Arthur Caires

Se nas duas primeiras temporadas The Bear foi apresentada ao público como a série que deixava a gente em apneia, vivendo cada grito de “ATRÁS” como se estivesse dentro da cozinha, agora o prato servido é outro. O que começou como uma dramédia caótica, com planos-sequência sufocantes e diálogos atropelados, virou, ao longo dos anos, um fenômeno crítico que transcende a culinária. A produção deixou de ser só sobre um restaurante em crise para se tornar um retrato íntimo sobre saúde mental, sobre o peso e a cura que vêm da família, e sobre o que significa continuar vivendo quando tudo ao redor parece desmoronar.

O arco de O Urso (tradução oficial), disponível no Disney+, parece seguir um manual não oficial das fases do luto: se o primeiro e segundo ano eram pura negação e raiva, o terceiro e o quarto mergulham na barganha e na depressão. Mas não no sentido pesado de paralisar: aqui, a série abre respiros, deixa espaço para piadas inesperadas, pequenos gestos de ternura e episódios que se dedicam a um personagem de cada vez. Essas histórias paralelas parecem quase independentes, porém sempre retornam ao todo maior, numa costura tão sutil que não soa planejada demais. O caminho, claramente, é de preparação para a aceitação, um destino que deve se consolidar na quinta, e provavelmente última, temporada.

Nesta continuação da narrativa, Carmy (Jeremy Allen White) está em transição, tentando mudar porém tropeçando no próprio silêncio – conversar com ele é quase como bater papo com o homem hétero médio que não sabe articular um sentimento, e tanto Sydney (Ayo Edebiri) quanto Claire (Molly Gordon) acabam virando tradutoras dessa linguagem truncada. Sua decisão de sair do restaurante, no fim, funciona menos como derrota e mais como gesto de saúde mental: abrir mão do projeto que nasceu de um luto congelado e que o impedia de viver de verdade.

Nesse processo, o reencontro com Donna, sua mãe, interpretada por Jamie Lee Curtis, é fundamental. Entre pedidos de desculpa e memórias dolorosas, o episódio nove, Tonnato, coloca mãe e filho frente a frente em um dos raros momentos de vulnerabilidade explícita da série – e talvez o mais próximo que Carmy já chegou de uma reconciliação consigo mesmo.

Quem realmente ocupa o centro dessa temporada é Sydney, interpretada brilhantemente, como sempre, por Ayo Edebiri. Quando ela vai trançar o cabelo com a tia e acaba se aproximando da prima adolescente, a cena traduz seu dilema da melhor forma: a metáfora de uma festa do pijama funciona como comparação entre pertencer à família Berzatto ou buscar outro caminho próprio ao lado de Shapiro (Adam Shapiro). Carmy, ao admitir que o menu fixo era uma forma de egoísmo, finalmente reconhece o valor de Syd não só como braço direito, mas como mente criativa essencial. 

No desfecho, ele passa o bastão, deixando claro que ela é o coração e o cérebro do restaurante. E, felizmente, essa relação nunca descambou para o romance – ao contrário do que Star Wars fez com Rey e Kylo Ren, os showrunners Christopher Storer e Joanna Calo souberam manter o potencial da troca profissional e intergeracional, uma dinâmica de mestre e aprendiz que, ao longo do tempo que se conhecem, se inverte e se enriquece constantemente.

Por mais que a eterna discussão sobre rotular The Bear como Comédia seja meio desgastada – convenhamos, a série é muito mais eficiente no drama –, não dá para ignorar o quanto o humor funciona como válvula de escape. As piadas nunca estão na superfície, mas no timing e na secura com que os personagens interagem: a implicância fraternal entre Syd e Richie (Ebon Moss-Bachrach), as trocas afiadas de Natalie (Abby Elliott) com Francie (Brie Larson roubando a cena com apenas alguns minutos de tela), ou o humor involuntário do sempre caricato Computador (Brian Koppelman). São intervalos que aliviam a pressão sem quebrar a densidade; porque até em meio ao caos existe espaço para rir.

