Laura Hirata-Vale

Depois do sucesso de Entre Facas e Segredos (2019), Rian Johnson fez seu retorno às telonas com mais um whodunnit, o longa Glass Onion: Um Mistério Knives Out. A franquia foi adquirida pela Netflix após o triunfo do primeiro filme, o que fez com que a segunda produção fosse esperada ansiosamente pelos fãs. O elenco foi repaginado, mas continua tendo nomes de peso como Kate Hudson, Kathryn Hahn e Janelle Monáe integrando a produção. Em meio às novidades, Daniel Craig retorna ao papel do investigador particular Benoit Blanc.

A história começa em Março de 2020, logo no início da pandemia causada pela covid-19, quando todos estavam tentando entender o período de isolamento. Claire Debella (Kathryn Hahn), Birdie Jay (Kate Hudson), Lionel Toussaint (Leslie Odom Jr.), Duke Cody (Dave Bautista) e Andi Brand (Janelle Monáe) recebem, respectivamente, uma caixa misteriosa do bilionário Miles Bron (Edward Norton). Após uma série de desafios e pequenos códigos, um convite para um fim de semana em uma ilha particular é revelado, para jogarem o jogo Detetive em tamanho real e investigarem a morte fake de Bron. Porém, depois de um apagão, um falecimento realmente acontece e o grupo é obrigado a buscar o culpado. 

Glass Onion arrisca superar a produção que o antecede, mas acaba falhando na tarefa. É  uma produção cheia de detalhes e pequenas reviravoltas, que fazem o filme ter uma falsa grandiosidade: são muitas minuciosidades, que, ao invés de ajudarem o espectador a entender o longa, só o confunde. É realmente igual uma cebola que possui muitas camadas – porém, todas elas são transparentes e se quebram na virada de chave do longa, deixando claro quem é o culpado. Enquanto Entre Facas e Segredos possui plot twists na medida certa, Glass Onion apresenta muitos e desnecessários, fazendo com que as mais de duas horas de duração se tornem cansativas e maçantes. 

Além disso, a obra tenta, de uma determinada forma, fazer uma crítica sobre pessoas que desobedeceram a quarentena e o isolamento social. Mas, por causa dos tantos outros pontos trabalhados durante os seus 139 minutos – como as minuciosidades presentes em suas cenas –, acaba fracassando. Quando comparado com seu antecessor, é possível perceber que muitos dos temas tratados continuam os mesmos, como Rian Johnson retornando com suas opiniões sobre riquezas e privilégios. Porém, distingue-se do primeiro ao possuir posições mais fortes, por tratar de imigração, preconceito e desigualdades de forma mais dura. 

A série adquiriu um novo tom por causa de sua troca de cenários. Entre Facas e Segredos, gravado entre os meses de Novembro e Dezembro, tinha como ambiente principal o estado de Massachusetts, nos Estados Unidos, e por isso, havia uma tendência a cores frias e pálidas, junto a iluminações mais sombrias, retratando bem o outono do Hemisfério Norte. Já as filmagens de Glass Onion, realizadas no verão grego, fazem com que a fotografia – feita por Steve Yedlin – seja solar, com cores quentes e bem saturadas. Por isso, o filme possui uma energia menos soturna e mais otimista. 

Assim como o primeiro, as personalidades retratadas são extremamente estereotipadas. Indo de Miles Bron, bilionário que não sabe a localização exata de sua ilha particular, passando por Duke Cody, um streamer que produz conteúdos sensacionalistas e machistas, até chegar em Birdie Jay, uma influencer de falas e ações polêmicas. Os novos nomes do elenco contribuíram para a mudança de ares da franquia, no entanto, mesmo que as atuações sejam boas, as histórias de seus personagens inéditos são rasas, e não se aprofundam tanto quanto as do primeiro filme. Os backgrounds possuem vários vai-e-vens, tornando a narrativa difícil de acompanhar. 

Rian Johnson, no segundo capítulo da franquia, volta a mostrar como é influenciado pela literatura de Agatha Christie. O filme é como uma grande homenagem à Rainha do Crime, por possuir um roteiro muito parecido com o livro Convite para um homicídio, lançado em 1972, por causa das invocações misteriosas, apagões repentinos e mortes no escuro. Além disso, uma das propostas das histórias da autora era sempre apresentar um novo núcleo de personagens, sempre com um detetive constante, assim como acontece em Knives Out. 

Assim como o primogênito da franquia Knives Out, a “Cebola de Vidro” também concorre a uma estatueta no Oscar. Entre Facas e Segredos foi indicado, em 2020, à categoria de Melhor Roteiro Original; Glass Onion, por sua vez, concorre a Melhor Roteiro Adaptado. A razão da mudança de categoria são as regras da premiação da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas: quando um filme é derivado, uma sequência ou uma prequela de outro, o roteiro é considerado uma adaptação de uma ideia já existente, e não uma criação original.  O primeiro longa foi vencido pelo grande Parasita, e, neste ano, o irmão mais novo compete com Nada de Novo no Front e Top Gun: Maverick.

Rian Johnson, repetindo o feito do primeiro filme, ocupa o lugar de diretor e roteirista de Glass Onion. Outra semelhança com Entre Facas e Segredos é a presença de Nathan Johnson no comando da trilha sonora, que possui notas musicais instigantes, cheias de enigmas e incógnitas; além de incluir músicas famosas, como Starman, de David Bowie, e Mona Lisa, na voz de Nat King Cole. A fotografia, por sua vez, ficou nas mãos de Steve Yedlin, responsável também por Carrie (2013) e Star Wars: Os Últimos Jedi (2017).

Glass Onion é um filme denso, e mesmo sendo dinâmico, se torna morno e lento pelo excesso de detalhes. É um longa que tem um complexo de grandeza, tentando – sem êxito – superar o seu irmão mais velho. A produção é misteriosa, é perfeita para quando se precisa de um passatempo em formato de quebra-cabeça. Porém, pode-se dizer que Benoit Blanc, o detetive dos dois casos, não mereceu a decaída de qualidade do crime; e o que merecia mesmo, era ter ficado somente no tempo-espaço do primeiro capítulo da franquia. 

