nove. 

Para isso, Dias decidiu contar sua história a partir de uma das figuras centrais da vida de qualquer brasileiro. Amor de Mãe envolve a narrativa de três matriarcas, de diferentes personalidades e classes sociais: Lurdes (Regina Casé), Vitória (Tais Araújo) e Thelma (Adriana Esteves). A carismática dona Lurdes é o grande laço que conecta todas elas. Mãe de cinco filhos e natural da cidade fictícia de Malaquitas, do Rio Grande do Norte, a empregada doméstica tem como motivação principal encontrar o filho do meio, Domênico, que foi vendido por seu ex-marido quando ainda era criança.

A novela se inicia com ela contando sua história para a advogada Vitória Amorim, para quem iria trabalhar como babá logo depois. Ao contrário de Lurdes, a personagem de Tais Araújo ainda tinha o anseio de se tornar mãe, mas, além das dificuldades em engravidar, também havia perdido o seu primeiro bebê. Então, ela adota o menino Tiago (Pedro Guilherme Rodrigues), que chega para mudar suas percepções sobre a vida e seu olhar duro e frio sobre algumas questões.

Nesse início, Lurdes também conhece Thelma, que, logo no primeiro encontro, descobre que tem um aneurisma cerebral. Dona de um restaurante português no Bairro do Passeio, ela é mãe do jovem Danilo (Chay Suede). E nutre uma paixão completamente obsessiva e manipuladora em relação ao filho, que evidencia um forte sentimento de superproteção, especialmente pelo fato dele ter sobrevivido a um incêndio em sua casa quando ainda era criança, que tirou a vida de seu marido.

Com os três arcos principais construídos, as narrativas passam a se encontrar nos mais diversos aspectos. A questão ambiental é uma das temáticas centrais de Amor de Mãe, com as constantes tentativas de grupos ativistas em derrubarem Álvaro da Nóbrega (Irandhir Santos), dono da empresa de plástico PWA. Colocar um empresário corrupto e autor de diversos crimes ambientais como vilão principal é transpor para a tela a realidade que observamos todos os dias no noticiário. Entre suas ações ilícitas, o magnata é responsável por despejar dejetos de sua indústria na Baía de Guanabara. E tem como seu maior rival o ambientalista Davi Moretti (Vladimir Brichta), que mais tarde se relacionaria com Vitória. 

Em meio a essa sinuca de bico, a advogada passa a enfrentar um dilema ético e moral, e a maternidade se mostra como a grande potência transformadora em sua vida. Se antes ela pautava suas atitudes apenas em formas de se favorecer e crescer profissionalmente, agora ela busca aquilo que possa servir de bom exemplo e motivo de orgulho para seus filhos. Com isso, decide romper o contrato com Álvaro, mesmo que custe perder todos os luxos e regalias da vida que costumava ter. Habituados com histórias de mulheres pobres que surpreendentemente conseguem enriquecer, passamos a assistir uma narrativa oposta. 

A precariedade do sistema educacional brasileiro também é uma das temáticas sociais incorporadas na trama. A partir das vivências de Camila (Jéssica Ellen), filha caçula de Lurdes, como professora de História do colégio público Luis Gama, são tratadas questões como a falta de investimento e apoio governamental. A personagem ainda protagoniza discursos com reflexões essenciais em suas aulas, e inicia a ocupação do colégio com seus alunos, um símbolo do movimento estudantil.

Assim como toda novela costuma se adaptar aos acontecimentos do cotidiano, Amor de Mãe teve que se moldar para um cenário inesperado. Com a pandemia de covid-19, as gravações foram interrompidas, e retornaram apenas no segundo semestre de 2020. Diante desse novo contexto, Manuela Dias repensou o roteiro da segunda fase de sua produção, trazendo a crise sanitária para o universo de seus personagens, algo já adotado por outras produções da Globo. Além de ser importante tratar sobre o assunto no meio midiático, foi uma ótima maneira de adotar protocolos de distanciamento nas cenas de forma natural.

Aproveitando o seu núcleo de profissionais da saúde, a obra ainda conseguiu retratar a rotina difícil daqueles que trabalham dentro dos hospitais. No entanto, com um vírus que tem um comportamento incerto tanto para a ciência quanto para a sociedade, a novela não foi isenta de erros. Desde a adoção de protocolos incorretos, até beijos em acrílico e o desuso de máscaras em momentos oportunos. Ainda é uma realidade arriscada de ser retratada rigidamente na ficção, mas talvez a falta de alguns cuidados também tenha sido um bom exemplo para demonstrar o descaso da população brasileira diante desse cenário tão agravante.

Em meio a todo esse contexto pandêmico, a segunda fase da trama deu continuidade para a narrativa de Lurdes em busca de Domênico, que descobre a verdadeira identidade do menino e passa a, involuntariamente, ter Thelma como sua principal inimiga. A obsessão em fazer de tudo para não perder seu filho atinge níveis cada vez mais doentios e criminosos, com a entrega de cenas que só Adriana Esteves seria capaz de realizar. Em conjunto, Danilo volta a questionar a identidade de sua mãe biológica, indicando para um caminho que mais tarde vai se cruzar. 

Nesse desenrolar, os demais núcleos da novela pareceram apenas agir para sustentar a narrativa principal. Enquanto alguns ficaram patinando sob a mesma história, outros personagens tiveram destinos previsíveis e de fácil solução. Com um arco já quase resolvido na primeira fase, Vitória se envolve em tramas que não vem a acrescentar nada diretamente, como o retorno inesperado de sua mãe, interpretada pela atriz Eliane Giardini. Por outro lado, Penha (Clarissa Pinheiro) e Leila (Arieta Côrrea), que no início eram figuras pouco significativas, têm a melhor evolução como personagens, além de ganharem um arco de redenção essencial ao encerramento da trama.

A reta final de Amor de Mãe ainda contou com uma sucessão de acontecimentos trágicos, e bem difíceis de serem digeridos em meio a triste realidade que nos assola. Talvez a brusca redução de capítulos tenha condensado todas as catástrofes de uma vez só, e o surgimento de um equilíbrio foi imprescindível. Assim, emergiram alívios cômicos como a princesa unicórnio, protagonizada por Durval – o que com certeza não é uma reclamação, pois Enrique Díaz é genial em tudo que se propõe -, e a investida cada vez maior na construção de pares românticos, um clichê do qual não foi possível se isentar.

Além da troca frequente de casais, outros acabaram surgindo inesperadamente, e em muitos momentos se tornaram a única motivação dos personagens. Érica (Nanda Costa) acaba se apaixonando por Davi, acompanhando a recuperação do mesmo após sofrer um atentado a mando de Álvaro. No mesmo passo que Lídia (Malu Galli) e Magno (Juliano Cazarré) se encontram e se unem para conseguirem curar a doença da filha Brenda (Clara Galinari). Enquanto Ryan (Thiago Martins) reata com a tenista Marina (Erika Januza), e protagonizam um enredo raso e banal sobre a cultura do cancelamento.  

