Quando as canções natalinas não preenchem mais o ambiente e Mariah Carey libera o topo das paradas musicais, é sinal de que o último mês do ano acabou. Ao longo dos últimos 12 meses, o Persona acompanhou cada movimento do mundo da Música nas edições do Nota Musical, e para encerrar o ciclo embalado pelas mais diversas trilhas sonoras de 2021, é hora de ouvir o que o mês de dezembro tem a nos dizer.

Que o ano apelidado de 2020.2 seria repleto de ironias, nós já sabíamos. Mas quando Olivia Rodrigo explodiu suas decepções românticas nos ouvidos do mundo inteiro com o maior hit de 2021 logo em janeiro, ninguém poderia imaginar que terminaríamos o ano em dezembro ouvindo o outro lado da história. O trio de canções Crisis / Secret / Set Me Free parece ser a maneira que Joshua Bassett encontrou para se livrar das maldições liberadas por drivers license, e deixar a confusão com a nova estrela pop no passado.

Enquanto alguns aproveitaram dezembro para resolver suas últimas pendências do ano, outros usaram o mês para iniciar novos projetos e vislumbrar 2022. Este é o caso de Angèle, a artista belga que ganhou repercussão global depois de cantar Fever junto de Dua Lipa, e seu segundo disco, Nonante-Cinq. Em um synth-pop gracioso, fresco e melancólico, Angèle mostra o porquê é um dos nomes francófonos mais populares da atualidade – e porque pode ir muito além disso.

Na mesma direção, Arca continua com sua música ambiciosa e intensa. Em dezembro, a venezuelana indicada ao Grammy colocou no mundo não um, não dois, não três, mas quatro discos, que dão sequência ao seu aclamadíssimo KiCk i. Os admiradores de SASAMI também têm material para iniciar o novo ano, já que a promessa do metal norte-americano continua a preparar o lançamento de seu segundo disco, que vai suceder sua estreia homônima muito bem recebida pela crítica, com o single Say It.

Falando nos jovens, a estreia de No Rome, pupilo de Matty Healy, o frontman do The 1975, é parada obrigatória dos textos abaixo. O artista filipino começou a espalhar suas canções lo-fi pelo SoundCloud e hoje ecoa por aí o que ele chama de “shoegaze R&B” em It’s All Smiles, contando com a produção mais famosa da Música alternativa contemporânea. Outro destaque é a nova música de Ruel, que reflete sobre amadurecimento em GROWING UP IS ____. Enquanto isso, SZA terminava o ano com raiva de alguém e Khalid embarcou em uma viagem suave.

A atmosfera retrospectiva de dezembro também nos levou à memória daquele fatídico 29/12/2001, que levou a voz mais marcante do rock brasileiro alguns dias depois da data destinada à celebrar a sua vida. Cássia Eller é dona de uma presença muito poderosa para desfazer-se entre nós, e os 20 anos de sua morte e 59 de vida foram marcados por Espírito do Som. Ainda resgatando a memória da Música brasileira, nos lembramos de que completaremos 40 anos sem uma das nossas maiores estrelas. A inauguração das homenagens ao legado da eterna Elis Regina começou através do lançamento de Elis, essa saudade, disco que reúne gravações feitas pela artista entre 1979 e 1981.

Mas hoje, temos o prazer de apreciar e valorizar Maria Gadú. Um dos principais nomes da MPB contemporânea completou 35 anos no último dia 4 e celebrou a data através de Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor, álbum que traz regravações de grandes sucessos da Música Popular Brasileira e principais influências para a identidade musical da artista. Já para a banda de destaque no pop-rock brasileiro atual, falar de memórias é só mais um pretexto para manifestar sua típica descontração. É que o terceiro álbum da Lagum segue naquele antro de sinceridade, ironia e irreverência, características fortes da música do grupo mineiro. 

Um dos maiores fenômenos pop contemporâneos no Brasil também tomou parte das comemorações de dezembro. Pabllo Vittar encerrou um ano de ouro em 2021, marcado pelo sucesso de Batidão Tropical, com I AM PABLLO, seu primeiro registro ao vivo, que ficou responsável por iniciar as celebrações de seus meteóricos cinco primeiros anos de carreira. Lá fora, o aniversário foi de 5 Seconds of Summer, que exatos 10 anos depois de seu primeiro show, festejou seus 10 anos de existência com a canção 2011, que relembra a história e reverência a amizade do quarteto australiano.

Só estava faltando o encerramento dos 20 anos de carreira de Alicia Keys, perfeitamente concluídos por KEYS. O novo álbum da rainha do neo-soul sucede o colorido ALICIA (2020) com muita ambição: como um disco duplo, 26 músicas as levam de volta às suas origens que construíram o sucesso absoluto de seu primeiro disco em 2001, para desbloquear sua criatividade e reimaginar suas próprias canções. Entre os lados intitulados Originals e Unlocked, o ouvinte de Alicia Keys pode entrar em contato com a cantora, compositora, pianista e produtora que foi um dos maiores fenômenos musicais do século – e que nunca saiu de perto de nós.

Quem também esteve presente foi Black Country, New Road. Enquanto o novo disco da banda britânica, que foi destaques do mês de janeiro, não é lançado, ela aparece aqui com o EP Never Again, apresentando quatro covers inusitados. Também na lista das melhores revelações do ano, Arooj Aftab convenceu até o Grammy com a preciosidade de seu álbum lançado em abril e nos abençoou em dezembro com sua performance no Tiny Desk. E para os brasileiros, a conquista do mês foi ver MC Dricka, que brilhou no lançamento de seu álbum em maio até na Times Square, apresentando o hino Gadinho de Faz Tempo no palco do projeto musical internacional COLORS.

Há sete meses, Luísa Sonza abalava o pop nacional com DOCE 22, e agora, foi vez de encerrar os lançamentos do projeto com ANACONDA *o*~~~. Já em junho, foi a vez de Doja Cat colocar em órbita Planet Her, e em dezembro, a novidade foi o clipe de Woman, o single da vez que aquece sua corrida até as premiações. Na mesma função, está a nova favorita do Grammy Billie Eilish, promovendo sua campanha para Happier Than Ever, com o vídeo de Male Fantasy. A esnobada do ano, infelizmente, foi Lorde, que segue sob o poder do sol desde agosto, e agora traz uma narrativa visual para Leader of a New Regime.

Assim, o que mais teve em dezembro foi presente de fim de ano. A Música brasileira ganhou o lançamento do disco de Elza Soares & João de Aquino, uma releitura de Nara Leão feita por Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia, e a descoberta de Lucidayz, o projeto solo indie-rock do artista sergipano Samuel Elijah. De fora, Moses Sumney, artista ganês-americano que aparece vez ou outra na trilha de Euphoria, trouxe a experiência espiritual de seu primeiro álbum ao vivo; Katy Perry e Alesso entregaram uma boa canção para uma noite animada; e Art School Girlfriend, pseudônimo da galesa Polly Mackey que apareceu por aqui pela primeira vez em setembro, realizou um tributo a Prince.

Seguindo com os mimos para os sobreviventes de 2021, Tame Impala apresentou a inédita No Choices, introduzindo a edição comemorativa de The Slow Rush, o quarto disco de estúdio da banda, indicado a Melhor Álbum de Música Alternativa no Grammy 2020. Superchunk aproveitou os últimos dias do ano para fazer seu retorno com a canção Endless Summer, e Rostam remixou o seu segundo disco solo. Por último, a maior se fez presente: dois dias antes do Natal, Joni Mitchell presenteou o mundo com um vídeo especial de River, para encerrar a comemoração aos 50 anos de Blue.

Os votos finais do ano partiram de Rodrigo Alarcon, que em Rivotril e a Fé traz uma mensagem descontraída de compreensão para com quem viveu os momentos difíceis dos últimos dois anos. Da mesma forma, Anná e Flaira Ferro refletem resumem o espectro emocional dos últimos dois meses em Ô Ano Doido. E para mais um futuro fevereiro sem Carnaval, Ivete Sangalo e Carlinhos Brown nos servem música nova pra festejar em casa.

Sobre a vida em sociedade, BK’, como sempre, empresta sua música cirúrgica para analisar as relações que mantemos com o mundo ao nosso redor. A obra da vez é Cidade do Pecado, que traz uma identidade ainda mais urbana para o trabalho do rapper carioca. Precisa de um refresco depois disso? Pois aqui está a dupla Arnaldo Antunes & Vitor Araújo com o paradisíaco Lágrimas no Mar.

Por fim, restou à Mitski aumentar as expectativas para Laurel Hell, seu sexto álbum e um dos mais esperados de 2022 com Heat Lightning. Phoebe Bridgers – também conhecida por aqui como uma das artistas que mais trabalhou em 2021 – deu continuidade à sua tradição anual de direcionar os lucros de seus lançamentos natalinos à instituições humanitárias. A música do ano foi Day After Tomorrow, numa releitura do sucesso de Tom Waits.

Para o ano ou para esse post, se você chegou aqui, merece os parabéns e a nossa bonificação. É hora de colocar os fones para ouvir o último mês de 2021 e apreciar a última edição do Nota Musical como conhecemos hoje. Um novo ciclo está começando, e o Persona guarda muitas novidades para o próximo ano. O que não muda é nosso compromisso com a valorização da Arte, da Cultura e do Jornalismo, que só podem existir se a vida também for preservada. Cuide-se, pois contamos com a sua companhia para um grandioso 2022!

CDs

Pabllo Vittar – I AM PABLLO (Live)

A gente piscou e Pabllo Vittar começou a comemorar cinco anos de carreira. É isso mesmo: do single Open Bar ao álbum Batidão Tropical, muita coisa já mudou, e Pabllo conseguiu se consolidar como um dos maiores fenômenos pop contemporâneos no Brasil e no mundo. Mas, depois de lançar quatro discos de estúdio, três CDs de remixes e dois Extended Plays, a drag queen mais popular do planeta ainda não preenchia todos os tópicos disponíveis em uma possível ‘lista universal de afazeres dos cantores’, e o espaço reservado a um álbum ao vivo permanecia vazio.         

Foi então que nasceu o curioso trabalho I AM PABLLO (Live), disponibilizado na internet no último mês de 2021. Parte de um projeto audiovisual gravado no pavilhão Oca, em Ibirapuera, São Paulo, o primeiro registro ao vivo de Vittar dá pistas de uma turnê que promete ser a grande aposta internacional da cantora a partir de agora. Não parando por aí, ao mesclar os elementos água, fogo, terra e ar, que adquirem atmosferas próprias, com algumas influências absorvidas do K-pop, o espetáculo da artista maranhense também pretende inovar os formatos de shows realizados em solo nacional.       

De qualquer forma, está mais do que certo que alguns dos registros comemorativos, como o do próprio Open Bar, são nostalgia pura – e repaginada. Fora isso, o que mais se destaca no lado sonoro de I AM PABLLO são os vocais nitidamente bem trabalhados para a realização desse projeto bastante ambicioso. Para quem passou os últimos cinco anos criticando a voz da drag queen, será difícil sustentar as mesmas críticas com esse novo disco. “Não é à toa que eu sou a number one”: de fato, parece que Pabllo Vittar sempre soube do próprio potencial. – Eduardo Rota Hilário         

Angèle – Nonante-Cinq

Angèle é popstar. Um dos nomes mais populares entre as estrelas francófonas, a carreira da artista belga ganhou repercussão global após o dueto de Fever com Dua Lipa. Suas vozes, em contraste, destacam a melancolia inerente do timbre de voz aerado de Angèle, que parece enfeitiçar a mais dançante das faixas. Essa habilidade, por sua vez, se corporifica em seu segundo álbum, Nonante-Cinq, conduzindo a efervescência do synth-pop para uma atmosfera agridoce, enquanto versa sobre as desventuras do amor.

Encabeçado pelo single principal Bruxelles je t’aime – uma carta de amor sentimental para sua cidade natal –, Angèle rodopia pelas batidas à la Daft Punk ao longo dos acertos que compõem as doze canções do álbum, incluindo Libre e On s’habitue. Algumas referências, contudo, de tão óbvias, soam quase como imitação: Démons, que conta com a colaboração do rapper belga-congolês Damso, poderia facilmente ter saído diretamente do universo Astroworld de Travis Scott.

Como uma montanha-russa de emoções, aqui, tudo oscila. Entre o dançante e o emotivo do projeto, paira Solo, junto de seus sintetizadores glaciais, atingindo o máximo de melodrama na teatralidade de Taxi, construída pelas baladas de um piano acústico. Apesar do aparente otimismo dos singles divulgados anteriormente a sua estreia, é tecendo o drama que Nonante-Cinq ganha dimensão. – Ayra Mori

Arca – KICK ii, KicK iii, kick iiii e kiCK iiiii

Depois de no mesmo ano de 2020 ter sido indicada ao Grammy por seu álbum Kick i, publicado uma música de 62 minutos, além de 100 remixes de uma mesma faixa criados com uma Inteligência Artificial, a cantora e produtora venezuelana Arca resolveu encerrar 2021 mantendo o mesmo nível de ambição. O que quer dizer que ela resolveu colocar no mundo não um, mas quatro discos de uma só vez, todos numerados em sequência ao KiCk i, misturando espanhol com inglês e expressando toda a versatilidade dessa artista que desafia as convenções dos gêneros e de gênero. 

Dando o pontapé inicial, KICK ii é o mais acessível dos quatro, pelo menos em sua primeira metade, onde explora, a seu próprio modo, um dos ritmos latinos mais populares da atualidade, o reggaeton. Mas se engana quem espera que daí surja um trabalho convencional: o ritmo dançante vira música avant-garde nas mãos de Arca, dando espaço para as o rap frenético de Tiro, ou arrepiantes vozes lamentosas de Luna Llena. A segunda metade, inaugurada pelas vozes bizarras de Aranã, segue por caminhos mais abstratos e experimentais. E é no mesmo experimentalismo em que mergulha KicK iii, o mais insano da série, recheado de ritmos descompassados, frenético ao extremo, e que sequer dá um mínimo segundo para o ouvinte respirar. Conciliando as batidas caóticas à voz humana em texturas distorcidas, KicK iii se destaca com as faixas Bruja, Incendio, Skullqueen, e Rubberneck.

Seguindo caminhos bem mais amenos e oníricos, kick iiii aposta em uma atmosfera carregada de mistério. Lento e menos chamativo, o quarto volume da série acaba sendo ofuscado pela energia pulsante dos anteriores, mas encontra bons momentos atmosféricos em Boquifloja, em uma faceta mais pop na faixa Queer, e na arrepiante Hija. Surpreendentemente, o último volume, segue caminhos ainda mais minimalistas, encerrando a sequência de discos abandonando completamente o maximalismo dos primeiros volumes e explorando a música ambiente. kick iiiii evita o meio termo do disco anterior, criando atmosferas mais imersivas e abrindo espaço para uma faceta mais meditativa de Arca. Pu, Estrogen e Fireprayer se destacam além de Tierno, uma bela peça onde Arca é despida de todas as distorções vocais, finalmente revelando suas habilidades naturais. Do mais gritante ao mais sutil, do primeiro ao último volume, o projeto Kick é um raio-x das múltiplas camadas que compõem esse complexo ser chamado Arca. – João Batista Signorelli

Descontração já é a marca registrada da banda Lagum. No seu terceiro álbum de estúdio, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui), o grupo mineiro repete os feitos de Seja o Que Eu Quiser e Coisas da Geração (os dois primeiros) e cria uma experiência leve, bem humorada e divertida. Agora com alguns anos a mais de experiência, a Lagum encontra a dose certa entre o comercial e a liberdade para experimentar, e, ao longo das dez faixas, não abre mão da sua espontaneidade característica.

Das canções, cinco são inéditas. Enquanto duas das previamente lançadas, NINGUÉM ME ENSINOU e EU E MINHAS PARANOIAS, são elétricas e estimulantes ao refletirem sobre as angústias da identidade e da juventude, outras abaixam o tom para pensarem nas memórias ainda por vir, como na calma DESCOBRIDOR, para declararem os desejos em uma relação, como na curta PLAYGROUND, ou para revelarem o fim da mesma, como na dançante VEJA BABY. Das frenéticas guitarras e baterias aos calmos violões e vocais, do pop à MPB, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) transita entre sonoridades e temas, e a falta de um conceito só torna o álbum ainda mais espontâneo.