Esse tom leve também aparece nas participações especiais, que desde o ano anterior ganharam um caráter quase de evento. O desfile de estrelas – Olivia Colman, John Cena, Sarah Paulson e Will Poulter – poderia facilmente soar como fan service gratuito, mas esses nomes entram em papéis pequenos e precisos, que acrescentam textura sem tirar o foco principal.

O gran finale da quarta temporada é um daqueles momentos que fazem valer todo o percurso: Carmy finalmente admite que a cozinha sempre foi um escudo contra a dor, e que agora precisa descobrir quem é fora dela. A conversa dele com Richie, diante de Sydney, é o ponto mais poderoso da série até aqui – dois homens emocionalmente travados tentando, com todas as falhas e pausas, articular o que sentem. 

A atuação de Jeremy Allen White e Ebon Moss-Bachrach chega ao ápice, transformando silêncios em declarações. O abraço de Natalie, em lágrimas, sela essa despedida como síntese deste ciclo: aceitação, enfim. É a felicidade genuína de ver que ele finalmente está mudando seus hábitos destrutivos – um gesto que ecoa desde o segundo episódio, Soubise, quando lhe disse que não havia problema se ele tivesse perdido a paixão pela culinária.

Mais do que uma série de cozinha ou um drama sobre luto, The Bear sempre foi, e continua sendo, uma história sobre família no sentido mais amplo: biológica, escolhida e profissional, entrelaçadas em laços de amor, rancor e cuidado. Seja em momentos intimistas como a conversa debaixo da mesa no casamento de Tiff (Gillian Jacobs) – um dos melhores fragmentos de todas as temporadas – ou nas decisões mais pesadas de Carmy, a produção mostra que o que importa não é só para onde vai o restaurante, mas sim: “Quem somos quando paramos de cozinhar no automático?”

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Davi Marcelgo

Em 2019, enquanto o mundo se encantava com Vingadores: Ultimato durante o verão americano, em Janeiro daquele mesmo ano, Vidro de M. Night Shyamalan chegava aos cinemas, porém com a recepção bem menos calorosa em comparação ao apogeu do MCU. Sem pirotecnia ou confrontos de seres megalomaníacos, a terceira parte da trilogia encabeçada pelo ‘novo Spielberg’ se manteve no cerne da filosofia de super-heróis e regressou às origens das histórias infantis. Distraídos pela viagem no tempo de Capitão América e equipe, o público não soube ‘dar muita corda’ ao filme, mas por quê?  

Ora, Ultimato era o assunto mais comentado e o Universo Cinematográfico Marvel já tinha seu alicerce. A resposta que parece fácil, não é. Os filmes da ‘Casa das Ideias’ foram, sim, o principal fator para o ofuscamento de outras produções de heróis na época, principalmente o da conclusão de uma história que não era uma adaptação iniciada em 2000 e esquecida nas prateleiras pelos amantes da nona Arte. Shazam! também foi afetado, estreou junto de Vingadores e não alcançou nem 400 milhões de dólares em bilheteria contra mais de dois bilhões de Ultimato. Entretanto, há outra ‘pedra no sapato’: os motivos para Vidro não ter agradado aos paladares de, até mesmo, os aficionados pelo subgênero de super-heróis. Essa resposta é um pouco mais complexa e envolve muitos nomes. 

Junto de Corpo Fechado, os X-Men ganharam seu primeiro filme também no início do século, diferente do longa protagonizado por Bruce Willis, o diretor Bryan Singer renunciou as cores salteadas e o espírito infantil dos quadrinhos dos mutantes. Ao invés do colã colorido, optou pelo couro preto a lá Matrix (1999). Não só ele como Demolidor – O Homem sem Medo (2003) beberam muito das ideias das irmãs Wachowski. O maior nome que nadou contra a tendência ‘emo vestindo preto’ foi a trilogia do ‘Teioso’ de Sam Raimi que, curiosamente, ironizou a moda em Homem-Aranha 3. Tudo bem, eram outros tempos, o público desse tipo de filme ainda não tinha se consolidado e, para retorno financeiro, apostar em abordagens semelhantes do contexto Hollywoodiano era o caminho seguro.