O encontro mais aguardado da televisão nos últimos tempos demorou, demorou muito, mas finalmente aconteceu. Após sucessivas, e até arrastadas, tentativas de fugir da prisão criada por Thelma, Lurdes conseguiu encontrar seu filho Domênico. Uma cena que não precisa ser poupada de elogios, não somente pela entrega da atuação de Regina Casé e Chay Suede, mas por todo simbolismo que ela carrega. É o marco e representatividade da força materna. Uma verdadeira homenagem a todas as mães.

E se por um lado comemoramos a morte do cruel Álvaro da Nóbrega, encerrando de vez seu duelo com Raul (Murilo Benício), o fim da antagonista Thelma foi um tanto reflexivo. Mesmo com todas as atrocidades cometidas pela personagem, é questionável pensar que sua única motivação sempre foi o bem e o amor de seu filho, por mais excessiva que fosse. Após ter o aneurisma estourado, ela consegue encerrar sua trajetória com aquilo que se dedicou a vida inteira. Morreu sendo chamada de mãe.

Assim, o laço criado pelas três protagonistas se finaliza de fato, e consolida os diversos papéis maternos explorados ao longo dos 125 capítulos de Amor de Mãe. Lurdes finalmente tem sua família completa, após anos de luta, com seus cinco filhos reunidos. Vitória se vê na posição de matriarca e profissional que sempre almejou, ao lado do seu marido Raul e seus três filhos. Sua irmã, Natália (Clarissa Kiste), deixa de ser mãe solo ao reatar seu casamento com Durval, enquanto, no mesmo páreo, Miranda (Débora Lamm) inicia um segundo relacionamento, após o divórcio com Matias (Milhem Cortaz). Por fim, Betina (Isis Valverde) está prestes a iniciar a vida materna ao lado de Sandro. 

Manuela Dias não reinventou a roda ao trazer como narrativa principal a busca de uma mãe pelo seu filho perdido, algo já trabalhado por inúmeras vezes em telenovelas, como vimos de forma similar em A Favorita, por exemplo. Sua inovação se dá pelo tratamento que ela atribuiu para um tema tão complexo e controverso, que é o Amor de Mãe. E fez isso sob o olhar brilhante e cinematográfico de José Luiz Villamarim, que assumiu a direção artística da obra. Dias errou e acertou, como todas novelas e produções fazem, mas proporcionou momentos impactantes que poucos conseguem atingir. Que a autora continue a contar belas histórias, que nos façam entreter, refletir e também emocionar.

Amor de Mãe é um verdadeiro divisor de águas na teledramaturgia brasileira. Com uma nova estética novelesca, a produção conseguiu entregar uma narrativa profunda e que traz temas importantes para a plataforma mais popular que qualquer Netflix, que é a televisão. E ainda nos presenteou com uma das personagens mais queridas da história das novelas. Dona Lurdes e sua família já deixam profundas saudades. 

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Vanessa Marques

Uma história de amor e guerra no sertão nordestino. Há cinco anos, Velho  Chico, do autor Benedito Ruy Barbosa (Rei do Gado e Pantanal), chegava ao horário nobre da Globo. A telenovela, marcada por uma tragédia em sua reta final, rompeu a hegemonia dos centros urbanos para levar o sotaque baiano e a paisagem sertaneja para as noites dos lares brasileiros. Com o forte apelo estético de Luiz Fernando Carvalho (Capitu), o melodrama desfrutou de uma tríade de peso: elenco, direção de arte e trilha sonora. Ambientada na cidade fictícia de Grotas do São Francisco, a narrativa reuniu a imagem de um Brasil esquecido e devastado pela seca — enquanto as águas do Rio São Francisco banhavam os conflitos de três gerações das famílias Sá Ribeiro e Dos Anjos.

A primeira fase foi uma obra sensível e impecável. Entre os ares de tropicália e libertinagem da década de 1960, o jovem Afrânio (Rodrigo Santoro) é forçado a deixar sua vida na capital para assumir as rédeas do império rural de seu falecido pai, o Coronel Jacinto Sá Ribeiro (Tarcísio Meira). Além do comando das terras e da política da região, o antigo Coronel Saruê deixa ao filho uma rivalidade declarada com o íntegro Capitão Ernesto Rosa (Rodrigo Lombardi). O anti-herói de Santoro vai, pouco a pouco, fazendo a transição do universitário carregado de ideais para a postura férrea que o seu destino lhe impõe. Nesse ínterim, ele se casa com Leonor (Marina Nery), união que dá luz a uma primogênita chamada Maria Tereza, para o desgosto da matriarca Dona Encarnação (Selma Egrei).

Fora a cadência do dialeto nordestino, os personagens possuem os corpos e rostos suados, castigados pelo sol escaldante do sertão. O retrato político da seca e da concentração fundiária emerge no nascimento de Santo dos Anjos. Os seus pais, Piedade (Cyria Coentro) e Belmiro (Chico Diaz), são retirantes que fogem das mazelas do semiárido e buscam uma vida nova nas margens do Velho Chico. É na igreja do Padre Romão (Umberto Magnani) que o menino, enfraquecido pela longa viagem, recebe o sopro de vida do batismo. Logo, o núcleo dos Anjos é acolhido na fazenda do Capitão Rosa e de sua esposa, Eulália (Fabiula Nascimento), que haviam adotado a pequena Luzia.

Poucos anos mais tarde, o romance juvenil de Santo (Renato Góes) e Maria Tereza (Julia Dalavia) brota em meio ao rancor e à violência do conflito familiar. O encanto e a sinergia da dupla “novata” de atores ganham a ternura do espectador, pintando o grande pano de fundo da narrativa. Mas a união desejada do casal é inaceitável na visão do Coronel Afrânio, que envia Tereza para um colégio interno. Lá, ela descobre estar grávida do amado, tal qual é praxe no ramo noveleiro. Assim, o assassinato de Belmiro, que seguiu o mesmo fim brutal do heroico Ernesto Rosa, entrecorta o panorama daquela guerra que já se tornava ancestral. Diante da separação arbitrária, os dois amantes tomam rumos distintos, com o fio condutor do rio emblemático. 

Velho Chico perpassa o tempo embalada em poesia visual e brasilidade, com destaque para a trilha sonora de Caetano Veloso (Tropicália, tema de abertura), Gal Costa, Maria Bethânia, Alceu Valença, Geraldo Vandré (Requiém para Matraga) e Novos Baianos. Era a primeira vez que uma novela tinha pouquíssima “cara de novela”. Num salto para 2016, Maria Tereza (Camila Pitanga), casada com o deputado Carlos Eduardo (Marcelo Serrado), retorna à cidade natal, na companhia do filho, Miguel (Gabriel Leone). Porém, é certo que, a partir do segundo ciclo, o folhetim perdeu o vigor. O que fora uma brilhante saga familiar virou uma trama irregular, arrastada e lenta. 