No novo lançamento, um dos pontos mais altos da Lagum se repete: a banda diz na lata o que tem para dizer. Sem rodeios, metáforas ou muitas figuras de linguagem, as composições do vocalista Pedro Calais são até literais, o que, se não impressionam pelas letras trabalhadas, encantam pela sinceridade. Como ele mesmo afirmou, a banda só deixa as coisas fluírem e que “se dava vontade de falar coisas engraçadas, trágicas, a gente falava”. Ao final, além de genuinamente divertido e animador, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) também foi uma bela homenagem ao trabalho de Tio Wilson, percussionista da banda que faleceu em 2020: o álbum foi a última participação do baterista, que teve suas partes, gravadas na pré-produção, mantidas e respeitadas. – Vitória Lopes Gomez

No Rome – It’s All Smiles

Nascido Guendoline Rome Viray Gomez, em seus 24 anos de idade, No Rome é cantor, compositor, produtor e pupilo de Matty Healy. Das Filipinas até o Reino Unido, foi compartilhando faixas lo-fi no SoundCloud que a colaboração entre ambos surgiu, logo levando Rome a assinar com a gravadora independente de Healy, Dirty Hit – casa de beabadoobee, Rina Sawayama, The Japanese House e Wolf Alice, espécie de meca da Música alternativa contemporânea. Para ele, contudo, a fabricação do álbum de estreia foi produto de anos, consumado, por fim, durante o isolamento do musicista em sua cidade natal, Manila.

Nos primeiros segundos da faixa de abertura, Space-Cowboy, Rome revela o que ele nomeia de “shoegaze R&B”. Como o próprio nome diz, o gênero combina precisamente os dois opostos numa hibridização camaleônica das distorções texturizadas ao groove suave. As influências são ambiciosas, dando caráter ao melodrama emocional simples da composição que ganha dimensão através da produção excelsa. São dez músicas co-produzidas com BJ Burton (Bon Iver, Kanye West e The Japanese House), conferindo resquícios de seu trabalho passado, familiar em ITS *N0T* L0V33 (Winter In London).

A mentoria de Healy se reflete por todo álbum – por vezes, mais pontuais do que deveriam. Apesar da habilidade inegável de Rome, por trás de muitas referências devotas, alguns curtos instantes soam genéricos, como em I Want U, onde até a harmonia vocal dos companheiros é similar. Adentrando uma paisagem noturna carregada de sintetizadores, explodem Issues (After Dark) e Remember November / Bitcrush*Yr*Life, como experiência cinematográfica que It’s All Smiles é. E bom, a espera valeu a pena. – Ayra Mori

Maria Gadú – Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor 

O novo álbum de Maria Gadú já traz em sua apresentação um título estrondoso. O impacto é ainda maior com a informação que Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor é o nome da canção de Márcio e Lô Borges, e o carro chefe de Pietá – importante álbum de Milton Nascimento. A aposta da cantora foi grande e a expectativa para o quarto disco de estúdio era maior ainda.

Contando apenas com regravações de outros gigantes da Música Popular Brasileira, Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor foi lançado na véspera do aniversário de Gadú e veio moldando a personalidade da artista. Isso porque, mesmo lidando com conhecidas da grande plateia, Gadú deixa sua assinatura em cada faixa e permite que o trabalho esteja mais próximo do autoral do que de covers. 

Um móbile no furacão de Paulinho Moska, Abololô de Marisa Monte e a indiscutível Lindo Lago do Amor de Gonzaguinha ganham destaque entre as 12 músicas. Mas, o absolutismo fica, de longe, por conta de Admirável Mundo Novo e Faroeste Caboclo. A primeira de Zé Ramalho vem para reforçar a posição política da artista e sua produção individual concretiza as crenças da cantora. Já a maior (e desafiadora) música de Renato Russo chama a atenção em qualquer contexto que se insira por conta de seus quase dez minutos de duração. O diferencial na atual gravação vem pelo tom no qual a história do João de Santo Cristo é apresentada. – Ana Júlia Trevisan

Elza Soares & João de Aquino – Elza Soares & João de Aquino

De voz inigualável, repertório inquestionavelmente rico e expressão artística arrebatadora: assim é – e sempre foi – Elza Soares. Mas esses traços bem definidos conseguem se acentuar ainda mais quando a Mulher do Fim do Mundo se entrega de corpo e alma à Música. Desse modo é Elza Soares & João de Aquino, disco gravado na década de 1990 ao lado do violonista que também dá nome à obra, em sessão única feita no extinto estúdio carioca Haras. Agora disponível pela gravadora Deck, o mais recente lançamento da eterna Deusa-Mãe esperou cerca de 25 anos para ver a luz do mundo.    

No fim, toda espera valeu a pena! Desde Drão, composição de Gilberto Gil que assume o posto de abertura elevada, quase divina, somos fisgados por uma química inventiva arquitetada de maneira fabulosa entre Elza e João. Em alguns casos, como Hoje, as habilidades vocais da Cantora do Milênio atingem em cheio os ouvidos – e corações – mais sensíveis. E, em faixas como Devagar Com a Louça, a liberdade interpretativa digna de grandes nomes torna-se, talvez, o maior motivo para uma inevitável fascinação do público – o que não ofusca, no entanto, o talento de João de Aquino.

Ainda nos destaques, a escolha do imortal Meu Guri, de Chico Buarque, mesclado com a Ave Maria No Morro, de Herivelto Martins, com certeza merece alguma atenção. Já em Juventude Transviada, o nome de Nilo Chagas pode surpreender os observadores mais atentos, já que essa faixa traz também um pouco de Lamento da Lavadeira, música composta por ele ao lado de Monsueto e João Vieira Filho. Mas nada, enfim, é capaz de substituir a experiência de ouvir na íntegra um álbum de tamanha qualidade. Certo é que, Como Uma Onda, João de Aquino e Elza Soares podem nos dominar.  – Eduardo Rota Hilário 

“Obrigado por sintonizar em Scenic Drive, estamos aqui hoje à noite para fornecer a vibração para sentar, relaxar e aproveitar o passeio”. Depois de ouvirmos um motor de carro ligando e uma rádio sendo sintonizada, a voz de Alicia Keys surge na primeira faixa do disco, e anuncia o início de Scenic Drive (The Tape), terceiro álbum na carreira de Khalid. Com apenas 23 anos, o artista demonstra uma grande ambição musical, e desde o início Scenic Drive (The Tape) é enquadrado como uma experiência musical e uma experimentação de sentimentos na escuta. Mas em alguns momentos, nas faixas Voicemail (feat. Kiana Ledé) e Backseat, o disco se deixa levar por sua suavidade, permanecendo calmo demais, e beira um fim de viagem.

Apesar dessa abertura conceitual e de uma perfeita ligação das canções durante suas transições, o disco esbarra em suas próprias referências, nas quais Khalid satura as metáforas sobre bancos de carros, estradas e viagens solitárias – mas, no fim, o álbum não deixa de ser sobre isso também. O ponto alto do disco está em Brand New (feat. QUIN) e Present. Ainda assim, se você procura algo para relaxar ou que sirva de trilha sonora para uma viagem tranquila, Scenic Drive (The Tape) é uma boa pedida. – Bruno Andrade

Moses Sumney – Live From Blackalachia

“Isolamento vem de ‘insula’ que significa ilha”, nos recebe uma voz robotizada à experiência espiritual de Live From Blackalachia, terceiro álbum de Moses Sumney. Gravado ao vivo nas montanhas de Blue Ridge, no verão de 2020, o palco do cantor foi nada menos que as colinas de uma paisagem verde solitária. Junto de sua banda, Sumney encontra na vastidão da natureza a liberdade. E como é linda a liberdade.

Sobrecarregado pelo “culto à personalidade” linkado à vida artística de Los Angeles, foi em 2017 que Sumney se refugiou em Asheville, uma cidade na Carolina do Norte. Atraído pelos arredores naturais do novo lar, debaixo do céu limpo, da floresta e da fauna, ele reencarnou quatorze faixas selecionadas de seus álbuns anteriores, Aromanticism (2017) e græ (2020). Há uma continuação orgânica dos temas já explorados por esses registros, permeando gênero, raça e identidade. Quem somos, como somos e como somos vistos pelo mundo: “Minhas asas são produzidas/E, e eu também”.

Despido das harmonias vocais de fundo, na segunda metade de Live From Blackalachia, Sumney soa como a pessoa mais solitária do mundo. Doomed é conduzida pelo jazz cósmico dos saxofones chorosos de Serena Wiley e Brian Horton, somados ao trombone melancólico de Derrick Johnson. Cada sopro suscita uma dor. Uma sensibilidade dolorosa que cresce gradativamente no peito, até se tornar inconsolável na pureza da voz de Sumney. – Ayra Mori

Elis Regina – Elis, essa saudade

Elis Regina é uma das maiores saudades que um país pode ter. É por isso que, às vésperas dos 40 anos de morte da eterna Pimentinha, as já aguardadas homenagens à imortal artista brasileira davam seus primeiros passos a todo vapor – e a coletânea Elis, essa saudade, lançada em pleno dezembro, é prova óbvia dessa realidade. Com produção executiva e repertório assinados pelos jornalistas Danilo Casaletti e Renato Vieira, o lançamento da Warner Music reúne gravações feitas entre 1979 e 1981, e com certeza receberá a atenção dos fãs mais ferrenhos. 

Não que sucessos como O bêbado e a equilibrista, ou versões ao vivo de Águas de março e Upa, neguinho, por exemplo, sejam motivo do entusiasmo puro da novidade, mas alguns elementos ‘novos’ acabam se tornando, sem dúvida, bastante animadores. É o caso de uma versão menos conhecida de Alô! Alô! Marciano, anteriormente indisponível nas plataformas digitais, ou do carro-chefe Pequeno exilado, música de 1980 gravada com o cantor gaúcho Raul Ellwanger, e até então inédita em formato digital. Seja como for, o CD – físico ou on-line – já vale a pena por conta dessas duas pérolas.

Unindo os títulos dos álbuns Essa Mulher e Saudade do Brasil, Elis, essa saudade é, antes de tudo, celebração e memória. Ou, quem sabe, uma forma de ilustrar os versos “Ah, como essa coisa é tão bonita/Ser cantora, ser artista/Isso tudo é muito bom” – que, um pouco descontextualizados neste texto, cabem com maestria na figura de Elis. Na verdade, a compilação recém-lançada é também um sinal de que nenhuma homenagem basta para as lendas infinitamente humanas, mas simbolicamente infindáveis. Sendo assim, que Elis Regina cante sempre, profunda e íntima, ao pé do ouvido de nossos corações. – Eduardo Rota Hilário  

Rostam – Changephobia Remixes: Part I + II

Após seis meses do sensível “pop torto” de Changephobia, Rostam Batmanglij, ex-integrante e fundador da banda Vampire Weekend, divulgou na íntegra a coletânea de remixes do segundo álbum de sua carreira solo. Dividido em duas partes, sobrevive, nas reinterpretações, a aura mágica das versões originais, que continuam evocando um ambiente agridoce, quente e colorido. As colaborações do projeto contam com nomes potentes, fruto da relação estreita do próprio Rostam com a cena indie pop de Los Angeles – o multi-instrumentista tem no catálogo a recente produção de Immunity (2019), de Clairo, e Women in Music Pt. III, das HAIM.

Lançada em 1º de dezembro de 2021, a primeira parte da coletânea conta com a remixagem de A. G. Cook (que produziu faixas de Charli XCX, Caroline Polachek e SOPHIE) na cinética Kinney, até a versão reducionista de A. K. Paul, que desacelera o tempo em These Kids We Knew. Já a segunda parte inclui a interpretação vibrante de 4Runner por EASYFUN, que é conduzida pelas batidas metálicas comuns do hyperpop, e o suave sintetizador de From the Back of a Cab por Ben Böhmer. Ao passar pelas nove faixas alternativas, o impulso para se ouvir Changephobia mais uma vez, cresce. – Ayra Mori

Arnaldo Antunes e Vitor Araújo – Lágrimas no Mar 

Em 2020, Arnaldo Antunes não poupou em colocar o dedo na ferida com seu potente O Real Resiste. O show deste trabalho criou um vínculo entre o cantor e o pianista Vitor Araújo – pernambucano de 32 anos. O encontro entre a juvenil musicalidade e a experiência de ex-Titã tomou forma no êxtase de Lágrimas no Mar.

O resultado é um álbum que beira o paradisíaco. Com o potente instrumental que atravessa feito lança cada verso, e com canções intimistas que remetem ao mar, o duo apostou numa apresentação mais cinzenta para intensificar a transversalidade do disco. O repertório vai de gravações conhecidas pelo público, como a unânime Como 2 e 2 (Caetano Veloso); música que já fizeram parte de shows do Arnaldo, como Fora de Si (1995) e Longe (2009); e inéditas batizadas de Enquanto Passa Outro Verão, Lágrimas no Mar, Umbigo e A Não Ser. – Ana Júlia Trevisan

Alicia Keys – KEYS

Ao completar 20 anos de carreira, Alicia Keys decidiu revisitar suas raízes e brincar com as suas possibilidades contemporâneas em KEYS, seu oitavo disco. Para a maioria dos espectros musicais, essas intenções podem parecer completamente inconciliáveis, mas para o da experiência de Alicia Keys, foi a ideia mais natural de projeto para a atual etapa de sua vasta carreira como cantora, compositora, produtora e pianista. O disco é duplo e suas divisões são muito bem definidas: no lado A, ela relembra suas matérias-primas originais em canções inéditas, e no lado B, desbloqueia lampejos criativos ao reimaginar a produção de suas próprias músicas. 

Assim, Originals apresenta faixas do disco totalmente fundamentado nas influências Alicia, como o gospel e o soul, que quando percorrem o piano junto de suas mãos, criam uma música essencialmente contemporânea e fresca. Em diálogo direto com a artista que conhecemos em 2001 através da estreia aclamada de Songs In A Minor, ela apresenta sua habilidade em criar o R&B mais atual e bem referenciado da atualidade (mantendo o posto que é seu desde o início do novo milênio) com primor em Love When You Call My Name. Já em Is It Insane, ela nos lembra de seus talentos como vocalista e intérprete, enquanto Daffodils e seu fundo folk constroem a demonstração perfeita de uma musicista plena. Além disso, ela também traz colaborações de nomes como Kanye West para Plentiful, e expressa sua amizade com Brandi Carlile em Paper Flowers – um dos melhores destaques de KEYS. 

Quando chegamos em Unlocked, obviamente, o impacto não é o mesmo. Mas a segunda parte de KEYS também guarda as suas próprias inéditas, músicas que Alicia concebeu já na identidade imaginada para o segundo disco, ao invés de passarem pelo processo contrário. Nestas, estão o destaque das produções originais de LALA – primeiro single do álbum que traz a participação de Swae Lee – e Come For Me – resultado grandioso de uma colaboração entre Keys, Khalid e Lucy Daye. Ao final das 26 faixas, o impacto de Alicia Keys se mostra o mesmo que encantou o mundo há 20 anos atrás: não existe uma porta que suas chaves não possam abrir. – Raquel Dutra

EPs

Joshua Bassett – Crisis / Secret / Set Me Free

Por ironia do destino, se em janeiro ocorreu o nascimento do fenômeno Olivia Rodrigo, dezembro fecha com o lançamento de seu ex-namorado Joshua Bassett, o suposto remetente das cartas de coração partido de SOUR. O jovem artista, que além de cantar é um dos protagonistas da série de High School Musical, liberou Crisis / Secret / Set Me Free, com direito a três clipes, poucos meses depois de seu EP autointitulado.

Pela primeira vez se referindo diretamente ao espetáculo de horror que vivenciou seguido do lançamento de drivers license, Bassett cria uma narrativa de maturidade no novo e curto trabalho. Abrindo com Crisis, ele canta sobre como sua ex-amada nunca desperdiçou uma crise, aproveitando para capitalizar por cima do namoro que acabou. Além das trivialidades que se tornaram clichês do pop, ele denuncia seu estado de saúde, revelando que sofreu ameaças de morte.

A sequência com Secret é o máximo de sacana que o EP se permite ser, na insinuação de que a pessoa sobre a qual ele canta esconde um segredo, e talvez tudo que ela cantou não seja a mais absoluta das verdades. O fim, pelos versos da saudosista Set Me Free, é o momento de Joshua respirar e implorar por conclusões. “Você não pode levar tudo de mim (me liberte)/E não preciso das suas desculpas (me deixe em paz)”, ele canta, com verdade na voz. – Vitor Evangelista

Black Country, New Road – Never Again

Enquanto o aguardado disco Ants From Up There não chega, a banda britânica Black Country, New Road resolveu lançar, com exclusividade para os compradores de discos de vinil (mas que pode ser encontrado no YouTube), um EP reunindo quatro inusitados covers de canções populares. A trupe que concilia a guitarra ao saxofone e ao violino levou ao estúdio suas próprias versões de duas canções do ABBA, uma do MGMT e outra da Adele, que já vinham realizando em suas apresentações ao vivo de um tempo para cá. 