Christopher Nolan e Zack Snyder também têm certa culpa na escalada do Cinema de heróis se afastar cada vez mais da sua origem colorida e infantil. O vencedor do Oscar com sua trilogia do Cavaleiro das Trevas (2005-2012) preferiu ser um thriller policial, deu um uniforme tático ao ‘Morcegão’ e jogou fora qualquer aspecto circense do Coringa. Snyder, que já tinha dirigido o ‘sombrio’ Watchmen (2009), fez de tudo para ser um diferencial no mercado e, em oposição à Marvel, dirigiu O Homem de Aço (2013) e Batman vs Superman: A Origem da Justiça (2016). O ex-publicitário, para não soar juvenil, emendou filosofia, religião e frases densas para soar sério, o tiro saiu pela culatra e acabou sendo púbere ao não conseguir lidar com tantas questões. O subgênero, tanto no cinema quanto fora dele, ficou mais sisudo: de gibi, passou-se a chamar rebuscadamente de graphic novel.

Não há problema algum em querer ser sério, ter uma abordagem mais ‘adulta’ e se afastar da estética quadrinho (até a própria indústria das comics fez isso com Frank Miller e Alan Moore quando escreveram Demolidor e Watchmen, respectivamente, na década de 1980). A Marvel nos cinemas, por mais que se aproximasse de uma abordagem mais espalhafatosa, cheia de ‘piadinhas’, segurava (e muito) o freio. Tudo era programado, uniformes comedidos e pouco criativos visualmente, diga-se de passagem, o clímax de Vingadores: Ultimato, que seguiu na paleta acinzentada dos irmãos Russo, poderia ter ‘despirocado’ e ser uma explosão de cores.

No começo da ‘empreitada’, até houve uma certa vontade de algo antiquado por parte de Joss Whedon em Vingadores (2012), porém nada que fosse a caricatura de uma história infantil. Em suas 20 e tantas histórias, a Marvel se preocupou com a saga e não com uma linguagem ‘quadrinesca’. Seria exagero dizer que o filme de Shyamalan foi uma borboleta colorida da ficção pré-MCU, até porque o uniforme de David Dunn é uma capa de chuva verde-escura. Contudo, seria petulância dizer que não transborda a alma de gibi em seus 106 minutos de duração. O ponto é que Unbreakable (no original), Fragmentado (2016) e Vidro (2019) não são filmes de heróis de histórias em quadrinhos, mas sobre elas. 

Durante muito tempo, os quadrinhos da Marvel e DC Comics foram destinados ao público infantil com tramas sem muita elaboração, dotados de ‘verborragia’ incessante, mesmo assim esbanjava criatividade para fazer crianças desejarem vestir capa e máscara. O roteiro escrito por M. Night Shyamalan está longe de ser desprovido de requinte, ele aproveita os detalhes inerentes às décadas de 1960 e 1980 nas HQs e faz um pastiche coerente com a proposta. 

Há três elementos bem definitivos dos quadrinhos que estão presentes na trindade: nome, cores e a infância. O nome do protagonista David Dunn é inspirado em muitos personagens que também possuem nome e sobrenome com a mesma inicial, recurso chamado de aliteração. São eles: Reed Richard, Bruce Banner, Peter Parker, Susan Storm, Stephen Strange, Lois Lane e Matt Murdock, a lista é longa. Stan Lee, co-criador de muitos desses personagens, já revelou em entrevista que o real motivo para isso era só sua fraca memória. Porém, a figura de linguagem também pode ser utilizada para criar ritmo e é utilizada na educação infantil. Para as crianças, memorizar palavras com sons parecidos também é mais fácil. 

As cores de Dunn e Elijah Price (Samuel L. Jackson) são secundárias e se complementam, não no sentido de cores complementares, mas sim na dinâmica das HQs. Muitos vilões têm como cor o verde e o roxo, associadas ao nojo, ganância e veneno, características más. O Homem-Aranha tem uma vasta lista de antagonistas com fantasias dessas tonalidades: Duende Verde, Mysterio, Lagarto, Abutre, Escorpião e Homem-Areia. Claro que, na época, havia uma questão envolvendo as limitações de impressão, bem como se trata de  um detalhe narrativo. Tanto que são cores em oposição às primárias que os heróis usam, como o azul e vermelho.  

