Até mesmo depois de ampliarmos as listas de final de ano para 10 itens e deixar a cargo de cada participante escrever sobre o seu destaque pessoal, a lista de séries surpreendeu pela variedade: apenas uma obra permaneceu da lista de 2016.

Muita coisa boa ficou de fora, inclusive a animação que ilustra o post (e que proporcionou um dos melhores memes do ano). Mas nossas escolhas refletem um ano cheio de produções promissoras, ótimas temporadas de séries antigas e fortes traços autorais.

American Gods (1ª temporada)

Imagine os Estados Unidos da América sendo preenchid0 em sua construção identitária por imigrantes. Foram milhões que, a muito trabalho e sangue, fizeram o país ser o que é: uma terra de retalhos étnicos, culturais e religiosos. Imagine todas essas fatias trazendo consigo seus próprios mitos passados por gerações e gerações, alimentados pela fé de seus sucessores. Agora, finalmente, imagine isso encerrado no século XXI, destruído invisivelmente pelo Tinder, iPhone e a ascensão da Internet.

Se você não consegue estabelecer as relações, a primeira temporada de American Gods foi feita para ligar esses pontos. Baseado no livro de Neil Gaiman, o absurdo da série está em sua capacidade de colocar em camadas o colapso da construção  da identidade americana. Criativa e visualmente atrativa, sua primeira temporada não é só um estudo da queda da fé nos deuses que fizeram os Estados Unidos grande, mas também um retrato do que é feit0 o país que, atualmente, boia na mão dos mimados millennials e daqueles que ignoram seu passado e querem fazê-lo great again. – Adriano Arrigo

Big Little Lies (1ª temporada)

Um assassinato. Cinco mulheres. Uma cidade no interior da Califórnia. Big Little Lies, minissérie da HBO, contraria o recente histórico da emissora em produções megalomaníacas com histórias de época e repleta de efeitos visuais e nos entrega dramas familiares, passados nebulosos e traumas vividos na pequena cidade de Monterey. Para o projeto, a HBO montou um elenco de peso com nomes como Nicole Kidman, Alexander Skarsgård, Laura Dern, além de Shailene Woodley e Reese Witherspoon.

Inspirada em um livro de Liane Moriarty, a minissérie de David Kelley, que termina em 2018, toca em temas provocantes vividos pelas famílias de Monterey. Ao longo de 7 episódios, o espectador encontra-se submerso em um enredo cheio de tensão que torna claro o grande trunfo da produção nesse ano. A obra é eficaz em criar uma atmosfera de suspense que prende a audiência à tela pela natureza de seus assuntos – que vão de intrigas entre famílias à violência doméstica e estupro – e pela sensibilidade que adota ao tratá-los.

Big Little Lies dá voz às vítimas para expor seus traumas, mas também dá força para combaterem a situação em que se encontram. A receita não poderia ter dado mais certo e é um respiro no ambiente tóxico de Hollywood: a série foi a grande agraciada do Emmy 2017, levando 8 estatuetas para casa. Entre elas, a de melhor minissérie do ano. – Matheus Rodrigo

The Deuce (1ª temporada)

Só quem assistiu a The Wire (HBO, 2002-2008), série criada e roteirizada por David Simon, entende a comoção que se deu pelo anúncio de sua nova empreitada na TV, The Deuce. A esperança era de que o minucioso estudo em forma de ficção que foi The Wire para a temática do tráfico de drogas fosse também aplicado à premissa da nova produção: o início da indústria pornográfica em Nova York na década de 1970.