Santo (Domingos Montagner), agora marido de Luzia (Lucy Alves), é um líder progressista da terra, o oposto do Coronel Saruê (Antônio Fagundes), que se transforma em uma figura caricata, retrógrada e inflexível na velhice. Beirando o cômico, Fagundes entregou um Afrânio sem resquícios do homem libertário da juventude. Já Miguel rouba a cena com sensibilidade e postura humanista, mas também protagoniza uma relação especial com Olivia (Giullia Buscacio). O reencontro de Tereza e Santo custa a acontecer, postergando a típica revelação da paternidade. Irandhir Santos é outro nome que enriquece o tom lírico da nova geração, no papel de Bento dos Anjos, irmão mais novo do agricultor.

Elencando realismo mágico, temática ambiental e crítica social, o romance  de Ruy Barbosa — escrito por Edmara Barbosa e Bruno Luperi — terminou com a melancolia de um incidente que embaralhou ficção e realidade. Após o falecimento do ator Domingos Montagner, afogado no Rio São Francisco, a produção se reinventou para honrar o legado do intérprete de Santo, mantendo a sua presença no desfecho da trama. Dias antes, o personagem estava desaparecido na extensão do rio, sendo resgatado, quase sem vida, por uma tribo indígena do local. Fatalmente, a vida imitou a arte, no sentido mais fatídico da palavra.

Apesar dos golpes do destino e da relativa baixa audiência, Velho Chico ocupa o alto patamar da teledramaturgia, o mesmo de O Bem Amado e Gabriela. Indicada ao Emmy Internacional, a novela passou a compor o catálogo internacional da Rede Globo no ano de 2018. Embora não tenha sido deslumbrante do início ao fim, o clássico do sertão provou com sangue e lágrimas a máxima de Euclides da Cunha: “o sertanejo é, antes de tudo, um forte.”

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Raquel Dutra

Maria Sebastiana da Silva, Carol Dall, Gleice Araújo, Cristiane Oliveira e Tina dos Santos foram os nomes que protagonizaram um documentário especial na TV Globo no Dia Internacional da Mulher. A alguns canais de distância da maior emissora do país, ia ao ar a edição semanal de um dos programas jornalísticos mais tradicionais do Brasil pautada unicamente por mulheres. Assim, a grade da programação principal da televisão brasileira na noite de 8 de março de 2021 não só não escapou ao assunto do dia, como foi tomada por quem o constituía.

Falas Femininas contou as histórias de cinco mulheres anônimas de diferentes idades, crenças e lugares do Brasil a partir da direção de Antonia Prado e Patrícia Carvalho. Na TV Cultura, as jornalistas do Roda Viva, lideradas por Vera Magalhães, entrevistaram Taís Araújo, atriz que foi pioneira no que diz respeito à participação de mulheres negras na mídia brasileira. Em todas as diferenças entre as interlocutoras e os formatos dos programas, o que se destaca são os temas levantados, radicalmente comuns. Entre discussões sobre maternidade, sexualização, machismo, trabalho, dores e sonhos, cada uma delas revela as cicatrizes que, infelizmente, são o que nos conectam umas às outras.

Cada uma delas vêm de um lugar diferente. Começando pela mais nova, a carioca Carol Dall Farra tem 26 anos e é rapper, poeta, slammer e estudante universitária. A paulistana Cristiane Oliveira tem 44 anos, é mãe solteira de quatro filhos e auxiliar de enfermagem.  Tina dos Santos, de 47 anos, é baiana e mora na capital paulista com os dois filhos, trabalhando como doméstica e cozinheira. Fora do eixo Rio-São Paulo, conhecemos as histórias de Gleice Araújo, conhecida como Ruana, de 29 anos, que mora em Salvador com o marido e as três filhas e trabalha como ambulante, e Maria Sebastiana da Silva, agricultora de 59 anos do interior do Piauí que é mãe de sete filhos e avó de 14 netos. 

Lutar pela sua própria sobrevivência e a de seus filhos num contexto de abandono, superar dificuldades para conseguir uma profissão e estudo, alimentar sonhos e realizações em um mundo hostil ao nosso gênero são algumas das camadas que as mulheres descascam com real identificação. Mérito do espaço seguro que as diretoras, fotógrafas e produtoras de Falas Femininas constróem, o elenco do documentário (que é parte do Projeto Identidade, iniciado em novembro do ano passado com Falas Negras) é especial por refletir a realidade das mulheres brasileiras, diversas mas que conservam muitas similaridades.

Pensar sobre a situação presente é olhar para o passado e a relação entre as gerações também é importante quando se fala da mulher brasileira, e esse é um ponto que não escapa aos debates. É difícil falar sobre ser mulher sem falar de maternidade, sobre os vínculos de mãe e filha e sobre como as relações pessoais influenciam nossa existência no mundo. Ciente disso, as lentes de Falas Femininas, quando dentro das casas das participantes ou quando retratam a relação delas com suas filhas, encaminham as reflexões para um rumo que nos força a pensar nas violências de gênero que atingem até nossas mulheres mais novas. 

As filhas de algumas das depoentes do Especial aparecem ajudando com os afazeres domésticos e Taís relata a preocupação de sua mãe com as roupas que ela usava e com a forma como se portava, especialmente quando em frente às câmeras que depois a colocariam na TV de milhares de casas espalhadas pelo Brasil. Quando o debate se vira para as novas gerações que são de lugares diferentes do país, as coisas mudam um pouco e vislumbram um horizonte otimista. A mais nova das mulheres do documentário demonstra maior liberdade frente aos estereótipos de gênero e o debate sobre maternidade no Roda Viva pode ser resumido por uma fala de Taís Araújo: “estou criando meu filho para respeitar as mulheres e minha filha para ser livre”.

A existência feminina, no entanto, não é apenas ser mãe e Carol Dall é cirúrgica ao pontuar o porquê desse assunto ser tão intrínseco e compulsório para as mulheres quando é opcional aos homens. “A gente vive num país onde os pais vão embora e as mulheres ficam”, destaca a estudante, evidenciando que, para nós, sequer precisa ser mãe de fato para assumir esse posto. Basta ser mulher.

Cada aspecto da violência de gênero se manifesta até chegar na dimensão física e doméstica, revoltantemente um dos assuntos principais do dia em que pensamos sobre a condição da mulher na sociedade. Embalado pela artista que é um dos símbolos da luta contra violência doméstica no Brasil, Falas Femininas ecoa a voz de mulheres que mesmo enquanto jovens viram a violência doméstica de perto ou sentiram-na na pele.

