Marcela Jardim

Em meio a uma avalanche de clichês típicos das produções de fim de ano, A Nonsense Christmas, estrelado por Sabrina Carpenter, aposta em uma abordagem irreverente que subverte as expectativas do gênero. Apesar de seu charme inegável e do carisma da intérprete de Espresso, que transita com facilidade entre a atuação e sua persona musical, a produção levanta a questão: até que ponto o ‘nonsense’ pode sustentar uma narrativa? Enquanto alguns momentos brilham pela originalidade e criatividade, outros escorregam no excesso, deixando um ‘gostinho’ agridoce para o público.

O grande trunfo do filme é a capacidade de Carpenter de carregar a narrativa com seu carisma e sua veia cômica, além das canções clássicas de natal e as faixas de seu EP festivo, fruitcake (2023). Sua presença magnética mantém o espectador envolvido, mesmo quando a trama parece se perder em sua própria tentativa de ser peculiar. A artista equilibra momentos de humor físico exagerado com diálogos carregados de ironia, o que reflete sua habilidade de transitar entre o absurdo e a autenticidade, fora as esquetes temáticas e duetos com grandes celebridades.

Desde os primeiros minutos, Sabrina Carpenter captura a atenção com uma performance magnética de buy me presents, single do EP fruitcake, usando um longo vestido vermelho e luvas pretas de cetim, remetendo a algo clássico e sofisticado. Ao fim da canção, a introdução da artista, que é uma paródia humorística de It’s the Most Wonderful Time of the Year, é vibrante e estabelece o tom absurdo do especial. Carpenter comanda a cena com sua energia contagiante e uma plateia ao vivo reagindo entusiasmada, equilibrando humor físico com uma sagacidade que imediatamente envolve o espectador. É uma abertura que promete um espetáculo excêntrico e divertido.

Todos os cenários são muito bem planejados e remetem à época dos feriados de final de ano. O palco, ponto de algumas apresentações, é simples, porém, traz elementos adicionais em cada performance, providenciando um toque único à canção do momento. Entretanto, a estética natalina está distribuída por toda a parte: nas decorações festivas da casa cenográfica, no tema das esquetes e, principalmente, nos figurinos utilizados por Sabrina Carpenter e seus convidados.

Sabrina Carpenter traz dinamismo ao especial ao intercalar duetos, esquetes e performances solo, mantendo a atmosfera envolvente e a expectativa sobre o que virá a seguir. A primeira convidada a surgir em sua casa natalina é a cantora Tyla. Juntas, elas apresentam uma versão acústica de This Christmas, de Chris Brown, destacando a harmonia entre suas vozes distintas. O mesmo acontece no dueto seguinte, em que Carpenter divide o palco com ninguém menos que Shania Twain, uma das maiores estrelas da música country. A dupla revisita Santa Baby, de Eartha Kitt, adicionando novos arranjos e um toque de autenticidade à icônica canção natalina.

As apresentações seguintes assumem um tom mais intimista e delicado. Em parceria com Kali Uchis, Sabrina Carpenter interpreta I Saw Mommy Kissing Santa Claus, do grupo The Jackson 5, em uma performance aconchegante. Sentadas sobre um tapete próximo à lareira, as artistas exploram uma abordagem suave e melódica, ressaltando o calor e a nostalgia da faixa. Mantendo essa estética acolhedora, Chappell Roan se junta à protagonista do especial para uma interpretação descontraída de Last Christmas, da dupla Wham!. Com um clima espontâneo e leve, a performance remete ao fim de uma festa, quando as duas se reúnem para um último número no karaokê, finalizando a sessão de duetos.

À medida que a trama avança, a interação da artista com o elenco de apoio ganha destaque. Esporadicamente, alguns dos atores convidados sugerem uma outro da música Nonsense, trecho da canção que muda a cada performance da faixa, trazendo um toque humorístico. Sean Astin, Nico Hiraga e Kyle Mooney são apenas alguns dos nomes que compõem o elenco secundário da trama, aparecendo em esquetes que humorizam e satirizam alguns clichês de Natal. Um exemplo disso é o momento em que a personagem de Sabrina Carpenter apresenta seu novo namorado aos amigos – que, por acaso, é o papai noel.

Em outra esquete, Quinta Brunson, Cara Delevingne e a protagonista dão vida aos fantasmas do Natal passado, presente e futuro de um influenciador milionário e excêntrico. A paródia de Os Fantasmas de Scrooge não apenas revisita o clássico, mas também incorpora referências contemporâneas da geração Z. O roteiro brinca com o termo ghosting, utilizado quando alguém é ignorado na internet, e insere menções culturais marcantes, como a aguardada estreia de Wicked e o icônico festival Coachella.

As performances solo de Sabrina Carpenter em A Nonsense Christmas reforçam sua versatilidade artística, equilibrando emoção e ironia com naturalidade. Em santa doesn’t know you like i do, a cantora adota um tom nostálgico e intimista, enquanto vídeos natalinos de sua infância passam ao fundo, criando uma atmosfera melancólica e envolvente. Já no piano em cindy lou who, ela mergulha em uma interpretação delicada e reflexiva, reforçando o lado sentimental do especial. O encerramento com a faixa que dá nome ao especial rompe com a melancolia anterior e traz um tom divertido e caótico, reafirmando sua assinatura pop irreverente e bem-humorada.

Ao unir humor absurdo, performances musicais cativantes e um visual meticulosamente planejado, A Nonsense Christmas se destaca como um especial natalino que foge do convencional. Sabrina Carpenter conduz a produção com carisma e versatilidade, transitando entre momentos de pura excentricidade e passagens mais intimistas. Embora a aposta no ‘nonsense’ funcione na maior parte do tempo, alguns excessos podem comprometer a coesão da narrativa, o que talvez não agrade todos os públicos. Ainda assim, o especial cumpre sua proposta de entreter com irreverência, consolidando Carpenter como uma artista que sabe brincar com os limites entre a Comédia e a tradição festiva.

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Entender a si mesmo como uma pessoa LGBTQIA+ é, muitas vezes, uma tarefa difícil. Isso pode ser ainda mais intenso na adolescência, quando a pressão externa para ser igual a todo mundo – ou até melhor – te empurra a ser exatamente como esperam que você seja. Nesse contexto, coisas simples podem ganhar um significado imenso. Mas afinal, como a representatividade na mídia importa?