Mamma Mia e Chiquitita compõe o lado A do disco, trazendo toda a energia e as firulas instrumentais já tão características do grupo. A empolgação e a total dedicação do vocalista Isaac Wood em Mamma Mia compensam as suas limitações vocais ao deixar seu estilo mais falado de cantar para uma canção mais melódica, e Chiquitita traz a mesma serenidade e a carga emocional crescente dos singles recentes, Bread Song e Concorde. O mesmo vale para Time to Pretend, primeira faixa do lado B, seguida de uma Someone Like You simples de voz e piano, mas que ao trazer vários dos membros do grupo cantando juntos, transmite a agradável sensação de uma boa confraternização entre amigos. – João Batista Signorelli

Beach House – Once Twice Melody: Chapter 2

Que tudo chega ao fim é certo – mas nem sempre. No segundo capítulo do álbum Once Twice Melody, dividido por 4 partes, a finitude das ordinariedades parece ser usurpada através da repetição. São quatro faixas inéditas que sucedem o plano metafísico criado pela dupla de dream pop Beach House, integrada por Victoria Legrand e Alex Scally, no primeiro EP lançado em novembro de 2021. Conjura-se uma confusão psicodélica conduzida por devaneios coloridamente cinematográficos que se materializam somente através do som. Ainda, nada é palpável.

O capítulo se inicia com o Éden futurista de Runaway, orientado pela voz transumana de Legrand sob efeito do vocoder. Em sequência, a atmosfera de ESP evoca um sonho tranquilo acompanhado pelas notas clássicas da guitarra elétrica, enquanto New Romance carrega consigo as reminiscências sintéticas de My Bloody Valentine. Over and Over encerra o EP através de uma experiência sinestésica que entranha o lirismo da composição junto a reverberação dos vocais que se fundem caleidoscopicamente com os sintetizadores, tornando-os em coisa única – é impossível distinguir o orgânico do robotizado. São brilhos, imagens quentes e sons que se entregam inteiramente a um cenário fantástico, “E então/Esses dias se vão (de novo e de novo)”. – Ayra Mori

BK’ – Cidade Do Pecado

Em Grande Sertão: Veredas (1956), João Guimarães Rosa questiona, através do personagem Riobaldo, a existência do diabo, e escreve a seguinte sentença: “O diabo não há! É o que eu digo, se for… Existe é homem humano”. Na obra O mestre e Margarida – terminada em 1940, porém publicada postumamente em 1966 –, o russo Mikhail Bulgakov também questiona a existência do diabo, mas dessa vez o insere fisicamente na União Soviética, fazendo alusões a um mundo tão cruel que já ocupa o lugar do próprio inferno. Agora BK’ também entra na lista: debruçando-se sobre os pecados que rodeiam a civilização, Cidade Do Pecado é uma pequena viagem de pouco mais de 16 minutos, distribuídos em 5 canções nas quais somos apresentados a sensação aniquiladora de submissão, imposta pela metrópole aos indivíduos.

Na canção Último Baile Antes da Guerra, BK’ se une a MC Marcelly e ao rapper Nochica para contar a história de um indivíduo envolvido com a criminalidade, sem perspectivas de vida, e mescla afrobeat com batidas típicas do hip-hop. Com produção de JXNV$ (nome artístico do DJ e produtor Jonas Profeta, colaborador frequente nos trabalhos do rapper), Cidade Do Pecado traz, ainda, participações da cantora Mayra Andrade e do rapper niLL. Sobre o disco, BK’ disse: “Eu vejo o EP Cidade Do Pecado com muito foco no desejo e nas formas como você se perde na vida urbana, no que se deixa levar por ela e em como, ao tentar existir, você deixa de existir”. – Bruno Andrade

Músicas

5 Seconds of Summer – 2011

Exatos 10 anos depois de seu primeiro show, a banda 5 Seconds of Summer comemora sua década de existência com 2011. Na canção, o quarteto formado por Luke Hemmings, Michael Clifford, Calum Hood e Ashton Irwin relembram os sentimentos e as dificuldades no início e durante os anos de carreira, e se agradecem por chegarem até aqui unidos. O grupo australiano tem cinco álbuns juntos – Luke e Ashton também lançaram trabalhos solo -, e, mesmo depois de terem amadurecido cada vez mais sua sonoridade, culminando no adulto CALM, o single se assemelha às faixas de 5 Seconds of Summer, álbum de estreia da banda, de 2014. Não só na letra, mas também em sua essência, 2011 celebra o aniversário, o progresso e as conquistas pessoais e profissionais de 5 Seconds of Summer com muito carinho e nostalgia. – Vitória Lopes Gomez

Anná e Flaira Ferro – Ô Ano Doido

Assumir a função de ‘cronista de seu tempo’ costuma ser uma decisão bastante inteligente para muitos artistas. Em alguns casos, trata-se até mesmo de uma necessidade. Seja como for, dentro dessas e outras possibilidades, Anná soube expressar muito bem, em forma de Música, uma sensação quase coletiva de quem vivenciou e, a propósito, sobreviveu ao bizarro ano de 2021: “ô ano doido que mexeu fundo com a gente/ô ano doido que meteu fundo na gente”. Sendo uma composição autoral da multiartista mocoquense, Ô Ano Doido ainda ganhou a calorosa companhia da cantora recifense Flaira Ferro em sua gravação.

Mas as colaborações não param por aí. Isso porque a produção musical, as programações e o coro do terceiro single do vindouro álbum Bra$ileyrah também carregam o nome de Amanda Magalhães, cantora com quem Anná dividiu a faixa Me Cuidar em setembro de 2021. Não satisfeito, Ô Ano Doido cria ainda diálogos com Tom Zé, Valesca Popozuda e Claudinho & Buchecha, dentre outros artistas que inspiraram essa curiosa mistura de frevo com funk. No fim, os divertidos versos de Anná lembram inclusive a “esperança equilibrista”, que sempre soube “que o show de todo artista/tem que continuar”. – Eduardo Rota Hilário       

Phoebe Bridgers – Day After Tomorrow

Enfim, o Natal chegou (e já passou). Com ele, como uma espécie de Papai Noel magrela e de cabelos platinados, Phoebe Bridgers lança sua rendição natalina de Day After Tomorrow, sucesso de Tom Waits em 2004. A canção dá continuidade à tradição anual da cantora que restitui o lucro dos lançamentos natalinos a instituições humanitárias. Os covers incluem If We Make It Through December (2020) de Merle Haggard, 7 O’Clock News / Silent Night (2019) de Simon & Garfunkel, Christmas Song (2018) de McCarthy Trenching e Have Yourself a Merry Little Christmas (2017).

Produzida em conjunto com Tony Berg e Ethan Gruska, toda a receita do último cover foi destinada ao Local Integration & Family Empowerment Division of the International Institute of Los Angeles, que presta assistência a imigrantes, refugiados e sobreviventes de tráfico humano em suas novas vidas no sul da Califórnia. “Eu não estou lutando por justiça/Eu não estou lutando por liberdade/Eu estou lutando pela minha vida/E mais um dia neste mundo aqui”, canta Bridgers com sua melancolia autoral, amplificando as dores de uma festividade que pode ser tão solitária quanto feliz. – Ayra Mori

Superchunk – Endless Summer

Superchunk está de volta, e com um novo álbum na praça. O quarteto de indie rock formado em 1989 lançou o single Endless Summer, faixa que compõe Wild Loneliness, o novo disco da banda. Quase como uma versão alegre dos Pixies – ou talvez uma versão expandida dos Pixies de Here Comes Your Man –, Superchunk mantém em Endless Summer as guitarras cruas, com poucos efeitos, e dá à letra um tom cantarolável, ao mesmo tempo envolta de uma aura que abraça indivíduos desconfortáveis, abandonados com o fim da onda punk dos anos 1970. 

Mantendo-se fiel ao que sempre foi desde o início – Superchunk (1990) –, o grupo parece manter as letras evocativas, carregadas de críticas muito bem direcionadas – essa, sim, uma herança deixada pelo punk rock –, como na canção What a Time to Be Alive, faixa-título do álbum anterior, carregada de piadas sarcásticas sobre a era Trump.

Wild Loneliness trará diversas participações especiais – incluindo Owen Pallett e Mike Mills, do R.E.M. –, e tem seu lançamento previsto para 25 de fevereiro de 2022. No refrão do novo single, ouvimos Mac McCaughan perguntar: “Este é o ano em que as folhas não perdem a cor?”. Não sei, veremos. – Bruno Andrade

Ruel – GROWING UP IS ____

Como qualquer artista sob os holofotes desde cedo, Ruel precisou crescer também em frente a eles. O cantor britânico-naturalizado-australiano, agora com seus 19 anos, lançou seu primeiro single aos 15 e amadureceu sua sonoridade desde então. Não precisa nem olhar tanto assim para trás, a mudança é perceptível já nos últimos projetos do artista: do primeiro álbum, Free Time, de 2019, até seu lançamento seguinte, o EP Bright Lights, Red Eyes, de 2020, a evolução na musicalidade é perceptível. Não só profissionalmente, mas Ruel também teve de crescer e se entender como pessoa, e, no single GROWING UP IS ____, reflete sobre esse processo.

A canção é o primeiro lançamento do cantor desde o EP de 2020. Ele, no ano distante, usou seu tempo para “descobrir o tipo de pessoa que ele quer ser” e o questionamento acerca do amadurecimento se estende na faixa. “Crescer é estranho, dormir com amigos, quebrar um coração/Questionar tudo que você achava”, ele canta, acompanhado do ritmo intenso da canção. Passando da adolescência para a fase adulta, GROWING UP IS ____  ilumina essa fase de Ruel. – Vitória Lopes Gomez

Ivete Sangalo e Carlinhos Brown – Mexe a Cabeça

Diante de tantas incertezas, esperar por um carnaval à la tempos passados em 2022 parece ser, antes de qualquer coisa, uma ilusão muito ingênua e utópica. Mas isso não quer dizer que precisamos ficar desprovidos de lançamentos musicais característicos, já que festejar sozinhos, em casa, pode se tornar uma necessidade preventiva e um escapismo temporário. É, portanto, totalmente compreensível que Ivete Sangalo e Carlinhos Brown tenham lançado, em dezembro, a parceria Mexe a Cabeça, de qualidade tão boa quanto o sucesso Cadê Dalila, de 2009 – que teve Brown como um dos compositores, e Veveta como intérprete.  

Destacando agora a voz dos dois artistas, o novo single dos cantores baianos foi composto por Ivete Sangalo, Gigi, Ramon Cruz, Radamés Venâncio e Samir Trindade, e adota um espírito genuinamente carnavalesco. Ao lado de Sorte Grande, Flor do Reggae e Festa, por exemplo, Mexe a Cabeça provavelmente carregaria consigo a nostalgia de outros carnavais, mesmo sendo uma música extremamente nova e de repercussão ainda limitada. De qualquer forma, o que nos resta hoje é imaginar como ficaria essa canção no meio de confetes, serpentinas e a muvuca eufórica de um trio elétrico, ou de um salão bem lotado. – Eduardo Rota Hilário 

Lucidayz – Abstinência

Se, por alguma razão, misturassem O Terno com Jorge Ben Jor, não seria difícil afirmar que um de seus possíveis resultados seria algo próximo da canção Abstinência, de Lucidayz. Esse é o nome que recebe o projeto solo do sergipano Samuel Elijah, cujo single marca uma nova fase, mergulhada em referências ao indie rock nacional, e ainda trazendo elementos circenses. Tanto a canção quanto seu videoclipe complementam a narrativa evocada por Elijah, na qual ambos destacam-se pela mistura de expressões artísticas.

Em Abstinência, enxergamos um artista que sabe fazer música, elencando elementos poéticos com certa naturalidade. Seu lado teatral resplandece na própria letra da música, onde ouvimos: “Então ela o seduzia/E o derrotava/Então passavam os dias/Não regenerava”. A grande ironia é que o single, embora esteja recheado de sentido lírico e carregado de referências retrô – o próprio ambiente circense já evoca uma certa marcação temporal –, soe extremamente contemporâneo. – Bruno Andrade

Tame Impala – No Choices

A banda Tame Impala é fã das edições comemorativas e The Slow Rush, quarto registro de estúdio e indicado como Melhor Álbum de Música Alternativa no Grammy 2020, já tem data marcada para ganhar sua versão Deluxe. The Slow Rush Deluxe será lançado dias após o aniversário de dois anos de seu antecessor e incluirá, além das canções originais, versões estendidas, remixes e duas faixas inéditas. Uma dessas b-sides já chegou com antecedência: descartada da edição original do álbum, No Choice lembra as primeiras sonoridades do grupo australiano, como a do álbum de estreia Innerspeaker, e atualiza a essência inicial da Tame Impala. Fazendo a ponte entre as eras da banda, o single, com sua aura envolvente e psicodélica, dialoga também com The Slow Rush. – Vitória Lopes Gomez

Art School Girlfriend – I Would Die 4 U

Por trás do pseudônimo Art School Girlfriend, está Polly Mackey, cantora, compositora, produtora e multi-instrumentista galesa que navega entre a melancolia sufocante de sintetizadores sônicos que imergem o lirismo entranhado de suas composições. “Eu morreria por você”, ela murmura em seu tributo atmosférico de I Would Die 4 U, canção original de Prince. Mas mesmo homenageando o legado real do príncipe da opulência, ela reverte completamente a sonoridade da primeira versão, transfigurando-a numa Purple Rain densa, não mais enérgica.

O primeiro lançamento desde o álbum de estreia Is It Light Where You Are, a faixa carrega as memórias góticas da formação musical de Mackey, introduzida pelo shoegaze e new wave. Sua voz baixa é acompanhada pelos vocais de Marika Hackman, ambos afogados pelos toques eletrônicos de sintetizadores emotivamente sombrios. Ela não se acomoda na sombra do insuperável, igualando-se, com um fascínio etéreo. – Ayra Mori

Rodrigo Alarcon – Rivotril e a Fé

Começar um videoclipe com livros de Hilda Hilst, Angela Davis, Gabriel García Márquez e outros nomes notórios da humanidade não é para qualquer um. Quando essa obra retrata, então, uma música que lembra intensamente a fase mais pop de Rita Lee, a situação acaba melhorando ainda mais. Essa é a realidade de Rivotril e a Fé, novo single solo de Rodrigo Alarcon e também sucessor de Taquetá Vol.1, EP lançado na primeira metade de 2021, ao lado das cantoras Ana Müller e Mariana Froes.   

Com uma letra que faz referências a Gilberto Gil, o mais recente lançamento de Alarcon com certeza recorda que ninguém atravessa a pandemia de modo neutro e intacto. “Me acostumar com a tragédia acima da média/É o novo normal, vão dizer/Eu só queria um abraço, o mais simples contato/Mas nem isso eu tô podendo ter”, diz a composição assinada por Rodrigo, Luiz Bellini e Niela Moura. Curioso é que seu clipe retrô, em formato de propagandas, nem parece retratar as angústias de alguém que viveu um caos inesquecível – o que talvez seja pura ironia. – Eduardo Rota Hilário    

Cássia Eller – Espírito do Som

A Música brasileira nunca mais foi a mesma desde que a voz transcendental de Cássia Eller emudeceu. O fatídico 29 de dezembro de 2001 é lembrado com dor por todos os admiradores da malandra garotinha do rock, que nos deixou no auge de seus 39 anos. Mas, o último mês do ano tem sabor agridoce quando se trata da cantora, isso porque ela também completava sua revolução solar no dia 10. Inesquecível e insuperável, Cássia é diariamente homenageada por sua legião de fãs e seu mês doze não passa despercebido.