Felizmente, David Simon não abandonou o viés sociológico e na primeira temporada de The Deuce apresentou um sistema rico de personagens e setores da sociedade. A série demora para adentrar na temática da pornografia, só para mostrar como prostitutas, cafetões, policiais, a máfia, intelectuais e outros atores sociais se relacionavam e criaram condições para a comercialização do sexo. Mas ao contrário do começo vagaroso de The Wire, a nova série de Simon tem uma atração pelo espetáculo, visto que é estrelado e produzido por Maggie Gyllenhaal e James Franco. – Lucas Marques

The Handmaid’s Tale (1ª temporada)

Com a posse de Donald Trump e o caos político generalizado, as distopias artísticas ganharam força novamente. Clássicos tiveram números expressivos de venda, obras novas logo entraram nos trending topics. The Handmaid’s Tale pode ser considerado o melhor de dois mundos neste cenário: a série, transmitida pela Hulu em 2017, é baseada no livro homônimo lançado por Margaret Atwood em 1985.

Os dez episódios da primeira temporada introduzem um futuro misógino, onde a violência simbólica se concretiza de modo assustador. O fanatismo religioso comanda os Estados Unidos, e as mulheres férteis só cumprem a função de perpetuar a raça humana – bela, recatada e do lar. Nesse cenário, debates sobre prostituição, estupro, mutilação genital, tráfico de crianças, escravidão e espionagem são dispostos em narrativa feminista pungente. O espectador não é poupado da brutalidade, seja explicitamente gráfica ou sutil (os planos fechados são constantes, e tão sufocantes quanto no clássico A Paixão de Joana D’Arc).

Com atuações fortíssimas, mise-en-scène e fotografia matadoras, as premiações no Emmy são mais que justificadas. Que a segunda temporada seja ainda melhor, mas permaneça ficção. Pesada e necessária, The Handmaid’s Tale é pauta obrigatória nas conversas sobre grandes séries no ano. – Nilo Vieira

House of Cards (5ª temporada)

Uma corrida contra o tempo pela presidência dos Estados Unidos. Esse é o ponto principal da quinta temporada de House of Cards. O casal Underwood (Kevin Spacey e Robin Wright) está disposto a ir ainda mais longe em busca dos seus objetivos, doa a quem doer. Contra eles, está o governador e típico pai de família, Will Conway (Joel Kinnaman) que sentirá na pele o efeito dos Underwoods.

A nova temporada marcou o ano por trazer manobras políticas tão semelhantes com as que os Estados Unidos viveu com as eleições de Donald Trump e o Brasil com o impeachment da ex-presidenta Dilma Rousseff. Talvez a realidade tenha sido uma inspiração para os roteiristas da série. Ou, então, apenas uma mera coincidência.

Ainda neste final de ano, as denúncias de assédio sexual por Kevin Spacey abalaram não só os fãs de House of Cards, mas o roteiro de sua última temporada. Sem Spacey na série, 2018 é o ano das expectativas para o desfecho desse castelo de cartas.- Heloísa Manduca

How to Get Away with Murder (4ª temporada)

A quarta temporada de How to Get Away with Murder, como já é de praxe, começa com o gancho encerrado na terceira temporada (no caso, revelando quem foi o(a) mandante do incêndio que matou Wes). No entanto, a série toma novos rumos quando Annalise Keating resolve desfazer seu vínculo empregatício com seus outros quatro alunos. E nisso está a graça da nova temporada.

Ao mostrar a tentativa de independência de Connor, Laurel, Michaela e Asher da mentora, a série acerta em tramas que discutem, entre outras coisas, machismo e dependência química. Porém, ao tentarem ser livres de Annalise, seus ex-alunos descobrem que não conseguem se desligar de sua mestra. O mistério da temporada, que será tradicionalmente revelado no episódio 9, como sempre é instigante e conta com sequências fortes, já que Annalise tenta salvar o bebê (provavelmente) morto de Laurel. Para quem não assistiu a temporada até então, dá tempo de fazer uma maratona. Quem já viu, só resta esperar o próximo dia 18, data de exibição do próximo episódio. – Guilherme Hansen

The Leftovers (3ª temporada)

O terceiro e último ano de The Leftovers trazia muita apreensão sobre que fim teriam os mistérios da série roteirizada por Damon Lindelof, responsável por Lost. Os fãs foram recompensados com uma temporada que não só responde os questionamentos deixados nas anteriores, mas transcende o plot inicial da “partida repentina” com outros mistérios ao longo de sua extensão reduzida, contando com apenas 8 episódios (diferente dos 10 habituais).