Em um momento de descoberta, dar de cara com um livro, filme, clipe ou até comercial que te faça sentir inteiro pode mudar muito sua jornada de auto aceitação. Encontrar casais sáficos, gays, pessoas trans e demais letras da comunidade existindo e sendo de verdade – mesmo que na ficção – nas linhas de algum produto é o tipo de coisa que te mostra que está tudo bem ser assim, não é um desvio de caráter e, muito menos, uma exclusividade azarada. 

Fechando mais um Mês do Orgulho, alguns membros da nossa Editoria compartilham como o contato com produções queer na adolescência fez diferença e, de certa forma, acompanha suas vidas até hoje. Levantando a bandeira de um jornalismo cultural que preza pelo respeito e acolhimento da diversidade, o Persona agradece por mais essa cobertura. Amar e existir são atos de resistência lindos. 

Jovens Titãs Renascimento: A Ascensão de Aqualad

Aos 15 anos, em 2017, ser gay não parecia grande coisa no ensino médio. Então, o mundo exterior com meus colegas e amigos foi a parte fácil. Desde a série animada dos Jovens Titãs, que marcou gerações com uma gótica, um ciborgue, o emburrado filho do Batman, uma alienígena e um vegano, as histórias de heróis sempre me fascinaram, não pelos poderes, mas pelos arranjos de equipes e aceitação no mundo, como em X-Men.

No quadrinho Jovens Titãs Renascimento: A Ascensão de Aqualad (2017), o herói filho do Arraia Negra – vilão dos filmes de Aquaman acusado de assassinato, roubo, conspiração e terrorismo – enfrenta um inimigo diferente dessa vez, seu relacionamento com seus pais e o medo da rejeição. Por ser um garoto que consegue controlar a água e criar objetos a partir dela, tem tatuagens brilhantes e não querer seguir o caminho maléfico do pai? Não. Por ser gay e descolorir o cabelo.

“Você já nasceu com uma marca em você, a que todos chamam de tatuagem, agora você acrescentou esse cabelo branqueado. E garotos. Por que está tentando tanto ser diferente?”                                                           

“Não estou tentando, mãe. Eu sou.”

Não é novidade que o universo de HQs e animações da DC está, politicamente, anos-luz à frente da Marvel. E fez muito mais em duas edições de quadrinhos que uma saga inteira de Vingadores no que diz respeito a representatividade queer, quando uma mãe amorosa o questiona de uma forma tão ríspida e um pai ausente como o Arraia Negra o trata como se isso sequer fizesse diferença, o desenvolvimento de sua identidade e lore nas próximas edições da HQ me guiou por um caminho mais leve e acolhedor. – Henrique Marinhos

Hoje Eu Quero Voltar Sozinho

Desde a minha infância, tinha consciência de que não era igual aos outros meninos. Por conta disso, ser gay nunca foi uma questão de crise de identidade, além de ter tido o privilégio de conviver em uma escola onde podia expressar minha sexualidade abertamente sem preconceitos. A virada de chave aconteceu quando me apaixonei pela primeira vez aos 14 anos – pelo meu melhor amigo hétero, quem nunca? – e percebi como aquilo era real e iria me acompanhar pelo resto da minha vida. 

Foi então que assisti o filme Hoje Eu Quero Voltar Sozinho, que me mostrou da forma mais doce possível que meninos como eu poderiam ter histórias felizes de amor. Ao contrário das versões caricatas de homossexuais representadas em outras produções, eu conseguia me relacionar com os traços introvertidos de Leonardo. Ao mesmo tempo que a figura de Gabriel me dava esperança de que um dia encontraria alguém tão extrovertido e livre como ele. 

A maneira como o longa representa de forma tão inocente a adolescência, as relações de amizade, o autodescobrimento e como é se apaixonar sem perceber por alguém pela primeira vez foi muito importante para mim, e acredito que para muitas outras pessoas. Hoje Eu Quero Voltar Sozinho é uma pérola do Cinema nacional e definitivamente entra no panteão de obras LGBTQIAPN+ que marcaram uma geração. – Arthur Caires

Girls Like Girls – Hayley Kiyoko

Ao subir o clipe de Girls Like Girls no Youtube em meados de 2015, Hayley Kiyoko mudou os caminhos de muitas garotinhas que navegavam pelo site em busca de hits do pop. Em um momento que se entender diferente fazia as cores de um mundo particular parecerem absolutamente acinzentadas, encontrar a imagem doce de duas garotas se beijando fez tudo ter tanto sentido, que os monstros definitivamente ficaram menores.

O retrato suave, delicado e completamente encantador traduziu em imagens os anseios de quem era apaixonada pela melhor amiga sem sequer entender o que aquilo significava. Nas linhas de uma narrativa em que as personagens parecem tão confusas quanto quem está assistindo pela primeira vez, o misto de sentimentos chegava a uma única conclusão: você não está quebrada! 

Sendo sincera, se naquela época os apps fizessem algum tipo de retrospectiva, aquele clipe com certeza seria o mais ouvido do meu ano e com uma quantidade de visualizações questionável – em minha defesa, era parte de um trabalho investigativo sobre quem eu sou.  Brincadeiras à parte, cantar “girls like girls like boys do, nothing new” em alto e bom som, fez uma adolescente de 14 anos se sentir abraçada quando tudo parecia prestes a desmoronar.  – Jamily Rigonatto 

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Letícia Hara 

Em todo o mês de Junho, o amor paira pelo ar junto à celebração das conquistas da comunidade LGBTQIAP+, por isso, é sempre importante relembrar a representatividade cada vez mais presente nos desenhos animados, em especial nos desenhos do Cartoon Network. Criado como um especial de Hora de Aventura em 2020, Terras Distantes foi lançado no Max dois anos após o encerramento da série original, dividido em quatro episódios, que narram aventuras dos personagens do desenho em um formato maior e mais aprofundado do que os capítulos de apenas 11 minutos cada da obra anterior. 

O episódio Obsidiana pode ser dito como o mais esperado pelos fãs desde o fim de Hora de Aventura, isso porque ele tem quase uma hora e é completamente focado em Marceline e Jujuba, casal que foi oficializado somente no final da série e contou com pouquíssimos frames que canonizaram as duas como namoradas. Durante todo o decorrer do seriado, fica implícito qual seria o motivo de, a todo momento, elas terem algum conflito mal resolvido. Afinal, até então, a dupla era apenas vista como ‘melhores amigas’ e seu relacionamento ficava apenas como uma teoria confirmada pela dubladora original de Marceline, Olivia Olson, uma vez que ainda era proibido deixar explícito o relacionamento. 