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“A morte voltou para a cama, abraçou-se ao homem e, sem compreender o que lhe estava a suceder, ela que nunca dormia, sentiu que o sono lhe fazia descair suavemente as pálpebras. No dia seguinte ninguém morreu.”

– José Saramago

Com as festividades de final de ano quase batendo em nossas portas, o Clube do Livro do Persona não poderia deixar de se encontrar nos aspectos da existência. Apreciando As Intermitências da Morte de José Saramago, nossos leitores se colocaram a refletir sobre as linhas que rondam o fim da vida. A escolha do texto foi ainda mais especial porque o literato completaria 100 anos no dia 16 de novembro de 2022. 

No livro, somos guiados para um cenário em que a morte deixa de chegar, seja para os homens mais velhos ou para as vítimas de acidentes que agonizam em camas de hospital. O autor desenrola reflexões sobre como morrer interfere nas noções humanas de livre arbítrio e continuidade. Aqui, a morte ganha ares personificados e, em certo ponto, da narrativa pode ser tocada como alguém de carne e osso – ou melhor, apenas de osso.  

Entre as significações, Saramago abre um mundo de possibilidades sem fechar nenhum ciclo, mas expõe o quanto as pessoas podem bambear quando a vida se torna um inconveniente. A proposta audaciosa da obra brinca com o papel da religião na sociedade e usa uma linguagem direta para abrir brechas e possibilidades no íntimo de quem o lê. A morte enquanto protagonista é tão real quanto qualquer ser humano: sente, reage e ama. No fim, resta o começo e como um circuito tudo se repete, já vivemos isso antes.  

Se nossos leitores testemunharam os fins, novembro oferece seus cumprimentos aos começos com a entrega troféus aos destaques da Literatura brasileira: o Prêmio São Paulo de Literatura e o Jabuti. Na primeira semana do mês, o Prêmio São Paulo, criado em 2008 e concedido pelo Governo do estado, revelou seus vencedores. Com dez finalistas nas duas categorias, o troféu de Melhor Romance do Ano de 2021 foi para Antonio Xerxenesky, pela obra Uma tristeza infinita, da Companhia das Letras. Rita Carelli levou Melhor Romance de Estreia do Ano de 2021 por Terrapreta, da Editora 34. Em ambas categorias, as escritoras foram a maioria: na primeira, dos 10 concorrentes, somente três são homens; na segunda, quatro.

Já no Jabuti, as 20 categorias, divididas em quatro Eixos que abarcam a totalidade do processo de produção editorial, tiveram seus finalistas anunciados na segunda semana de Novembro. Aqui – e aparentemente em 2021 no geral -, o destaque foi para o protagonismo feminino: na categoria Romance Literário, no Eixo Literatura, as cinco concorrentes eram escritoras. Natalia Borges Polesso, com A extinção das abelhas, Andréa Del Fuego, com A pediatra, Micheliny Verunschk, com O som do rugido da onça, Aline Bei, com Pequena coreografia do adeus, e Tatiana Salem Levy, com Vista chinesa, disputaram a estatueta – as cinco também foram concorrentes em Melhor Romance do Ano de 2021 no Prêmio São Paulo.

Com a disputa estabelecida, no dia 24 foi a vez da jornalista e apresentadora Adriana Couto chamar os vencedores ao palco do Theatro Municipal de São Paulo para receber o troféu em formato de jabuti. O grande destaque da noite foi para Luiza Romão, com Também guardamos pedras aqui, consagrado como o Livro do Ano de 2021. A obra também conquistou a categoria de Poesia. Em Romance Literário, uma das modalidades de maior destaque na premiação, o nome chamado foi o de Micheliny Verunschk, pelo seu O som do rugido da onça.

A cerimônia ainda contou com uma homenagem à Sueli Carneiro. Com o troféu de Personalidade Literária do Prêmio Jabuti 2022, a escritora, filósofa e ativista, uma das maiores representantes do feminismo negro no Brasil, é a primeira fora do eixo Literatura a receber a honraria.

As celebrações resolveram se estender e, em clima festivo, a Flip – Festa Literária Internacional de Paraty – trouxe diversas personalidades do nicho para conversas acaloradas e conexões ímpares. Em sua 20ª edição, o festival seguiu a linha do Jabuti e contou com presença feminina em peso. A argentina Camila Sosa Villada esteve presente no evento e participou de uma Mesa sobre questões de gênero. A autora de O parque das irmãs magníficas trouxe interpretações importantes sobre o cenário do ativismo e os estigmas vinculados às travestis.

Um dos destaques entre os convidados foi a francesa Annie Ernaux, autora de O Acontecimento e vencedora do Nobel de Literatura em 2022. A escritora, que chama atenção com a ascensão do gênero da autossociobiografia, trouxe reflexões importantes em um bate papo ocorrido depois da exibição do filme Os Anos do Super 8. 

E se o jeito transgressor de Annie teve voz no festival, os aspectos subversivos nunca se fazem faltantes no Persona. Agora, veja mais das linhas fora da curva indicadas pela nossa Editoria no Estante do Persona e aproveite o fim do ano para se deliciar nos tons vibrantes daqueles que as pintam.

Livro do Mês

José Saramago – As intermitências da Morte (208 páginas, Companhia das Letras)

“No dia seguinte ninguém morreu” – As intermitências da Morte se inicia assim: de repente, num certo país, as pessoas simplesmente param de morrer. Nessa primeira parte, os paradoxos e discussões filosóficas acerca da ausência da morte são apresentados e a Morte com M maiúsculo, então, decide suspender suas atividades, como forma de punir as pessoas que a negam. Contudo, para falar da morte, é preciso estar vivo; por isso, aqui, José Saramago personifica a morte em um ser esquelético, de forma irônica e alegórica, revestindo-se da linguagem para cuidar dos diversos destinos que ela pretende cessar (como a epígrafe de Ludwig Wittgenstein anuncia).

