Davi Marcelgo  

Depois de uma odisseia que durou 23 anos, o criativo A Fuga das Galinhas (2000) ganhou uma sequência. O longo percurso para a continuação sair do papel foi resultado de muitos fatores: o fim da parceria entre Aardman Animations e Dreamworks em 2006, a pandemia da covid-19, a troca de elenco devido às polêmicas envolvendo racismo por parte de Mel Gibson – dublador do personagem Rocky em 2000 –, além do custo e da necessidade de uma equipe maior para a produção. Sem um grande estúdio por trás, a história das aves ficou sem um novo voo por mais de duas décadas. Em 2020, a Netflix anunciou a continuação, A Fuga das Galinhas: A Ameaça dos Nuggets. Mas será que ela mantém a qualidade do primeiro filme? 

A resposta é: nem tanto. A animação em stop motion continua linda, cheia de detalhes e com todos os atributos que sintetizam o cuidado dos profissionais e animadores. No comando do diretor Sam Fell, a diferença mais gritante são as cores, mais vivas e festivas, que conseguem captar muito bem o espírito de liberdade e da utopia celebrada pelas galinhas remanescentes que escaparam da fazenda da Sra. Tweedy (Miranda Richardson). Tal estética se opõe à Fotografia do filme antecessor, rodado por Nick Park e Peter Lord, que é escura, com aspecto sujo e ‘melequento’, sem nenhum tipo de entusiasmo. Afinal, as descendentes dos dinossauros sobreviveram de um espaço sanguinário.

Na trama de Ameaça dos Nuggets, Ginger (Thandiwe Newton) e Rocky (Zachary Levi) desfrutam da independência e da família, porém, a filha do casal, Molly (Bella Ramsey), começa a idealizar um mundo melhor para além da ilha em que vivem. No entanto, eles mal sabem que uma antiga inimiga ainda comanda a região. Os problemas do longa começam quando Molly é levada para a fábrica de nuggets da Sra. Tweedy. A textura bucólica se torna metálica, de acordo com o espaço em cena. Contudo, para além do campo, as cores ainda continuam muito salteadas e todo pânico por ter a morte ao lado se esvai junto com a fumaça de ‘franguinho’ na panela. As cores, do diretor de Fotografia Charles Copping, não comunicam de forma coerente. 

A fábrica, embora seja maior e tenha um modelo de produção em larga escala, não consegue transmitir a mesma ameaça da pequena granja da animação de 2000. Além das cores, há outros dois motivos, sendo eles o humor e a decupagem. As ‘piadinhas’ continuam visuais, muitas vezes, partindo do corpo dos bonecos de ‘massinha’, porém, grande parte dos personagens são bem ‘bobinhos’ e infantilizados, lembrando Shaun, o carneiro, também da Aardman.

A animação ser infantil não é um pecado, mas a técnica não é exclusiva para crianças e, olhando em retrocesso, a direção da dupla de criadores e o texto possuíam um humor mais inteligente e ácido. Exemplo desse tom é a cena cuja comicidade é um detalhe; Babs (Jane Horrocks) costura uma corda de forca com tricô. Para mais, há a descrença da Sra. Tweeny na capacidade das galinhas planejarem um complô, registrada na fala: “São as criaturas mais burras do planeta. Elas não pensam, não tramam e não estão organizadas”. O quadro seguinte imediatamente mostra Ginger pedindo por ordem. Tal contradição e uma galinha pensando em morte são risíveis. 

O segundo motivo é a decupagem de cena; a forma como Park e Lord evocam uma sensação de perigo e desilusão usando sombras e a percepção dos sentidos humanos não presentes na sequência. Como exemplo, a cena em que, após a Sra. Tweedy escolher qual galinha vai matar, ela coloca luvas na cor vermelha. O som é um estalo forte do elástico no punho somado ao corvejo de corvos. Então, a porta se abre e, a partir do campo de visão na altura de uma galinha, vemos um machado enfincado num tronco. Ginger está acompanhando tudo de longe, incapaz de fazer algo e com a expressão de medo. A vilã empunha a arma e só enxergamos as sombras. A morte é confirmada pelo som do machado. A cena finaliza com pássaros brandos sobrevoando a granja. Depois, a câmera passeia pela mesa de jantar: ali, há restos de um frango assado. 