Ainda sobre as dores, os debates permeiam a raiz de todas elas: a objetificação e a falta de respeito. A dor e os traumas surgiram tanto na voz trêmula das mulheres do especial da Globo quanto no olhar de Taís no centro da roda da TV Cultura. Reconhecer a si mesma como alguém desprovida de liberdade de decisão que é colocada numa posição de poder de outra pessoa é o que dói. Assim, as mulheres também reconhecem que o desprezo e o abandono doem. A falta de apoio, suporte e afeto dói. A impossibilidade de realizar os próprios sonhos e não ter como dividir os pesos dói.

A beleza de Falas Femininas foi simplesmente celebrar a nossa existência em um país que vê três de nós serem mortas por dia. O triunfo do jornalismo no Dia Internacional da Mulher foi colocar profissionais para debater questões sobre a nossa existência enquanto indivíduos conscientes e valorizados numa TV que já explorou ao máximo nossa imagem a partir da objetificação e sexualização.

E ao mesmo tempo em que assistir mulheres reais na televisão é reconfortante e que ouvir vozes sendo fortalecidas é motivo de celebração, é também desesperador por ser tão excepcional. Tudo se potencializa quando lembramos que mídia é poder e ocupar esse lugar surte efeitos poderosos, como bem pontuou Taís Araujo na entrevista: “O sentido da representatividade é você se sentir possível”.

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Nicole Saraiva

Uma grande aposta da Globo, As Five acaba de finalizar a sua primeira temporada no Globoplay e com certeza se consagra como uma das melhores ideias que o autor Cao Hamburguer já teve. A série chega no streaming como um spin-off de Malhação: Viva a Diferença e se passa 5 anos após o fim da novelinha. 

Agora se engana quem acha que a história de Keyla, Tina, Ellen, Benê e Lica continua com aquele toque infanto-juvenil, pois a produção chegou abordando muitos assuntos que são tabu até os dias de hoje. Com um lado mais maduro, vemos as personagens se descobrindo na vida adulta e se aventurando por desilusões amorosas, mercado de trabalho, explorando a sexualidade, sofrendo com a falta de perspectiva de vida e muito mais. Afinal, elas são gente como a gente e, às vezes, nem nós sabemos muito bem o que estamos fazendo.

Se você é fã antigo de Malhação ou nunca assistiu, não importa, porque para entender As Five não é essencial ter visto a temporada. Mas a série é melhor aproveitada por quem já conhece a história das protagonistas. Destaco o talento das atrizes, que conseguiram incorporar muito bem as personagens mesmo depois de anos, e é nítido que elas mudaram apenas a idade e a maturidade (bom, essa parte só de vez em quando).

A série é muito bem produzida, com boa fotografia principalmente em cenas noturnas, sequências mais quentes muito realistas, uma trilha sonora incrível regada de muita música brasileira e ela também chama a atenção para como a emissora tem se adaptado à nova era do streaming. Portanto destaca a relevância que o formato transmídia possui para as novas produções da Globoplay. Se apresentando como algo totalmente inovador, As Five cativou demais e cumpriu o que prometeu ao deixar o público louco no Twitter e na frente da telinha até de madrugada.

E todo o alvoroço é justificado. Para quem acompanhou a novela até 2018, o spin-off não é nenhuma novidade, pois já havia sido confirmado e começou a ser produzido no mesmo ano. Mas foi em 9 de abril de 2019 que a Rede Globo confirmou a realização de As Five, devido ao sucesso de audiência da temporada, já que a novelinha de Cao Hamburguer foi uma das mais assistidas da história de Malhação e teve repercussões positivas da crítica especializada.

A audiência fiel teve grande participação nas decisões com relação ao lançamento da série, chegando a opinar até sobre a hora que os episódios iam ao ar por meio de protestos e votações no Twitter. Mas a atenção da emissora para com os fãs foi recompensada, já que o público levou o nome da série para os trending topics a cada novo lançamento de episódio, então era uma diversão acompanhar os comentários de As Five subindo na timeline nas madrugadas de quinta-feira.

As Five entra em um novo cenário, 5 anos após o fim da novela e três após as meninas pararem de se falar. Apesar da narrativa geral circular em torno da amizade de Tina, Keyla, Ellen, Benê e Lica, o formato as explora em tramas individuais, dando atenção aos problemas de cada uma. Assim é possível se aprofundar na história de cada uma e entender melhor suas motivações e atitudes, também explorando detalhes desses anos de vida que não foram ao ar.

Tina (Ana Hikari), jovem descolada e sociável, é DJ das maiores baladas de São Paulo com o namorado Anderson (Juan Paiva). Ela passa pela dura tarefa de lidar com a perda da mãe sem ter tido tempo de resolver as pendências entre as duas, que não possuíam um bom relacionamento na novela. Como primeira reação, vai se jogar na noite e em todas as suas tentações. 

Ela é uma mulher de atitudes, mas suas decisões ao longo da série são bem duvidosas e até meio imaturas. Tina está na busca de encontrar a si mesma, já que ao longo dos anos se vê muito dependente e apagada por trás de seu relacionamento de longa data. Essa busca interior gera uma grande identificação por parte dos espectadores, já que no início da vida adulta passamos por essa fase de insegurança com relação às escolhas sobre o nosso futuro. 

A entrega de Ana Hikari para a personagem faz com que sintamos a dor, a indecisão, o alto astral e a vibe da personagem em todos os momentos, e mesmo que a gente não concorde, não conseguimos parar de torcer por ela e por seu sucesso. Mas no fim de tudo o que mais queremos é que a Tina faça uma boa terapia e ganhe um abraço apertado com aquela mensagenzinha de que no fim vai ficar tudo bem.

A Keyla, de Gabriela Medvedovski, agora cria seu filho Tonico (Matheus Dias), sozinha e está sempre no limite com tudo que precisa dar conta. A jovem foi obrigada a adiar seus sonhos para garantir a sobrevivência da criança, pois apesar de Malhação mostrar uma disputa para saber quem é mais pai dele, ela se prova o retrato da maioria das mães adolescentes: obrigada a crescer muito rápido e educar uma criança que o pai, Deco (Pablo Morais), não quis assumir. A partir do reencontro com as amigas vai tentar refazer seus desejos e investir na carreira de atriz de musicais.

Desde Malhação, Keyla é a personagem que acompanhamos mais atentamente, dá até uma nostalgia ver o quanto o Tonico cresceu, já que em Viva a Diferença ele era um bebê, e entendemos muito todos os sacrifícios que ela precisou fazer ao longo da vida. A luta para se manter em um emprego, a esperança para não desistir de seus sonhos e suas preocupações a torna a personagem que mais cresceu durante esse meio tempo, hoje fazendo coisas que nunca disse que faria, mas que são necessárias, pensando no bem estar do seu filho.