A série, que é uma das melhores e menos conhecidas da HBO, traz ao longo de suas três temporadas uma pesada carga dramática e, ao mesmo tempo, a leveza dos momentos de esperança em meio ao caos da realidade vivenciada pelas personagens. O que nos leva a admirar o elenco talentoso, que consegue passar a complexidade de suas emoções e o peso de suas decisões, se tornando sem dúvida um dos pontos mais fortes da produção. Você sofre, fica confuso e respira aliviado com cada um dos personagens. The Leftovers recebeu um final tão bom quanto foram suas duas outras temporadas e merece ser considerada uma das melhores séries do ano. – Gabriel Regis Soldeira

Nathan for You (4ª temporada)

Na quarta temporada do reality de comédia, as ideias de Nathan Fielder para ajudar negócios em crise foram ainda mais absurdas e complexas, indo de um traje térmico especial feito para vender comida dentro de estádios à uma banda criada especificamente para popularizar o detector de fumaça como instrumento musical, de forma a baixar os impostos, em uma paródia das próprias lógicas do capitalismo.

O toque inesperado de genialidade veio no último episodio, “Finding Frances”, lançado como um especial de duas horas. No gran finale, seguimos um sósia de Bill Gates (ou seria um sósia de um sósia?) na sua busca para reencontrar um amor perdido de seis décadas atrás. São nos momentos mais humanos e sinceros que a série atinge seu auge, e “Finding Frances” é permeado pelo sentimento de solidão de todos os personagens e o constrangimento que o acompanha, que chega a níveis brutais com o relacionamento de Nathan com uma acompanhante paga e as descobertas sobre o passado de Bill, muito diferente do relatado pelo próprio.

Com um questionamento de realidade, “realidade” e ficção que não fica atrás de obras-primas como Close-Up, e o apoio de mestres do ofício como Errol Morris (Thin Blue Lines, Fog of War), que escreveu para a New Yorker relatando o porquê do episódio ser sua nova história de amor favorita, “Finding Frances” não é só o melhor da TV, mas também do documentário e talvez até do cinema nesse ano que passou. – Matheus “Copa” Fernandes

Stranger Things 2

Após o sucesso da primeira temporada, os novos episódios de Stranger Things corresponderam às expectativas dos fãs. A segunda parte da série de suspense dirigida pelos irmãos Matt e Ross Duffner manteve as características da produção anterior e se aproveitou de fragmentos da primeira temporada para voltar às aventuras no mundo invertido. Mas o grande feito de Stranger Things 2 reside no desenvolvimento de personagens.

A jovem superpoderosa Eleven e o policial Jim Hopper são esmiuçados ao espectador, enquanto o núcleo adolescente composto por Nancy Wheeler e Steve Harrington evolui de forma adequada. Os quatro amigos, Mike , Lucas, Dustin e Will, também mostram profundidade revelando caráteres contraditórios. Destaque para Will, que agora se integra ao protagonismo da série com uma atuação impressionante de Noah Schnapp. – Victor Pinheiro

Twin Peaks (3ª temporada)

Depois de 25 anos de perguntas sem respostas, a dupla dinâmica Frost-Lynch volta com autonomia total para o universo de Twin Peaks. Apesar do afeto pelo inexplicável, poucos fãs previram a mistura de sensações que os 18 episódios trouxeram. A cidade de Twin Peaks, por exemplo, não é mais o antro de perfeição que se desfaz com a revelação dos segredos das temporadas anteriores. A completa atmosfera da cidadezinha está desregulada: crimes em todo lugar, personagens importantes deixados de lado, franquias invadindo os restaurantes locais etc.