São poucos heróis que usam tons de roxos, o maior exemplo é a Ravena dos Jovens Titãs, ela tem relações com um lado sombrio, portanto foge do comum em protagonistas de quadrinhos. Já o verde é mais presente em célebres: Lanterna Verde, Hulk e Arqueiro Verde. Tudo isso está presente em filmes das lendas, porém, mais como uma repetição do material original do que realmente uma escolha pensada para contar o que quer ser contado. Shyamalan busca, em páginas de nanquim, a forma da sua trilogia. David Dunn usa verde e o vilão Sr.Vidro (Samuel L. Jackson) veste roxo, eles estão conectados por lados opostos de uma balança, o indestrutível e o frágil. Então, é cabível que eles utilizem as cores vistas em uniformes.  

Já os personagens interpretados por James McAvoy (Kevin Wendell, suas outras personalidades e a Fera), são contornados pelo amarelo, tanto na calça utilizada por ele quanto nos pôsteres de divulgação de Vidro. Dá para atribuir muitos significados a ela: perigo por representar uma ameaça física a Dunn ou por ser a cor da conscientização à saúde mental e, até mesmo, o amarelo ser complementar ao roxo. Os inimigos aliados vestem cores que rimam. 

Os três personagens usam suas cores até em roupas que não são os seus uniformes. Em grande parte da obra, eles vestem peças do hospital psiquiátrico em que foram presos e os tons correspondem aos protagonistas. Parece uma ideia retirada direto da série de TV dos Power Rangers, lembrando quando Jason usava ‘regatinha’ vermelha em todo canto. 

Se nas ‘revistinhas’ as crianças eram influenciadas pelos personagens, nestes filmes, quem são influenciados por elas e pela infância, ou ausência dela, são os protagonistas. Vidro retoma a ideia perdida de que heróis são para crianças. A motivação do Sr. Vidro é criar um grande confronto no ponto mais alto da cidade para provar que sobrehumanos existem e que as histórias que ele cresceu lendo existem de verdade. David Dunn é motivado e se torna herói pela aproximação com o filho, que, mais velho, passa a ser o ‘nerd da cadeira’ dele. As personalidades de Kevin Wendell aparecem depois da morte do pai e os frequentes abusos da mãe, são elas que o protegem. No caso de Elijah, os personagens de gibi são sua proteção num mundo perigoso para ele, em que uma simples brincadeira é motivo dos seus ossos serem moídos. 

Fragmentado (2016) é um suspense que se disfarça de filme de ‘super-vilão’ em seus últimos minutos, quando a Fera desperta e M. Night Shyamalan o grava de costas, na altura do ombro, como se estivesse filmando o Hulk. Como também nas cenas de demonstração de força que abrem um abismo em comparação à capacidade física das reféns de Kevin Wendell. Porém, o ‘pulo do gato’ está na conexão entre um filme e outro. Só dá para saber que o thriller é uma sequência do longa de 2000 quando David Dunn aparece na última cena. 

Revisitando, nota-se que o diretor faz alguns elos, seja na própria apresentação da força da Fera, que está à altura de Dunn, ou na cena final de Kevin, que aparece conversando em frente a um espelho – a primeira cena de Corpo Fechado, introduzindo Elijah, é filmada através de um reflexo. Enquanto a Marvel enchia de menções e aparições, Shyamalan foi mais sutil. 

A vilã de Vidro, Dra. Ellie Staple (Sarah Paulson) faz parte de uma organização que apaga da existência pessoas com habilidades especiais. Foi isso que muitos idealizadores acabaram por fazer ao longo dos 20 anos de ‘boom’ do subgênero: apagaram as origens do mundo da invenção das crianças, histórias feitas para elas terem alter-egos. 

A trilogia de M. Night Shyamalan é uma reflexão sobre o gênero, a mídia e os arquétipos. Ela se distancia do que estava sendo feito no Cinema de heróis antes, depois e agora. O público ficou acostumado com a estética Nolan-Snyder e com os enlatados do MCU que, no piloto automático, esqueceu de pensar um pouco mais em toda unidade de Vidro. O filme é a conclusão perfeita para uma trilogia e um manifesto apaixonado por gibis. Para aqueles que ainda não viram ou não revisitaram desde 2019, vale abrir de novo a janela, agora com menos alvoroço por joias do infinito, referências e histórias “grandes demais para mentes pequenas”. 