Apesar de uns deslizes aqui e ali, principalmente com relação a sua vida amorosa, o meu pano estava prontinho para ser passado já que isso trouxe boas risadas. As únicas ressalvas são a saudade de uma participação de Lúcio Mauro Filho como Roney Romano, pai de Keyla, e o fato de que algumas vezes seu filho ficou em segundo plano em sua trama. Já que Tonico acabou sendo mais trabalhado na presença das demais protagonistas, que ficavam de babá do menino, do que com a própria mãe.

Já Benê (Daphne Bozaski) segue sendo extremamente metódica, tentando manter a calma, mas não suportando quando as coisas saem de seu controle e fogem à rotina. Ela passou os últimos anos se dedicando ao estudo de música clássica e vive com Guto (Bruno Gadiol), seu namorado desde a escola, até que uma reviravolta os separa e ela encontra Nem (Thalles Cabral).

A trama de Benê é, definitivamente, a mais interessante de toda a temporada inicial de As Five. O começo da aventura dela responde às dúvidas que já passavam pela cabeça dos espectadores desde a novela. Mas, agora adulta, isso traz um despertar de aspectos da vida da personagem que no contexto de Malhação nunca teríamos contato, como a exploração de sua sexualidade.

Ela trouxe uma incrível adição ao time: Nem chega como um personagem cativante, imprevisível e divertido, e de quebra ele ainda carrega uma temática extremamente nessessaria na era da internet: o vício em pornografia. A dinâmica e a química entre os dois atores é fantástica, cômica e refrescante. Entretanto, é a falta de abertura para falar sobre outros aspectos da vida da Benê que prejudica, mas esperamos que isso seja corrigido na segunda temporada.

Lica (Manoela Aliperti) retorna explosiva, irônica e um tanto prepotente nesse novo capítulo, seguindo cheia de ideias e vontades, o que muitas vezes a faz parecer mimada. Após 5 anos, Lica já largou três faculdades, tentou vários projetos pessoais, mas não levou nenhum até o fim. Ela também está completamente perdida na vida amorosa desde que terminou seu relacionamento com Samantha (Giovanna Grigio).

Com ela, temos uma quebra de expectativa logo de início, mas não ache que isso é negativo! É interessante que, após um fim de conto de fadas (na novela), vemos que o futuro de alguém que possuía uma condição de vida tranquila e bem afortunada não seguiu como o esperado. E nada poderia ser mais a cara dela. Adulta, e ainda bancada pela mãe no primeiro episódio da temporada, As Five, quem deu esse nome mesmo?, ao contrário de Keyla que cresce fora das telas, Lica é a que mais se desenvolve dentro da série. Às vezes só é preciso de amigas, motivação e uma mudança de perspectiva para dar uma guinada na vida.

A sexualidade de Lica, que é bissexual, foi debate durante a novelinha e aqui ela se consolida de modo mais livre, podendo ser explorada e mostrando como é a juventude em meio a seus relacionamentos rápidos. E eu nem preciso falar da volta de Giovanna Grigio como Samantha né? Fan service muito bem vindo e muito bem servido, talvez a atriz que mais tenha conversado com o público sobre a série nas redes e uma das mais queridas, Grigio já tem o espacinho dela no meu coração!

E finalmente Heslaine Vieira volta ao papel de Ellen Rodrigues que, por ser tão focada na carreira, vive um pouco desligada do mundo das relações pessoais. Ela, que era excelente aluna no colégio e sua passagem pelo MIT, Instituto de Tecnologia de Massachusetts,  em Boston, não foi diferente. Terminou a graduação e engatou num mestrado nos Estados Unidos. Está noiva do americano Omar (Bilaal Avaz), mas sua visita ao Brasil durante a série a deixa incerta sobre os rumos que havia planejado para sua vida, e a faz cair nas graças de Lito (Matheus Campos).

Ellen tem o futuro que todos os fãs sonhavam para ela e mereceu demais todas as suas conquistas. Apesar disso, a personagem não foi bem trabalhada na temporada, pois o roteiro de Vitor Brandt tomou rumos confusos para ela durante As Five, inclusive a apagando completamente em um dos episódios, Trabalhar Cansa. Mas Ellen passa a série em uma luta entre sua carreira e a sua vida pessoal, entrando em conflito, e às vezes em surto, com a realidade. 

Os momentos onde ela respira e relaxa são um alívio, e nos rendem boas cenas. Agora o mais interessante é como Heslaine consegue reproduzir tanta química com seus interesses amorosos, É impossível torcer por Omar ou por Lito, eles contracenam de uma maneira tão boa e mereciam um pouco mais de aprofundamento. Não quero revelar spoilers aqui mas espero que a segunda temporada conte com a participação de ambos.

No fim das contas, As Five mantém a sua essência e qualidade com o mesmo tom polêmico que mostra o real, e é possível se enxergar na série em muitos momentos, por ser palpável e atual. Confesso que foi um susto assistir a abertura do episódio inicial, que foi ao ar censurado na TV aberta, e mostra as personagens fazendo o consumo de entorpecentes, com cenas picantes e mais explícitas. Se a intenção era chocar e mostrar que a série é bem mais madura que a novelinha, o objetivo foi concluído com sucesso!

As Five é super rápida de assistir, com 10 episódios de, em média, 20 minutos cada, então dá para maratonar a vontade. E vai uma menção honrosa aqui para as participações de alguns atores de personagens secundários de Malhação que retomaram seus papéis, como Vinícius Webster (MB), Daniela Galli (Marta Gutierrez), Roberta Santiago (Nena), Ju Colombo (Das Dores), Bruno Gadiol (Guto) e Tati Ang (Telma Yamada), pois eles realmente enriqueceram a produção.  

Não basta só a série, aqui tem conteúdo extra!

Uma novidade do Globoplay durante a produção de As Five foi a grande interação com o público e com os atores. Como já citado acima, uma das novidades do streaming foi explorar As Five como série, documentário, live de talk show e até podcast! Antes do lançamento oficial, em 10 de setembro de 2020, foi anunciado o Making Five, um making-of composto por 4 episódios que conta a trajetória das personagens e atrizes principais. Cada um trouxe depoimentos das atrizes e das pessoas envolvidas nas produções, além de bastidores. A série documental foi criada e dirigida por Fabrício Mamberti, ao lado de Marcel Souto Maior.

E a novidade mais legal de todas: além do episódio semanal, toda segunda era possível assistir ao vivo no Globoplay o Talk Five, um talk show apresentado pela rapper, historiadora e escritora Preta Rara. Ele traz as protagonistas da série As Five em um bate-papo descontraído sobre os capítulos já lançados e temas atuais relacionados à geração Z. Para quem não acompanhou os lançamentos semanalmente é possível assistir esse conteúdo na íntegra, também na plataforma pela aba “destaques” de As Five. Além disso, ele se encontra disponível em formato de podcast pelo Gshow.