O casal ter sido o ‘endgame’ de Hora de Aventura faz com que a expectativa do herói e protagonista (Finn) ficar com a princesa Jujuba seja quebrada, abrindo possibilidades para novas formas de narrativa e paradigmas de se pensar romances em séries. Além disso, são poucos os episódios da produção original que mostram algo do relacionamento de tantas centenas de anos, o que faz com que Terras Distantes desenvolva melhor e traga mais cenas protagonizando a dupla. Com certeza, é um prato cheio para aqueles que queriam que o seriado original mostrasse mais delas. 

Não devemos deixar de citar a importância de Rebecca Sugar para o mundo dos desenhos animados. Ela é ativista LGBTQIAP+ e criadora de Steven Universo, outro desenho importantíssimo para a representatividade da comunidade, que trouxe temas e reflexões a respeito tanto para crianças, quanto adolescentes e adultos. Sugar foi extremamente importante para o desenvolvimento das canções de Marceline para a série, como também ajudou a produção a fazer o casal ‘Jujubline’ acontecer. 

Durante o especial, Marceline e Jujuba enfrentam um monstro enjaulado que já havia aparecido em um passado distante, passado esse que envolvia tanto o começo do relacionamento das duas quanto o motivo do fim da relação. No episódio, elas já estão juntas novamente no presente, porém, precisam enfrentar as razões que levaram ao término. Vale ressaltar que, após o fim da relação, no decorrer do desenho, elas tiveram outros relacionamentos com diferentes pessoas, o que amplia as possibilidades de amor presente na série. 

Obsidiana é repleto de emoções e narrativas novas que fizeram o fandom do casal conhecer mais sobre as personagens por sair da narrativa que só focava nos protagonistas Finn e Jake. O episódio entrega momentos de romance e de conflitos entre Marceline e Jujuba, fazendo com que, não somente as cenas de amor sejam especiais, como também as de desentendimentos e necessidade de retorno ao passado para poder valorizar o que existe no presente. Por fim, é necessário ressaltar que as personagens não têm orientação sexual definida oficialmente, o que permite aos fãs teorizarem, usarem a imaginação e se identificarem com elas. 

Para quem aprecia narrativas como essa, vale a pena ‘tirar um tempinho’ na semana e assistir o especial Fionna e Cake, lançado em 2023, que narra uma realidade alternativa dos personagens em que o casal aparece como Marshall Lee e Gary, assim como mostra frames da dupla original e de outras realidades em que as duas sempre acabam se encontrando. Já para quem gosta mais de se aventurar pelas HQ’s oficiais, Hora de Aventura: Marceline e as Rainhas do Grito é uma boa escolha de leitura para se aprofundar no romance delas. 

O casal mais amado de Hora de Aventura ainda faz o fandom esperar mais cenas apaixonadas das garotas e os criadores do seriado sabem que conseguem entregar aquilo que se espera deles. Os fãs aguardam ansiosos que elas retornem em breve em mais aventuras, porém, até lá, Terras Distantes fez o importante trabalho de fazer o inesperado acontecer.

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O termo que significa um estado transcendental de alegria é usado para nomear uma obra que existe no nível mais profundo das dores de uma juventude autodestrutiva para nos avisar sobre algo: desde seu início, aclamado e conturbado lá em 2019, Euphoria não quer saber de nada além do radical ao construir seu caminho na companhia de jovens que lidam com muitas, muitas, mas muitas questões. A máxima se consolidou ao fim visceral daqueles 8 primeiros episódios que colocaram o drama adolescente da HBO numa evidência maior que qualquer nicho. Ali, nossas protagonistas, responsáveis por engatilhar o desenrolar dos arcos da narrativa e toda sinceridade e todos problemas que os acompanham, se encontravam num lugar perfeito de completa ausência de resolução.

A complexidade que o diretor e roteirista Sam Levinson criou ao fim do primeiro ano de Euphoria só seria compreendida mais tarde, quando os ganchos de 2019 ameaçavam se perder no meio da fenda temporal aberta pela pandemia de covid-19. Então, o criador correu para os transformar em dois episódios especiais, dedicados exclusivamente ao centro da história – Rue (Zendaya) e Jules (Hunter Schafer) -, e quando Part 1: Rue foi ao ar em dezembro de 2020, o poder da narrativa se mostraria ainda maior. Sob o título de Trouble Don’t Last Always, aconteceu o primeiro contato da produção com o mundo depois de sua estreia, e também o primeiro encontro do apreciador da série com a profundidade emocional daquela que foi o fio narrativo de tudo o que Euphoria nos apresentou.

Era, então, o momento de prestar atenção na individualidade de Rue, antes de seguir as tramas de uma história que se propõe a retratar a juventude de forma radical. E quando encontramos a personagem em Part 1: Rue, topamos com uma sobrevivente do final tempestuoso do primeiro ano de Euphoria. Abandonada por Jules, enfurecida com todos, vulnerável como nunca e machucada como sempre, a personagem é vencida pelo seu vício em drogas e tem uma recaída. A única ajuda que a teimosia envergonhada de Rue aceita é a de Ali (Colman Domingo), meio amigo e meio mentor, que estabelece uma conexão com ela no grupo de Narcóticos Anônimos. Dramático e radical o suficiente? Não para Sam Levinson, que finaliza a premissa do episódio com os dois solitários em plena véspera de Natal numa lanchonete qualquer da cidade.

O encontro desencadeia uma longa e profunda conversa que toma os 60 minutos do episódio. Adentrando a profundidade psicológica de Rue, muitas questões surgem, e a sabedoria de Ali, que já vive longe do vício há sete anos, sabe identificar todas elas, sem se preocupar em solucioná-las. O foco ali é o desabafo da personagem, e a realização da oportunidade que ela precisava para revelar seus sentimentos complexos e delicados, depois do sufocante último episódio da primeira temporada.

Esse efeito é curioso, já que a história não escapa um segundo de sua perspectiva. Rue é a narradora absoluta – mas não totalmente confiável – de todos os eventos da série, e justamente por isso, é difícil adentrar sua intimidade debaixo de toda aquela energia caótica, como batiza o próprio Ali. Mas entre as digressões de Part 1: Rue, a personagem finalmente tem a permissão de viver intensamente suas oscilações emocionais, sentir o medo que ela esconde ter de si mesma, e tentar compreender sua relação com Jules, ao mesmo tempo em que revela mais de sua própria personalidade longe de tudo o que acompanha o núcleo de Euphoria.