Ainda assim, aquilo que, a princípio, parecia uma bondade, na verdade se revela um pesadelo: o fim da morte não é o mesmo que o fim do sofrimento, e aqueles que se encontram “moribundos” – no limiar entre a vida e a morte, doentes e em um eterno estágio terminal – jamais poderão descansar. É, porém, no sétimo capítulo que a própria Morte encaminha uma carta a uma emissora de televisão, a qual deverá ser lida para comunicar seu retorno, agora que sentiram sua ausência. A partir desse momento, todos que estiverem à beira do falecimento receberão uma carta, comunicando o fim da vida. Porém, no capítulo dez de As intermitências da Morte, um postal destinado a um violoncelista retorna ao remetente, e neste momento a morte é, de fato, humanizada. Assim, a história se mistura entre o falso e o verossímil, da forma que somente Saramago sabe fazer.

Dicas do Mês

Taylor Jenkins Reid – Carrie Soto Está de Volta (352 páginas, Paralela)

Em seu último lançamento e nono romance, Taylor Jenkins nos leva a um cenário diferente em Carrie Soto Está de Volta. Após nos contemplar com o mundo do surf, do rock e do Cinema, vivenciamos agora a brilhante história de mais uma mulher que nunca existiu: Carrie Soto, a tenista aposentada de 37 anos que decide voltar às quadras para quebrar seu próprio recorde – ou melhor, não deixar que ninguém o roube. 

Em uma jornada difícil e surpreendente, a atleta não facilita para ninguém. Com uma carreira marcada por muita teimosia e determinação, não é fácil gostar de Carrie dentro ou fora das quadras, mas é quase impossível não admirá-la. Atrás de seu próximo título e agarrando-se como nunca em seu passado vitorioso, a personagem é obrigada a enfrentar sua maior adversária de todos os tempos: ela mesma. 

E mais uma vez, Taylor entrega personagens cativantes e, principalmente, imperfeitos. Em Carrie Soto Está de Volta, apesar da evidente necessidade de algumas sessões de terapia e boas férias, não há como largar a mão da maior atleta da história para acompanhá-la em uma trajetória que qualquer perfeccionista irá se identificar. – Clara Sganzerla

Shirley Jackson – Sempre vivemos no castelo (176 páginas, Alfaguara)

Mary Katherine, Constance e Julian moram sozinhos na mansão Blackwood. Isso porque, antes de serem só os três, a grande família morreu envenenada por arsênico, e o trio agora vive isolado da cidade, como párias. Sob o ponto de vista fértil de Merrycat (o apelido da caçula), a autora Shirley Jackson torna o cotidiano aparentemente monótono de Sempre vivemos no castelo um conto de suspense sob as lentes do Horror.

Aos 18 anos de idade, tendo crescido sem convivência com outras pessoas além da família e vendo sua irmã mais velha, Constance, ser inocentada pelo assassinato dos parentes, Mary vê o mundo quase como uma criança. Seu fluxo de consciência imaginativo, mesclando o que presencia objetivamente a seus intrusos pensamentos acerca do ambiente, das pessoas que cruzam seu caminho e das suas intenções, fica difícil distinguir o que é real. Para a menina, o enxerido primo Charles, que chega desavisado e bagunça a rotina da casa com sua presença expansiva, é um fantasma. Ou um demônio. Ou os dois. Por detrás dos olhos de Merrycat, a família Blackwood ganha curiosos contornos de dúvida.

Na verdade, Sempre vivemos no castelo se aproveita justamente da incerteza. A obra, publicada originalmente em 1962 e com uma nova edição em 2022, pela editora Alfaguara, nunca apresenta um fato concreto: desde a inocência de Constance quanto a quem está vivo ou não, o livro atiça para as possibilidades e, deixando o leitor inquieto, se desenvolve a partir da não resolução delas. Dona de outros sucessos e uma das maiores influências do gênero, Shirley Jackson é mestre em deixar o Terror vir da imaginação de quem se deixa mergulhar na narrativa. – Vitória Gomez

Caio Fernando Abreu – Limite branco (200 páginas, Companhia das Letras)

É crua a vida, e a escrita de Caio Fernando Abreu irrompe em uma tentativa implacável de capturá-la. Sob a luz do próprio amadurecimento do autor, Limite branco é atravessado por referências de um leitor assíduo e de um coração, pulsante por toda sua obra, ávido à existência e ao sentir. O romance de estreia do escritor é um registro que ressoa sua própria experiência, mascarada pelo personagem e alter-ego Maurício, com as dores e delicadezas do crescer. 

Em capítulos intercalados, dois momentos da vida do personagem são enquadrados em estilos distintos; nos pares, a infância é rememorada, na terceira pessoa, com o conforto e um sentimento de caseira interioridade, tecida por poetas como Adélia Prado e Carlos Drummond de Andrade. Já nos ímpares, se situa um diário íntimo e visceral da adolescência enquanto um período de extrema sensibilidade, no qual os mais simples e oriundos eventos são estopins a deslumbramentos e assombrações, em que a espiritualidade, o afeto e iminência da descoberta são apanhados por pelas palavras que buscam reproduzir a vivacidade dessas emoções, tal qual uma das escritoras favoritas de Caio, Clarice Lispector.

De uma noite desesperadora de sono tomada por uma sudorese febril a um atestado da presença de Deus, ao observar a rua de sua janela, reluzente depois da chuva, são variados os aspectos do amadurecimento no livro de Caio Fernando Abreu. Escrito quando tinha apenas 19 anos, Limite branco – título escolhido com a ajuda de sua amiga Hilda Hilst – foge do comum de romances de formação, como os trânsitos existenciais de J.D. Salinger, para a construção de uma passagem a vida adulta demarcada pela delicadeza do silêncio e pela maneira que são borrados os limites: do entre o eu e mundo – tão estranho! – que o cerca. – Enzo Caramori

Clare Vanderpool – Em algum lugar nas estrelas (288 páginas, Darkside)

A autora estadunidense Clare Vanderpool, ao escrever Em algum lugar nas estrelas, conquista sua licença poética para reiterar uma valiosa lição na convivência humana: o que importa, no fim, são os amigos que se faz no caminho. A obra se consolida como um marco na literatura infantojuvenil, não só pelo fato de ter sido best-seller no New York Times, mas por ter sido capaz de sensibilizar diversas camadas sociais, desde o Ensino Fundamental até os CLTs. 