A primeira e segunda temporadas – assim como o filme -, focavam em um caso específico: a investigação da morte de Laura Palmer, que levou a descoberta de um outro mundo com espíritos do “bem” e do “mal”, com doppelgangers e creme de milho; assim como a perda de um dos personagens mais invencíveis no processo.

Na terceira, a prisão desse personagem é usada como premissa, enquanto o universo criado pela dupla se torna muito maior. Ao final do episódio 18, a mitologia se expande para além do controle dos artistas e o seu desfecho repentino acontece como a única solução possível. Faz todo o sentido perceber vários elementos dos filmes surrealistas de David Lynch, já que grande parte dos episódios parece ser o mais puro vislumbre da criatividade do diretor. Diferente de qualquer série ou filme, a última temporada de Twin Peaks inverte o fan service e dá curtos alívios somente para destruir o conceito de zona de conforto. Nostalgia não existe na nova Twin Peaks e a arte flui livre. – Gabriel Rodrigues de Mello

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Não é exagero dizer que o cinema teve um ano de renovação em 2017. Velhas franquias tiveram coragem de ignorar os fãs mais chatos e propor ideias novas. Os cinemas comerciais receberam com amor e ódio diretores antes relegados a nichos. Até o tão estagnado cinema de terror recebeu um polêmico prefixo “pós”, tamanha a diferença das temáticas abordadas nos filmes.

As escolhas pessoais dos participantes do Persona refletem esse ânimo por discutir cinema nas mais distintas áreas.

Bingo – O Rei das Manhãs

Uma das coisas que mais atrai o ser humano é a sátira, gênero que, em definição simples, ironiza costumes de uma determinada época. Basicamente, o trunfo de Bingo – O Rei das Manhãs é mostrar a anarquia que era a TV brasileira dos anos 80. Inspirado na história de Arlindo Barreto, intérprete do famoso palhaço Bozo, o filme retrata a luta de Augusto Mendes (Vladimir Brichta, ótimo) para alcançar o estrelato e as consequências da fama em sua vida profissional e, principalmente, pessoal.

Bingo une de forma eficiente um bom roteiro e qualidade técnica. Em uma fotografia e trilha sonora que nada devem à estética da década de 1980, o longa mostra de forma crua como Augusto mergulha em sexo e drogas conforme faz mais sucesso como palhaço. Já é possível dizer que Bingo é um dos melhores filmes nacionais dos últimos anos e merece representar o Brasil no próximo Oscar. Um verdadeiro must.  – Guilherme Hansen

Blade Runner 2049

O ano é 2049, Califórnia. Uma nova espécie de robôs foi desenvolvida e dessa vez eles estão muito mais obedientes do que seus antepassados, que apareceram no Blade Runner de 1982, o Nexus 8. A história se baseia em um perigo que está ameaçando fortemente a humanidade. O novato oficial K (Ryan Gosling) desenterrou um segredo terrível, o que o leva às buscas freneticamente antes que seja tarde demais e o mundo vire um caos.

Fora das telas, os robôs, também conhecidos como ‘replicantes’, são muito mais reais do que se imagina. A obra ficcional tem fortes semelhanças com os ciborgues virtuais que estão influenciando a opinião política do mundo através das redes sociais. Fake news, eleições americanas, entre outros acontecimentos que marcaram 2017. E agora?! Será que o teste Voight Kampff utilizado no primeiro longa para diferenciar humanos de replicantes pode salvar o mundo real e ficcional? – Heloísa Manduca

Corra!

Na esfera política, o movimento Black Live Matters tem ganhado presença e se destacado como uma voz das minorias no debate público sobre a questão racial nos EUA – isso desde que surgiu em 2013 em decorrência da violência policial contra a população negra. No mercado cinematográfico, o espaço tem sido disputado (vide #oscarsowhite), mas também tem rendido frutos, como os recentes e aclamados Moonlight e Selma. É seguro afirmar que essa lista tem tudo pra ganhar mais um figurante de peso com Get Out.