Em celebração aos 59 anos da artista, o engenheiro de som Bruno Giorgi restaurou a canção Espírito do Som. A gravação inédita do blues aconteceu em Brasília no ano de 1985, a música integrava o setlist do show Dose Dupla. Junto à voz e ao violão de Cássia está o novo arranjo feito por Chico Chico, filho da cantora e cabeça do projeto. Além do primogênito, Rodrigo Garcia e Pedro Fonseca também fazem parte da banda que acompanha a saudosa Cássia Eller. – Ana Júlia Trevisan

Bad Suns – Peachy

Com o lançamento do quarto álbum da banda Bad Suns se aproximando, Apocalypse Whenever, o título do trabalho, ganhou sua quinta prévia: Peachy é o último dos cinco singles, que vêm sendo disponibilizados desde setembro de 2020. Neste, a banda mantém a aura animada e vivaz das outras faixas do álbum e os destaques são as bases e riffs das guitarras elétricas, que despontam na canção e lembram musicalidades anteriores do grupo, que não estavam tão presentes no último projeto. A estética anos 80 da sonoridade também é refletida no clipe e na capa de Peachy, que, como a Bad Suns anunciou, já é a do Apocalypse Whenever. – Vitória Lopes Gomez

Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia – Amor Nas Estrelas

Para poder realizar a releitura de um sucesso de Nara Leão, um artista precisa ter muito talento, confiança e coragem – e isso é o que não falta para este trio musical super habilidoso. Unidos em novo single, Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia dão brilho próprio a Amor Nas Estrelas, composição inegavelmente bela de Roberto de Carvalho e Fausto Nilo. E isso ocorre em grande parte por conta do “arranjo inusitado” de Jonatas Pingo, além de alguns versos traduzidos para o Inglês: conjunto de elementos que dá roupagem expressiva e única à canção.           

Sem dúvida, as trocas coesas feitas entre Ana e Márcia transmitem uma suavidade e elegância que nos cativam do início ao fim. Já a participação de Roberto Menescal, nome por trás da guitarra do single, é com certeza um destaque à parte, tendo em mente a inquestionável relevância e contribuição desse artista para grande parte da Música brasileira. Com tantos acertos acumulados, Amor Nas Estrelas torna-se, então, uma dádiva de fim de ano – e ouvir essa obra em primeira mão é um privilégio que agradeço aqui, agora, publicamente e de coração. – Eduardo Rota Hilário

SASAMI – Say It

“Sinto que, quando ouço a música, visualizo uma hot femme com um lança-chamas místico envolto por chamas azuis emocionais, dançando sozinha em uma discoteca industrial no espaço sideral”, é a definição de Sasami Ashworth (a.k.a. SASAMI) sobre Say It, um hino furiosamente dançante que dá sequência às prévias do álbum Squeeze, a ser lançado em fevereiro de 2022. E se na estreia homônima a cantora, compositora e produtora norte-americana já apresentava inclinações sutis ao noise rock, as três faixas do sucessor, anteriormente compartilhadas – The Greatest, Skin a Rat e Sorry Entertainer –, mergulham de cabeça nas distorções claustrofóbicas do metal.

Ashworth se designa como uma divindade folclórica japonesa, Nure-onna, uma serpente com cabeça de mulher sedenta por sangue humano, que reage violentamente contra aqueles que a incomodam. Cresce a atmosfera industrial da percussão estourada sobre a base de uma guitarra suja, construindo uma fúria apocalíptica intensificada por seus vocais sussurrados. “Não quero agonizar, apenas diga”, efervesce Ashworth que proclama uma raiva abismal justa diante da incomunicabilidade de uma outra pessoa. Ela grita, ela quebra o silêncio, ela exige respostas. – Ayra Mori

Alesso e Katy Perry – When I’m Gone

Em uma publicação no Twitter, Katy Perry prometeu dar tudo o que seus fãs queriam em sua nova canção. Com uma pegada eletrônica e dançante, se a cantora cumpriu com o ‘tudo’ ou não, ela certamente garantiu a trilha sonora para uma noite animada. O single, intitulado When I’m Gone, é uma parceria com Alesso e faz parte do repertório de Play, seu show em residência. Junto do DJ e produtor musical e com um videoclipe lançado duas semanas depois, a mistura entre o pop e o EDM do single faz Katy Perry se entregar – com direito a coreografia, troca de figurinos e estética futurista – e entregar uma faixa eletrizante e divertida. – Vitória Lopes Gomez

SZA – I Hate U

Aparentemente, SZA está com raiva de alguém. Aos 32 anos de idade, Solána Imani Rowe, conhecida pelo seu nome artístico, figura no topo das paradas desde sua estreia com Z (2014), seguido pelo aclamado CTRL (2017). Depois de algumas participações especiais em álbuns de colegas – além de possuir uma canção na trilha sonora de Querido Evan Hansen (2021) –, SZA surge com a música I Hate U, single inédito lançado em 3 de dezembro de 2021. 

I Hate U analisa as dificuldades de um término, através de passagens musicais relativamente obscuras. Mas nada soa sombrio – é quase como um desabafo. As afirmações contraditórias (“Eu me sinto tão comum, triste, quando você está perto de mim/Trate-me como veludo cotelê, me desgaste”) mostram a complexidade da voz narrativa – não sabemos ao certo se essa é uma canção totalmente autobiográfica ou apenas uma colcha de retalhos de diversos momentos, vividos ou não por SZA – em entender sua própria condição dentro do relacionamento. A cantora utiliza uma cadência de rap que põe em evidência um fluxo de consciência, novamente acenando para a dificuldade de seus pensamentos. A canção é uma viagem sentimental, e às vezes soa brutalmente sincera. – Bruno Andrade

Mitski – Heat Lightning

Assistimos o retorno de Mitski se debatendo num teatro vazio, vimos toda uma floresta queimar no pulsar nostálgico de sintetizadores eletrônicos e, agora, testemunhamos sua rendição aos relâmpagos das 4 horas. Terceiro single de Laurell Hell, Heat Lightning sustenta a alta expectativa sobre o aguardado sexto álbum. A cada novo lançamento fica mais declarado que o sucessor de Be The Cowboy tem tudo para ser um dos maiores registros de 2022 – assim como seu antecessor em 2018.

Co-escrito com Dan Wilson, a composição de Heat Lightning é um cântico à madrugada. Da insônia, os sentimentos afloram-se, junto da culpa. Aqui, Mitski encontra a maneira de se redimir dessas angústias, flutuando pela instrumentação crepuscular da faixa: “Eu precisava de canções de amor sobre relacionamentos reais que não são lutas de poder a serem vencidas ou perdidas. Eu precisava de músicas que pudessem me ajudar a perdoar os outros e a mim mesmo. Eu cometo erros o tempo todo. Não quero colocar uma fachada de que sou um modelo, mas também não sou uma pessoa ruim. Eu precisava criar esse espaço, principalmente para mim”. – Ayra Mori

Luísa Sonza e Mariah Angeliq – ANACONDA *o* ~~~

Luísa Sonza e seu Doce 22 apareceram em inúmeras – mas inúmeras mesmo – listas de melhores álbuns de 2021. Não à toa, afinal o disco desnuda a montanha-russa que é a compositora. A produção ainda trouxe uma novidade para o cenário fonográfico brasileiro. Ao invés de preparar o terreno com singles e depois lançar o álbum completo, Luísa (gênia!) optou por liberar o álbum com algumas faixas a menos, para serem lançadas mês a mês e ainda render muito açúcar nesse doce.

A faixa da vez foi ANACONDA *o* ~~~. A música, que conta com a participação da norte-americana Mariah Angeliq, foi composta na mesma época que Sonza escreveu Braba. Após um período de maturação, a letra provocativa ganhou espaço na revolução de sentimentos e palavras da cantora. Um dia depois do lançamento de ANACONDA *o* ~~~, foi disponibilizado um videoclipe da mesma no YouTube. – Ana Júlia Trevisan

Clipes

Doja Cat – Woman

Somando 8 indicações ao Grammy 2022 para o aclamado terceiro disco de sua carreira, Planet Her, a cantora e rapper Doja Cat volta para reivindicar seu trono no videoclipe da faixa de abertura do álbum lançado em junho. Depois de 6 meses de espera, Woman, um dos maiores hits do disco, finalmente recebeu merecidamente o seu acompanhamento visual, que traz visuais arrojados para a canção que celebra a feminilidade. 

Reunindo referências afrofuturistas com um toque do Egito Antigo, o clipe abre com um clima seco e escaldante, com direito a cores quentes, luzes alaranjadas e areia. Mas logo na metade, a chegada do rap também marca a chegada da cor azul, da água, e de tons mais escuros. O clipe incorpora bem seus figurinos criativos envolvendo as tranças de Doja, e até raízes de árvores, além da narrativa enigmática, amargada por um discreto mas inconveniente product placement da Beats. – João Batista Signorelli

Joni Mitchell – River

Em 2021, o disco Blue, de Joni Mitchell – cantora oito vezes vencedora do Grammy –, completou 50 anos de existência. Não é exagero afirmar que Blue é um dos álbuns mais marcantes dos anos 1970, e certamente um dos maiores de todos os tempos. Como comemoração ao meio século de vida, a música River ganhou um clipe especial, lançado dois dias antes do Natal. O videoclipe é composto por animações em preto e branco, com passagens que lembram uma tinta em aquarela, que começa a ganhar cor conforme o vídeo se aproxima do fim.

No comunicado que acompanhou o lançamento do single – reproduzido ao final do clipe também –, Mitchell escreveu: “River expressa arrependimento pelo fim de um relacionamento… mas também é sobre estar sozinho na época de Natal. Uma canção de Natal para as pessoas que estão sozinhas no Natal! Precisamos de uma música como essa”. Embora River tenha sido interpretada como uma canção de Natal moderna, retrata, também, o término de um relacionamento, na forma mais singela e íntima possível, de modo que somente Joni Mitchell poderia ter feito. – Bruno Andrade

Billie Eilish – Male Fantasy

Ainda bem que Billie Eilish descobriu outra face da sua arte e, novamente, dirigiu o clipe de Male Fantasy. É incrível que ela viva suas letras, principalmente uma tão melancólica quanto essa, o que deixa a letra em uníssono com a performance desde o primeiro verso. Billie está presa sob o estereótipo social de que mulheres devem satisfazer as fantasias dos homens. 

E esse é um lugar de pura solidão onde qualquer meio de se distrair também reafirma a opressão: Sozinha em casa, tentando não comer/Me distrair com pornografia. Cada canto da casa em que ela senta para refletir seu sofrimento simboliza os becos sem saída que a nossa mente encontra ao tentar escapar das exigências masculinas que alcançam qualquer pedacinho das mulheres. Não há saída. Há apenas a tristeza de existir dessa forma. – Nathália Mendes

Lorde – Leader of a New Regime

California? Secrets from a Girl? The Path? Nada disso! De surpresa, Lorde lançou o curto videoclipe (dirigido pela própria ao lado de Joel Kefali) de Leader of a New Regime, espécie de interlúdio que compõe seu Solar Power, um dos discos mais divisivos de 2021. Não havia maneira melhor de fechar o ano senão presenteando os fãs com imagens luxuosas e contemplativas, à beira-mar.

Na letra, Ella sussurra: “Ninguém, ninguém mesmo, vai ser líder de um novo regime?/Liberte os guardiões do cenário de esgotamento psicológico”. Como o terceiro trabalho de estúdio provou, a figura de Messias divino não cabe mais à Lorde de hoje em dia, mas ela continua sua jornada introspectiva de transformar poesia em melodia. – Vitor Evangelista

Performances

MC Dricka – Gadinho de Faz Tempo – A COLORS SHOW

O último mês do ano também é tempo de conquistas, e uma prova disso é que MC Dricka se consagrou como a primeira funkeira a participar do projeto internacional de Música intitulado COLORS. Para sua apresentação na plataforma musical que divulga talentos e novos artistas de todo o globo, a dona do EP Acompanha resolveu cantar Gadinho de Faz Tempo, single que aborda a inutilidade do sofrimento durante términos de relações – ou, como canta a própria Dricka, “sofrer é coisa de momento”.        

Gravada em estúdio minimalista, de fundo alaranjado, a performance da MC, como era de se esperar, dá destaque total à canção que é apresentada. E não resta dúvida de que ver a sétima personalidade brasileira a ocupar esse espaço é motivo de muita esperança para as Artes nacionais, que merecem atingir o mundo inteiro. No fim, gostando ou não, esta acaba sendo mais uma das inúmeras provas de que o funk brasileiro toma proporções cada vez mais globais – e, por que não, de respeito. – Eduardo Rota Hilário             

Arooj Aftab no Tiny Desk

Dentro das ruínas de um antigo convento no Brooklyn, a voz de Arooj Aftab ecoa como um choro doloroso. A performance conta com a seleção de três canções que integram Vulture Prince, último álbum da paquistanesa radicada em Nova York – listado como um dos melhores do ano de 2021. A voz da musicista, sua banda e, claro, uma mesinha, são suficientes no cenário intimista criado para uma das mais sublimes apresentações do Tiny Desk.

O dedilhar das cordas inauguram Suroor, sem jamais descentralizar os vocais derramados de Aftab. Acompanham-na a harpa celta de Maeve Gilchrist, o violão clássico de Gyan Riley, o violino de Darian Donovan Thomas e Shahzad Ismaily no baixo e sintetizador. Em sequência, Mohabbat se redireciona do groove melancólico anterior, explorando a dor da separação que arde lentamente sobre a delicadeza dos instrumentos: “Essa tristeza se iguala a toda tristeza do mundo”, canta  em urdu.

Aftab conclui sua performance com maestria, entrelaçando a nostalgia tradicional do ghazal às feridas contemporâneas de uma nova geração como uma prece. Saans Lo é sua pungente rendição final. Sua voz ressoa mesmo após os últimos minutos da canção, quando a tela já está preta, em silêncio. Cresce uma solidão estranhamente reconfortante. – Ayra Mori

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Mariana Chagas e Nathália Mendes

Se a adolescência por si só é um caos, imagine para Scott McCall (Tyler Posey) ter garras, dentes afiados e pelos por todo o rosto crescendo durante um jogo de lacrosse. Teen Wolf pareceu ingênuo por surfar na onda de Crepúsculo e Diários de um Vampiro lá em 2011, aproveitando as lendas de lobisomens e vampiros que se tornaram uma febre. No entanto, o criador Jeff Davis conseguiu mergulhar um lobo adolescente na complexidade da mitologia e, ao mesmo tempo, lidar com problemas profundos da passagem para a vida adulta.

Uma atmosfera sombria acompanhou a história do protagonista ao longo de 6 anos, junto com efeitos especiais ridículos, romances aflorados, figuras femininas poderosas e atores de beleza grega. Tudo muito bem atrelado ao seu enredo robusto e teorizado em lendas sobrenaturais, para o fascínio dos fãs pela série. Comemorando a década de seu sucesso consagrado, a MTV se juntou a Jeff e à Paramount+ para reviver o bando McCall em um filme. O elenco original é previsto para o retorno, e sua estreia está marcada para 2022. 

Era tarde da noite em Beacon Hills quando Scott e seu melhor amigo Stiles (Dylan O’Brien) vagavam pela floresta em busca de um cadáver – como qualquer dupla de jovens sem nada melhor para fazer numa cidade pequena. Durante a caça pelo corpo, o protagonista se transformou em presa: foi mordido por um lobo. Mal sabia ele que era pior do que parecia, pois após a primeira das muitas madrugadas assombradas de Teen Wolf, Scott se transformou em um lobisomem. Agora a sua vida e a de todos ao seu redor mudaria para sempre.

O paralelo com a fase em que está vivendo é perfeito. Seu grande desafio é passar pela escola ao mesmo tempo que tenta aprender a ser sua própria âncora. Se no Ensino Médio ele lida com caras babacas e semana de provas, na sua segunda vida precisa dar conta de entender seus poderes e de outras criaturas sobrenaturais em um calendário bem chatinho de transformação nas luas cheias. Mas a verdade é que o buraco das maluquices era muito mais embaixo. 

 Os 100 episódios da série o acompanham nessa nova fase de se entender junto aos laços de sangue e do coração, e seu caminho em construir uma família sobrenatural foi verdadeiramente fantástico. Com a história de Scott, Teen Wolf  mostra que é muito mais do que um simples dramalhão adolescente. E no meio do caos, as piadas sem graça de Stiles talvez sejam a única coisa que mantém a sanidade dos personagens – e a nossa. 

Pior do que as piadas de Stiles, apenas os efeitos especiais de Teen Wolf. A única glória morava dentro das composições que não precisavam de recursos de computação gráfica, por exemplo no figurino impecável dos Dread Doctors que aterrorizaram a cidade. Mas, ruim é pouco para descrever o trabalho de CGI da produção. A maquiagem que transformava Tyler Posey em lobisomem levava quatro horas para ficar pronta, e depois era injustiçada quando as animações entravam para acompanhar o personagem. 