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Arthur Caires

Há 5 anos, Debbie Ocean (Sandra Bullock) disse: “Se for ele é notado, se for ela é ignorada. E, pela primeira vez, queremos ser ignoradas”. Em Oito Mulheres e um Segredo, requel da sequência de filmes Onze Homens e um Segredo, a fala é a explicação do porque a criminosa deseja apenas mulheres em seu time para roubar um colar de diamantes de US$150 milhões durante o prestigioso Met Gala em Nova York. Para além disso, é uma declaração de que não se trata apenas de uma versão feminina do longa original, aqui, ser mulher é essencial para que o plano dê certo.

No filme lançado em 2018, a irmã do vigarista dos primeiros filmes, Danny Ocean (George Clooney), assume o protagonismo em sua própria trama criminosa. Após passar alguns anos na prisão, Debbie concebe a ideia de um roubo perfeito em forma de vingança. Para concretizar seu plano, ela reúne um grupo de parceiras de renome, incluindo sua cúmplice Lou (Cate Blanchett), a estilista desiludida Rose Weil (Helena Bonham Carter), a especialista em joias Amita (Mindy Kaling), a hacker Nine Ball (Rihanna), a habilidosa Constance (Awkwafina), a estrategista Tammy (Sarah Paulson) e a atriz Daphne Kluger (Anne Hathaway).

Apesar de ter arrecadado mais de US$ 297 milhões em bilheterias ao redor do mundo, o impacto cultural da obra não foi imediato, mas sim construído ao longo do tempo. Isso se deve ao fato do enredo se basear em um dos maiores eventos do mundo: o Met Gala, baile da revista Vogue que acontece no Museu Metropolitano de Arte em Nova York, conhecido por reunir celebridades e influentes da moda. Por se tratar de um acontecimento anual, o filme dirigido por Gary Ross (Jogos Vorazes) sempre volta aos assuntos do momento quando essa época se aproxima, aumentando sua iconicidade a cada edição do espetáculo, incluindo diversos memes nas redes sociais.

As próprias atrizes do longa já compareceram ao evento – não há um ano em que pelo menos uma delas não esteja presente. Além de Rihanna, que a esse ponto já é uma peça honorária da noite, Anne Hathaway e Sarah Paulson frequentemente também estão nos holofotes do tapete vermelho do Met. Isso faz com que a relevância da produção esteja sempre em alta, pois a associação com o contexto do filme é clara e direta.

Com uma taxa de aprovação de 69% pela crítica especializada e 47% pelo público no agregador de notas Rotten Tomatoes, Oito Mulheres e um Segredo pode não ser o melhor filme de Hollywood em termos de história, mas supera as expectativas em relação à qualidade de sua proposta: entreter. O longa é ideal para ser apreciado com bons queijos e vinhos, oferecendo uma comédia sutil e inteligente que nos leva a gargalhadas inesperadas, mesmo que utilize saídas fáceis para problemas repentinos e não se aprofunde em complexidades narrativas.

Em destaque, temos como principal qualidade atrativa a química e a entrega das atrizes. É muito satisfatório ver Sandra Bullock contracenando com suas amigas talentosas de longa data Sarah Paulson e Cate Blanchett. Além disso, Mindy Kaling e Awkwafina são um ótimo alívio cômico para a produção, juntamente com Anne Hathaway, que volta mais uma vez para uma trama envolvendo a icônica revista Vogue. E, claro, Rihanna, a rainha do Met Gala não poderia ficar de fora.

Além do elenco principal, Oito Mulheres e um Segredo reserva várias aparições surpresas ao longo de seus 111 minutos de duração. Elliott Gould e Qin Shaobo, que estiveram presentes em Onze Homens e um Segredo, trazem uma dose de nostalgia para os fãs da série original. Para elevar ainda mais o nível de A-Listers, o filme conta com a presença das irmãs Kardashians, Anna Wintour, Serena Williams, a brasileira Adriana Lima e muitos outros. Essas participações especiais contribuem para aumentar a diversão e a autenticidade do filme, uma vez que capturam de maneira precisa a essência do Met Gala como um dos maiores encontros de celebridades do mundo.