Sob o comando do diretor Jordan Peele, a obra adota um tom incessante e satírico para apresentar a história de um negro em solo norte-americano e para tratar das temáticas que essa premissa provoca. Uma das cenas mais marcantes do filme causa sentimento de desespero no espectador, e é utilizado pelo idealizador como um recurso para retratar o silenciamento forçado das minorias, um dos assuntos centrais da obra. O filme é eficaz em construir uma atmosfera claustrofóbica de terror e em apresentar uma breve interpretação das problemáticas raciais enfrentadas pela população negra nos EUA. Essa interpretação gera uma inquietude que só para ao rolar dos créditos. – Matheus Rodrigo

Creep 2

Creep 2 é assinado pela dupla Patrick Brice e Mark Duplass. O primeiro dirige, o segundo protagoniza e ambos roteirizam. A outra protagonista é Amy (Desiree Akhavan), uma jovem que anda decepcionada pelos poucos acessos do seu canal de YouTube, que mostra os seus encontros entre anunciantes estranhos do Craigslist. Ao ser contatada por Aaron (Duplass), a trama inicia sua montanha russa de aflição, vergonha alheia e risadas de nervoso. Desse modo, o longa reafirma que o terror psicológico não precisa originar de sentimentos negativos.

As revelações que ocorrem no filme anterior, de 2014, sobre Aaron criam, inicialmente, uma distância entre o que Amy e o público conhecem. Isso poderia causar frustração no espectador, porém Amy toma atitudes não pertencentes àquelas costumeiras a personagem padrão do gênero terror. Não só isso, mas o roteiro da sequência sabe usar plot twists como ferramentas de renovação, tirando as personagens e o público de suas respectivas zonas de conforto, repetidamente.

O resultado é um filme contido e com personalidade, que fala mais do ser humano do que os filmes do suposto “pós-terror” prometem. E, ao acabar, te deixa feliz por ter saído daquela situação, ao mesmo tempo em que te deixa igualmente feliz por a ter experienciado. – Gabriel Rodrigues de Mello

Em Ritmo de Fuga

Pode até soar simplória a premissa do jovem superdotado que foi obrigado a entrar no crime e vê seu esforço para sair dessa vida alavancado por um interesse amoroso. Mas o que torna Em Ritmo de Fuga um ponto fora da curva é como o diretor e roteirista Edgar Wright une ação e trilha sonora em um balé visual eletrizante. O filme é praticamente um musical, no sentido em que a música guia tudo, dos movimentos de câmera aos carros em cenas de perseguição.

Wright transforma o simples em exagero e o exagero em absurdo. A ação catártica, sem cortes exagerados e muito bem montada, se junta com a imprevisibilidade da narrativa e mostra que existe originalidade no gênero de ação. O filme realmente é uma experiência muito diferente do que se vê todo dia no cinema e vale cada segundo.- Gabriel Soldeira Regis

mãe!

Ocupando espaço tanto nas listas de melhores quanto de piores filmes, mãe! é a obra mais divisiva lançada nos cinemas em 2017. Os críticos (em sua maior parte) elogiaram a ambição, já a audiência americana colocou mãe! no mesmo patamar de atentados cinematográficos como Alone in the Dark e Super Heróis: Liga da Injustiça.

Realizado depois do fracasso de proporções bíblicas Noé, em mãe! diretor Darren Aronofsky aposta novamente nos temas religiosos para o thriller, dessa vez de forma mais alegórica, em meio a outras referências ao meio ambiente e ao processo artístico.