Não o bastante, a série também se arriscava em querer elementos visuais difíceis, sendo que mal conseguia entregar os simplistas – como não pensar nos olhos falsamente brilhantes de Scott? Quanto mais assombrosos eram os inimigos do bando McCall, pior eram os efeitos que iam em tela. Entre os vilões que passaram pelos piores perrengues estão a versão alfa de Peter Hale (Ian Bohen) já na temporada de estreia, e a Besta de Gévaudan de Theo (Cody Christian) na 5ª temporada – comprovando que a frase “errando se aprende” não é para todo mundo.

Por falar em família, a história do primeiro amor de Scott foi também a do público: a lendária Allison Argent (Crystal Reed) nos encantou ao conseguir o que queria com seu arco e flecha em mãos. Ela era o ponto fora da curva de sua família caçadora de lobisomens, e o romance proibido com o protagonista deixava seu plot sobre herança familiar ainda mais empolgante. Quando Crystal decidiu seguir caminho em novos ares, seu arco foi fechado com chave de ouro na morte de Alisson em, talvez, uma das cenas mais marcantes da série, e que levou um pouquinho de nós junto.

Outra personagem a carregar relevância é Kira, papel de Arden Cho. Ela surge na terceira temporada e é a criatura sobrenatural Kitsune. O espírito de raposa que envolve a menina é baseado no folclore japonês, e descende da sua mãe, mostrando quão influenciadores são os legados culturais na formação de um jovem. A linda história de Kira acaba sendo deixada de lado no final da temporada cinco e, ao se despedir da série, a atriz comenta que a grande quantidade de narrativas não permitia que a sua pudesse continuar sendo desenvolvida. 

Todas as personagens femininas de Teen Wolf contam com um enredo pessoal cheio de independência e poder. Lydia Martin era a obsessão de Stiles e não à toa. Apesar de metida e mesquinha no início, o tempo mostrou que Holland e sua personagem nutriam um brilho sombrio. Sua inteligência era clara desde os primeiros episódios, e desabrochou quando se descobriu como criatura sobrenatural. Dona de um grito poderoso, a banshee foi peça chave e de relevância no bando, salvando os demais diversas vezes durante sua trajetória, além de participar da mais confusa e fofa história de amor.

Para além dos romances, o que tem força em Teen Wolf é o bromance entre Scott e Stiles. Juntos desde o início, a dupla não se afasta de jeito nenhum. A mãe de Scott usa, inclusive, um método “sem Stiles” para castigar o filho quando necessário – ela sabe que separar os amigos é a pior punição que pode lhe dar. Acontece que os meninos encontraram um no outro um ponto de paz no meio da complicada fase do Ensino Médio. E a relação que transbordou para fora das telas apenas enriqueceu a série. Dylan e Tyler se divertiam muito também fora das gravações, o que ajudava a construir cenas mais leves e naturais dos bros.

Dentro da vastidão de personagens que passaram na série, não tinha para mais ninguém: Stiles Stilinski sempre foi e sempre será o maior destaque de Teen Wolf. A combinação perfeita de comentários sarcásticos, passado triste e uma humanidade que mais ninguém tinha, fizeram-no ser o queridinho do público. Além da própria personalidade que conquistou nossos corações, sua relação com Scott, Lydia e o tão sonhado romance com o carrancudo Derek Hale (Tyler Hoechlin) fazem parte da atmosfera que acompanha a série no mundo de fora. 

São incontáveis os momentos icônicos do personagem, e não é exagero dizer que o seu vilão – o famoso Void Stiles– foi o maior e transformou a terceira temporada na melhor de todo o programa. Nela, o lado mais escuro e mítico de Teen Wolf tomou conta, exibindo um show de desempenho liderado por Stiles, que enfrentava a própria consciência ao jogar xadrez com um Nogitsune. Esse embate rendeu a melhor cena da série em que cara a cara, seu vilão treme até as veias saltadas do rosto para deixar claro que ninguém poderia o matar.

O mérito do sucesso dele vai, é claro, para o seu ator. O talento de Dylan O’Brien foi descoberto em Teen Wolf, ganhou destaque com seu perturbado ser sobrenatural e, desde então, nunca parou. Na sua longa lista de trabalhos como protagonistas estão grandes nomes do Cinema, como a adaptação em franquia de Maze Runner, o queridinho Amor e Monstros, disponível na Netflix, e até uma participação especial como o protagonista do curta de Taylor Swift para a sua canção All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version). 

O programa de Jeff Davis não viveu só de glórias, mas isso não o fez menos memorável. É incrivelmente reconfortante que problemas adolescentes ganhem dimensão para além da superficialidade, e expressem a construção de quem somos atrelado à fantasia. A trama traz os problemas escondidos no âmago da consciência, mesmo aqueles que assustam a nós mesmos, como passíveis de serem habituados ou superados se você tiver alguém incrível o suficiente para não esquecer de você. 

Depois de marcar uma geração, a série deixou saudades ao acabar em setembro de 2017. Quatro anos após seu final, Teen Wolf mantém sua presença relevante. Sentindo que já estava na hora de nos levar de volta a Beacon Hills, Tyler Posey foi o primeiro a divulgar ao mundo que seria um lobisomem novamente; então Jeff já voltou ao antigo set da série, ansioso para voltar a contar a história sombria do bando McCall, dessa vez em um filme. 

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Jho Brunhara

Over The Rainbow, I Will Survive, I’m Coming Out, True Colors, Express Yourself, Beautiful, Firework. Ao longo da história, a comunidade LGBTQIA+ encontrou nas músicas de grandes cantoras o conforto proporcionado por letras sobre esperança, libertação e expressão. Algumas dessas, com uma mensagem quase explícita sobre aceitação direcionada ao público queer, confirmada pelos clipes, onde tinham maior liberdade do que nas letras (que poderiam ser boicotadas pelas rádios). Quando Lady Gaga lançou a faixa Born This Way e colocou a canção para tocar no mundo todo, ela também estava transmitindo o trecho “Não importa se você é gay, hétero ou bi/Lésbica ou transgênero/Eu estou no caminho certo, baby/Eu nasci para sobreviver”.

Dez anos atrás, o mundo já estava avançando em algumas pautas relacionadas à comunidade LGBTQIA+, mas 2011 ainda era 2011. Para uma artista do calibre de Gaga, que estava no auge da carreira como fenômeno pop instantâneo, divertir o mundo com suas investidas bizarras do The Fame Monster era completamente diferente de fazer uma afirmação política tão direta. Mas a intenção deu certo, e, apesar da rejeição por parte de seu público herdado do sucesso de Just Dance, Poker Face e Bad Romance, a artista conseguiu respaldo para seguir com seu projeto mais ambicioso até então.

O disco Born This Way, diferentemente da faixa homônima, abandona o electropop convencional que a cantora ajudou a popularizar nos anos anteriores e cria diversas camadas que difundem a mensagem do LP: encontrar força nas singularidades e estranhezas. Seja através da estética noturna metálica, punk e rebelde; da sonoridade electropop com influências diretas do rock, metal, synthpop, techno e, até mesmo, ópera; da mitologia alienígena análoga ao dualismo cristão; ou das letras sobre identidade, sexualidade, religião e liberdade. Ao longo das faixas, Gaga funde elementos de sua própria história com a narrativa que apresenta ao ouvinte, e, desde Marry The Night, com seus sinos de igreja, convida todos aqueles que precisarem para uma oração.

Naquele momento, suas palavras eram direcionadas aos seus fãs. Para aqueles jovens LGBTQIA+ que não sentiam apoio em casa e buscavam a aceitação, Gaga ergueu uma igreja e abriu as portas para os que procuravam refúgio. Se ofereceu como a figura materna que não encontravam em suas famílias de verdade, e tentou escrever, com base em suas próprias vivências, o que acreditava que aquelas pessoas precisavam ouvir, para se sentirem amadas e livres, para se expressarem do jeito que quisessem. A mesma megalomania que transformou Stefani Germanotta em Lady Gaga fez nascer o Born This Way, enterrando qualquer iconoclastia, consolidando a artista como Mother Monster, e oferecendo um lugar seguro para seus seguidores.

POR DEUS E PELOS GAYS

Muito antes de Born This Way, Gaga (que é bissexual) já declarava seu apoio à comunidade LGBTQIA+, e participou de diversas ações contra a homofobia nos EUA. Sempre trabalhando ao lado de pessoas queer, a cantora usava de sua Haus para dar vida às criações desses artistas. Até mesmo em premiações, foram muitos os discursos em que Gaga agradeceu a “Deus e aos gays”. Foi, inclusive, ao aceitar o prêmio de Vídeo do Ano por Bad Romance, no VMA de 2010, que ela anunciou o álbum Born This Way. 

Utilizando o polêmico e controverso vestido de carne, Gaga usou do figurino para protestar contra o lema “Don’t ask, don’t tell”, revogado apenas em 2011. A política instaurada por Bill Clinton na década de 90 proibia que pessoas abertamente homossexuais ou bissexuais fizessem parte do exército estadunidense, e declarava um movimento de silenciamento com os que já eram militares, impedindo que os indivíduos “saíssem do armário”. Para a artista, que passou pelo tapete vermelho com dispensados do exército americano por sua sexualidade, a roupa feita de carne era um alerta para que as pessoas lutassem antes que tivessem “tantos direitos quanto carne em nossos ossos”.

O primeiro single da era, a faixa-título, saiu em meados de fevereiro de 2011. Com um clipe de mais de sete minutos, dava-se início a narrativa que acompanharia Born This Way até o fim dolorido e antecipado da turnê mundial. Dirigido pelo lendário Nick Knight, o vídeo introduziu a mitologia do álbum a partir do “Manifesto of Mother Monster”, um discurso sobre o nascimento de duas novas raças, uma representando o bem, sem qualquer preconceito, e uma representando o mal. Nesse novo mundo, chamado de G.O.A.T. (Government Owned Alien Territory, em tradução livre, Território Alienígena Comandado pelo Governo), Gaga imprimiu sua teatralidade genial de contar histórias.

A dicotomia do bem e do mal, por mais simples que seja, tinha exatamente a simplicidade como propósito de resgatar a dualidade cristã do céu e do inferno, dos puritanos e dos pecadores. Born This Way se apresenta como um distante apócrifo da Bíblia, com a figura da Mother Monster como uma líder religiosa futurista, e seus ensinamentos como uma tentativa de guiar uma geração que já enxergava em Lady Gaga a figura de um Messias (ou Anticristo) da revolução cultural. 

Não à toa a nova-iorquina se estabeleceu como um camaleão na cultura pop e viciou o mundo em sua identidade visual bizarra. Aqui, seu comprometimento com sua estética atingiu o ápice: Gaga queria se portar como uma alienígena social, desde as jaquetas punk, até a maquiagem pesada preta, roupas de látex e as próteses faciais imitando chifres. Tudo dentro da proposta do Born This Way, encorajar e celebrar o esquisito e o único, através da expressão rebelde contra a norma convencional.

Um ano mais tarde, em 2012, Gaga abriu ainda mais as suas asas, disposta a estabelecer uma conexão direta com os seus fãs. Numa época em que as redes sociais ainda não eram centralizadas nas mãos de Mark Zuckerberg, o site Little Monsters funcionava como um Facebook para os little monsters, seguidores da cantora. Com um milhão de usuários registrados em 2013, a Mother Monster usava o canal para falar diretamente com seus monstrinhos, que utilizavam do espaço para compartilhar memes, artes e desabafar, muitas vezes, sobre homofobia, depressão, ansiedade e, até mesmo, publicar cartas de suicídio. Ativa na plataforma, a artista interagia com os posts e escrevia mensagens para os autores, na tentativa de ajudá-los com os problemas internos e externos, e promover um espaço de apoio, assim como o propósito da Born This Way Foundation, criada por Gaga e sua mãe.

ME ENCONTRE NA CAPELA ELÉTRICA

Com o lançamento do disco, em maio de 2011, não restaram dúvidas do que aquele universo queria ser: uma homenagem à noite e tudo que ela representa para as pessoas LGBTQIA+, que, historicamente, encontraram refúgio sob a luz da lua e na liberdade das boates. Combinar letras sobre sexualidade, identidade, feminismo, pecado, moda, esperança, medo e glória parece uma colcha de retalhos, mas Gaga costura com uma linha metálica e estampa sua jaqueta de couro personalizada com strass e spikes.

Assim como o caos da juventude, Born This Way é um caldeirão de sentimentos sobre quem ser e como se expressar. Como na faixa Hair, em que a artista conversa diretamente com sua adolescência e discursa a favor da singularidade de cada um, que, muitas vezes, encontra o escape através das roupas e do cabelo. “Eu só quero ser eu mesma e quero que vocês me amem por quem eu sou”, canta para seus pais.

A sonoridade dançante do álbum, já utilizada desde antes pela nova-iorquina, é alinhada com o que o gênero pop sempre representou para a comunidade queer, que utilizavam das boates como um espaço de expressão e libertação. “Reze por seus pecados embaixo do globo espelhado da discoteca”. Gaga canta em Electric Chapel, afirmando que o espaço seguro para a purificação dos medos e inseguranças é na pista de dança da Capela Elétrica, onde cada um pode ser quem quiser.

O profano, associado com a liberdade sexual, de gênero e da forma de se expressar, aqui, é subvertido como um ato glorioso, seja com Bloody Mary (uma de suas melhores letras), Heavy Metal Lover (talvez a melhor música da carreira), ou Scheiße (o hino feminista de Gaga que, infelizmente, não foi single). Embalado em um techno gótico, a artista coproduz o disco ao lado de Fernando Garibay, DJ White Shadow e RedOne, e consegue transparecer as intenções do LP através da diversidade de sons, modulações vocais e temas, e, ainda assim, encontrar uma linha para fazer com que aquelas canções pareçam pertencer ao Born This Way e nenhum outro álbum.

Os clipes também ajudam a construir o universo criado pela Mãe Monstro, como a já citada incubadora da raça alienígena sem preconceitos da faixa-título. Judas coloca Gaga como Maria Madalena e reconta o apócrifo bíblico de sua relação com Jesus, em uma analogia ao amor proibido, dualismo entre o bem e o mal, e a má interpretação da figura feminina, subvertendo as ferramentas opressoras da religião. The Edge of Glory evoca a energia de I Will Survive e coloca a cantora para dançar vestida com strass e spikes por uma Nova York iluminada por luzes rosas e roxas (quer algo mais gay que isso?). Em Yoü and I, Gaga apresentou ao mundo seu alter ego drag king, Jo Calderone, que chegou até mesmo a performar no VMA de 2011.

Marry the Night, último single da era, é uma síntese do Born This Way. O curta-metragem, dirigido pela própria artista, reconta sua trajetória antes do início da carreira e cola todas as peças que constituem o álbum. Em entrevista, a nova-iorquina compartilhou relatos sobre abusos sexuais que sofreu quando tinha 19 anos, e, aparentemente, Gaga usou de sua arte para reinterpretar esses eventos no clipe. Esse, que é um dos trabalhos mais pessoais da carreira, e se mostra ainda mais significativo agora, por dividir seus traumas com o mundo para se curar, sonhar com um futuro melhor, e inspirar vítimas de violência a buscar forças e não desistir de viver.

BORN THIS WAY BALL TOUR

Debaixo de holofotes pesados e enfrentando um frio de quase 10 graus negativos, Gaga fez um dos shows mais importantes de sua carreira na noite de 12 de dezembro de 2012, em Moscou, na Rússia. Sob ameaças de ser processada e presa por propaganda gay, a artista, mesmo assim, levou a Born This Way Ball Tour para o gélido país do leste europeu, onde é crime desde o início dos anos 2010 fazer qualquer menção pública pró-pessoas LGBTQIA+. Isso não impediu ela de transmitir a mensagem principal de seu trabalho. Do fundo dos pulmões, a artista e ativista gritou noite adentro, para um estádio lotado, palavras de ordem contra o governo russo: “Eu acredito que tanto homens quanto mulheres merecem amar uns aos outros igualmente. Me prendam, Rússia!”. 

Para promover o disco e levar sua mensagem de aceitação e luta, Gaga saiu em turnê mundial e passou por seis continentes. Expandindo a história contada no clipe de Born This Way, o show deu vida ao universo de G.O.A.T., por meio de um palco em formato de castelo medieval e uma narrativa regada de teatralidade. Foi criada uma área especial na frente da pista premium reservada aos fãs que chegassem mais cedo (chamada de The Monster Pit), que também possibilitava a chance de alguns serem selecionados para conhecer a cantora nos bastidores, de graça.