Quando Jack se muda para um internato em Maine, além de lidar com as incertezas a respeito de um ambiente desconhecido, deve encarar as facetas melancólicas da morte da mãe e do distanciamento emocional do pai. Apesar do caos silencioso digno da denominação de solidão, ele encontra um candidato ao título de “amigo”: Early Auden, um menino tão discreto e tímido quanto a solitude de Jack. Os dois percorrem, juntos, um caminho de autodescoberta no qual a fantasia e a criatividade infantis se consagram.

Clare Vanderpool expõe com maestria as ramificações da infância em uma jornada pautada em identidade, pertencimento e memória. Em outros termos, Jack Baker e Early Auden protagonizam a história cuja desenvoltura reside no contraste entre a simplicidade da escrita e a complexidade do tema. A obra é uma experiência que desperta na criança vontade de procurar aventuras extraordinárias e, no adulto, a vontade de buscar o que ficou para trás. De qualquer forma, ambos objetos de desejo podem ser encontrados Em algum lugar nas estrelas. – Ana Cegatti

Agatha Christie – Sócios no Crime (279 páginas, L&PM)

Depois de descobrirem o paradeiro de Jane Finn e a identidade de Mr. Brown – o misterioso Adversário Secreto –, Tommy e Tuppence estão de volta em Sócios no Crime. A coleção de contos escrita por Agatha Christie, lançada em 1929, continua a história da dupla de investigadores recém-casados, que, a pedido de Mr. Carter, da Inteligência Secreta, assume a direção da agência Os Detetives Brilhantes de Blunt.

Sob as personas do detetive Theodore Blunt e da secretária srta. Robinson, Tommy e Tuppence começam a investigar pequenos casos, enquanto esperam a aparição do espião N°16, comparsa do real Theodore Blunt, que, por sua vez, foi preso por Mr. Carter e sua equipe. E, ao usar técnicas de outros detetives da literatura policial, como as de Sherlock Holmes e de Hercule Poirot, o par de aventureiros tenta responder à pergunta: quem seria o espião Número 16? – Laura Hirata-Vale

Geovani Martins – Via Ápia (344 páginas, Companhia das Letras)

Fenômeno imediato desde que O Sol na Cabeça (2018) foi publicado e um dos convidados da Flip deste ano (dividindo uma mesa com a vencedora do Nobel, Annie Ernaux), Geovani Martins vem de Bangu – bairro suburbano do Rio de Janeiro –, mas também morou na Rocinha e Vidigal (onde vive até hoje), comunidades de favelas na zona sul da cidade. Sua experiência pessoal, indissociável de sua obra, se junta à trama de Washington e Wesley em Via Ápia, seu romance de estreia, no qual acompanhamos os personagens na Rocinha do antes, durante e depois da instalação da Unidade de Polícia Pacificadora (UPP), entre 2011-2013.

Em capítulos curtos, ao estilo de Machado de Assis – uma das principais referências de Geovani Martins –, enxergamos perspectivas cruzadas, em que cinco jovens (contando Washington e Wesley) vivenciam primeiras experiências no amor, na amizade, no amadurecimento e na inibição de seus próprios sonhos frente a violência instaurada pelo Estado, numa “guerra às drogas” fracassada desde o início. Ao enviar sua tropa de choque à Rocinha, pelos olhos de Martins, o Estado parece apresentar uma única resposta aos problemas da desigualdade social no Brasil: a morte.

Mas, seguindo a narrativa habilidosa de Via Ápia, na qual os diálogos impulsionam a trama, os impactos da UPP na vida dos moradores resvalam em todos os sonhos. Dividido em três partes, acompanhamos a expectativa da comunidade em relação à invasão; a ruidosa instalação da UPP; e a silenciosa partida da polícia e a retomada dos bailes funk que “fazem o chão da favela tremer”. Criador de diálogos impecáveis e verossímeis, Martins aponta que a resposta dos moradores é e sempre foi outra: “a vida, sempre ela, nunca a morte”. – Bruno Andrade

Christiano Aguiar – Gótico Nordestino (133 páginas, Alfaguara)

São 9 os brilhantes contos que Christiano Aguiar precisa para situar suas histórias de medo, mistério e morte no interior brasileiro. Afinal, aliado a uma escrita visual e polvorosa, junto da curta duração das tramas, o livro vencedor do prêmio de Contos da Biblioteca Nacional é um prato a ser devorado fumegante, sem espaço para respiros ou breves pausas. De cara, uma pequena travessia entre duas residências é palco de muita tensão.

Já em As Onças, conto pós-apocalíptico que une a mitologia da epidemia com a fauna nacional, Aguiar coloca na mesa todo seu arsenal literário: emoção se transforma em lamento, que logo se transfigura na surpresa digna de arregalar os olhos e suspender o queixo. Gótico Nordestino é o atrativo maior no mar de criatividade do autor e da escassez de narrativas fantasmagóricas e sobrenaturais que fogem de clichês ou mazelas narrativas. – Vitor Evangelista

Gênese Andrade (Org.) – Modernismos 1922 – 2022 (896 páginas, Companhia das Letras)

Na história do Brasil, poucos eventos são tão culturalmente divisores quanto a Semana de Arte Moderna. Tanto em sua relevância como marco artístico-cultural quanto nas controvérsias sobre o seu caráter disruptivo, o evento de 1922, bem como suas origens e desdobramentos, já são temas constantes no ambiente de discussões do país, mas ocupam um lugar especial em seu centenário, conforme bem identifica Modernismos 1922 – 2022.

A publicação especial da Companhia das Letras para os 100 anos da Semana de 22 é mestre em identificar as vértices do debate sobre o movimento no país, cujo início oficial é atribuído à série de apresentações, debates, exposições e movimentações que aconteceram na capital de São Paulo entre os dias 13 e 17 de fevereiro de 1922. São 29 ensaios inéditos, assinados por 29 autores diferentes, que analisam o desenrolar desses 100 anos com direção de Gênese Andrade.