Os méritos da Melhor Atriz em Drama do Emmy 2020 na personagem que a fez fazer história são sempre louváveis, mas o que se destaca aqui também é, mais uma vez, o trabalho de Sam Levinson. Encarando uma base em suas experiências pessoais, o texto de Trouble Don’t Last Always se preocupa de forma quase científica com os diálogos. Tão naturalmente prolixo e propositalmente direcionado, o roteiro do episódio faz Rue e Ali pensarem sobre a vida, sobre a morte, sobre o espiritual e sobre o mundano. E em algum momento da conversa, a situação da jovem diante do mundo toca no tópico indissociável porém ainda ausente na história radical de Euphoria: revolução.

A palavra surge na conversa quando o emocional de Rue mostra suas faces mais sombrias. Ela revela sentir-se culpada pela sua própria condição, pelo que trouxe à sua família – a mãe (Nika King) e a irmã mais nova Gia (Storm Reid) -, e pelos conflitos com Jules, fazendo nascer na adolescente um sentimento de desistência e conformidade. Como alguém que já pensou sobre aqueles dilemas muitas vezes nos momentos difíceis do vício, Rue é sutilmente impaciente, mas também levemente desesperada por novas possibilidades, e ao mesmo tempo, amargamente desesperançosa. Diante da confusão sentimental de Part 1: Rue, Ali, muito provavelmente o maior revolucionário de Euphoria, responde às constatações de Rue.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

– Mas eu não estava drogada.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

É a partir daí então que o episódio mostra de vez quem realmente é Rue e qual é a sua real situação. Em meio aos sentimentos da jovem perante ao mundo, Trouble Don’t Last Always faz isso através de Ali, que percebe a complexidade da situação e identifica os efeitos da chamada “doença do vício” na sua perspectiva de vida. Mas na história de Sam Levinson, não existem moralismos nem conclusões rasas. Ainda nas palavras de Ali, existe uma crítica direta ao imediatismo das revoluções, em meio às referências a Malcolm X e Martin Luther King que o mentor prega para a adolescente. Part 1: Rue aponta para a raiz do problema, e ainda que não exista uma solução, podemos imaginar uma transformação.

Mas antes de adentrar o espaço da Revolução de Rue, o Episódio Especial de Euphoria imagina como as coisas teriam sido se o final daquela primeira temporada fosse diferente. E se Rue e Jules seguissem seu plano de fuga e construíssem uma nova vida juntas? A primeira cena responde, naquela identidade teatral magnífica, junto das cores quentes que se tomam o lugar dos tons frios à medida em que o amor de Rue por Jules preenche o ambiente. Mas não demora muito pro sonho se perder na realidade, e quando a paixão já se diluiu no ressentimento, na culpa, tristeza e dor, o visual, elemento tão fundamental de Euphoria, materializa o temperamento da personagem principal.

É exatamente quando Rue volta ao uso de drogas que aquela essência etérea do romance e do sonho que ela vive com Jules se transforma num cenário obscuro, soturno, inóspito e repelente, mas curiosamente e fidedignamente, nunca incômodo. E então, num movimento rápido da câmera de Marcell Rév que colocou Trouble Don’t Last Always no Emmy 2021, estamos naquele momento que vai mudar muita coisa que ela pensa sobre si mesma, sobre o mundo e sobre os outros. E assim também é a Revolução de Rue em nós.

Mesmo sozinha e despedaçada, Rue ainda pulsa o desejo latente de ver as coisas sendo diferentes. Ela tenta descobrir o que fazer com isso, enquanto sente a dor dos que sabem que o mundo é um lugar terrível e percebem que todos parecem aceitar isso bem demais. Rue não quer ser parte disso. Rue não quer sequer presenciar isso. Então, a obra, que já revolucionou com a sinceridade, intensidade e profundidade com que trata seus temas, usa Part 1: Rue para revolucionar sua protagonista do jeito que pode. No caos emocional de Rue, existe um conselho ousado: Problemas não duram para sempre, é a mensagem central da voz agridoce de Euphoria naqueles 60 minutos.

No meio deles, a protagonista da trama desabafa sobre sua vontade de apenas desistir e o desconforto que sente vivendo no mundo que vive. Ali vai desejar um feliz Natal para as filhas pelo telefone, enquanto Rue lê uma mensagem de Jules, que diz que sente saudades junto de uma música. A canção que marca o Episódio Especial de uma produção que leva cada aspecto tão a sério não poderia ficar de fora dos sentidos criados dentro dele. E ao som de Me In 20 Years, a radicalidade de Euphoria aponta que a maior transformação de Rue é encontrar uma forma viver.

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Bruno Azevedo

Após 5 anos longe dos palcos e da internet, Bo Burnham retorna com Inside, seu novo Especial lançado pela Netflix. A produção foi escrita, dirigida e estrelada por ele mesmo no ano de 2020, trancado no espaço de uma única sala e feita especialmente para ser assistida pela tela da sua TV ou celular. Com vídeos de react, cantoria em volta da fogueira, debates sociais com um fantoche de meia e diversos desabafos, o filme é uma grande bagunça organizada na forma de comédia dividida entre músicas e stand-up.

Burnham é conhecido na internet desde que seus shows ao vivo começaram a ser lançados no seu canal do YouTube. Suas músicas em tom sarcástico, piadas ácidas e humor muitas vezes depressivo ganharam popularidade rapidamente e influenciam criadores de conteúdo até hoje. E mesmo que seu portfólio antes desse Especial se resumisse a apresentações diante de grandes plateias, essa experiência se traduziu muito bem no lançamento da Netflix.

O espetáculo é, em essência, um reflexo do estado de saúde mental do comediante no momento da gravação da cena. As primeiras músicas são claramente muito mais animadas, – ele faz diversas canções com críticas ao mundo externo e piadas com o próprio privilégio branco. 

A quarta faixa, How the World Works, é o exemplo perfeito de tudo isso. Ela dá a impressão de ser direcionada à crianças e até conta com a participação de Socko, um fantoche de meia fofo, mas que canta sobre genocídio e dinâmicas de trabalho abusivas.

Outras músicas dessa primeira parte focam muito na rotina do isolamento, como em FaceTime with my Mom (Tonight) ou Sexting. Mas isso muda a partir do momento em que o músico completa 30 anos, na sua sala, sentado ao lado do relógio. É a partir daí que sua depressão, insegurança e loucura ficam mais evidentes.