Ufah! Depois de tudo isso, se eu não te convenci a dar uma chance para essa série incrível, eu não sei o que vai. Mas pra quem se interessou a experiência é uma oportunidade de muita diversão, aprendizado sobre a sociedade e uma reflexão sobre o que estamos fazendo com a nossa vida. Os episódios de As Five podem até acabar rápido, mas a gente sabe que assim como foi em 2018, a jornada das 5 protagonistas não para por aqui.

Malhação: Viva a diferença, a temporada que renovou malhação

Malhação: Viva a Diferença é a vigésima quinta temporada da série de televisão brasileira Malhação, produzida pela Rede Globo e que foi exibida originalmente entre 8 de maio de 2017 a 5 de março de 2018, com 213 capítulos. Recentemente foi reprisada como edição especial, chamando a atenção de novos espectadores. O que não é surpresa, visto que foi uma edição famosa e polêmica da produção, e ainda lhe rendeu um Prêmio Emmy Kids de Melhor Série no ano de 2018. 

Nela, o autor Cao Hamburguer apostou em um roteiro totalmente diferente do que vimos em toda história de Malhação. A começar pela ambientação, já que a novela acontece em São Paulo, explorando os bairros da Vila Mariana até a Brasilândia. A fórmula de casal protagonista e vilão, típicos em Malhação, também não teve vez. Na temporada conhecemos 5 mulheres protagonistas, cada uma com suas diferenças e histórias, representando o que mais temos no Brasil, a diversidade. 

O interessante era acompanhar a trajetória do quinteto tanto junto quanto separado. A temporada foi ousada em explorar temas mais maduros, como gravidez na adolescência, diversidade sexual, assédio, desigualdade social, alcoolismo, relacionamentos familiares abusivos e, o que eu julgo ser o mais legal de todos, ter como protagonista uma personagem dentro do espectro autista, com Asperger, sem trabalhar ela de forma capacitista. Com Benê, de Daphne Bozaski, muitos preconceitos foram quebrados, já que a emissora não havia sido tão assertiva em outros personagens dentro do espectro.

Pode-se dizer que os temas apresentados por Cao Hamburguer abriram muitas portas para que Malhação mudasse seu pensamento para novas temporadas, expondo um leque de possibilidades e mostrando que histórias mais reais podem ser contadas para nossos jovens todos os dias às cinco da tarde. E isso foi provado em ambas as temporadas seguintes, Vidas Brasileiras e Toda Forma de Amar.

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Vitória Silva

O amor em tempos modernos. As primeiras trocas de olhares foram substituídas por matches em aplicativos de relacionamento. As conversas deram espaço para emojis e figurinhas do Whatsapp. Chegamos num ponto em que até ouvir a voz da outra pessoa se tornou um grande ato de intimidade à primeira vista. Essa digitalização do romance é apenas mais um exemplo de como nos reconstruímos no meio virtual e somos cada vez mais dependentes dele para criar e manter nossas relações. 

Há quem diga que essa mediação tecnológica não é tão vantajosa quanto parece, Fernanda Young e Alexandre Machado decidiram mostrar isso. O casal de roteiristas que deu origem a séries grandiosas, como Os Aspones e Os Normais, decidiu encarar uma comédia-romântico-dramática no contexto dos tempos atuais. Quase que sucessores da dupla Vani e Rui, surgiram Rita (Tatá Werneck) e Enzo (Eduardo Sterblitch). E, dessa combinação, nasceu Shippados.

Ambientada num Rio de Janeiro mais melancólico do que estamos acostumados, sob a direção artística de Patricia Pedrosa, a produção do Globoplay trata de uma história de amor que surgiu de um desencontro. Rita e Enzo são dois solitários que buscam incansavelmente pela felicidade em outro parceiro para se sentirem completos, e fazem isso, claro, por meio de um aplicativo de relacionamentos. Afinal, como diz a música que dá abertura ao primeiro episódio: o que mais alguém pode querer além de amar e ser amado?

A partir de um primeiro encontro desastroso com outras pessoas, eles, por acaso, acabam se encontrando. Assim se inicia uma história sobre relações virtuais, contada a partir de um namoro nada virtual. Desde o início, Machado e Young não pretendem mostrar um romance idealizado, Rita e Enzo se complementam por suas loucuras e defeitos. Rita é uma pessoa antipática, sincera e com um humor sarcástico que se encontra perfeitamente em Tatá Werneck, além de apresentar uma série de traumas causados por sua mãe, Dolores (Yara de Novaes), com quem ela mora até hoje. Enquanto Enzo é um rapaz ansioso, com um jeito esquisitão e várias dificuldades de socialização, mas que tem uma ternura que se balanceia com o mau humor de sua companheira.

O carioca divide apartamento com Valdir (Luis Lobianco) e sua namorada Brita (Clarice Falcão), ambos adeptos do naturismo. Eles vivenciam uma relação completamente oposta a de Enzo e Rita, ao invés de se completarem, o casal nudista age como se fosse um só, se entendendo nos mais diversos delírios. O grupo de amigos se conclui com Suzete (Júlia Rabello) e Hélio (Rafael Queiroga), casal que surge quase que de imediato por intermédio dos protagonistas. Estes apresentam um amor mais carnal do que qualquer coisa, e mostram muito sobre a superficialidade das relações do mundo atual. 

Diferente de Os Normais, a narrativa de Shippados não é composta por episódios independentes. Além do surgimento dos novos casais, o arco principal da temporada se dá na jornada de Rita em tentar encontrar seu pai, cuja identidade tentou ser ocultada ao máximo por Dolores, por interesse em manter a pensão que ele enviava para sustentar as duas. Nessa aventura, partem o grupo de seis amigos e a mãe desequilibrada para Maricá.

A dupla de roteiristas já é especialista em trazer a comicidade para momentos desconfortáveis entre os seus personagens, e dessa vez não poderia ser diferente. O humor surge nas situações mais escatológicas e constrangedoras possíveis, como quando uma excursão escolar chega na suposta praia de nudismo. Os diálogos sobre tópicos mundanos e aleatórios também são outro ingrediente comum do casal, e se encaixam perfeitamente aqui. Não é uma história forçada para nos fazer rir, com tiradas e clichês previsíveis. Em Shippados, nós rimos das situações e das pessoas. 

As redes sociais são o alvo de boa parte do humor sarcástico e afiado da série. Em diversos momentos, os diálogos entre os personagens exemplificam a superficialidade do meio virtual e as falhas comunicativas que ele proporciona, em que até um emoji errado pode alterar o tom de uma conversa. E acabam por tirar sarro da supervalorização das coisas na internet, como os testes de compatibilidade entre namorados e o status de relacionamento no Facebook.

Após descobertas decepcionantes na viagem para Maricá, e as diversas tentativas de sabotagem por parte de Dolores, a narrativa se vira completamente para a evolução do namoro de Enzo e Rita. Nenhum relacionamento é perfeito, muito menos nos roteiros de Young e Machado. A partir de uma sequência de desentendimentos, surgem as primeiras discussões, os conflitos iniciais e o primeiro término, como toda relação de pessoas normais. 