Machado, luva vermelha, pássaros voando, todos os objetos em cena são abstraídos dos seus sentidos literais e ressignificados através das simbologias de liberdade, prisão e morte de A Fuga das Galinhas. Nick Park e Peter Lord querem que você tenha asas e um bico. A icônica cena em que Ginger e Rocky invadem a máquina de tortas lembra o inferno. Ela é toda ‘melequenta’, cheia de fogo e com um ar de impossibilidade de escapar, além de ter sido filmada com muita frenesia, movimento e caos. Já a direção de Fell não consegue por um minuto sequer nos colocar em uma grelha de churrasco. Tudo é muito ‘limpinho’: sem estímulos e grandes inspirações.

O filme de 2023 pelo menos entende a alegoria marxista e a de campos de concentração pretendida pela história das penosas, continuando essas ideias. Molly foge da vila porque acha que a grama do outro lado é mais verde. Ginger a proíbe de sair, mas esconde todo o passado cruel que viveu. A necessidade de avisar as novas gerações sobre opressores e formas de extermínio é uma temática e tanto. Porém, o enredo, roteirizado por Karey Kirkpatrick, John O’Farrell e Rachel Tunnard, verbaliza outra resposta: a protagonista perdoa a filha por achar que ela tem o mesmo espírito de liberdade. Dessa forma, resumiram uma narrativa política em uma condição determinista fajuta. 

Até a escolha do retorno da antagonista teria mais força sem essa linha de diálogo. Em A Fuga das Galinhas, a origem do nome das tortas é exposta no seguinte diálogo: “a torta de galinhas feita em casa pela senhora Tweedy” e justificado pelo argumento  “toque feminino, o público se sente mais confortável”. Criando uma alegoria com a manipulação que empresas e sistemas fazem com as massas. Disfarçam todo sangue derramado com propagandas felizes e acolhedoras.

Na sequência, que apresenta a mesma inimiga, mas, dessa vez, em outra roupagem, com maquiagem, roupas chiques e um novo corte de cabelo, é infeliz a falta de tato ou até limitações coagidas pela produção (dificilmente saberemos) em não criar paralelos sobre ressurgimento de ideais nazi-fascistas, grupos extremistas que não utilizam nomes e discursos racistas ou homofóbicos explícitos para não soarem malignos – ainda que continuem sendo –, ou organizações disfarçadas de salvadoras da família, com políticos trajados em túnicas cristãs. As ideias estão todas ali e, infelizmente, o filme não faz um exercício maior sobre elas, criando cenas de arrepiar e sentir nojo. Não é exagero pedir isso do filme ou de uma animação, porque seu antecessor sabia muito bem o que estava fazendo. 

Outro ponto interessante das escolhas narrativas do longa original é o galo idoso Fowler (a voz de Benjamin Whitrow foi substituída pela de David Bradley), que é responsável por pilotar o avião de fuga, ajudando a ‘galinhada’ a escapar do sítio. O roteiro defende que a revolução só pode acontecer com todo mundo. Independente da faixa etária, todos são importantes. Entretanto, em A Ameaça dos Nuggets, o personagem é reduzido à inutilidade, ou seja, tem zero impacto na trama e é visto pelos outros personagens como um peso morto. A coincidência é que Julia Sawalha, dubladora original de Ginger, declarou em suas redes sociais que não voltaria para a sequência, pois sua voz estaria “velha demais”. Ela afirmou também que não foi chamada para testes de elenco. 