Todos os elementos da tour foram pensados como uma experiência completa para os espectadores se sentirem integrados na mitologia do Born This Way, materializando o culto que Gaga construiu a cada noite de apresentação. O espetáculo teatral mostrou que a grandiloquência da artista não conhece limites, e, além do gigantesco castelo interativo colorido por diferentes jogos de luz, a mente da Haus colocou no palco seu melhor. Um cavalo mecânico, uma vagina gigante, manequins sobre rodinhas controlados a distância, uma moto em que Gaga deitava em cima e se transformava no híbrido da capa do disco para passear pelo palco, um sofá de carne (de mentira, dessa vez), um rosto suspenso em uma caixa de vidro que conversava com o público, e a lista vai longe.

A Born This Way Ball Tour marca, também, a última vez, até agora, que Gaga performou no Brasil. Passando por três cidades brasileiras em novembro de 2012 (Rio de Janeiro, São Paulo e Porto Alegre), a artista encontrou o maior público na capital paulista, se apresentando para mais de 52 mil pessoas, no Morumbi. Assim como nos outros shows da turnê, alguns fãs brasileiros foram convidados para sentar com Gaga no seu piano-motocicleta, e, no Rio, a artista chegou até mesmo a chorar enquanto conversava com o público. O Rock in Rio pode ter traumatizado os monstrinhos do Brasil, mas a Mãe Monstro, com certeza, leva lembranças inesquecíveis de quando esteve no país, tão eternizadas quanto a tatuagem em sua nuca.

A dedicação sem descanso da performer para com a turnê encerrou a BTWBT com um fim trágico: depois da apresentação em Montreal no dia 11 de fevereiro de 2013, Gaga revelou que estava com uma fratura no quadril desde dezembro, se agravando ao ponto que ela não conseguia mais andar. Todas as datas seguintes foram canceladas para que a artista pudesse passar por cirurgia e iniciar o tratamento.

THIS ALBUM IS FOR Ü

Esse álbum é para vocês. Quando se abre o encarte da versão física do Born This Way, essa é a primeira mensagem que se lê. Declarando um disco inteiro para os fãs, Gaga colheu os frutos de criar uma rede de apoio para seus seguidores, e consolidou o suporte incondicional de seus monstrinhos. Ela sempre soube que, para enfrentar o mundo real, é necessário uma jaqueta de couro simbólica para se proteger da rejeição quando se é diferente.

Em uma nota pessoal, o Born This Way é, provavelmente, o álbum mais importante da minha vida. Aos 11 anos, ouvir de alguém que eu admirava que estava tudo bem ser eu mesmo e que havia beleza no que me fazia diferente dos outros, me deu força para não ceder à autodestruição causada pela homofobia e a pressão de não se encaixar na heteronormatividade. Me fez conhecer outras pessoas que estavam passando pelas mesmas coisas que eu e também encontraram conforto na mensagem do disco, como um dos meus melhores amigos até hoje. Me fez viver um dos dias mais felizes da minha vida no show da turnê em São Paulo. Me fez perceber que eu não estava sozinho, e que poderíamos ajudar uns aos outros.

Born This Way é sim um projeto pensado para os little monsters, mas, antes disso, é um excelente disco pop, impecável em sua construção sonora e estética, e que vai envelhecer como um dos melhores trabalhos de Gaga, se não o melhor. Divisor de águas na carreira, polêmico e arriscado, mas gigantesco em sua ambição e proposta. A igreja de Lady Gaga agora se coordena sozinha, e aqueles jovens de 2011, que ainda carregam o suporte que o álbum possibilitou a eles, encontraram um mundo um pouco mais fácil de sobreviver. É como fechar os olhos e sentir a jaqueta de couro invisível sobre meus ombros.

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Vitória Silva

Não é de hoje que a atribuição de que as comédias têm a obrigação moral de nos fazer rir caiu por terra. Diante dessa sentença, podemos citar inúmeros exemplos de produções que ultrapassam tanto o espectro do riso quanto o do choro, caminhando desde a britânica viciada em sexo até o americano bigodudo que vira treinador de um time da Inglaterra. E, se nem a essas produções é convencionado mais esse papel, quem dirá a um dos personagens principais quando o assunto é provocar riso. 

Depois de Coringa, a velha história do palhaço infeliz que provoca alegria apenas no público se tornou mais do que batida, talvez até ultrapassada e irremediavelmente rasa. Mas, anos antes da produção de Todd Phillips, o ator Selton Mello trouxe uma fábula semelhante para as telonas. Pela segunda vez no posto de diretor de um longa, ele aproxima essa narrativa conhecida de forma imensurável, não apenas por decidir ambientá-la no estado de Minas Gerais, mas por dar luz a um caminho profundo sobre o próprio eu, originando uma produção que não poderia ter outro nome se não O Palhaço. 

Lançada em 2011, a narrativa acompanha o cotidiano do elenco do Circo Esperança. Entre músicos, malabaristas e mágicos, há como figura central e de grande destaque a dupla de palhaços Puro Sangue e Pangaré, que por acaso também são pai e filho. Por trás das cortinas, assumem a identidade de Valdemar (Paulo José) e Benjamin (Selton Mello), o primeiro também sendo o dono do circo. Na outra mão, o personagem de Mello é responsável por cuidar de todas as burocracias envolvendo alvarás, pagamentos e até sutiãs arrebentados de integrantes do espetáculo. 

Vivendo não apenas pelo riso do público, o protagonista também existe pela satisfação de seus colegas próximos, enquanto não possui o seu próprio autocontentamento. Aliás, não é digno de ter ao menos uma identidade, sendo obrigado a carregar uma certidão de nascimento acabada para se provar. Somado ao nomadismo da rotina circense, Benjamin não herda nem mesmo um endereço fixo, e, assim, seu lugar no mundo. E nessa simbologia que nasce a crise existencial que conduz o que poderíamos chamar de Coringa brasileiro – isso se Daniel Rezende não tivesse representado um paralelo com tanta maestria não muito tempo depois. 

Os demais personagens do Circo não recebem a devida profundidade ao longo da trama, servindo apenas como alívio cômico dessa dramédia, o que aqui se faz mais do que necessário. Seus arcos são muito bem posicionados para ilustrar a forma como a vida de Benjamin é condicionada a eles, especialmente à figura do pai, com a ideia de ter como papel social seguir a profissão do mesmo. Ao passo que até o próprio protagonista não tem uma complexidade sobre sua história pessoal, numa perfeita representação do esvaziamento de sua identidade. 

Embalado em sua própria melancolia, Selton Mello conquista o papel da sua carreira em O Palhaço, em frente e por trás das câmeras. Nascido e criado no meio artístico, o roteiro, coescrito por Marcelo Vindicatto, apoia-se num sarcasmo escancarado, que já fizera o ator ganhar risos do público em vários trabalhos anteriores. A estética agradável e simétrica dos cenários da obra, enlaçada com personagens pra lá de caricatos, seria digna de receber o título de um filme de Wes Anderson à brasileira, se é que o estadunidense teria a capacidade de dar origem a uma produção tão poética quanto essa. 

Em meio a essa atmosfera meio Moonrise Kingdom, Benjamin se vê como um peão isolado na rotina do seu trabalho, que acaba por ser a mesma da sua casa. Desmotivado e destoando dos demais colegas, parte em uma jornada de autoconhecimento e o encontro da sua motivação, que ele mesmo não faz ideia do que pode ser. Ironicamente, o palhaço viaja para Passos para encontrar seu objetivo, que acaba por ser a mesma cidade de origem do ator que o interpreta, numa espécie de metáfora sobre a sua própria vida.

A conquista da liberdade individual e finalmente sua identidade (material e pessoal) parecem ser o início da satisfação completa de Benjamin, mas acabam por tomar o rumo oposto. O automatismo de seu trabalho unido a uma frustração amorosa apenas aprofundam a crise do personagem de Selton Mello, que se vê cada vez mais enclausurado em seu marasmo particular. A necessidade de explorar o mundo fora da bolha circense em que vivia não se torna uma viagem desperdiçada, e sim uma parte essencial para se encontrar.

A descoberta de sua individualidade também é transferida ao ventilador, que se torna um grande componente da narrativa. Em uma crítica subliminar ao sistema capitalista, o roteiro escancara a necessidade que criamos em ter objetos materiais como frutos de conquista em nossas vidas, além da liquidez e razoabilidade das relações modernas, ao ponto de que o mundo das artes torna-se uma redoma de escape da realidade fria e monótona.

10 anos depois, O Palhaço continua sendo um passeio necessário sobre autoconhecimento. A dignificação diretamente relacionada ao trabalho e as expectativas criadas pela sociedade, cada vez mais potencializados nos tempos modernos, tornam o filme de Selton Mello uma obra atemporal. Não há cargo, diploma ou medalha que traga satisfação maior do que a beleza de encontrarmos nosso lugar no mundo, aquilo que sabemos e queremos fazer. 

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Bruno Andrade

É comum ouvir dizer que Alex Turner interpreta um personagem diferente em cada álbum, e que isso pode ser visto de forma mais visceral em Tranquility Base Hotel & Casino (2018) – o mais recente trabalho do Arctic Monkeys –, no qual ele realmente transforma-se em uma persona. Mas em Suck It and See, quarto álbum de estúdio do grupo, que completou 10 anos em junho deste ano, não é somente Turner que assume uma nova identidade. No disco, o quarteto inglês assumiu a influência do rock estadunidense – principalmente dos anos 1960 –, e deixou transcorrer por todas as faixas suas referências, dando ao projeto um ar de álbum conceitual. 

O que consolidou o grupo e os alçou às paradas de sucesso é visível desde os primeiros discos, porém ganha um enfoque gradual em Suck It and See: as letras ágeis de Alex Turner, a cozinha muito bem trabalhada de Matt Helders (bateria) e Nick O’Malley (baixo), e a guitarra espalhafatosa de Jamie Cook. Gravado no icônico estúdio Sound City, famoso pelo lançamento de Nevermind (1991) do Nirvana, e produzido por James Ford – parceiro de Turner e Miles Kane em The Last Shadow Puppets –, o álbum dá voz ao estilo provocativo, colocando no centro das interpretações a própria irreverência, cuja capa do projeto também reivindica esse tipo de insolência. 

Apesar do título ser uma provocação mal interpretada, algo que soaria como “dê uma chance” ou “tente algo novo” na gíria inglesa (e não o que a tradução literal pode sugerir), não deixa de ser uma polêmica premedita. O simples escrito Suck It and See em um fundo creme levou o disco a ser censurado em algumas lojas de departamentos nos Estados Unidos – “lojas das grandes”, segundo Alex Turner –, sendo coberto com uma faixa preta.

O fato é que o Arctic Monkeys cresceu rápido demais. Seu álbum de estreia, o prolixo Whatever People Say I Am, That’s What I Am Not (2006), chegou ao topo das paradas como uma avalanche, sendo, até hoje, o disco estreante mais vendido da história do Reino Unido – título que o Oasis carregava anteriormente, com Definitely Maybe (1994). Posteriormente, com Favourite Worst Nightmare (2007), clássicos como Fluorescent Adolescent e Do Me a Favour surgiram, já apontando para o lado mais sentimental que encontramos nas letras mais à frente.

Porém, desde 2009, com o lançamento de Humbug, a banda deixou as versões rápidas e passou a apostar em canções mais lentas e expansivas, e nem por isso menos ruidosas. Além de parecer a trilha sonora de um conto de Edgar Allan Poe, Humbug também marcou o início da colaboração de Josh Homme, do Queens of the Stone Age – uma das principais influências dos Monkeys – nos trabalhos do grupo. Todavia, Suck It and See aposta em algumas canções mais psicodélicas, com ecos de guitarra se encontrando ao fundo, com uma boa dose de humor sombrio. 

É o caso, por exemplo, de The Hellcat Spangled Shalalala, canção que, mesmo com um refrão inventado – “shalalala” –, consegue nos manter imersos em sua sonoridade desde o começo. Também é interessante contrapor as músicas I Bet You Look Good on the Dancefloor, do álbum de estreia, com a canção That’s Where You’re Wrong. Além do fato de serem, possivelmente, duas das melhores canções dos respectivos álbuns, elas são, essencialmente, faixas que mantém uma espécie de ruído de guitarra; entretanto, enquanto a primeira está mais próxima de versões pesadas de Black Sabbath, a segunda aproxima-se do ruído melódico, e não do caos total. Há uma expansão, ocasionada pelas notas soltas da guitarra base de Cook, elevando a música a um tom mais espiritual do que pesado.

Outra alusão que dá sustentação a ideia de um álbum conceitual são as referências do disco aos filmes de faroeste norte-americanos, declaradas pelo próprio Alex Turner, cujas insinuações perpassam, inclusive, os videoclipes de algumas músicas (todos protagonizados pelo baterista Matt Helders). Os clipes de Black Treacle, Suck It and See e de sua canção b-side, Evil Twin, formam uma trilogia, na qual Helders dá vida a um motoqueiro estadunidense, procurado pela polícia após fugir da prisão. 

Curiosamente, o primeiro single lançado para o projeto foi Brick By Brick, faixa cantada inteiramente pelo próprio Helders. Como primeiro contato do público com a obra, esse fato incomum deixou em evidência que este não seria um álbum para provar nada a ninguém – a não ser para os próprios integrantes, que deixaram o CD repleto de piadas internas ao longo de suas 12 canções.

Outra influência silenciosa no disco é Nick Cave & The Bad Seeds, uma espécie de aura que caminha pela sonoridade específica de Suck It and See. O próprio Nick Cave, mesmo sendo australiano, carrega a forte influência do rock estadunidense, principalmente Lou Reed e Iggy Pop. É verdade que os membros do Arctic Monkeys vieram de um subúrbio de Sheffield, na Inglaterra. Porém, neste álbum, essas características transformam o disco dos ingleses em uma bela peça de rock referencial aos anos 1960, visível em canções como All My Own Stunts, que ecoa um misto de The Velvet Underground e Johnny Cash desde o início. 

Também é curioso saber que, 10 anos depois, Suck It and See segue como um dos álbuns menos vendidos do grupo, pelo menos em números absolutos. Quando se emplaca um recorde logo na estreia, desbancando os gigantes do Oasis, naturalmente cria-se um nível muito alto a ser batido. Mas esse disco em específico parece dialogar com muitas questões pertinentes na indústria musical, como, por exemplo, a soberania de canções provenientes dos Estados Unidos no topo das paradas e premiações.

Essa parece ser a gênese de toda a sátira interessante que o grupo expôs no álbum. No próprio clipe de Evil Twin, em seus segundos iniciais, Matt Helders desfila com uma camiseta do Arctic Monkeys que carrega a bandeira dos EUA. O título e a censura que o disco recebeu no país também apontam para esse dialogismo, pois, mesmo sendo a mesma língua, pequenas nuances e gírias não compreendidas colocam em evidência que não há somente um predomínio da cultura de língua inglesa, mas da cultura estadunidense, especificamente.

De qualquer forma, sendo o melhor álbum do grupo ou não, Suck It and See marca o amadurecimento de seus quatro integrantes, trazendo um projeto mais coeso e entrosado entre voz e instrumentos, sem a típica sobreposição ruidosa de alguns singles que marcaram seus anos de formação. No fim, é por isso que soa como um álbum conceitual: trata-se de uma enorme piada do que aconteceria se o Arctic Monkeys fosse uma banda de rock estadunidense.

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Nathália Mendes

10 anos atrás, em setembro de 2011, estreava Revenge, um dos maiores sucessos que a ABC já transmitira. Nem o próprio canal tinha noção de que a novela de vingança de sua querida Emily Thorne (Emily VanCamp), vulgo Amanda Clarke, teria a audiência de dez milhões de espectadores logo na primeira temporada. Sua história, de fato, possui um apelo popular viciante e prazeroso. Enquanto a protagonista e seu companheiro Nolan Ross (Gabriel Mann) arquitetavam a ruína dos responsáveis por destruir seu pai, estávamos em volta da TV por 4 temporadas para saborear o gostinho de destruição que a poderosa, e podre de rica, família Grayson merecia.

O dramalhão que Mike Kelley criou em sua série tinha tudo e mais um pouco: reviravoltas mexicanas, mocinhos e vilões, traição, briga, festas chiquérrimas, planos infalíveis, a Madeleine Stowe como rainha dos ricos, e uma trama meia boca inegavelmente viciante. Seu pouco aprofundamento garantia a raiva e o entretenimento que precisavam, pois mais importante que isso era resgatar a dúbia justiça do clássico O Conde de Monte Cristo. A história de Amanda Clarke contra os ricos de Hamptons se assemelhava a um bolo de aniversário cujos acontecimentos – completamente improváveis – eram as saborosas camadas de chantilly, e, o guilty pleasure, a cereja no topo.