Além de se organizar a partir da experiência de uma das principais referências sobre o tema da atualidade, o livro traz as contribuições de nomes consagrados no ramo do estudo da História e Cultura brasileiras, como Lilia Schwarcz, José Miguel Wisnik, Walnice Nogueira Galvão e Regina Teixeira de Barros. Os temas abarcam as representações raciais, locais e de gênero e os discursos políticos, sociais e estéticos das Artes Visuais, da Música, da Literatura e da Arquitetura modernista, olhando para cem anos atrás a fim de compreender cem anos à frente. – Raquel Dutra

Ingrid Betancourt – Não há silêncio que não termine (556 páginas, Companhia das Letras)

Há duas décadas, a então candidata à presidência Ingrid Betancourt era sequestrada pelas FARC, as Forças Armadas Revolucionárias da Colômbia. Presa em cativeiro durante seis anos, o seu início promissor na política se desfez, porém, os tormentos vividos na selva colombiana foram registrados na história através do livro Não há silêncio que não termine, publicação que selou a relevância internacional do acontecimento. 

Na obra escrita em primeira pessoa, a autora transporta o leitor para o ambiente inóspito da lama atraente e das folhas sufocantes que a fizeram refém. Betancourt, habituada com a presença de referências culturais no seu convívio familiar, escolheu um trecho do poema Para todos de Pablo Neruda para compor o título e trouxe o dom das palavras de Gabriel García Márquez para o seu estilo. – Nathalia Tetzner

Ocean Vuong  – Céu noturno crivado de balas (227 páginas, Âyiné)

Dois anos. Esse foi o tempo em que o poeta vietnamita Ocean Vuong passou em seu país de origem antes de migrar para os Estados Unidos com sua mãe e avó – a única família que tinha. Nascido em um país do qual não se lembra, com um pai que nunca chegou a conhecer e fazendo perguntas que nunca poderiam ser respondidas, ele fez o que a maioria de nós faríamos: criou seu passado e parte dessa criação está materializada em Céu noturno crivado de balas.

Os trinta e cinco poemas que compõem a obra se dividem em dois grandes temas: a guerra do Vietnã e o amor, e como a guerra e o amor se encontram em diversos pontos. Vuong possui uma capacidade incrível de criar imagens e fazer com que os silêncios de seus versos falem com a mesma força de suas palavras; escrevendo sobre a batalha, a família ou sobre o sexo, todas as suas composições contêm a aura da perda causada pela violência, pelos mal-entedidos ou pelo simples correr das folhas do calendário. Ao transitar por diversos campos simbólicos, Céu noturno crivado de balas oferece múltiplas possibilidades de leitura, tratando-se de um processo constante e infinito de elaboração que parte justamente de uma ressignificação da linguagem. – Raquel Freire

Caco Barcellos – Rota 66 – A História da Polícia Que Mata (352 páginas, Record)

Rota 66 – A História da Polícia Que Mata liga inúmeros assassinatos cometidos pela Rondas Ostensivas Tobias de Aguiar (ROTA), divisão da Polícia Militar do Estado de São Paulo, ao escândalo de 1975 pela execução de três jovens de classe alta. O caso é investigado a fundo pelo jornalista Caco Barcellos, que descobre um grupo de matadores agindo com o aparente aval da polícia.

A obra ganhou o prêmio da categoria Reportagem do Prêmio Jabuti de 1993 e foi adaptado para uma série pela Globoplay em 2022. Rota 66  é envolvente a ponto de nos fazer criar uma sensação de cumplicidade com os participantes da trama e choca com a descrição das arbitrariedades cometidas pelos agentes de segurança e pela total falta de confiança entre esses servidores e a população. – Guilherme Dias Siqueira

Talia Hibbert – Vê se cresce, Eve Brown (296 páginas, Paralela/Companhia das Letras)

Eve é a caçula das três irmãs Brown. A personagem tem a presença de um furacão: imprevisível e capaz de derrubar tudo. Pelo menos é isso que seus pais veêm quando, depois de inúmeras tentativas de definir um rumo para sua vida, a moça não consegue se encontrar em nada – talvez ela nem quisesse isso. Assim, a única opção da mulher de tranças lilás é ir atrás de estabilidade, como prova de que os julgamentos a seu respeito estão errados. É assim que Eve Brown entra de cabeça em uma aventura na qual o autoconhecimento é o destino e nós somos os acompanhantes, carregando sorrisos tímidos no canto da boca.

O livro – traduzido no Brasil por Lígia Azevedo – explora mais do que as nuances de um clichê adorável ao expor o protagonismo autista e se desviar de muitos estigmas. A leitura é fluida e aconchegante, fazendo com que conheçamos aspectos diferentes da representatividade, enquanto nos apaixonamos pelo enredo cativante. No destino de Eve, há muito mais que algumas pombas brancas voando para o lugar errado.  

O texto de Talia Hibbert ainda ganha espaço para trabalhar o clássico dos romances juvenis com um enemies to lovers extremamente carismático. Ver a protagonista bagunçada e o metódico Jacob Wayne se encontrando nas diferenças abre portas para encarar divergências com outros olhos. Se Vê se cresce, Eve Brown gostaria que sua personagem fosse um pouco mais madura, isso não só acontece com excelência como também nos engrandece junto dela.  – Jamily Rigonatto

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“A Literatura deve ser realmente o lugar onde podem surgir novas idéias que repensem o mundo.”

– Salman Rushdie

Depois das muitas reflexões que Annie Ernaux e seu O Acontecimento causaram, o Clube do Livro reuniu-se mais uma vez em meio a um cenário caótico. Na esteira do período eleitoral e das violentas situações que têm ocorrido no país, foi o momento de inclinar-se sobre a obra política de Roberto Bolaño e o incontornável Amuleto (1999).