O primeiro filme é uma obra-prima das animações, tem uma unidade de ideias e linguagem bem alinhadas. Tudo está em tela por um motivo. A Fuga das Galinhas: A Ameaça dos Nuggets não consegue alcançar a magnitude do seu antecessor, embora continue charmoso e divertido. Personagens são descartados, algumas escolhas são questionáveis e a animação fica mais quadrada, nos moldes da Netflix. Sam Fell acaba fazendo apenas omelete sem tempero, mesmo com tantos ovos bons, que poderiam fazer bolos, tortas e, quem sabe, uma revolução. 

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Guilherme Veiga

Desde que o gênero mockumentary caiu nas graças do público, a vertente buscou explorar os contextos mais improváveis, indo de uma empresa de papel da Filadélfia, passando por um grupo de vampiros em Staten Island e chegando na vida de um excêntrico repórter cazaque aterrissando nos Estados Unidos. Naturalmente vinculado à comédia, é de praxe que falsos-documentários abracem o nonsense e joguem fora toda a busca por credibilidade. Porém, é da premissa mais absurda que o produto é tratado de forma mais séria.

É assim que Marcel the Shell with Shoes On, nova aposta da A24, a primeira do estúdio envolvendo animação, se desenvolve. Misturando live action com stop-motion, a obra acompanha Marcel, uma adorável concha do mar antropomórfica com um olho e que veste sapatos, vivendo sua vida em um Airbnb com sua avó. Após um documentarista se hospedar nessa casa e descobrir os inquilinos, Marcel ganha fama repentina e usa dela para encontrar sua família. Apesar de extremamente descolado da realidade e tendo um pano de fundo que beira o infantil, o falso-documentário é extremamente maduro e consegue transformar a jornada da concha para um debate sobre os sentimentos humanos de forma muito singela.

Mesmo levando o selo da A24, que hoje é sinônimo de excelência, vale lembrar que a obra se trata de uma produção independente. Tanto que o longa foi concebido em 2021, circulando por festivais até ser adquirido pela produtora no começo de 2022 e só chegou ao circuito comercial, de forma muito limitada, na segunda metade do ano. Mas, assim como os outros produtos envolvendo a concha, a obra ganhou o mundo de forma orgânica, graças a sua fofura.

A produção cinematográfica é a convergência de duas origens. Inicialmente, o personagem surgiu a partir de uma voz que Jenny Slate (a Mona-Lisa Saperstein de Parks and Recreation) criou quando ela mantinha um relacionamento com o estreante diretor Dean Fleischer Camp. A voz tomou forma e, em 2010, um curta, com mesmo nome do filme, se tornou viral no YouTube. É aí que Marcel the Shell with Shoes On rompe a linha tênue entre falso-documentário e documentário, pois o longa, em uma coincidência metalinguística, usa do gênero para expandir uma história que, de certa forma, aconteceu.

A ideia de usar do gênero documental para jogar o telespectador na visão de Marcel (seja essa visão de ou do mundo) foi um artifício muito inteligente. Aliado ao design de produção de Liz Toonkel, o dia a dia da concha em um ambiente totalmente desproporcional ao seu tamanho nos remete ao sentimento de deslumbramento e nostalgia de Toy Story ou O Pequeno Stuart Little. E no momento em que o documentarista – que na obra também é o próprio diretor Dean Flescher Camp – se coloca a disposição para aprender a forma como o personagem enxerga a vida, ele evidencia que iremos entender a vida por aquela ótica.

Por isso, se engana quem pensa que, por ser uma animação, o filme seja necessariamente infantil. O longa possui uma base que pende para a melancolia e abrange uma gama vasta de assuntos através de seu texto, dividido entre Dean, Jenny e Nick Paley. É natural das animações usarem da aventura como fio condutor e a partir dela discutir temas, a exemplo do também indicado ao Oscar Red: Crescer é uma Fera, que usa da jornada de reverter uma maldição familiar para discorrer sobre a relação mãe e filha. 