Como uma ‘versão feminina’ da franquia Onze Homens e um Segredo, Oito Mulheres e um Segredo aborda o feminismo de maneira implícita e sutil, sem buscar se rotular como tal. O filme evita uma abordagem vazia e se concentra em empoderar as mulheres de forma direta. Em vez de se prender a debates e discussões sobre o movimento, a narrativa se concentra em mostrar figuras fortes, independentes e habilidosas, que estão no controle de sua própria história, sem perder a elegância e o charme.

Para trazer essa fineza, dois elementos são cruciais para essa construção: o figurino e a trilha sonora. Os visuais icônicos, assinados por Sarah Edwards, contribuem para a identificação das personagens, entregando o que o contexto do longa pede. Aliadas a isso, as músicas escolhidas para ambientar o telespectador apresentam uma combinação harmoniosa, embalada por uma seleção eclética que inclui Johann Sebastian Bach, The Notorious B.I.G. e Amy Winehouse – além da escolha perfeita de These Boots Are Made for Walking, de Nancy Sinatra, em uma das cenas finais.

Embora uma sequência de Oito Mulheres e um Segredo não seja estritamente necessária, certamente seria recebida com grande entusiasmo pelos fãs. Em uma entrevista recente ao portal Screen Rant, Sandra Bullock mencionou que a realização de uma continuação dependeria da presença de uma diretora e roteirista incrível – alô, Greta Gerwig! Afinal, se Onze Homens e um Segredo ganhará mais uma produção, estrelando Margot Robbie e Ryan Gosling, por que o time feminino, que teve tanto sucesso nas bilheterias, não recebeu uma até agora?

Neste aniversário de 5 anos de Oito Mulheres e um Segredo, é importante destacar que apesar do enredo e do plano infalível de Debbie Ocean não serem aprofundados, a obra cumpre seu papel. Tudo acontece da maneira certa e sem nenhuma dificuldade, o que acaba deixando o suspense de lado. No entanto, como são mulheres em ação, é de se esperar que nada dê errado.

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Nathalia Franqlin

Ratched é a nova série de Ryan Murphy que chegou em setembro na Netflix, com uma primeira temporada que conta com 8 episódios. Estrelada por Sarah Paulson como a enfermeira Mildred Ratched, a produção traz a assinatura de Murphy em cada camada. Com figurinos e cenários impecáveis, extravagantes e coloridos, a trama se passa, majoritariamente, em um hospital psiquiátrico de luxo numa cidadezinha no litoral dos Estados Unidos, no final da década de 1940, após a Segunda Guerra Mundial. Aqueles que já conhecem o trabalho do produtor podem identificar elementos comuns com outras de suas obras, como American Horror Story e até mesmo Pose. 

A trama se baseia no romance de Ken Kesey, Um Estranho No Ninho (1962), e no filme de mesmo título, dirigido por Milos Forman, lançado em 1975. Nessas obras, conta-se a história de Randle McMurphy – vivido no cinema por Jack Nicholson -, um homem de espírito livre que tenta se livrar da cadeia passando-se por um louco. Entretanto, ele entra em conflito com a enfermeira Mildred Ratched – interpretada por Louise Fletcher –  que encabeça, de forma autoritária, o hospital psiquiátrico em que ele foi confinado. Na série de 2020, o foco agora é na enfermeira tirânica. A história se passa anos antes dos eventos de Um Estranho No Ninho, e pretende humanizar essa personagem que, por mais de 50 anos, se martirizou na cultura pop como um símbolo de crueldade e perversidade. 