Retirado de um episódio de Os detetives selvagens (1998) – mas também de um caso real –, o romance curto conta a história de Auxilio, imigrante uruguaia que vive no México rodeada por artistas e poetas. Com os principais traços da Literatura de Bolaño, o livro levanta questionamentos sobre as opressões na América Latina e a memória histórica e política, tudo narrado através da acidez de sua escrita combativa.

Sob o contexto de liberdades cerceadas, também foi o mês de um fato trágico. Enquanto se preparava para palestrar em Nova York, no dia 12 de Agosto, o escritor Salman Rushdie foi atacado por um homem armado com faca. Embora o suspeito esteja preso e Rushdie apresente melhoras no estado clínico – mesmo que a chance de perder um olho ainda seja alta –, o atentado levantou questões antigas que pareciam superadas – na verdade, só nos lembrou que nada está ganho nunca.

Em 1988, após publicar o romance Os Versos Satânicos, sua obra mais influente, Salman Rushdie se viu imerso em conflitos políticos e religiosos. Por ficcionalizar a vida do profeta Maomé, o livro incomodou fundamentalistas religiosos. Em 1989, o aiatolá Ruhollah Khomeini proferiu um fatwa, pedindo sua execução, e deu inicio a série de mudanças, viagens e esconderijos que Rushdie precisou realizar.

Exilado na Inglaterra, com escolta em tempo integral, o autor indiano continuou suas publicações, marcadas pelo estilo que se aproxima do Realismo Mágico, com liberdade para fantasiar com culturas e marcos históricos, a exemplo de Os Filhos da Meia-Noite (1981), sua obra vencedora do Booker Prize. O próprio Versos Satânicos traz acontecimentos reais: o ataque que ocorreu contra um avião da Air India em 1985, os tumultos de Brixton em 1981 e 1985 e a Revolução Iraniana de 1979.

Assim, desejando rápidas melhoras para Rushdie e já de olho na Festa Literária Internacional de Paraty (Flip) – evento que ocorre em Novembro e trará Camila Sosa Villada e Annie Ernaux, as leituras do Clube do Livro em Junho e Julho –, deixamos as já tradicionais indicações do Estante do Persona.

Livro do Mês

Roberto Bolaño – Amuleto (136 páginas, Companhia das Letras)

Com sua Literatura extremamente conectada às questões político-sociais da América Latina, não é surpresa para ninguém que o chileno Roberto Bolaño traga em Amuleto (1999) uma narrativa que ficcionaliza um drama da vida real. Na história, traduzida para o português por Eduardo Brandão, a protagonista é a imigrante uruguaia Auxilio Lacouture, auto-intitulada “mãe dos poetas e da poesia mexicana”.

Em 1968, o exército invadiu o campus da Universidade Nacional Autônoma do México (UNAM). Na ocasião, Auxilio se encontrava no banheiro e lá permaneceu por uma porção de dias, resistindo e sobrevivendo. Sob uma ótica quase surrealista no momento de escrever sobre os devaneios da personagem, Bolaño desvenda a violência do mundo, as dores, os medos e os anseios de uma pessoa que veio de fora e nunca foi bem recebida. Amuleto encontra espaço, ainda, para servir de mecanismo de escape para a fúria de seu autor, interessado em denunciar as injustiças que permeavam e ainda permeiam o continente que tanto amou.

Dicas do Mês

Julia Dantas – Ela se chama Rodolfo (264 páginas, DBA Editora)

Um demônio da mobilidade assombra os personagens do segundo livro de Julia Dantas, um dos pilares do monumento da Literatura gaúcha contemporânea, que abriga nomes como Antônio Xerxenesky, Luisa Geisler, Daniel Galera e Tobias Carvalho. Em Ela se chama Rodolfo, reside uma road história – como cunhada pela autora – em que quanto mais os personagens se movimentam e se enfrentam com as miudezas que perpassam seus caminhos, mais eles se deparam com a mutação do mundos interiores e exteriores a si mesmos. Por trás da história de Murilo, que, ao chegar em seu apartamento recém-alugado, se estranha ao deparar-se com a tartaruga da locadora, Dantas constrói um romance que beira uma epopeia, proposta a se afundar nas fissuras do cotidiano e da emoção humana.

Na procissão desse homem – o que é um homem? – pela cidade de Porto Alegre, na busca de alguém que fique com o bicho, tanto o leitor quanto o personagem se esbarram com os mais diversos cenários e personagens: ruas, prédios, vozes, linhas de ônibus, nacionalidades, urubus e bares de esquina. Já Francesca, a dona do apartamento, também propõe inúmeras travessias – de relevos montanhosos a litorais – em seus e-mails que, em vez de responderem as perguntas do locatário, emulam um tom mágico de fábulas em suas reflexões sobre vida, morte e gênero.

Ao mesmo tempo que local e universal, Ela se chama Rodolfo, com sua prosa tomada de fluidez, é um mosaico formado pelos cacos e estilhaços de seus personagens, sob o fundo do que é uma trama essencialmente sobre identidade e existência perante o mundo. Sempre atravessada pela freneticidade do acontecimento e pela paralisia da descoberta, a beleza do acaso e dos encontros é exaltada em um texto que, como o casco de uma tartaruga, se faz um lar em trânsito. – Enzo Caramori

Agatha Christie – O Adversário Secreto (384 páginas, Globo Livros)

Adicione um mistério a uma história de amor e terá a obra O Adversário Secreto, escrita por Agatha Christie, a Rainha do Crime. Publicado em 1922, esse é o primeiro dos cinco livros estrelados por Prudence “Tuppence” Cowley e por Thomas “Tommy” Beresford. A história começa com o naufrágio do navio Lusitania, durante a Primeira Guerra Mundial, quando um homem misterioso entrega alguns papéis confidenciais a Jane Finn. Quando chegam em terra firme, a jovem e os papéis desaparecem, sem deixar pistas nem rastros.