Aqui é ao contrário: a aventura está em segundo plano, sequer aparecendo realmente, fazendo com que o filme se contrua a partir de suas reflexões sobre relações familiares, aproximação e distanciamento, o passar do tempo, pertencimento e até mesmo a midiatização de personas. Mas, sem dúvidas a maior mensagem é sobre saber enxergar felicidades nas pequenas coisas, e isso é personificado no próprio Marcel: um ser tão pequeno e fofo, mas que carrega todos os sentimentos consigo.

Toda essa personificação é mérito de Jenny Slate. O fato do protagonista ser um personagem masculino e infantil exige um pouco mais de sua dubladora. Mas o que deixa tudo mais desafiador é que o design idealizado para a concha por Dean, tem pouquíssima expressão. Felizmente, Slate carrega todo o sentimentalismo da obra através de uma voz única e afetuosa, mesclando ingenuidade, curiosidade, esperança e conformismo, tornando o personagem-título uma das figuras mais adoráveis do Cinema no último ano. Vale destacar também o trabalho de Isabella Rossellini (Veludo Azul) interpretando a avó Connie e seu sotaque inconfundível que, segundo Marcel, acontece porque ela não é daqui – é da garagem.

O conjunto de acertos da produção convergiu em um sucesso natural, o que fez com que a obra figurasse no alto escalão da temporada, a colocando como candidata ao Oscar de Melhor Animação. Porém, apesar de sua qualidade inegável, ele chegou a ser dúvida na lista final. A Academia considera animação longa-metragem uma produção com mais que 70 minutos e que seja preenchida por pelo menos 75% do seu tempo com técnicas de animação. 

Os 90 minutos de longa, sustentados majoritariamente por um único personagem em meio ao mundo real, causaram a tensão de talvez não se enquadrar nos moldes dos votantes. Por sorte, o pseudo-documentário integrou a categoria. A competição é bem acirrada; em um ano de não dominância de Disney e Pixar, ele disputa com o favorito Pinóquio por Guillermo del Toro e a surpresa Gato de Botas 2: O Último Desejo. Mas esse cenário é resultado de uma das melhores e mais diversa lista do gênero em anos.

Marcel the Shell with Shoes On é um poço de originalidade e mostrou ir muito mais além do que a que veio. O longa propositalmente deixa de lado a discussão sobre a existência daquela concha falante para transformá-la em uma reflexão sobre nossa própria existência. Dessa forma, mais do que antropomorfizar um objeto marinho, ele dá rosto para nossos sentimentos, personificados em alguém que, apesar de absurdo, é um retrato perfeito do que é viver à deriva desse oceano de sensações que é a vida.

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João Batista Signorelli

Raro exemplar de longa-metragem realizado com a técnica de stop-motion no Brasil, Bob Cuspe – Nós Não Gostamos de Gente foi um dos grandes destaques da 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, chegando ao Brasil já com um prêmio em mãos, da Mostra Contraponto do Festival de Cinema de Animação Annecy. O Persona assistiu ao filme, e com muito prazer retoma o quadro de entrevistas para conversar com o diretor César Cabral, que também é sócio-fundador da Coala Filmes, produtora paulistana focada em produzir animações em stop-motion. 

Antes de explorar a obra do cartunista Angeli em vários de seus projetos, antes de fundar uma produtora de animação, e antes mesmo de receber o seu diploma em Cinema pela Universidade de São Paulo, Cabral estudou Física por cerca de três anos. Foi o tempo que levou para perceber que não era aquilo que queria levar como trabalho e  profissão, o que o fez largar aquela graduação e prestar para o curso de Cinema (atualmente chamado de Audiovisual), onde teve aula com excelentes professores e grandes nomes como Jean-Claude Bernardet e Ismail Xavier. Ainda sem recursos digitais, César Cabral iniciou seu primeiro experimento em stop-motion com um rolinho de película que recebera da faculdade para um exercício de filmagem. 