Toda a insanidade culmina em Welcome to the Internet, onde Burnham canta num ritmo desconcertante sobre o grande caos que é a internet, sobre todas as coisas úteis, macabras, aleatórias, nojentas e interessantes que são feitas para despertar qualquer sentimento em quem vê. “Um pouco de tudo o tempo todo” e “Apatia é tragédia e tédio é crime” são trechos da letra que resumem perfeitamente todo o sentimento da música, feita pra deixar quem assiste levemente desconfortável.

Já a depressão prevalece em All Time Low e Shit, que mesmo tratando da doença e da ansiedade no isolamento em suas letras, têm ritmos animados e acontecem em ambientes coloridos que contrastam completamente com o momento. A troca de um momento sério por uma piada de uma hora para a outra acontece mais de uma vez durante o show, e a iluminação é quase sempre a responsável por esse efeito.

Inside foi produzido como se fosse mais um dos shows ao vivo que popularizaram o comediante. Com tudo sendo filmado no espaço limitado de uma sala, é como se ele andasse de lá para cá sobre um palco em constante mudança. E assim como num show, a iluminação é essencial, utilizada na maioria das músicas e cenas de uma forma diferente e criativa, contando com projetores, globos espelhados, lâmpadas coloridas, holofotes dramáticos e até o celular, que em alguns momentos ganha um papel importante. Não só isso, mas o uso de adereços faz com que o pequeno cenário esteja constantemente mudando a cada cena, complementando as luzes. Até a bagunça dos equipamentos de gravação compõe a fotografia quando a intenção é ilustrar o caos do ambiente.

Mas mesmo que a ideia seja passar a impressão do ‘ao vivo’, isso não quer dizer que a edição não tenha seus momentos de brilhar. O filme tem a consciência de que fala com quem é acostumado com a internet, e isso leva a momentos em que uma música é objeto de um vídeo de react, que se torna objeto de um vídeo de react num loop, ou quando Burnham simula uma live jogando um jogo encenado por ele mesmo. Há momentos também em que a proporção da tela muda seja para simular uma videochamada no celular ou o clássico formato quadrado das fotos do Instagram em White Woman’s Instagram.

Sendo engraçado quando quer, intenso quando precisa e constantemente misturando as duas coisas, Inside parece ter sido feito com o objetivo de falar com aqueles que estão em isolamento há mais de 1 ano. Tratando de assuntos de grande seriedade com muita leveza e bom humor, o show de Bo Burnham é uma brisa de ar fresco necessária em meio ao caos do mundo externo e da bagunça interna da vida de cada um.

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Ana Júlia Trevisan

É inegável que Friends é uma das maiores séries já produzidas. A sitcom, que teve início em 1994 e foi finalizada com esplendor em 2004, continua carregando uma legião de fãs fiéis, mesmo depois de quase 20 anos do término. O que faz Friends tão popular? Pode ter sido seu contexto rotineiro, suas piadas fáceis e funcionais, seus personagens carismáticos. Mas, principalmente, a química entre os seis atores principais, que construíram uma amizade verdadeira além dos sets de filmagem e garantiram um entrosamento singular entre o grupo de amigos, fazendo as personagens funcionarem de maneira independente e em conjunto.

Todo fã já sonhou em algum momento com especiais envolvendo Courteney Cox, Matthew Perry, Jennifer Aniston, Matt LeBlanc, Lisa Kudrow e David Schwimmer. Em 2016, os boatos por uma possível Friends Reunion começaram a ficar mais fortes. Um tributo a James Burrow reuniu cinco dos seis amigos, que desde então começaram a aparecer mais e mais juntos. A imortal série emplacou vários produtos nesse meio tempo até que, em maio de 2021, o cast se reuniu oficialmente para relembrar os anos dourados de Friends e revisitar o estúdio que os acolheu durante uma década.

O Especial começa com a cena que por anos me neguei a reassistir nas anuais e terapêuticas maratonas de Friends. Sempre fugi do último episódio, de sentir a dor em ver eles entregando as chaves e indo tomar o último café no Central Perk. Mas, dessa vez, revi e por um bom motivo, eles estavam, os seis, reunidos novamente. Ver o apartamento vazio ainda trouxe a mesma dor lancinante da primeira vez, porém, nada se compara a sensação de ver os atores retornando ao set de gravação visivelmente emocionados.

Os cenários são bem reconstruídos e trazem aquele ar nostálgico, que ao mesmo tempo é acolhedor e caloroso como abraço de mãe. Em meio às cores marcantes que compunham a paleta da série e aos objetos que têm total energia Monica Geller, há mínimas diferenças de adaptação, como o relógio de cookie repaginado, já que o original está na casa de Lisa Kudrow. Descontraídos desde o início, eles mostram que são mais que amigos, são friends. Matt LeBlanc logo entrega que Courteney Cox tinha suas falas anotadas na mesa em cenas que aconteciam na amorosa cozinha do apartamento 20. Tudo flui de maneira orgânica.

Matthew Perry, que não compareceu no evento de 2016, presenteou os fãs com sua reconfortante voz, afinal, quem não escuta ele falar e não lembra de todas as doces e apaixonadas declarações que Chandler fez pra Monica. Sua sinceridade cativa e emociona os fãs que conhecem a história do ator. Assim como Rachel era conhecida por chorar facilmente, Jennifer Aniston adentra o estúdio com os olhos marejados, Courteney Cox repete a ação da madrinha de sua filha e entra no set visivelmente emocionada. Enquanto isso, os admiradores da série já se afundam em lágrimas.

Se o choro estava pouco, a abertura veio pra gente terminar com a caixinha de lenço. Ela é feita da melhor maneira possível e respeita suas 10 temporadas. A clássica fonte no meio da praça, com os guarda-chuvas vermelhos, amarelos e azuis reaparecem e, entre takes, vemos cenas do Especial assim como víamos cenas da temporada no fim dos anos 90. Isso contribui para ativar as mais doces memórias afetivas construídas ao longo de 236 episódios.

E essa fonte volta. Comandado pelo ator e comediante James Corden, vemos a fonte, o sofá laranja, a placa de reservado e uma plateia ansiosa. Logo notamos que a dinâmica da Reunião vai mudar e que além de revisitar o set, uma emocionante entrevista está prestes a acontecer. Os produtores Kevin Bright, Marta Kauffman e David Crane também estão presentes, se mostrando íntimos do público que sempre enxergou aquele grupo de amigos como uma verdadeira família. O filho pródigo está de volta ao lar. 