Por mais que esse talvez não seja o primeiro relacionamento sério da vida dos personagens, é a sensação que transparece para nós. Vemos a relação de Enzo e Rita como aquele namoro de adolescência, em que ambos precisam aprender a se entender antes para conseguirem, de fato, entender o outro. Erram como adolescentes, mas também amam como se fossem iniciantes nesse ramo. 

A dramaticidade ainda surge como um tempero adicional na narrativa. Seria difícil falar sobre o mundo da conectividade e do imediatismo sem abordar o lado daqueles esquisitões que não se encaixam por entre as bolhas virtuais. E, mais do que isso, mostrar as dificuldades que os relacionamentos do mundo digital ocultam, em saber lidar com o outro. Nesses momentos, o temperamento difícil de Rita e seu grande potencial de auto sabotagem, unido ao nervosismo de Enzo em tentar ao máximo que as coisas deem certo não poderiam ser mais compreensíveis. 

A transição para as cenas dramáticas não nos pega desprevenidos em nenhum momento, sentimos cada pontada da dor que é ser um estranho em um ambiente onde todas as relações são tão parecidas e simples, e da dificuldade em lutar por algo que não depende apenas de nós mesmos. A trilha sonora ainda é perfeitamente escolhida para nos derrubar de vez, com faixas de nomes como O Terno, Vanguart, Rubel e Los Hermanos. Ou seja, tudo de mais triste que existe na cena atual da música brasileira. 

Se fosse necessário dar nome aos bois, Dolores com certeza seria a maior antagonista da série, por suas sucessivas tentativas em destruir o namoro da filha, visando apenas o seu próprio benefício. Mas também poderia ser considerada a personificação do verdadeiro vilão do mundo real: o imprevisível (ou melhor, os absurdos idiotas da vida). Aquele acontecimento que vai além do nosso próprio controle e o maior obstáculo dos verdadeiros relacionamentos. Para se manter uma relação é preciso muito mais que amar, ou ter um endereço próximo, é necessário lidar com as adversidades da vida, e também lutar contra elas. Essa talvez seja a maior lição que o primeiro ano de Shippados nos deixa.

Shippados é um atestado das falsas promessas do meio virtual, que nos distancia, ao mesmo passo que busca nos aproximar. E também é um abraço caloroso para mostrar que ainda devemos ter esperança no amor, em encontrar alguém mesmo em meio a um mar de individualismo e das dificuldades repentinas da vida. Apenas mais um dos milhares de exemplos do grandioso legado de Fernanda Young, que não poderia ter se despedido de uma forma melhor.

A tecnologia vai precisar evoluir muito para conseguir transparecer as trocas de olhares apaixonadas, o nervosismo do toque acidental de mãos e as borboletas no estômago que a vida real nos proporciona. E não importa o quanto ela lute para conectar cada vez mais as pessoas, nunca conseguirá causar um encontro de almas tão bonito como o simples acaso. 

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Jamily Rigonatto 

Hebe Maria Monteiro de Camargo foi uma personalidade autêntica, sua alegria e carisma marcaram a história da comunicação e da televisão brasileira. Em homenagem ao impacto da apresentadora, a minissérie Hebe, que segue a linha de projetos como Maysa e Dercy de verdade, foi lançada para a plataforma Globoplay em julho deste ano.  

A obra conta com 10 capítulos escritos por Carolina Kotscho, e é uma extensão da produção cinematográfica Hebe – A Estrela do Brasil. Em um recorte  mais focado na vida da artista, a série se conecta à sua pessoalidade e intimidade, desde a juventude até a trágica morte para o câncer em 2012.

Nos primeiros minutos da produção, a representação da Hebe já demonstra a força de seus posicionamentos. Em cenas do programa ao vivo, a apresentadora se impõe sobre temas que contrariam a censura pós-ditadura e geram polêmica, como é o caso das pautas LGBTs e feministas. Esse traço de personalidade irreverente permeia toda a trama e se mantém bem aproveitado dentro da não-linearidade escolhida para contar a história.

Em momentos que retratam a adolescência e a juventude de Hebe, a audácia da personagem também é inegável. Desde muito nova, ser do interior de São Paulo ou ter sotaque caipira não a impedem de ser corajosa e ousada. Ao longo da narrativa, isso se mostra um aspecto positivo que a ajudou a construir sua carreira, mas, em contraponto, a fragilidade que a artista não deixa transparecer se insere de forma suave nas suas expressões e momentos íntimos.

Outra faceta interessante e muito explorada pela minissérie é a música como grande motivadora da carreira de Hebe. Ainda na juventude, o canto a ajuda a começar a conquistar relevância, e a mistura da música e da personalidade da personagem é bastante significativa para a produção. Em uma das cenas de destaque, ela é intimidada para conseguir ser cantora de boate, e é esse tipo de atitude que explicita bem quem é Hebe.

Relacionamentos e amizades também são trabalhados no enredo, e se Hebe era tão apaixonada pela vida, não seria menos pelo amor. Ao longo da história é explorado que a mesma essência que a faz ganhar o Brasil, de certa forma, atrapalha seus relacionamentos amorosos. Ela nunca desiste do amor, mas enfrenta relações desastrosas que trazem muita frustração. 

O machismo da época não via com bons olhos uma mulher tão livre quanto a apresentadora, e os homens que passaram por sua vida não foram diferentes. Em seus relacionamentos, ela vive situações abusivas, com parceiros controladores e até agressivos. Com Lélio Ravagnani (Marco Ricca), o segundo marido e grande amor, ela também é vítima de atitudes impulsivas e violentas. Apesar de terem vivido juntos um casamento de quase três décadas, o marido se mostra extremamente incomodado com a carreira da apresentadora, e  isso  causa  muita instabilidade.

Por outro lado, nas amizades o cenário era diferente, o carisma de Hebe conquistou não só o público como muitas pessoas que passaram por sua vida. Isso fica claro com a representação das relações dela com convidados, nas cenas em que aparece festejando e comemorando com amigos, e até na convivência afetuosa que tem com o filho (Caio Horowicz) e com o sobrinho (Danton Mello). 

As atuações da série praticamente não tem falhas, a escolha do elenco foi muito bem feita e conseguiu dar vida à história da maneira correta. Valentina Herszage interpreta perfeitamente uma versão mais jovem da Hebe, ela se parece fisicamente com a artista da vida real e consegue transmitir o roteiro de forma equilibrada e emocionante. A música é muito presente nessa fase de 14 a 25 anos e a atriz encarna muito bem a cantora Hebe, tem controle de sotaque e os gestos da apresentadora também aparecem na medida certa. 