“É engraçado como as coisas dão voltas: eu lia muito histórias em quadrinhos, gostava muito de desenhar, mas nunca imaginava trabalhar diretamente com (…) o universo da animação.” Da animação em stop-motion brasileira, dois curtas marcaram e influenciaram o seu trabalho: Frankenstein Punk e Garota das Telas, ambos realizados por Cao Hamburger e Eliane Fonseca. “‘Se eles fizeram isso lá nos anos 80’, eu pensava assim – a ingenuidade – ‘eu consigo fazer isso nos anos 90’” relembra o diretor. Procurando pessoas que gostavam de modelar, ele acabou conhecendo Olyntho Tahara, seu futuro sócio na produtora Coala Filmes. Já nesse primeiro exercício que se tornou um ‘curtinha’, César começou a explorar o mundo dos quadrinhos da Chiclete com Banana que lia em sua adolescência, criando um duelo de faroeste entre os palhaços mudos, criação da cartunista Laerte.

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Durante o final do curso, ele já começou a ir atrás de trabalhos em publicidade, onde, prestando serviços de assistência em produtoras, encontrava espaço para a construção de maquetes, cenários, bonecos, ou até mesmo animação. Foi um período para aprender e descobrir como fazer stop-motion, uma área que não tem mercado e poucos profissionais atuantes. Entre 2004 e 2005, começou a se desenvolver a Coala Filmes, onde escreveu o projeto para o curta-metragem Dossiê Rê Bordosa. “O Dossiê é o início do que virou o Bob Cuspe de certa maneira.” E foi ali que César Cabral enveredou para o audiovisual, se afastando da publicidade e acompanhando a alavancada que a ANCINE iniciava naquele momento. “Foi um período que o fundo setorial entra e começa a fomentar toda a produção audiovisual, acabou possibilitando que a gente fizesse séries e o longa. A gente vai fazer um segundo mas… estamos no primeiro” sinaliza o diretor, já gerando a expectativa para uma sequência. 

Somando referências que vão dos blockbusters americanos que cresceu assistindo, aos lançamentos que acompanhou nos cinemas como Pulp Fiction, além de clássicos da Nouvelle Vague que via na Cinemateca na época da faculdade, César Cabral recheou Bob Cuspe de homenagens de forma consciente e inconsciente. Se citações a filmes como 2001 – Uma Odisseia no Espaço e O Iluminado são mais explícitas, o diretor se surpreendeu ao re-assistir Poltergeist – O Fenômeno e descobrir um zoom com travelling em um corredor muito igual ao que fez na cena em que Angeli se aproxima de uma porta para encontrar Laerte. “É engraçado como essa coisa inconsciente que a gente vai construindo na nossa cabeça – o nosso repertório (…) – fica, e acaba saindo de um modo natural, sem um planejamento óbvio.”

Seu primeiro contato real com o cartunista Angeli foi no mundo da revista Chiclete com Banana, que foi essencial para a formação do diretor ao trazer muito material não apenas de quadrinhos, mas de Música, Cultura e variedades, em um mundo onde a internet ainda não existia. Quando foi realizar o curta Dossiê Rê Bordosa, entrou em contato com o Angeli, que de início relutou, pois havia matado a personagem em suas tiras para justamente não precisar mais falar sobre ela, mas que ao final acabou topando. A partir de entrevistas com Angeli e outras pessoas, César Cabral realizou o curta animado documental, e temendo uma reação negativa do artista ao mexer com sua obra, foi surpreendido por uma reação positiva.