A The Reunion oscila entre entrevistas e o cast no estúdio, assistimos aos atores tendo flashbacks. Conforme eles viajam em suas próprias lembranças, viajamos juntos, pois Friends é uma série que permanece viva na memória de quem assiste, e um dos remos desse barco são as falas cortadas pelas brilhantes cenas citadas. As sequências do backstage, sem plateia, são aconchegantes de serem assistidas, sentimos os seis livres e leves, tocando as lembranças de forma natural e deixando se levarem por elas.

Mesmo perto da magia das cenas do set, a entrevista não perde seu encanto, ficamos ansiosos a cada pergunta feita por James e as respostas nos deixam mais próximos do grupo enquanto eles se aproximam deles mesmos, como uma grande família. Na entrevista, um dos primeiros episódios a serem relembrados é o hilário Aquele com os Embriões. Graças a ele, o nome da minha rede Wi-Fi é Miss Chanandler Bong. O quiz é recriado e é nesse momento que a pausamos o episódio, choramos um tanto, fazemos um exercício de respiração, para finalmente dar o play. Ansiedade define cada minuto dessa reunião.

O Especial é uma via de mão dupla: os fãs são agraciados com o elenco no mesmo espaço em que o cast recebe a admiração do público. Eles se reúnem numa mesa redonda para reler o script. E é nesse momento que Lisa Kudrow mostra toda sua potência, reproduzindo a inesquecível cena em que descobre o namoro de Chandler e Monica. As leituras de roteiro aquecem o coração com a chama que ainda existe nos seus atores. A química entre eles ainda é forte, e David não perde a chance de revelar o crush mútuo em Jennifer Aniston. Ele poderia ter sido a lagosta dela na vida real?

Os cortes são inesperados – no mesmo momento que estamos imersos no apartamento 20, somos teletransportados para algum depoimento. A fabulosa Reese Witherspoon aparece remotamente relembrando sua vivência como irmã da Rachel. Não há base certa para os convidados e sentimos falta de grandes participações. Vemos Tom Selleck e a partir de um certo ponto teve espaço até para a banda coreana BTS, mostrando que eles são gente como a gente que aprenderam mais inglês assistindo a série do que fazendo Fisk. A participação deles também serve para provar o sucesso mundial que Friends foi e continua sendo.

A mistureba de participações sem conexão nenhuma, que poderia ser um desastre, nos deixa mais próximos da sitcom. Vemos o sentimento de acolhimento que nos acompanha por dez temporadas refletidos em pessoas famosas como Malala e David Beckham, e também em anônimos ao redor do planeta. Friends é onipotente e onipresente. Temos ainda o prazer de assistir Lisa com o violão cantando seu maior hit, Smelly Cat. Depois de dividir os palcos com Taylor Swift, foi vez de fazer feat com Lady Gaga. A atriz tem toda a essência de Phoebe contracenando ao lado de Gaga e nos leva a lembrar de quando tentou ensinar Joey a tocar violão.

Se assistir Friends é risada garantida, assistir os erros de gravação junto aos seis amigos é gargalhada na certa, mas com um diferencial: assim como Jennifer Aniston, também precisamos ficar secando as lágrimas. Matthew Perry, que parecia ser o mais distante durante as gravações do Especial, também consegue ser o mais engraçado e verdadeiro do grupo.

Contudo, a euforia passa, e talvez outra maneira de divisão de tarefas pudesse tornar a Reunion mais grandiosa, focar nos amigos e deixar as homenagens como apêndice. Enfim, não posso negar que o Especial me deixou em paz. A confirmação que Friends não terá uma continuação me conforta. A série é gigante por tudo que ela representou na época, ela foi capaz de mudar minha vida e teve começo, meio e fim. Um revival é um risco que não vale a pena para a sitcom que nunca perderá o posto de maior do mundo. Eles estarão lá por você, basta dar play e rever os episódios.

“I turned to a friend for comfort. And instead, I found everything that I’d ever been looking for my whole life.”

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Raquel Dutra

Maria Sebastiana da Silva, Carol Dall, Gleice Araújo, Cristiane Oliveira e Tina dos Santos foram os nomes que protagonizaram um documentário especial na TV Globo no Dia Internacional da Mulher. A alguns canais de distância da maior emissora do país, ia ao ar a edição semanal de um dos programas jornalísticos mais tradicionais do Brasil pautada unicamente por mulheres. Assim, a grade da programação principal da televisão brasileira na noite de 8 de março de 2021 não só não escapou ao assunto do dia, como foi tomada por quem o constituía.

Falas Femininas contou as histórias de cinco mulheres anônimas de diferentes idades, crenças e lugares do Brasil a partir da direção de Antonia Prado e Patrícia Carvalho. Na TV Cultura, as jornalistas do Roda Viva, lideradas por Vera Magalhães, entrevistaram Taís Araújo, atriz que foi pioneira no que diz respeito à participação de mulheres negras na mídia brasileira. Em todas as diferenças entre as interlocutoras e os formatos dos programas, o que se destaca são os temas levantados, radicalmente comuns. Entre discussões sobre maternidade, sexualização, machismo, trabalho, dores e sonhos, cada uma delas revela as cicatrizes que, infelizmente, são o que nos conectam umas às outras.

Cada uma delas vêm de um lugar diferente. Começando pela mais nova, a carioca Carol Dall Farra tem 26 anos e é rapper, poeta, slammer e estudante universitária. A paulistana Cristiane Oliveira tem 44 anos, é mãe solteira de quatro filhos e auxiliar de enfermagem.  Tina dos Santos, de 47 anos, é baiana e mora na capital paulista com os dois filhos, trabalhando como doméstica e cozinheira. Fora do eixo Rio-São Paulo, conhecemos as histórias de Gleice Araújo, conhecida como Ruana, de 29 anos, que mora em Salvador com o marido e as três filhas e trabalha como ambulante, e Maria Sebastiana da Silva, agricultora de 59 anos do interior do Piauí que é mãe de sete filhos e avó de 14 netos. 

Lutar pela sua própria sobrevivência e a de seus filhos num contexto de abandono, superar dificuldades para conseguir uma profissão e estudo, alimentar sonhos e realizações em um mundo hostil ao nosso gênero são algumas das camadas que as mulheres descascam com real identificação. Mérito do espaço seguro que as diretoras, fotógrafas e produtoras de Falas Femininas constróem, o elenco do documentário (que é parte do Projeto Identidade, iniciado em novembro do ano passado com Falas Negras) é especial por refletir a realidade das mulheres brasileiras, diversas mas que conservam muitas similaridades.