Incômodo e claustrofóbico, o filme desperta reações intensas a cada nova personagem que chega à casa de Jennifer Lawrence e Javier Bardem, culminando em um terceiro ato completamente insano e catártico. É difícil saber se as alegorias são uma escolha válida ou pura preguiça narrativa disfarçada de pretensiosidade, mais difícil ainda determinar em que ponto o tratamento recebido pela personagem título ultrapassa os limites e passa a se tornar puro sadismo. O que é inegável é que há muito tempo um filme tão arriscado e autoral não escapava para o mainstream, financiado por um dos grandes estúdios, e por isso (mais as intermináveis discussões provocadas), mãe! já merece um lugar entre os destaques do ano.  – Matheus Fernandes

Moonlight – Sob a Luz do Luar

2017 foi repleto de cenas tão inacreditáveis que só a vida real poderia nos proporcionar. E embora o caos e a injustiça dominem a maioria delas, pelo menos temos pequenos e significativos momentos de consolo. A entrega do Oscar para Moonlight, após o prêmio ser erroneamente concedido a La La Land, é um desses instantes que nos fazem, apesar de tudo, ter esperança até mesmo quando tudo parecia acabado. Um bonito golpe do destino para marcar de vez na história um dos filmes mais bonitos do cinema.

Moonlight apresenta a vida do afro-americano homossexual Chiron em três fases: infância, adolescência e início da vida adulta. A direção extremamente sensível de Barry Jenkins nos permite, antes de compreender, sentir a subjetividade das personagens. Culminando em um tocante último ato, o filme revela apenas com olhares e pequenos gestos o que há anos estava guardado, o peso do tempo mesmo não presenciado. – Lucas Marques dos Santos

O Ornitólogo

Baseado na história de Santo Antônio, O Ornitólogo foi um chute nas estruturas religiosas que tão bem conhecemos. O popular santo casamenteiro que, incontáveis vezes, já fora afogado por fiéis desesperados por um casamento, aqui são subvertidas pelo diretor português João Pedro Rodrigues para dissecar os desejos mais profundos de um jovem observador de pássaros.

Para isso, o diretor português cria uma via-crúcis numa selva demoníaca que leva ao caminho para São Thiago da Compostela e quase derrete de tanto surrealismo. Não obstante, os fortes elementos cristãs que permeiam a obra são cúmplice de uma explícita homoeroticidade, tema típico dos filmes de Rodrigues.

Com tanto elementos contrastantes, O Ornitólogo poderia ser facilmente uma crítica ao cristianismo, mas é somente a resinificação dela através da Mãe Natureza. Em tempos de sabotagem de direitos e visibilidade GLBTQ, o diretor cria uma parábola lírica para a comunidade, sem soar pretensioso ou panfletário. – Adriano Arrigo

Star Wars – Os Últimos Jedi

Desde que a Disney comprou a Lucasfilm em 2012 e anunciou as novas sequências, todo ano temos uma aposta garantida, seja nas bilheterias ou na crítica. No episódio VIII, o enredo é dividido nos diversos conflitos entre a Resistência e a Primeira Ordem, liderada pelo General Hux e Kylo Ren, e o esperado encontro entre Rey e Luke Skywalker.

Mesmo com esses três caminhos, o filme não se perde e cada personagem tem sua narrativa e objetivo -inclusive, surpreende o público com uma melhor construção de personagens já apresentados, principalmente o enigmático Kylo Ren, e de conceitos já estabelecidos, como a “Força”. Ainda assim, temos a clássica prestação de homenagens à franquia, seja com o fan service ou a trilha sonora, mas sem deixar de focar na história principal.

A imprevisibilidade causada pela mudança de tom padrão da saga sem medo do desagrado, a ausência de som (finalmente deixando a comunidade cientista feliz) em momentos especiais e o 3D muito bem utilizado fizeram desse episódio de Star Wars uma das experiências mais incríveis de assistir nas telonas neste fim de ano. – Egberto Santana Nunes

Toni Erdmann

Apesar da aclamação crítica, o último filme da diretora alemã Maren Ade não venceu o Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira. Não pareceu importar para Hollywood, que já anunciou um remake no desespero de reanimar a carreira do outrora grande Jack Nicholson. Pudera: a combinação de humor e drama aqui é das mais únicas do cinema contemporâneo, e mesmo com quase três horas de duração é difícil permanecer indiferente a Toni Erdmann.