Quatro anos depois, os amigos de infância – que se reconectaram em um hospital, durante a Grande Guerra – Tommy e Tuppence se reencontram em um restaurante. Falidos e desempregados, a dupla gasta suas últimas moedas para fundar e anunciar a agência “Jovens Aventureiros, Ldta.”, se dispondo a fazer qualquer coisa por dinheiro. E é assim que as histórias se entrelaçam: Tommy e Tuppence começam a investigar o paradeiro de Jane Finn e dos papéis, e, em meio às reviravoltas, identidades falsas, dinheiro, desaparecimentos e revelações, acabam desvendando outra coisa: o amor. –  Laura Hirata-Vale

Eliana Zagui – Pulmão de Aço: Uma vida no maior hospital do Brasil (136 páginas, Belaletra)

Pulmão de Aço: Uma vida no maior hospital do Brasil é a autobiografia de Eliana Zagui, sobrevivente do surto de poliomielite que atingiu o Brasil na década de 1970. Lançado em 2013, o livro é um registro do passado que ainda dialoga com o presente, afinal, no atual ano de 2022, a cobertura vacinal contra o vírus que pode causar paralisia está extremamente longe dos parâmetros ideais. Diagnosticada com 2 anos de idade, à época da publicação, Zagui morava no Hospital das Clínicas de São Paulo há 36 anos.

Repleta de passagens emocionantes e imagens que retratam o sofrimento vivido pelas vítimas, em grande parte crianças, a obra ultrapassa o objetivo de narrar uma história de vida para alcançar a eternização de um tempo que não deve ser esquecido. Com Pulmão de Aço: Uma vida no maior hospital do Brasil, Eliana Zagui não somente comove, como também faz das palavras escritas com a boca a sua maior demonstração de força. Uma leitura imprescindível do passado para se entender o futuro. – Nathalia Tetzner

Jennette McCurdy – I’m Glad My Mom Died (319 páginas, Simon & Schuster)

Quando foi anunciado que iCarly voltaria à ativa, os fãs do programa foram à loucura. Mas, junto do sinal verde para a série do Paramount+, veio um asterisco: dessa vez, Miranda Cosgrove não contaria com a presença de Jennette McCurdy frente às câmeras. O motivo ainda era um pouco nebuloso, já que a atriz havia se afastado dos holofotes, perdido a mãe e não queria envolvimento com o show business. Em 2022, chegou a hora dela assumir o controle da narrativa no doloroso I’m Glad My Mom Died (Estou feliz que minha mãe morreu).

Com um título desses, o livro já começa com um chute na porta e, logo no prólogo, Jennette confessa que, no leito de morte da mãe (Debra) e na esperança de acordá-la do iminente falecimento que o câncer causou, ela revelou seu peso (“eu estou tão magra, mãe”). É claro que isso não foi o bastante para que a doença poupasse a vida da mulher que a atormentou, abusou física e mentalmente e a subjugou por tantos anos. Acontece que, desde o começo, Jennette nunca quis ser atriz, apenas seguiu as orientações de Debra, e nunca disse não.

O relato, que se estende por pouco mais de 300 páginas, acarreta em questões emocionais profundas, indo desde a infância até a vida adulta da atriz e escritora, mostrando as cicatrizes agudas que ainda penam para se fechar em seu corpo e mente. Desde banhar a filha até a idade adulta até controlar as porções de comida que chegavam ao seu prato, a mãe de McCurdy fez de sua existência um inferno impossível de escapar. Ao final da leitura, que ainda toca em pontos como o comportamento criminoso e pedófilo de Dan Schneider e a relação da atriz com Ariana Grande nos bastidores de Sam & Cat, o sentimento de alívio pela desintegração do mal não é o bastante para apagar o tormento que perdurou por tanto tempo. Sucesso de crítica e de vendas, I’m Glad My Mom Died se mostra um pontapé certeiro para que discussões sobre pais narcisistas e o mundo da Arte aconteçam, e a coragem de sua autora é o feito mais louvável disso tudo. – Vitor Evangelista

Chris Ware – Jimmy Corrigan: O menino mais esperto do mundo (388 páginas, Quadrinhos na Cia)

Quando você passa pelo portão de casa, anda pelos entremeios das ruas, sobe e desce calçadas, o que mais se vê é publicidade. Essas peças publicitárias, por sua vez, são efêmeras, e não dizem praticamente nada a nós. São cartazes coloridos e chamativos, pessoas sorrindo com produtos expostos em ambientes visivelmente irreais. Parece que tudo tenta ser um esconderijo de uma tristeza generalizada, uma espécie de possibilidade de distração da vida real conturbada. Contudo, quem resiste a um pouco mais de tristeza? Quem resiste a tentação de se infiltrar um pouco mais na sua própria condição melancólica? Certamente, Chris Ware tem consciência de tudo isso, e engloba essas questões em sua premiada graphic novel.

 Jimmy Corrigan: O menino mais esperto do mundo foi lançado em forma de livro em 2000, mas teve iniciada, em 1995, sua serialização (publicação periódica) no jornal Newcity e na revista de quadrinhos Acme Novelty Library. Fora a questão melancólica que paira por toda a trama, a História em Quadrinhos parece ser inclassificável. Ware mistura elementos do design gráfico com formatos pouco convencionais de narrativização, elaborando um mosaico da vida do protagonista Jimmy, homem com 36 anos de idade, problemas de sociabilidade e uma possível depressão não diagnosticada. O protagonista tem como influência o próprio autor – tanto em sua personalidade como fisicamente –, que começou a história na preparação para conhecer o pai, que o procurou mais de 30 anos depois de seu nascimento. Na espécie de posfácio da obra – parece apenas mais um elemento da trama, porém com o próprio autor na narrativa –, Ware escreve que “as quatro ou cinco horas que sua leitura tomaram quase correspondem ao tempo total que passei ao lado de meu pai”.