Pensar sobre a situação presente é olhar para o passado e a relação entre as gerações também é importante quando se fala da mulher brasileira, e esse é um ponto que não escapa aos debates. É difícil falar sobre ser mulher sem falar de maternidade, sobre os vínculos de mãe e filha e sobre como as relações pessoais influenciam nossa existência no mundo. Ciente disso, as lentes de Falas Femininas, quando dentro das casas das participantes ou quando retratam a relação delas com suas filhas, encaminham as reflexões para um rumo que nos força a pensar nas violências de gênero que atingem até nossas mulheres mais novas. 

As filhas de algumas das depoentes do Especial aparecem ajudando com os afazeres domésticos e Taís relata a preocupação de sua mãe com as roupas que ela usava e com a forma como se portava, especialmente quando em frente às câmeras que depois a colocariam na TV de milhares de casas espalhadas pelo Brasil. Quando o debate se vira para as novas gerações que são de lugares diferentes do país, as coisas mudam um pouco e vislumbram um horizonte otimista. A mais nova das mulheres do documentário demonstra maior liberdade frente aos estereótipos de gênero e o debate sobre maternidade no Roda Viva pode ser resumido por uma fala de Taís Araújo: “estou criando meu filho para respeitar as mulheres e minha filha para ser livre”.

A existência feminina, no entanto, não é apenas ser mãe e Carol Dall é cirúrgica ao pontuar o porquê desse assunto ser tão intrínseco e compulsório para as mulheres quando é opcional aos homens. “A gente vive num país onde os pais vão embora e as mulheres ficam”, destaca a estudante, evidenciando que, para nós, sequer precisa ser mãe de fato para assumir esse posto. Basta ser mulher.

Cada aspecto da violência de gênero se manifesta até chegar na dimensão física e doméstica, revoltantemente um dos assuntos principais do dia em que pensamos sobre a condição da mulher na sociedade. Embalado pela artista que é um dos símbolos da luta contra violência doméstica no Brasil, Falas Femininas ecoa a voz de mulheres que mesmo enquanto jovens viram a violência doméstica de perto ou sentiram-na na pele.

Ainda sobre as dores, os debates permeiam a raiz de todas elas: a objetificação e a falta de respeito. A dor e os traumas surgiram tanto na voz trêmula das mulheres do especial da Globo quanto no olhar de Taís no centro da roda da TV Cultura. Reconhecer a si mesma como alguém desprovida de liberdade de decisão que é colocada numa posição de poder de outra pessoa é o que dói. Assim, as mulheres também reconhecem que o desprezo e o abandono doem. A falta de apoio, suporte e afeto dói. A impossibilidade de realizar os próprios sonhos e não ter como dividir os pesos dói.

A beleza de Falas Femininas foi simplesmente celebrar a nossa existência em um país que vê três de nós serem mortas por dia. O triunfo do jornalismo no Dia Internacional da Mulher foi colocar profissionais para debater questões sobre a nossa existência enquanto indivíduos conscientes e valorizados numa TV que já explorou ao máximo nossa imagem a partir da objetificação e sexualização.

E ao mesmo tempo em que assistir mulheres reais na televisão é reconfortante e que ouvir vozes sendo fortalecidas é motivo de celebração, é também desesperador por ser tão excepcional. Tudo se potencializa quando lembramos que mídia é poder e ocupar esse lugar surte efeitos poderosos, como bem pontuou Taís Araujo na entrevista: “O sentido da representatividade é você se sentir possível”.

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Vitor Evangelista

Jules é a personagem mais interessante de Euphoria. São muitos os fatores que confirmam essa máxima, e o principal deles recai no carisma de Hunter Schafer, a jovem modelo que debutou atuando na série da HBO. Podendo ser facilmente ofuscada pelo estrelato e pelo nome de Zendaya, ela construiu sua adolescente fragilizada pelas beiradas, sempre mostrada pelos olhos de Rue. Tanto é que, quando Euphoria transmitiu seu final de temporada, Jules saiu como a vilã da coisa toda.

Num mundo ideal sem a pandemia e os atrasos de gravação, o ano dois da narrativa lidaria com o pepino de prosseguir sua estreia fenomenal. Para isso, além da escrita e direção precisas de Sam Levinson, a série precisaria sair do comum e cortar sua trama na carne. Para sentirmos a ausência de Jules como Rue a sente, a produção deveria tirar Hunter de vista. O que não aconteceu, é claro que estamos longe de viver num mundo ideal. 

Tendo estreado no meio pro fim de 2019, Euphoria conseguiu se manter na boca do povo. A produção da segunda temporada tinha data marcada para março do ano seguinte, mas o coronavírus estourou uma semana antes, acabando com quaisquer planos de capítulos inéditos no futuro próximo. Meses adentro da pandemia, Zendaya ganhou o Emmy de Melhor Atriz em Drama, dando mais fôlego para o seriado da HBO. Então, Levinson anunciou que lançaria dois episódios especiais de fim de ano, esses que funcionariam como uma ponte entre os anos 1 e 2. 

Assim nasceu a melhor solução para, como dito acima, Euphoria sair do padrão comum e sangrar na carne, como já havia se acostumado na estreia. Solução essa na forma de Part 1: Rue e Part 2: Jules, opostos complementares e irmãos de alma, episódios inventivos, refrescantes, aterradores e bem bolados. Filmados na pandemia, provando que o essencial para uma história ser contada é ela ser realmente boa. Técnicas de escrita e filmagem foram usadas para driblar as limitações do isolamento, e Sam Levinson dirigiu dois domos artísticos que não poderiam ser mais distintos um do outro e, ao mesmo tempo, cruelmente similares.

Trouble Don’t Last Always, focado inteiramente na figura de Rue, surpreendeu pela clausura da dependência e da solidão. Os vícios da personagem foram estudados com lupa e microscópio numa lanchonete em pleno dia de Natal. Zendaya foi fundo na hora de canalizar a depressão de sua protagonista, atestando o talento que fez história no Oscar da TV, se tornando a mulher mais jovem a vencer a estatueta e apenas a segunda atriz negra a bater tal feito.

Mais de um mês depois do balde de água fria sentimental, Euphoria estreou Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob. Mas esse não se trata somente de uma ‘resposta’ à aventura de Rue, ou apenas um cumpre cota enquanto a pandemia continua degradando os Estados Unidos. Coescrito pela própria Hunter Schafer, o capítulo natalino de Jules é um exorcismo da primeira temporada e do julgamento com que a personagem arcava.