Enquanto se aprofundava ainda mais no mundo da Chiclete com Banana na série Angeli – The Killer, produzida para o Canal Brasil, Angeli comentou com Cabral que sempre achou que o Bob Cuspe renderia um longa. E ali foi lançada  a sementinha do que viria a se tornar o longa Bob Cuspe – Nós Não Gostamos de Gente. “Pensar num longa-metragem de certa maneira é uma loucura (…) parece uma coisa impossível de acontecer.” Gravando uma série de entrevistas com Angeli, César foi se aprofundando em seu processo criativo. “O Angeli, como a gente sabe, é famoso por ser o Angeli em crise, né? (…) É um cara que nunca para no trabalho, ele quer ir à frente. (…) o processo criativo dele vem muito disso, de não se estabelecer com algo que já tá definido. (…) E de certa maneira, ele agora, com 60 anos, ‘tá’ nesse lugar de procurar e tentar encontrar um novo caminho pro trabalho dele.”

O ponto de partida da narrativa principal do filme veio do próprio Angeli, que tinha esboçado uma morte do Bob Cuspe devorado por mini Elton Johns. “Ele é meio que um símbolo do pop, do glitter, que de certa forma é o oposto à postura punk. Então o que melhor mata um punk? Qual é a pior morte que um punk pode ter? É o pop devorando ele, fisicamente ou metaforicamente.” A partir dessa ideia, a equipe desenvolveu um mundo pós-apocalíptico dentro da cabeça do Angeli, onde o Bob Cuspe, ao perceber que seu criador está desenhando sua morte, vai atrás dele para enfrentá-lo.

Um dos desafios da produção foi transpor o traço do lápis no papel em duas dimensões dos desenhos consagrados de Angeli, e transportá-lo para o stop-motion tridimensional, e nesse empreitada, César destaca o trabalho do diretor de arte Daniel Bruson, que também trabalhou no curta Dossiê Rê Bordosa. Sobre a técnica utilizada, ele destaca como sendo a que mais se aproxima do live-action, pois há o espaço físico do estúdio, a maquete que é o cenário, o set de filmagem, e os bonecos que são os atores do filme. A única diferença seria a captura quadro a quadro. “Não tem um ‘gravando’, tem ‘vamo lá, rodando o plano’, e esse plano vai levar dez, vinte horas pra ser produzido’, brinca o diretor. O ritmo da produção, realizada em 6 sets de filmagem, era de três/quatro segundos por dia, por set de filmagem.

Outro desafio foi construir uma estrutura para a produção do filme, com espaço físico e profissionais. A falta de um mercado consolidado de animação stop-motion no Brasil e no mundo fez com que houvesse um forte trabalho de formação na produção de Bob Cuspe, onde as pessoas aprenderam a fazer coisas como construir os bonecos, manipular a sua estrutura interna, e como animá-los. Da pequena produção de Dossiê Rê Bordosa, em que César Cabral animou sozinho com uma equipe bastante reduzida, ao longa de 90 minutos, a produção da animação tornou-se bastante complexa. “No stop-motion as coisas andam meio em paralelo, é tudo meio escalonado, sabe? A gente tá animando no set, mas a equipe já tá pós-produzindo o que foi animado. E a equipe de pré-produção já tá preparando o próximo cenário (…). Então é tudo muito amarradinho pra funcionar.” 

Comentando a situação atual do audiovisual no Brasil e o que diria para alguém que está se introduzindo na área do audiovisual, com enfoque em animação, César chama a atenção para o momento difícil que o audiovisual tem passado com o governo atual, mas também destaca produções que vêm acontecendo apoiadas por canais de streaming e TV, sem depender de um incentivo governamental. Ressalta também os desafios de fazer Animação, o que a princípio pode parecer algo maravilhoso, “bonitinho”, mas que exige muito trabalho e dedicação, para muitas vezes apresentar um resultado final muito pequeno. “É um processo muito custoso. Ao mesmo tempo, é muito gratificante.”