As discussões familiares retratadas por Yasujiro Ozu (Tokyo Story, de 1953) são repaginadas para o século XXI, com fortes doses do humor ácido típico do cinema francês. Em meio a história do pai tentando fazer a filha adulta rir, questões como os limites do humor, relações corporativas, o conflito entre sucesso profissional e família são pincelados de forma incisiva. Ade encontra as soluções mais absurdas para quebrar a tensão do roteiro e surpreende o espectador em uma trama que, por mais peculiar que seja, nos lembra de nossa própria (falta de?) humanidade. Resta torcer para que isso atinja os executivos de Hollywood e este singular filme não seja pasteurizado em tão pouco tempo… – Nilo Vieira

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Gabriel Soldeira Regis e Gabriel Rodrigues de Mello

Mac DeMarco, o canadense que fez de seu desleixo uma carreira musical, vem conquistando seu público desde seu primeiro EP Rock And Roll Night Club (2012), com sua voz sonolenta e riffs de guitarra alucinantes. O multi-instrumentista estreou no estúdio integrando a banda ultra lo-fi Makeout Videotape e desde então vem aperfeiçoando o som inspirado no lirismo intimista de John Lennon e na simplicidade simpática de Jonathan Richman.

Em seu novo álbum This Old Dog, DeMarco abraça de vez a mudança de atmosfera introduzida pelo seu último EP Another One (2015). Este que se diferenciava de sua obra anterior pela economia na guitarra, que acompanhava e harmonizava com a melodia de sua voz. Isso criou um clima de solidão, intensificado agora pelos soturnos uivos dos sintetizadores.

Junto a essa nova sonoridade, o músico traz agora nas letras um tom amadurecido e taciturno. Para isso, temas abordados em composições anteriores são representados de forma mais pungente. Isso dá ao álbum um tom mais honesto, devido à concordância entre letra e melodia. Dentre esses temas, o álbum se aprofunda no relacionamento de Mac e seu pai, além do amadurecimento próprio.

“Oh no, looks like I’m seeing more of my old man in me”

Mac sempre teve uma relação conturbada com seu pai, tendo sido abandonado por ele quando criança. Mac Smith III se recusava a pagar pensão e, por conta do seu alcoolismo e uso de outras drogas, nunca teve um relacionamento saudável com a mãe de Mac. Grande parte das músicas foi composta enquanto DeMarco lidava com seu pai que tinha desenvolvido uma doença grave. Isso reflete na letra de canções como “Watching Him Fade Away”, em que o cantor demonstra a confusão de sentimentos de estar perdendo um pai que nunca se importou com ele.

Além do seu relacionamento com o pai, o amadurecimento de Mac reflete diretamente no clima melancólico das faixas. Já com seus 27 anos, o músico retoma temas que eram ofuscados por sua atitude jocosa em seus outros trabalhos. Logo, em This Old Dog, DeMarco soa mais direto e franco sem a companhia da guitarra, marca registrada de sua obra até então. Desse modo, Mac sai da sua zona de conforto, abraçando a solidão do envelhecimento, e se preocupando com que tipo de homem ele está se tornando e como isso afeta as pessoas à sua volta. Isso é exemplificado pela música que batiza o álbum.

“Long as my heart’s beating in my chest
This old dog ain’t about to forget”

Os rumos tomados pelo músico agregam à sua profundidade artística. A questão é se o álbum consegue atingir a capacidade de entreter que tanto marcavam seus outros trabalhos – a sonoridade, de certa forma, descontraída se provava mais palatável. Por ser um álbum mais denso, tanto lírica quanto melodicamente, This Old Dog, talvez desbande os fãs mais casuais que vinham a Mac Demarco por, pura e somente, diversão.

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