A atuação de Sarah Paulson está impecável, como já era de se esperar. A atriz vive esse projeto encontrando colegas de outros trabalhos, como o próprio Ryan Murphy e o Finn Wittrock, que interpreta o personagem Edmund Tolleson. Outras performances que merecem destaque são: a de Judy Davis, que vive a careta enfermeira-chefe Betsy Bucket; Sharon Stone, que está radiante no papel de Lenore Osgood, uma milionária excêntrica em busca de vingança; Jon Jon Briones, na pele do médico Richard Hanover; e Sophie Okonedo, que vive Charlotte Wells, uma paciente com transtorno de personalidade responsável por grandes reviravoltas.

A cromática da série vai para além da estética propriamente dita. Tantas cores vívidas tornam a perversidade e a violência explícita muito mais viscerais, levando uma sensação de mal-estar até mesmo para o público menos sensível. O jogo de cores em cada episódio de Ratched se torna um experimento de criatividade e interpretação para quem assiste. Apenas na primeira semana de lançamento, já foi possível encontrar pessoas em fandoms das redes sociais discutindo e especulando sobre os possíveis significados das intrigantes cores totais em algumas cenas. É interessante como a equipe de Ratched conseguiu dar um tom quase macabro para uma sequência tão colorida e viva.

Ao longo dos episódios somos apresentados a um mundo peculiar, com cenas de marionetes tétricas, fetiches sexuais bizarros e experimentos perversos, que subvertem o ser humano ao limite do que é, de fato, apenas o ser humano. O que mais incomoda, propositalmente, nesses elementos é a verossimilhança deles com o mundo, o realismo da produção faz com que o espectador atravesse para dentro da tela e sinta empatia pelos personagens. Isso acontece porque Ratched carrega críticas a comportamentos sociais que são componentes compartilhados entre a realidade e a trama ficcional, como o racismo sofrido por personagens não brancos, o machismo e a homofobia naturalizados em um ambiente conservador dos EUA na década de 1940, a exploração infantil carregada de perversidade que a protagonista sofreu, entre outros.

Como, infelizmente, nem tudo é perfeito, Ratched também tem seus pontos fracos. Começando pelo roteiro, que apresenta algumas falhas e, em alguns casos, parece que a direção de fotografia da série foi o foco da produção – porque ela é, de fato, impecável – e o texto ficou em segundo plano. Ao longo da trama, alguns tópicos são levantados e deixados em aberto, dando a sensação de descontinuidade e quebra de ritmo ao decorrer dos capítulos. Há cenas que poderiam simplesmente não existir, como, por exemplo, um telefonema entre Ratched e Lenore, que toma tempo dos episódios e faz com que não sobre para o desenvolvimento de outros conflitos, que acabam chegando em uma solução de maneira supérflua e mal resolvida.

Além do mais, há questionamentos sobre qual deveria, de fato, ser o episódio final da série. O sétimo cumpriria perfeitamente a função de fechar o enredo e dar abertura para uma nova temporada, já que o oitavo se esforçou para arrastar a história, na tentativa de criar um novo clímax e prender a audiência para o próximo ano. Mas, com isso, acabou pecando por excesso e criou um final desgarrado, pouco satisfatório, e que dá espaço para novos conflitos, mas que não encerra pendências apresentadas anteriormente.

Saindo dos problemas de roteiro, uma crítica comum entre os fãs do clássico Um Estranho no Ninho é a de que essa nova Ratched de Ryan Murphy é extremamente diferente da enfermeira maligna do filme de 1975, tanto em personalidade, como no próprio estilo da protagonista. Entretanto, esse é um defeito que ainda pode ser resolvido. Por ser uma história de origem já é esperado que a personagem tenha longos arcos de desenvolvimento até chegar na personalidade do tempo presente. Tudo depende de como será o andamento das próximas temporadas.

Apesar de tudo, tais problemas afetam pouco a qualidade da trama no geral. Ratched continua sendo uma obra instigante, com uma fotografia primorosa e que, ao final de cada episódio, deixa um gostinho de quero mais. Para os fãs carentes de American Horror Story, este é um presentinho de Ryan Murphy. Essa é a produção indicada para ser maratonada em um final de semana, por aqueles que tenham o estômago forte e gosto pelos clássicos. Até o momento, espera-se que a série seja renovada para quatro temporadas, amarrando o final com Um Estranho no Ninho, e dando o desfecho que todos os espectadores merecem.

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