César destaca a preocupação em atingir um público mais amplo com o longa. “Eu não queria fazer um filme fechado só pro cara de 40, 50 anos que lia Chiclete com Banana. Então a gente foi tentando não ser didático, mas deixar palatável para que a pessoa entre e conheça quem é o Angeli (…) e esse universo dele. (…) Claro que é difícil a gente saber o limiar pra não passar a mão e fazer um filme que fica muito explicativo, mas tivemos um cuidado.” Foi quando o longa estreou no Festival de Annecy que ele recebeu o primeiro feedback de alguém de fora, que o fez saber que o filme havia dado certo. Foi de uma estudante vietnamita da Escola Gobelins, a maior escola de animação da França, que escreveu um texto para o diretor, que trocando ideia com ela, e vendo que tinha entendido a narrativa e quem é o Angeli, percebeu que o projeto tinha realmente dado certo.

Você tem alguma tira favorita do Bob Cuspe?

César: “Tem uma muito boa em que o Bob Cuspe ‘tá’ no meio do cinema, e que ninguém ‘tá’ perto dele, sabe? Acho que o Bob Cuspe – Nós Não Gostamos de Gente, representa um pouco essa imagem, porque as pessoas ficam meio com medo da figura dele na cena. (…) O Bob Cuspe não é um personagem que fala muito, ele vai lá e cospe, dá porrada nas pessoas, no sentido não-físico, mas tá sempre ali peitando, é muito boa”.

Se você pudesse escolher três pessoas para trabalhar em um filme, vivas ou mortas, quem você escolheria e por quê?

César: “Pergunta difícil essa hein…. Tim Burton é um cara que eu gosto muito, o universo que ele cria, pensando com foco em animação. (…) Gosto muito do Wes Anderson também, como diretor e com a aproximação com a animação que ele tá cada vez mais. É um cara que vem do live, e tem um universo muito particular na forma de filmar. Pô, quem mais? Acho que uma delas seria o Angeli mesmo, que eu me aproximei e que eu acho que de certa forma era uma grande referência sempre na minha formação, então eu acho que uma eu consegui assim que seria trabalhar com o universo dele. Gosto muito do Crumb também, que seria um deus desse universo underground dos quadrinhos”.

E se você pudesse levar três filmes para uma ilha deserta, quais seriam?

César: “Vou falar dos filmes que eu gostava e gosto muito ainda. Os Incompreendidos é um filme que eu gosto muito do Truffaut, vi muitas vezes… Claro que meu trabalho não tem nada a ver com ele, com esse universo do Truffaut, mas é um filme de formação. Falei do Cães de Aluguel, gosto muito de Pulp Fiction mas gosto muito de Cães de Aluguel, se fosse pra colocar um filme do Tarantino (…), Clube da Luta é um filme que eu gosto também. Gosto bastante. Mas falando sem pensar muito assim, certamente teriam outros tantos”. 

Você tem algum filme nacional favorito?

César: “Tenho, alguns… Mas um que eu gosto muito é Bangue-Bangue, do Andrea Tonacci. Eu acho o filme foda demais. O Bandido da Luz Vermelha do Sganzerla também é outro filme que pra mim marcou muito, inclusive o próprio Dossiê Rê Bordosa bebe muito naquela construção de investigação de uma certa maneira jornalística, uma rádio que faz esse jornalismo espreme-sai-sangue, (…) o Dossiê é muito construído dessa forma, e veio muito do próprio Bandido da Luz Vermelha”.

Chegando ao fim da entrevista, o diretor falou sobre o espírito punk presente em Bob Cuspe, e sua relevância hoje. “A gente não quer falar só de um mundinho fechado que foi passado. Eu acho que o filme é pro jovem de hoje. A gente fala de punk, mas o punk é em um sentido amplo. O punk é uma postura do jovem perante esse mundo, perante o mundo que virá. A gente está sempre em um embate, o jovem tem esse papel de não aceitar esse mundo estabelecido. Se ali é o punk, talvez o punk hoje é essa postura que permanece. De certa forma, é universal. Estou muito feliz com o resultado, que é muito gratificante mesmo.” 