A transição entre a versão menos e a mais experiente também não peca, com a falta de semelhança física entre Valentina e Andréa Beltrão sendo suprida pela atuação. As atrizes não deixam de levar a mesma Hebe ao público em nenhum momento, e, muitas vezes, é visível que elas fazem os mesmos gestos ou risada. As mudanças ficam integradas na maturidade e evolução da representação, mas a ligação construída entre as atrizes e a própria Hebe permanece. 

Andréa Beltrão dá um show à parte, decepcionando quem esperava que ela fosse ser cômica demais para a personagem, ou ainda que fosse a escolha errada pela aparência. A atriz entregou Hebe como se tivesse nascido para o papel, acertando dos trejeitos às gargalhadas. Todo o dinamismo, a alegria e o drama, foram encaixados sem exageros e com uma interpretação brilhante. Em diversos momentos é fácil esquecer que Andréa não é a verdadeira apresentadora em carne e osso, e a caracterização contribuiu com ótimas escolhas de figurinos,  joias e maquiagem. 

A atuação não passou despercebida, e a série foi indicada para o prêmio Emmy Internacional 2020.  Andréa estava na lista de concorrentes a Melhor Atriz, mas perdeu para a britânica Glenda Jackson. A premiação ocorreu hoje, dia 23 de novembro, e teve produções brasileiras em destaque, com 7 indicações nacionais concorrendo entre as 11 categorias principais. Além de Hebe, a Globo emplacou mais duas obras, a novela Órfãos da Terra, que levou a estatueta, e a também minissérie, Elis – Viver é melhor que sonhar. 

Entre os pontos negativos da produção, os cortes temporais e flashbacks poderiam ter sido introduzidos com mais fluidez. Muitas vezes essas passagens de um momento a outro são muito rápidas e causam certa confusão sobre o tempo em que os acontecimentos estão se passando. Assim, Hebe se torna o tipo de série que precisa de atenção aos detalhes para que os contextos não sejam perdidos.

 Os exageros do roteiro também poderiam ser medidos de outra maneira. A tática de juntar momentos marcantes que aconteceram em dias diferentes comove e causa impacto, mas, nesse caso, explorar demais isso tornou alguns episódios mais agitados do que deveriam. A classificação da obra enquanto ficção permite essas mudanças, mas trazer mais leveza no lugar de episódios abarrotados de muitos acontecimentos teria sido interessante. 

As pequenas imperfeições não impedem Hebe de ser um belíssimo trabalho que cumpre muito bem sua proposta, o resultado é ótimo e melhora tudo que nos foi apresentado no filme. Hebe é o tipo de minissérie que todo brasileiro que já sentou na frente da televisão e ficou encantado pela energia da apresentadora deveria assistir, a história encanta pela lembrança e pela emoção de resgatar a vida e a despedida da mulher que tanto significa para a mídia brasileira.

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Júlia Paschoalino

Após três temporadas de inegável sucesso e uma precoce ameaça de cancelamento, Sob Pressão voltou ao ar com dois episódios especiais. A série, que sempre usou um tom de denúncia social para retratar a realidade da saúde pública brasileira, não podia deixar de contar a sua própria versão da pandemia do novo coronavírus.

O especial se passa em um hospital de campanha da COVID-19. O casal de médicos Evandro (Julio Andrade) e Carolina (Marjorie Estiano), que terminou a última temporada trabalhando em uma missão humanitária no interior do Brasil, é chamado de volta ao Rio de Janeiro para ajudar nos atendimentos contra a doença.

A complexa situação do sistema público de saúde brasileiro, somada à desgastante realidade da pandemia, traz ainda mais tensão para uma série que, mesmo normalmente, contém uma alta carga dramática. Foi um risco convidar o telespectador, já sobrecarregado de conteúdos sobre o vírus, a conhecer uma versão tão mais acentuada da pandemia: a vivida pelos profissionais de saúde dentro dos hospitais.

O primeiro episódio acompanha dois casos de personagens infectados pelo vírus e conta suas histórias com delicadeza, misturando ficção e realidade. A falta de respiradores para atender a todos os pacientes, por exemplo, que leva agonia à equipe médica, foi inspirada em um caso real. Em junho, uma organização social contratada para construir um hospital de campanha no Rio de Janeiro comprou carrinhos de anestesia ao invés de respiradores.

Desde a sua primeira temporada, a série conta com a consultoria do médio Márcio Maranhão, autor do livro Sob Pressão – A Rotina de Guerra de um Médico Brasileiro e, assim, tem muito de seu roteiro baseado em casos verídicos. Essa combinação entre o real e o ficcional torna impossível assistir à produção de uma perspectiva distante. A forma como nós, brasileiros, estamos todos submetidos ao contexto das situações que ali aparecem nos relaciona com a narrativa de modo assustador.

Na trama, a falta de respiradores é resolvida pelo médico Evandro, que faz uma gambiarra para que dois pacientes possam usar o mesmo aparelho. No impulso por salvar vidas, o médico teima em retirar as proteções adequadas e, para o desespero dos fãs, testa positivo para COVID-19. As cenas depois do seu diagnóstico mostram maestria na atuação do casal principal que, mesmo com o rosto quase todo coberto pelas máscaras, consegue, apenas através do olhar, retratar a angústia e o medo que o vírus desconhecido gera até nos profissionais da saúde.

Após lágrimas de ansiedade e cansaço durante a entubação do marido, Carolina é chamada para tirar uma foto para o crachá, e protagoniza o momento mais marcante do especial. A médica tenta deixar o sofrimento de lado para sorrir para a foto, mas seu olhar fala por si só. Com essa cena, Marjorie Estiano, indicada ao Emmy Internacional 2019 pela atuação na segunda temporada da série, emociona o público e o deixa esperando por próximas indicações.

Em seu segundo episódio, Sob Pressão: Plantão Covid, usa do recurso dos flashbacks para contar sobre a opção de Evandro pela medicina. O médico, que passa o episódio entubado na CTI por conta da COVID, aparece 20 anos mais jovem cuidando da saúde de sua mãe, Penha (Fabíula Nascimento). Conhecido por suas gambiarras para enfrentar a frequente falta de equipamentos no SUS, Evandro descobre sua vocação ajudando a operar sua mãe dentro de uma ambulância.

De volta à pandemia, o episódio alerta sobre a irresponsabilidade daqueles que não respeitam o isolamento social, e também sensibiliza ao mostrar o envolvimento emocional dos profissionais da saúde com as histórias dos pacientes. Carolina, mais uma vez, protagoniza cenas comoventes, seja expressando a indignação médica com os que negam o perigo do vírus, ou decidindo participar da cirurgia de emergência que salva a vida de seu marido. 

Ao final do especial, a recuperação de Evandro, em meio aos aplausos dos colegas, marca a principal mensagem de Sob Pressão: Plantão Covid: a homenagem aos profissionais da saúde, um pedido pela confiança na ciência e a necessidade da luta constante por um sistema de saúde pública de qualidade.

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