Ao conhecer o pai na trama fictícia, Jimmy Corrigan enfrenta uma série de problemas, pois não consegue se comunicar com ninguém além de sua mãe. Desajustado, triste e com uma vida social limitada, Jimmy percebe que tem pouco de seu pai, um homem racista e extremamente imprudente. Porém, Chris Ware utiliza seus originais meios de narrativizar para compor flashbacks e histórias paralelas na consciência dos personagens, apontando para os antepassados de Jimmy Corrigan e a violência generalizada na vida de seu pai e seu avô, mostrando, assim, as origens dessas figuras opressivas. Além disso, Ware utiliza um mecanismo narrativo muito “pós-moderno”, inserindo elementos de uma publicidade falsa dentro da própria trama – uma forma de sintetizar o caos da vida contemporânea. Repleto de piadinhas e sacadas autorreferenciais, Jimmy Corrigan: O menino mais esperto do mundo é incontornável. – Bruno Andrade

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Apesar de pecar em alguns pontos, adaptação de “Assassinato no Expresso do Oriente” mostra de forma competente o universo da autora ao público contemporâneo

Guilherme Hansen

Agatha Christie é uma das autoras mais aclamadas da literatura policial. De Miss Marple a Hercule Poirot, seus quebra cabeças atraem leitores do mundo todo, mesmo passados 41 anos de sua morte. Logo, é esperado que quando alguma de suas obras é adaptada para o cinema, o resultado seja correspondente ao nível de sua literatura. E, sem dúvida, Assassinato no expresso do Oriente, escrito originalmente em 1934 e lançado em 2017 sob a direção de Kenneth Branagh (Thor, Cinderela), que também interpreta o detetive Belga, traduz bem o que foi escrito pela britânica.

A história é (aparentemente) simples. Um trem que está partindo pela Europa conta com alguns passageiros que nunca se viram antes. Um deles é o ilustre detetive Hercule Poirot, que embarca no trem de última hora a férias. Seus planos são frustrados quando Edward Ratchett (Johnny Depp), um comerciante com relações escusas, é assassinado friamente a bordo e ele é convencido a investigar quem matou Ratchett e por quê.

Assassinato no expresso do Oriente é bem fiel à obra homônima, tanto na sequência dos acontecimentos, quanto em seus detalhes singulares. Para deixar um exemplo, Ratchett é assassinado às 00:37, hora que é mostrada rapidamente na cena. Outra estratégia mantida no longa é o fato de alguns personagens terem atitudes escusas que os tornam suspeitos em potencial. Mc Queen (Josh Gad), o assistente de Ratchett, foge de Poirot para queimar documentos, pois roubava seu patrão. Debenham (Daisy Ridley), que já estava na mira do detetive, é interrogada por ele, já que a governanta é flagrada em uma conversa suspeita com o Coronel Arbuthnot (Leslie Odom Jr.). Este, por sua vez, atira em Poirot, o que constitui o clímax da história.

Um dos grandes méritos do romance é que conforme a história vai se desenrolando, o leitor mergulha na obra e se interessa em saber os rumos e detalhes daquele crime, além de fazer palpites dos assassinos devido à construção minuciosa dos fatos feita por Christie. Mas no filme, os acontecimentos são processados de uma maneira mais rápida que o esperado, e as descobertas de Poirot são jogadas ao público. Portanto, para quem não leu o livro, não será possível entender como o detetive faz as associações que o fazem descobrir o (a) assassino (a) de Ratchett; Já para quem já leu, Assassinato no expresso do Oriente deixa uma sensação de lacuna em relação ao caráter detalhista da obra. Apesar da impaciência do público em nossa sociedade contemporânea, talvez se a película tivesse uma duração superior a duas horas, o problema se resolveria.

Outra falha da adaptação é a representação caricata de alguns personagens, apesar de eles possuírem um grande aspecto humano. Enquanto a princesa Dragomiroff do livro é uma mulher solícita (até demais) e pronta a ajudar Poirot em suas investigações, no filme, ela é simplesmente uma aristocrata ranzinza. Outro exemplo é o Conde Andrenyi, que de um homem controlador, se torna gratuitamente violento na adaptação. Embora isso não comprometa o enredo, enfraquece o longa.

A fotografia é um caso à parte. É muito interessante o contraste entre a ambientação polar, obviamente com cores frias e ambientação dentro do trem. Os figurinos dos personagens e os detalhes dos vagões têm uma coloração mais vibrante, com tons terrosos, indicando um ambiente aquecido. Outra estratégia interessante usada por Branagh é o posicionamento da câmera em momentos estratégicos. Quando Ratchett é morto, Poirot e seus colegas o localizam em câmera alta. Isso serve para que o público tenha a nítida impressão de que o assassino está no trem e os observando. Isso continua quando seu corpo é mostrado após o crime, o que faz com que o público tenha uma maior noção de como ele morreu.

O elenco também merece destaque. Além de Branagh, que transmite toda a ironia e sagacidade do detetive, merece menção as atuações de Penélope Cruz, que vai bem no papel de uma missionária contida e Michelle Pfeiffer, que esbanja talento e contagia o público com sua efusiva Mrs. Hubbard.

O livro é baseado no caso de Charles Lindbergh Jr., ocorrido em 1932. À época, o garoto de 1 ano e oito meses foi sequestrado em sua casa, nos Estados Unidos. Seus pais, apesar de pagarem o resgate exigido, encontraram o filho somente depois de morto. O crime chocou a opinião pública e o algoz da criança, o alemão Richard Hauptmann, foi condenado à morte em 1935. Agatha Christie acompanhou os desdobramentos do caso e, aproveitando o fato de que era uma assídua viajante de trens para lazer, se inspirou para escrever “Assassinato no expresso do Oriente”, um de seus maiores sucessos, quando um dos trem que viajou ficou emperrado na neve temporariamente.

Assassinato no expresso do Oriente, ainda que não seja perfeito, consegue empolgar pelos belos detalhes visuais e pelo bom roteiro que reapresenta ao público o fantástico universo da escritora (vale lembrar que o livro já foi adaptado ao cinema em 1974, com nomes de peso como Albert Finney, Anthony Perkins e Ingrid Bergman, que levou o Oscar de melhor atriz coadjuvante naquele ano). Resta esperar que a já confirmada adaptação de Morte no Nilo, outro clássico da “Rainha do crime” corrija esses pequenos erros para que possa, então, se tornar uma obra memorável.

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