E para a alegria daqueles que perderam as sessões do longa na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, o filme estreou nos cinemas no dia 11 de novembro, levando sua postura punk para várias capitais do país, e permanece em cartaz até a publicação desta entrevista.

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João Batista Signorelli

Estrela da revista underground Chiclete com Banana, que reunia o trabalho de cartunistas como Laerte e Glauco, Bob Cuspe é um dos mais icônicos personagens de Angeli, que também povoou o imaginário dos quadrinhos brasileiros com Rê Bordosa, Wood & Stock, Mara Tara, e tantos outras. Ácido e subversivo, Bob, que estrela a animação de grande destaque na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, representava nos anos 80 a anarquia subversiva da geração punk, ao mesmo tempo que era uma espécie de alter ego exagerado do próprio autor. 

Corta para os anos 2020, onde o pop devorou o punk, e o humor politicamente incorreto da revista passou a ser coisa do passado. É nesse contexto que Angeli reflete sobre sua obra e transformações criativas, e Bob Cuspe deixa a juventude para trás, parecendo-se quase com um tiozão que se recusou a se adaptar às mudanças do tempo. Em meio à gravação de um documentário e em um deserto de ideias de uma São Paulo pós-apocalíptica, Angeli e Bob Cuspe se confrontam com o passado e o presente em Bob Cuspe – Nós Não Gostamos de Gente.

Não é a primeira vez que o diretor César Cabral realiza um mergulho audiovisual na obra do cartunista Angeli com a técnica de stop-motion. Em Dossiê Rê Bordosa, ele já apresentava a mesma mistura de documentário e ficção ao investigar as causas da morte da icônica personagem do cartunista. Já na série Angeli – The Killer, exibida no Canal Brasil, Cabral preservava a mistura de formatos explorando a obra do autor a partir de recortes temáticos. Dando continuidade aos projetos anteriores, Bob Cuspe – Nós Não Gostamos de Gente é talvez o mais ambicioso até então, e já abriu a temporada de festivais consagrado merecidamente, recebendo o prêmio de Melhor Longa-Metragem da Mostra Contrechamp do Annecy, o festival de animação mais relevante do mundo.

Até se confrontarem no ato final, Angeli e Bob Cuspe precisam lidar com embates internos e externos. Angeli, em plena crise criativa, se sente impelido a dar um fim a Bob Cuspe, assim como havia feito a Rê Bordosa, marcando com um ponto final no que o seu personagem representava para sua carreira. Paralelamente, Bob Cuspe, o punk e tudo mais correm risco de morte pela constante perseguição do pop, sintetizado na imagem de hilários mini Elton Johns homicidas. Acompanhado pelos Skrotinhos, que veem nele uma espécie de símbolo mítico profetizado nas escrituras das HQs Chiclete com Banana, criador e criatura são conduzidos a um confronto para dar uma resolução aos seus conflitos. 

Raro exemplar da técnica de stop-motion na filmografia brasileira, o longa é um deleite visual do início ao fim. Do escritório realista de Angeli, às viagens psicodélicas que remetem ao final de 2001 – Uma Odisseia no Espaço, passando por escombros desérticos e tubulações subterrâneas, a direção de arte de Daniel Bruson e Olyntho Tahara traduz o imaginário de Angeli ao tridimensional, com grande atenção aos detalhes, e preenchendo os espaços de referências ao universo das tiras de Angeli.

Apesar de sua origem no punk, Bob Cuspe e outras criações de Angeli viraram cultura pop. Mesmo estando banhado de referências, o longa não depende delas para funcionar, e pode funcionar como uma ótima introdução para aqueles que, assim como eu, são pouco familiarizados com o trabalho de Angeli. Em um mundo onde as telas estão dominadas por super-heróis norte-americanos saídos dos quadrinhos e outros símbolos da cultura popular estrangeira, Bob Cuspe vem para mostrar que o punk é pop, e que a animação nacional também pode ser.

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