Tudo começou com Hunter dirigindo pelo país, exausta mental e fisicamente do isolamento social. Ela cogitou se internar numa clínica psiquiátrica, até que Sam Levinson sugeriu que eles escrevessem um roteiro de Euphoria no lugar. Ela aceitou sorrindo, como contou numa entrevista à Jimmy Fallon, dias antes da HBO exibir Part 2: Jules. Na mesma conversa, Schafer agradeceu à Shonda Rhimes e seu Grey’s Anatomy, que ajudaram-na no processo de escrita.

O título do capítulo vem de um poema que a atriz escreveu na adolescência, e toda a pegada da trama ressoa tons poéticos e latentes de uma alma desacordada e, ao mesmo tempo, enérgica. Jules está na terapia, é sua primeira consulta e ela hesita em se abrir com a mulher do outro lado da sala. Quando perguntada sobre o que a levou àquela posição, a câmera se desloca para filmar o reflexo nos olhos claros de Jules.

Vemos então, finalmente, o seu lado da história, mas com o toque gourmet de Euphoria. A cena bota Lorde pra tocar, e sua sombria Liability é que conduz os eventos do ano de estreia da série. A música é cantada na íntegra, cores nascem e morrem na íris da garota, Jules não abre a boca para falar um ‘a’ e mesmo assim entendemos tudo. Ela se considera um fardo, como a letra da neozelandesa martela, ela se vê quebrada, remendada, atropelada.

E, sem prometer nada, a série desata a nos justificar os comportamentos de Jules. Hunter Schafer se apossa dos close-ups, ela abraça a vulnerabilidade reprimida de todas as deixas que roteirizou junto de Sam Levinson. Se Part 1: Rue certificava o talento digno do Emmy de Zendaya, Part 2: Jules coloca Schafer no mapa, e ela veio para ficar. A personagem chora, grita, assente e consente com os temores que a pressionam cada vez mais para baixo. Ela só gostaria de ser o mar, esse é seu maior sonho, por mais distante que esteja.

Algo que transformou Jules num ícone instantâneo, fora as tendência de guarda-roupa e maquiagem, foi sua posição de personagens trans que não tinha um arco narrativo modelado em volta de sexualidade, aceitação ou incertezas. A questão de seu gênero ou preferência sexual quase não é verbalizada na série, o que chama atenção no aspecto narrativo e também no plano maior, reafirmando que é muito possível retratar minorias na TV sem prendê-las em labirintos limitadores.

E a vibe despojada de Jules se reflete piamente no ritmo de Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob, bloqueando a monotonia de ambientes únicos e da câmera transitando sem vigor. Assistimos flashbacks da primeira temporada sobre sua perspectiva, conhecemos momentos de seu passado antes de transicionar, suas questões com a mãe viciada e com o pai desesperado em remendar os buracos da família. Mas o melhor de tudo fica à cargo das fantasias de Jules.

Sua imaginação é a responsável por construir as sequências mais ferozes do capítulo, a fantasia do homem da internet, as cenas de intimidade e de prazer. A escalação de Jayden Marcos, ator de filmes pornográficos, apenas evidencia o caráter disruptivo da série de Sam Levinson, sempre interessada em trazer o bruto e o carnal para os holofotes, denunciando temas tabus no percurso. Ao lado das partes românticas e sexuais, as fantasias irreais de um futuro não tão próximo ao lado de Rue colocam Jules em uma posição melindrosa, de cautela e culpa.

A culpa, de fato, é o motor de Part 2: Jules. Fossilizando os medos, traumas, remorsos e atitudes da menina, ela própria se ataca involuntariamente. Algo diagnosticado logo de cara pela Dra. Mandy Weedman, papel de Lauren Weedman, que entrega todas as deixas para Schafer brilhar. O momento em que Jules admite querer parar com os hormônios e com os bloqueadores é equivalente à personagem se despir frente às câmeras. Ela não fica literalmente pelada (como faz alguns minutos depois no capítulo), mas admite que, para seguir em frente, ela precisa deixar parte da bagagem de pesar pelo caminho.

Se tratando do flamboyant de Jules, todos os aspectos construtivos do episódio despejam esse caminho para quem assiste. Os figurinos de cores lavadas são sinônimo de sobriedade e vulnerabilidade, ela não usa maquiagem e tem nos olhos uma tristeza transmissível. A câmera opera em respiros chorosos, vemos o mar de longe, vemos seus cabelos molhados, vemos-na deitada no meio de uma bagunça do quarto, vemos-na sentada com as pernas abertas. Pela primeira vez, entramos em contato com a Jules de verdade, sem camadas falsas, interpretações de mentira ou olhares moldados pelos homens. Apenas a Jules.

A trilha sonora é a vacina para o mal que assola a personagem e, se não a curar de fato, é o momento perfeito para criar seus anticorpos. Abrindo com o mais indefeso que Lorde ousou ser, somos transportados pelo vácuo sentimental de Lo Vas A Olvidar, parceria inédita de Billie Eilish e ROSALÍA, encomendada para o Especial de Euphoria. A composição é mestra em encontrar um intervalo entre pensamentos, com a voz das artistas se abraçando no exílio da felicidade. Perto do clímax, Part 2: Jules ainda dá voz à Arca e sua recém saída do forno Madre Acapella, uma graúda ópera moderna.

Euphoria está subindo pelas paredes, aguardando o momento seguro de voltar à grade de domingo à noite na HBO. Os episódios especiais mostraram ser tira gostos essenciais e muito bem cozinhados, mas ainda recheados de propósito. Se tratando de Sam Levinson, Zendaya e Hunter Schafer, nada é por acaso. Acompanhar o desenrolar de nós narrativos da primeira temporada serem corrigidos e desatados nos capítulos extras apenas atiça a curiosidade para o que está guardado para o futuro. 

Trouble Don’t Last Always e Fuck Anyone Who’s Not A Sea Blob, acima de tudo, nos deram saudades do elenco de apoio que faz a série alcançar, semana após semana, seu máximo potencial. O atrevimento de Maddy (Alexa Demie), a fúria moral de Kat (Barbie Ferreira), os olhares complacentes de Lexi (Maude Apatow) e, Deus me perdoe, fez sentir falta até dos dramas, ataques e birras do rato do Nate (Jacob Elordi). Para os próximos meses, nos resta assistir às sessões de terapia que a série escreveu no Especial, enquanto lidamos com nossos próprios demônios, sejam eles palpáveis, como o vício de Rue, ou etéreos, como a resistência de Jules. Qualquer que seja o diagnóstico, com Euphoria estamos bem acompanhados.

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