A trama de Revenge é um tanto quanto improvável: Amanda era uma criança quando seu pai, David Clarke (James Tupper), foi preso, um terrorista culpado pela queda de um avião que matou quase 300 pessoas. Antes de morrer na cadeia, David deixa uma herança bilionária na empresa de tecnologia de Nolan para ela, além de uma caixa em que conta os segredos de sua história – incluindo cada pessoa que participou da armação contra ele. Encabeçando-a está a família Grayson, cuja matriarca Victoria (a própria e brilhante Madeleine Stowe) era o amor de David, e a lembrança fervorosa para Amanda da mulher que traiu seu pai.

Buscando vingança, destruição e caos, a protagonista se torna Emily ao trocar de identidade durante o reformatório, e assim traça seu caminho até a mansão mais cara do bairro mais caro de Nova York para pegar Victoria onde dói mais: o coração do filho Daniel (Josh Bowman). Entre arapucas, segredos, sorrisos falsos e irresistíveis para o jovem Grayson, observamos o império desabar da varanda da casa Clarke. Se entranhando no meio dos poderosos, a série disseca muito bem o desenvolvimento dela frente a um buraco sem fundo de crimes que chegam até a surpreendê-la.

As bases de Revenge não se ancoram em personagens maus demais, na verdade, as mortes dramáticas e avassaladoras, ou as pequenas cenas de pancadaria, são simplistas e não mostram a violência de que quem manda é capaz. Mas não há como negar que a série sempre conseguiu ilustrar a sujeira que os endinheirados escondem debaixo do tapete. Amanda quer justamente revelá-la, e através de suas nítidas razões, Kelley pergunta aos espectadores se compreendem a linha tênue entre justiça e vingança. Afinal, todos sentimos prazer em ver pessoas acima da lei pagarem, certo?

Falar da série é pautar primordialmente sua primeira temporada, pois essa foi o apogeu. A obsessão da protagonista se torna a nossa, conforme Kelley navega pelos atos sujos, corruptos e imorais que aconteciam dentro de casas revestidas de ouro. No decorrer dos demais volumes, as surpresas no estilo A Usurpadora são os únicos momentos de glória que salvam a narrativa até o final. Mesmo que diversas pessoas ruins caiam, o diretor acerta em mirar alto para explicar o crime que condenou David, e mostrar que grandes empresas estão jogando com o sangue de pessoas com as quais não se importam para ganhar dinheiro.

Essas mesmas tramoias envolvem Victoria e, até o fim, Madeleine é estonteante em dar camadas para a rainha do Hamptons, equilibrando uma balança do bem versus mal, e ainda escondendo tudo sob um rosto frio, implacável. Também nos conectamos com ela ao conhecer sua história e passado traumático, bem como tudo o que engoliu para se manter ao lado de Conrad Grayson (Henry Czerny) e de poder nas mãos. Então, novamente o espectador precisa se perguntar sobre o próprio senso de justiça e vingança. O jogo de poder que ela e Emily possuem é delicioso de assistir, ao mesmo tempo que a rixa entre duas fortes mulheres se torna insuportável e indigerível na temporada final.

“Essa não é uma história sobre perdão”, diz a protagonista nos primeiros segundos do episódio piloto. No entanto, ao longo de sua trajetória, perdoar a vida por tê-la feito sofrer tanto é justamente o objetivo de Amanda, mesmo que ela não queira admitir. A primeira vez que essa característica fica nítida é quando ela se prende a um triângulo amoroso entre Daniel e seu amor de infância Jack Porter (Nick Wechsler). Outros amores vêm e vão, assim como decepções, descobertas e mortes, tudo que enraíza Emily e Amanda como suas duas metades da mesma moeda.

Mesmo que ela deseje sua vingança acima de tudo, aos poucos sua personagem se desenvolve, mostrando as caras da fragilidade, se conectando com o próprio passado e qual futuro gostaria. Após derrubar todas as pessoas que desejava, Emily não consegue mais voltar para a Amanda que vivia escondida dentro de si, pois seu caminho de punição também a tornou sozinha. Ela machucou as poucas pessoas que haviam restado em sua vida ou as perderam em prol de um objetivo rancoroso, o que resultou em uma protagonista dilacerada ao final.

Por todos esses fatores, acompanhamos o caminho que ela percorre com um nó na garganta. É natural desejarmos assiduamente a destruição de pessoas que possuem mais do que deveriam, mas ao mesmo tempo, queremos que as dores de Amanda se tornem hematomas curados, e ela alcance um resquício de felicidade. O vício pela série mora exatamente na personagem que está 3 passos à frente dos próprios espectadores, briga consigo mesma sobre os sentimentos que lhe restam e recebe um mínimo alívio em seu desfecho.

Perdendo o brilho novelístico que possuía em seu começo, o desenrolar de Revenge desde a segunda temporada teve um gosto amargo ao ser engolido. Sua series finale foi a pior de todas com a volta de David – sim, ele estava vivíssimo – que só retornou para babar ovo de Victoria Grayson e depois morrer (novamente). As reviravoltas apelativas, mortes frustrantes de personagens e o enredo repetitivo assassinaram a pequena complexidade que a série havia conquistado. Ao final, permanece a saudade das armações da perspicaz protagonista contra os ricaços.

O fim chegou em maio de 2015, arrastado pelo desejo desesperado da ABC em dar mais temporadas do que deveria e com queda pela metade de sua audiência. Outras poucas séries terminam com a tentativa da protagonista que sofreu nas mãos de outras pessoas em ser feliz com seu amor de infância, mas esse foi o caso. Ao lado de Jack, assumindo seu verdadeiro eu, esse é o fim insosso de Kelley. Infelizmente, ignorou-se o fato de que havia ali uma história legítima de vingança, e nem toda a ingenuidade do mundo transformaria Amanda Clarke na menina que corria pela praia com seu golden retriever Sammy novamente.

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Giovani Zuccon

No dia 17 de abril de 2011, a HBO exibiu o primeiro episódio de Game of Thrones, dando início a um dos maiores marcos da cultura pop da década passada. A experiência de acompanhar a série durante o lançamento de seus capítulos, e até mesmo a decepção do final, pode ser comparada à de assistir Lost, a todo momento um cérebro explodindo e um olhar desesperado de “e agora?”. 

Todo encerramento de temporada deixou aquela expectativa pelo que viria em seguida, e era fácil encontrar as mais variadas teorias na internet. A série comandada pelos showrunners David Benioff e D.B. Weiss contou com um elenco misto de jovens talentos e atores renomados como Sean Bean, Lena Headey e Peter Dinklage (este último sendo um dos grandes destaques da série), juntamente de caras novas como Kit Harington, Emilia Clarke, Sophie Turner e Maisie Williams que roubaram a cena e marcaram seus nomes entre os grandes. 

Infelizmente, não foi, e este é apenas um dos vários problemas do último ano da produção. Ainda assim, é impossível não reconhecer os inúmeros méritos de Game of Thrones: se trata do maior vencedor de Emmy Awards da história, com incríveis 160 indicações e 59 vitórias, inúmeras citações em outras séries, abertura especial em The Simpsons e, claro, a própria inesquecível sequência inicial que coloco todas minhas fichas que já foi a mais recriada e parodiada de todas.

Existe a produção televisiva antes e após Game of Thrones. Sem contar sua influência em outras séries como Vikings, The Last Kingdom e recentemente The Witcher. O nível de desenvolvimento e produção foi quase irretocável durante os oito anos de serialização, e olhar para Westeros era se sentir na maioria das vezes sujo e enojado. Ao contrário de Harry Potter e outras produções fantasiosas, você não queria estar lá. 

Cada pequeno acontecimento que, às vezes, passava despercebido, poderia desencadear uma morte inesperada. Você está sentado, assistindo a série de Ned Stark, pensa que está tudo bem e que ele vai ser o herói dessa história, e, de uma cena para outra, não só Ned, mas você também perde sua cabeça e fica incrédulo. 

O chamativo da série é o fato de não haver em si um herói e um vilão. Em sua grande maioria, os personagens têm arcos onde são completos babacas ou se tornam. Em alguns momentos agem de forma correta, mas, em geral, movidos pelo ego e por ambições, cometem ações maldosas. Grande exemplo é o de Sandor Clegane (Rory McCann), que cuidou de Arya Stark (Maisie Williams) e demonstrou ser mais que um brutamontes mal encarado, mas, ainda assim, só fez isso por dinheiro e, no fim, leva uma das maiores surras da série de Brienne (Gwendoline Christie), que havia jurado sua espada para a proteção das irmãs Stark.

Talvez, só pela citação ao nome, já é possível ouvir o violino ao fundo, e nada preparou os espectadores para uma das maiores reviravoltas já vistas na série. Robb Stark (Richard Madden), que naquele momento era o Rei e comandante da revolta nortenha, foi assassinado, juntamente de sua esposa grávida e sua mãe Catelyn (Michelle Fairley). Assim, mais dois personagens importantes morriam, sem mais nem menos, em uma cena que visualmente choca por ter uma construção de tensão gradual e desesperadora.

Nem só de momentos que nos desesperamos por nossos personagens preferidos é feito Game of Thrones. Às vezes, aquele odiado pelo público se dá mal, como foi o caso de Joffrey Baratheon (Jack Gleeson) morrendo envenenado; Tywin Lannister (Charles Dance) sendo pego com as calças na mão; e Mindinho (Aidan Gillen) que tentou até o fim manipular e orquestrar a seu favor, mas tinha metido o dedo na relação das irmãs erradas. 

Mas, nenhum momento se compara em níveis de produção e execução com a Batalha dos Bastardos, o esperado momento em que os Stark recuperariam sua casa e chutariam a bunda de Ramsay Bolton (Iwan Rheon). O nível técnico foi digno de Cinema. A tensão e o sufoco quando Jon Snow (Kit Harington) foi derrubado e pisoteado, cada detalhe fazia prender a respiração e quando tudo parecia perdido, com toques de Senhor dos Anéis: As Duas Torres, a cavalaria aliada chega salvando uma batalha perdida. Infelizmente, nessa temporada a série chegava em seu ápice, como uma queda bem acentuada dali em diante.   

A oitava e última temporada chegou com várias pontas soltas para serem explicadas, além da expectativa pelo embate final contra o exército de mortos do Rei da Noite (Richard Brake nas temporadas 4 e 5; Vladimir Furdik nas temporadas 6 á 8). O teaser lançado com vários cenários sendo tomados por neve e com aspecto gélido gerou uma ansiedade imensa em qualquer fã. Era o clímax, o fim de uma jornada épica que infelizmente não atingiu metade de seu potencial. 

O enredo apresentado foi cheio de furos e momentos que mais serviam para agradar fãs, o famoso fan service, mas não foi o suficiente para maquiar as falhas. No fim, várias pontas ficaram em aberto, e revelações como quem eram os pais de Jon Snow foram apenas jogadas e mal utilizadas, perdendo espaço para uma cena de tour aéreo do casal Jon e Daenerys pelo Norte.

Não apenas os fãs se decepcionaram com o fim da série, mas seu elenco também demonstrou insatisfação. Como não lembrar da reação de Emilia Clarke quando perguntada se havia gostado do final de seu personagem? Ou de Kit Harington descrevendo a última temporada como decepcionante? 

Tudo que dava a Game of Thrones singularidade foi jogado fora. Nada de mortes inesperadas e surpreendentes de grandes personagens, talvez por falta de coragem ou apenas por uma escrita preguiçosa, e a grande tentativa de surpreender com quem salvaria Westeros do exército de Caminhantes Brancos jogou fora praticamente o trabalho de desenvolvimento de quatro temporadas. No apagar das luzes, o questionamento que ficou é se vale a pena uma ótima viagem com um péssimo destino.

Felizmente, para os que se sentem órfãos de Game of Thrones, mais produções do universo estão engatilhadas e prometem contar mais sobre as histórias de Westeros no passado. House of the Dragon deve mostrar as tramas da família Targaryen e sua chegada ao continente, atualmente planejada para estrear em 2022. Talvez aprendendo com os erros de seu predecessor tenhamos a mesma sensação das temporadas iniciais de Game of Thrones mais uma vez. A frase mais famosa da série vai ter que ser atualizada,  o inverno está chegando abre espaço para os dragões estão chegando!

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Ana Júlia Trevisan

Partir para outro trabalho após uma grandiosa, desafiadora e bem sucedida turnê pode ser uma tarefa dificílima, e Maria Rita sabe muito bem disso. O fim do Samba Meu assombrava as noites de sono da cantora mesmo antes do show de encerramento acontecer. A saída para o problema seriam seis meses de merecidas férias, mas, retomando, estamos falando de MR, rata de palco, e por mais doloroso que o desligamento com o projeto anterior fosse, até os menos céticos desconfiavam que ela aguentaria esse período sem produção. 

Um show sem nome. Uma mini-turnê para a Europa. Quatro shows em São Paulo (que foram se multiplicando semana após semana). A necessidade de se desarmar das expectativas da crítica, do público e de si mesma. É assim que nasce Elo. O último álbum de Maria Rita pela gravadora Warner é complexo em sua simplicidade, e é dessa dualidade, guiada pelo piano do Tiago Costa, baixo do Sylvinho Mazzuca e bateria do Cuca Teixeira, que parte sua beleza.

Aqui, a intenção de Maria Rita é única e exclusivamente o canto. A artista abriu a caixinha de desejos dos amantes de sua Arte e deu voz a clássicos e inéditas que seu público e sua alma pediam. É na despretensão de amarrar as músicas que o faixa a faixa floresce. O tato de Maria Rita é natural de quem vive a Música desde o útero da mãe, e Elo, além de presentear os fãs, comprova a máxima da filha de Elis Regina, trazendo uma narrativa em suas entrelinhas.

Vem desabençoar essa tristeza intrusa

Muito antes de se firmarem em Amor e Música, as crenças de Maria timidamente marcavam presença pela discografia da cantora. Conceição Dos Coqueiros e Santana, além de abrirem o disco, foram as duas primeiras músicas a entrarem no repertório, ressaltando a potência vocal de Maria Rita e conectando a cantora com o sagrado. 

Diferente da calorosa versão Santana cantada por Gal Costa, Maria Rita respeitosamente se curva ao hierático. A bateria de Cuca ganha espaço na canção, que combinada com a fluente dicção da cantora, cadencia e fortalece a letra. Já Conceição Dos Coqueiros, que teve direito a uma emoção indescritível, nó na garganta e tudo mais que acompanha quando ouvida pela primeira vez por Maria, foi transpassada com seu instrumental crescente, que valoriza cada verso Lula Queiroga, Alexandre Bicudo e Lulu Oliveira.

Calor que provoca arrepio 

O credo de Maria desemboca nas águas do mar. Aqui, a cantora cria uma sequência no disco, que contempla Coração a Batucar, Menino do Rio e Pra Matar Meu Coração. Nessa altura do álbum, Maria Rita permite que o calor de um ambiente turístico praiano dominem as sensações. Coração a Batucar, quarta faixa do disco, dá o primeiro espaço ao Samba dentro do Elo. Já as outras, por serem mais ardentes, dão um novo compasso à setlist. Em Menino do Rio, Maria Rita soa mais concentrada nos graves, e em Pra Matar Meu Coração, a cantora fecha a trinca, aproveitando a temática desamorosa e preparando o terreno para as músicas que estão por vir. 

A lista de compositores das respectivas canções vai de Davi Moraes, Álvaro Lancellotti a Pedro Baby e Caetano Veloso. A sequência praiana do disco emaranha a assinatura da cantora com grandes inspirações de sua juventude, como a dupla dinâmica Baby do Brasil e Pepeu Gomes. Maria faz o trabalho completo, provocando encantamento com novas músicas e trazendo de volta a paixão por canções da década de 80. Em Elo, o vento sopra forte na superfície do mar, formando as poderosas ondas que carregam a cantora até hoje.

Disse que meu corpo era só dele aquela noite

Esse capítulo da narrativa começa com a volúpia da A História de Lily Braun. O eu-lírico feminino de Chico Buarque, que já é algo inexplicável por si só, consegue ir além na canção, construindo uma crônica de começo, meio e fim, movida à libertinagem e sem interesse de ser sutil. Maria Rita toma os versos pra si, esbanjando em sua voz toda a sensualidade da letra. Se permitindo ter as mais variadas experiências e sentimentos, também é nessa canção que Maria deixa a paixão pelo O Grande Circo Místico vir à tona.

Mesmo depois do fim de um relacionamento ainda podem restar dúvidas. Aquele ‘será?’ fica no ar, e Só de Você vem para instigar o questionamento e complementar a beleza de Lily Braun. Composição de Rita Lee e com arranjo original de César Camargo Mariano, pai de Maria Rita, a faixa prepara com leveza o fechamento do álbum. Os arranjos de Tiago Costa aproximam Elo da primorosa sonoridade dos dois primeiros álbuns da artista, enredando toda a unânime carreira da cantora.

Você me esquece eu me afundo 

Uma das grandes características de Elo é transitar entre o amor e o desamor. As singularidades das melodias são o grande referencial de sentimentos que passam a sensação de movimento em suas faixas. É a própria densidade das canções que norteia os ouvintes pelo enredo que está sendo contado. O contrabaixo de Mazzucca merece os créditos nessa experiência sensorial, ao mesmo modo que o Acordeon de Tiago Costa dá um tom mais particular ao drama.

Ao sair de uma sequência entre A Outra e Só de Você para encarar o sambão Coração em Desalinho, Maria afirma que não pretende ficar dentro de uma caixinha musical. Pra que seguir um só gênero se ela é maior que isso? Da MPB apresentada em seus dois primeiros discos ao Samba que chegou timidamente em Samba Meu, a cantora prova que canta apenas aquilo que domina, e domina tudo que se propõe a fazer. Seria uma heresia uma artista da magnitude de Maria Rita ficar presa apenas nos padrões da MPB, mas completa no Samba, Maria não esquece que suas fibras são de Música Popular. Elo tem espaço para a artista se testar, remanejar e se encontrar como matéria viva, se alimentando de Música.

E tudo nascerá mais belo. O verde faz do azul com amarelo o elo com todas as cores 

Além do verso que batiza o álbum, essa canção traz a promessa de que não te esquecerei Nem um dia. A composição de Djavan ressalta a relação de respeito por aqueles que escrevem as letras que a cantora brilhantemente dá a voz. De inéditas a grandes clássicos interpretados pelos gigantes da MPB, no Elo tudo é liberado. Sejam as músicas que foram cantadas apenas em 2011 ou as que foram carregadas em outros discos e ao voz:piano, todas ganharam um espaço especial na discografia de Maria Rita. Reforçando antigas colaborações ou iniciando frutíferas parcerias, das novas faixas às antigas sonoridades, Elo compacta a carreira da artista, abrindo as portas para que sua Arte pudesse se rejuvenescer. 

O quarto álbum da cantora não é o disco da carreira, e seria injusto colocar tal peso sobre um trabalho tão natural. Elo foi concebido como uma prova de confiança, que um ano mais tarde se potencializou no Redescobrir. Mais leve e sem amarras, Maria Rita flutua pelos versos rebatizados do disco. A atmosfera aconchegante conta uma história, mesmo que indiretamente, pois a vida é isso: intensidade, desalinho e acerto. É fácil se conectar com o Elo ao mesmo passo que é tangível se conectar com toda a obra de Maria Rita.

Um disco fácil dentro de sua proposta, e um álbum que encerra um ciclo dentro da discografia da cantora. Elo traz a capacidade e personalidade da cantora que cala os urubus da mídia que fizeram a crítica mais cruel: ser parecida com a própria mãe. Maria prova que sua genética é detalhe, que sua carreira diz sobre quem ela é de verdade e não sobre quem terceiros plantam de sua imagem. 

Se ainda havia ficado dúvidas a alguém, o quarto disco da cantora mostra a sapiência e dominando de cada nota. Ela laceia tudo que tinha produzido até então sob o selo MR. Nada sai do lugar, Maria domina cada compasso, como uma boa virginiana. Elo não é o álbum de maior peso em sua discografia, mas nem por isso ele se torna menor. Ele é o empurrão que faltava para que a cantora completa pudesse transbordar sua Arte e, um ano mais tarde, homenagear sua mãe.  

O Elo que Maria Rita selou com seus fãs nunca se perdeu. Sincera, Maria se desinibe em cima dos palcos, local sagrado a que pertence. Do trio elétrico em São Luís do Maranhão ao Auditório do Araújo Vianna, com espaço de sobra pra muita farra na Fundição Progresso, Circo Voador, Tom Brasil e Casa Natura Musical, Maria canta toda sua verdade ao se emocionar com Mainha Me Ensinou, erguer a mão em punho em O Bêbado e a Equilibrista e se recusar a encerrar Cara Valente sem antes o nananinanão que se tornou uma conversa íntima com a plateia, em específico seus bacanudos. Toda essa amizade que marcam esses 10 anos de Elo é reflexo de uma turnê que começou sem nome em maio de 2010.

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Júlia Paes de Arruda

São seis horas da tarde. O Zapping Zone começa com aquele gosto de comida de vó no jantar. Os olhos estão compenetrados na TV, aguardando o primeiro episódio da nova série do Disney Channel. A sinestesia é tão grande que quase posso me imaginar no sofá, com o olhar vidrado na vinheta promocional. Infelizmente, já não é 2011 e não tenho mais 11 anos. Porém, a lembrança permanece tão fresca na memória que nem parece que uma década se passou desde a estreia de Austin & Ally.

O novo crush já está garantido ao entrar pelas portas da Sonic Boom, na figura de Ross Lynch (Teen Beach Movie e O Mundo Sombrio de Sabrina). Aqui, ele interpreta Austin Moon, um artista recheado de talentos, com exceção de um dom para as composições. Ally Dawson (Laura Marano, de O Date Perfeito) é uma compositora nata com alcances vocais lindíssimos, mas com um medo de palco incontrolável. Tocando bateria com palitos de salsichas, ele se surpreende com os assobios reprovados da garota. Imprevisivelmente ou não, é ali que uma parceria brilhante entre dois surge, com direito a diversos altos e imensos baixos na vida um do outro. 

Sendo uma das últimas produções Disney Channel que realmente valem a pena, a série de Kevin Kopelow e Heath Seifert (Sunny entre Estrelas e JONAS) foi responsável por demolir as paredes de uma fase da vida de muitos adolescentes que acompanharam o auge do canal televisivo. O equilíbrio entre o público infantil e juvenil foi essencial para estabelecer um relacionamento mais próximo com o quarteto principal. Assim como sua plateia, os atores foram amadurecendo com os episódios e aprimorando as características de seus personagens. Além do carisma do casal que nomeia o seriado, as personalidades de Dez (Calum Worthy) e Trish (Raini Rodriguez) são as mais engraçadas e, possivelmente, as mais identificáveis. Entre dar um cochilinho em horários (ou não) de almoço e vestir roupas coloridas e diferentes, os dois sempre davam um jeitinho de ganhar a cena e soltar um riso do espectador. 

Falar de Austin & Ally sem citar sua trilha sonora é um completo descaso, ainda mais por ter dado origem a dois álbuns especiais. Não é nenhuma ilusão que nada disso seria um sucesso sem a destreza, a versatilidade e a autenticidade de Ross Lynch com suas incríveis performances musicais. Mesmo que Laura Marano esteja marcando presença em músicas icônicas, o mérito do trabalho artístico das duas primeiras temporadas é de Ross. Double Take pode ter apresentado Austin Moon para o mundo, mas foi com A Billion Hits que seu talento chegou até o público, antes mesmo da série ser estreada, abrindo espaço para que mais canções maravilhosas pudessem ser ouvidas no rádio.

As composições cada vez mais intimistas e descontraídas pintam aquele clima que todo o fã queria desde o encontro do casal na Sonic Boom. Afinal, ninguém caiu no papo de Not a Love Song principalmente porque, uma temporada depois, lá estava Austin com um violão cantando I Think About You na loja de músicas. Já sabíamos desde o princípio suas tentativas de roubar o coração de Ally e mostrar o quanto eles são melhores juntos. A atuação de Ross e Laura é tão fidedigna que em cada troca de olhar, cada abraço e cada performance juntos, conseguimos sentir o que seus personagens sentem. Clichê? Sim, mas era tudo o que eu queria para minha vida naquele momento.  

O ápice de todas as temporadas fica nas duas primeiras, especialmente na segunda. Nela, Austin e Ally saem do limite de parceiros musicais para estabelecer um relacionamento amoroso. Os episódios 7 ao 10 são os mais especiais, daqueles que fazem o coração bater mais forte. Contudo, a produção falha miseravelmente em dar continuidade aos eventos. Dá a impressão que os capítulos foram gravados numa ordem cronológica entendível, mas disponibilizados como pipocas estourando na panela. Quando tudo parece desenrolar, novos personagens surgem para complementar o arcos do casal (que não é um casal) e dois envolvimentos amorosos acabam se estabelecendo. Porém, tudo vem e vai com o decorrer das histórias como se eles não existissem. Até parece um enredo criado pelo Dez, com a falta de zalienígenas e cangurus saltitantes.

Na terceira temporada, o episódio sobre cyberbullying é o que merece destaque. Mesmo sendo um tema bastante pertinente nos dias de hoje, acaba passando despercebido com o decorrer do seriado. Trazendo depoimentos de comentários reais, o quarteto alerta sobre o aconselhamento e a busca de ajuda para casos de assédio. Entretanto, essa passagem rápida no assunto acaba prejudicando a transmissão da mensagem, como se a solução para tal problema fosse simples. Essa facilidade de desenvolvimento se deu, talvez, porque no período em que a série estava em exibição, o sucesso das redes sociais ainda estava em hibernação, sem pretensões de virar o fenômeno que é hoje.  

O pontapé para a quarta temporada é de Austin tomar uma decisão importante que afeta sua carreira. Sendo um fenômeno na internet desde sua primeira aparição, o personagem chamava a atenção por onde passava por suas danças bem coreografadas e melodias incríveis. Ao assinar com a Star Records, Austin conseguiu elevar ainda mais seu patamar ao mesmo tempo que o obrigava a seguir ordens que não concordava. Infelizmente, os contratos lucrativos acabam prejudicando jovens cantores com muitos sonhos até mesmo na ficção. É nítido a diferença de tratamento entre as gravadoras de Ally e de Austin, tanto no quesito de funcionalidade quanto no respeito ao artista.

Terminar a última temporada parece fazer seu coração se quebrar, como se um ciclo da sua vida tivesse sido fechado para sempre, num cofre a sete chaves. Quando aberto, desabrocha os melhores sentimentos que você pode lembrar, um mix de saudade, alegria, tristeza e nostalgia. Recordar é viver, já diria aquele ditado. E Austin & Ally, não há maneira alguma de eu fazer isso sem você. Va-leu! 

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Frederico Tapia

Em 2011, Dan Barrett, membro da banda Have A Nice Life, lançou o primeiro e único LP sob o nome Giles Corey. A origem do nome adotado por Barrett é de um fazendeiro com o mesmo nome que viveu no século 17 e foi morto durante os julgamentos das bruxas de Salem. Ao longo dos 56 minutos que constituem o álbum, ele fala abertamente sobre suas lutas internas, principalmente contra a depressão e o suicídio. Ele mesmo afirma em seu perfil no Bandcamp: “Giles Corey são músicas acústicas sobre depressão, suicídio e fantasmas”.

O disco é acompanhado de um livreto de cerca de 150 páginas no qual o artista conta sobre e diz muito das ideias de Robert Voor, um personagem que aparece de forma recorrente na arte de Barrett e é possivelmente uma Tulpa (conceito do budismo tibetano que se trata de uma criatura imaginária que pode ser criada a partir de pura força de vontade, envolvendo uma meditação intensa; além disso, essa criatura seria um pensamento tão real que chegaria a assumir uma forma material, e, até certo ponto, autônoma). Todas as faixas possuem uma seção correspondente no livreto.

Giles Corey definitivamente não se trata de uma obra fácil de se consumir, muito pelo contrário. É um álbum extremamente triste e com uma atmosfera de total desolação, durante todas as canções. E não é à toa, afinal, musicalmente ele incorpora elementos de shoegaze, drone, noise, passando por field recordings e até gospel. O disco não é uma tentativa de achar consolo ou conforto, mas sim de achar respostas. No verão de 2009, Barrett viveu um episódio depressivo que durou meses, e ele fala sobre esse acontecimento que culminou na concepção do LP na introdução do livreto. A depressão de Barrett se manifestou com uma pergunta: “se eu não quero estar vivo, eu quero estar morto?”, e Giles Corey nada mais é do que uma tentativa de responder isso.

O disco abre com The Haunting Presence, quando Barrett já diz que está “enterrado acima do chão”, um jogo de palavras tanto pela forma como o fazendeiro Giles Corey morreu quanto metaforicamente, uma alma morta dentro de um corpo vivo. Na sequência, em Blackest Bile, Barrett traz a imagem de uma nuvem de desânimo que inicialmente só afeta ele próprio e que só ele consegue perceber, mas com o passar do tempo essa situação começa a afetar todos que estão ao seu redor.

Faixas como I’m Going To Do It e No One Is Ever Going To Want Me criam um sentimento de completo desespero, de uma vida que não vale a pena ser vivida. Não há nada além de desespero e atitudes autodestrutivas que, com o passar do tempo, só se intensificam. Saber que se sentir desta forma mesmo com tantas pessoas em situações piores só fazem você se sentir culpado, e essas sensações se agravam. Nada mais importa, sua família, seus amigos, todos eles te amam e se importam com você, mas isso não faz diferença.

É difícil dizer o que você quer, mas, no fundo, é bem claro o que você busca. Dar seu último adeus é difícil, muito difícil, mas esse não é nem o maior dos problemas. E no fim das contas? Nada importa, nem mesmo tudo o que vai deixar para trás quando consumar seu fim. Junto a isso, o sentimento de auto-ódio em I’m Going To Do It e dizendo como ele se tornou tudo aquilo que  odiava, e isso estava acabando com ele.

Existe uma outra nuance para I’m Going To Do It que vem do livreto lançado junto ao disco. Nele, Barrett fala sobre o conceito de Descontextualização de Robert Voor. De forma geral, é como manter um diário e após um tempo trocar tudo o que foi dito na primeira pessoa pela terceira. Assim, se cria um cenário da sua vida sem você/sua identidade nela. Essa faixa é também Barrett dizendo que ele vai matar sua persona, seu ego.

Enquanto isso, No One Is Ever Going To Want Me ainda recicla uma ideia do outro projeto de Barrett, a banda Have a Nice Life, na comparação de forma implícita entre ser crucificado e formas severas de depressão na música Who Would Leave Their Son out in the Sun. Neste caso, a comparação é mais clara e direta, dizendo que o narrador e quem está ouvindo está “andando sobre a ponte dos suspiros, teremos uma cruz como Cristo, crucificado” e isso é repetido durante a canção.

Outro tema recorrente no álbum é o sentimento de solidão, de não merecer ser amado, sensação comum para pessoas que apresentam quadros depressivos. Por exemplo, Spectral Bride (que soa como uma série de canções gospel retrabalhadas) trata do conflito entre ter o desejo de não estar mais na Terra e, ao mesmo tempo, não querer abandonar quem ele ama, nesse caso virando um fantasma para poder continuar ao lado de sua amada. Anteriormente, no refrão de Blackest Bile, o narrador diz ser um fantasma solitário, e que nasceu para ser sozinho, reforçando esta ideia.

No encerramento Buried Above Ground, apesar de sonoramente a faixa destoar das outras por soar muito mais esperançosa que tudo o que veio antes, Barrett reutiliza alguns elementos da música de abertura The Haunting Presence, a começar pelo próprio nome. Já na letra, é reutilizada a metáfora que inicia o disco dizendo que “tem um demônio no meu peito/nas minhas pernas/nas minhas costas/no meu pescoço”, que representa sua luta contra a depressão e como ela o faz sentir que está vivendo no Inferno. Isso é reforçado logo em seguida quando ele diz que está gritando com uma criança no fundo de um poço, e finaliza ao retomar que “está enterrado acima do chão”.

Uma obra difícil de ser ouvida, mas, sem dúvidas, um dos projetos mais únicos da última década. Não se trata de um álbum com o perfeccionismo geralmente esperado do slowcore, é algo muito mais focado no emocional. Giles Corey acabou ditando os últimos 10 anos do gênero que ficou muito mais despretensioso, principalmente se comparado com as duas décadas anteriores.

No Brasil, o Centro de Valorização da Vida (CVV) atua, gratuitamente e de forma sigilosa, para todas as pessoas que precisam e querem conversar. Tanto por telefone (discando 188), quanto por e-mail e chat, 24 horas por dia.

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