Lucas Barbosa

Após 72 anos da sua última grande produção nos cinemas, A Odisseia volta a grande tela com a magnitude de um poema épico da Grécia Antiga, o texto de Homero conta através de memórias a saga de Odisseu, Rei de Ítaca, que após a Guerra de Tróia, fica 10 anos na tentativa de voltar para sua terra natal. Coube a Christopher Nolan a responsabilidade de produzir, roteirizar e dirigir uma das maiores obras da humanidade. E para quem fez Interestelar (2014) e Oppenheimer (2023) é a garantia de um filme com todo o esplendor que a história precisa: Grandes navios, armaduras gigantescas, monstros grotescos, e uma fotografia primordial. O problema disso? A obra se simplifica em um filme de ação e em certo modo foge do épico mitológico do poema homérico.

Nolan tinha uma obra complexa para produzir, com uma estrutura narrativa que foge da ordem natural de três atos que já estamos acostumados a ler em livros e ver nos filmes. É um poema pautado em flashbacks e em relatos subjetivos, e assim o longa foi produzido. O filme propõe uma história que se baseia nas lembranças tanto de Odisseu (Matt Damon), quanto dos personagens que o acompanharam antes, durante e depois da guerra. Porém, o roteiro enfraquece certas relações entre o próprio protagonista com as divindades dentro da obra, foi mais adaptável a um conceito muito mais contemporâneo de herói e vilão, enfraquecendo uma relação lógica de Odisseu, que não era o guerreiro mais forte, mas que tinha mais astúcia dentro do campo de guerra, habilidade essa que foi pouco explorada, deixando exposta apenas uma força física que praticamente não existia.

Existe um problema que aconteceu também em outros filmes roteirizados pelo Nolan: a dificuldade em escrever personagens femininos. Penélope (Anne Hathaway) não é a personagem passiva que chorava pela saudade de Odisseu, toda a narrativa dos pretendentes pela mão da Rainha de Ítaca é uma das mais importantes para toda a obra, não teve nada além de uma personagem que sofria pela partida do marido sem explorar a complexidade e inteligência da Rainha. A presença de Atena (Zendaya) também é muito enfraquecida dentro do longa, se tornando uma personagem de suporte emocional para Odisseu, ao invés de uma divindade importante para a obra.

Por final, a trajetória de Odisseu se transformou quase em uma jornada do herói, com as suas lembranças sendo o principal motor para o entendimento do filme, mas essas memórias reaparecem de forma distintas, pela relação de 7 anos de prisão do Odisseu pela Calipso (Charlize Theron) na Ilha de Ogígia, em que ele frequentemente comia Flor de Lótus. E quando acontece seu retorno a Ítaca, descobre que seu filho Telêmaco (Tom Holland) será atacado pelos pretendentes da mão de sua esposa a mando de Antínoo (Robert Pattinson) que pode ser declarado como o grande vilão do filme. E no fim, após conseguir salvar o filho, voltar a Ítaca e vencer o desafio do arco, elimina os rebeldes do seu reino, conseguindo sua redenção e partindo para o mesmo oceano que foi o seu maior desafio.  

A montagem feita pela Jennifer Lane é esplêndida, os momentos no palácio de Ítaca tem a tensão de um reino sem rei, a trilha sonora feita pelo Ludwig Göransson, é um ápice em toda a trajetória da Odisseia, consegue transmitir o vazio do oceano e também a tensão de uma guerra, tudo em uma mesma singularidade, os figurinos mesmo não sendo os mais fiéis a história e sua época, conseguem ser emblemáticos, a exemplo da Armadura de Agamenon (Benny Safdie), que mesmo sem nenhuma fala, sua postura e sua armadura emblemática são autoexplicativas.

Nolan sabe como produzir filmes que tem uma ação contínua e envolvente, o terror em todas as cenas com o cíclope polifemo é agoniante e sombria, e os momentos da Guerra de Tróia são violentos e sustentam uma velocidade dinâmica ao longa. Ao mesmo tempo, reduz partes drásticas da história para defender um simbolismo não apenas heróico, mas uma meia culpa sentida por Odisseu no momento em que ele percebe que a construção do Cavalo foi o estopim para o fim da Era do Bronze e um começo da Era de Escuridão.

A Odisseia de Homero é uma história muito complexa, e seus personagens trazem uma profundidade imensa que o poema necessitava, A Odisseia de Nolan é uma guerra dos pensamentos de um herói arrependido, onde todos ao seu redor ficaram rasos, sem a expressão necessária para um poema épico, como um filme de ação é excelente, empolgante e tem uma tônica que uma guerra precisa, mas a história falha na tentativa de fazer de uma pessoa ardilosa, um cavaleiro heróico.

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Guilherme Machado Leal

“O amor é cego” e “o amor vence tudo” são provérbios populares usados aos montes por aqueles que veem o romance como algo incondicional. De fato, em alguns casos, ele pode ser. Mas o que fazer quando você descobre algo problemático sobre a paixão da sua vida dias antes do casamento? Essa é a história que O Drama pretende contar aos espectadores durante os 105 minutos que marcam o longa-metragem.

No meio de um dia corriqueiro e cheio de afazeres, Charlie (Robert Pattinson) para em um café e se encanta com Emma (Zendaya), que lê um livro e aproveita o momento de descanso. Inicialmente, ele tenta falar com a moça, porém é ignorado. Isso porque ela usa fone de ouvido e por conta de sua deficiência auditiva no lado direito do ouvido. Com o objetivo de se aproximar da jovem, o rapaz finge saber sobre a obra literária e, a partir disso, os dois interagem. 

Anos se passam e os protagonistas estão prestes a se casar. Ensaios fotográficos, criação dos discursos da noiva e do noivo e a escolha das comidas, bebidas e da música que irão tocar no dia especial preenchem a semana atarefada do casal, que tem como padrinhos a dupla Rachel (Alana Haim) e Mike (Mamoudou Athie). Durante um dos compromissos pré casório, o quarteto decide brincar de “Qual é a pior coisa que você já fez na vida?”.

Atos como bullying e artimanhas infantojuvenis marcam o papo acompanhado por doses de vinhos. No entanto, a partir da revelação de Emma, tudo até aquele momento passa a ser questionado pois, na adolescência, a protagonista chegou a tramar um massacre na escola que estudava, mas desistiu ao perder a audição devido ao barulho provocado pelo disparo da bala quando fazia testes. Assim que conta o maior pensamento que já passou pela cabeça, ela entende que o seu casamento e a maneira como é vista por terceiros mudará para sempre.

Embora tenha como tema central de sua narrativa a discussão sobre a política de armas dos Estados Unidos, o roteiro e direção de Kristoffer Borgli utilizam da situação para garantir o tom cômico da história. Seja pelo uso do verbo shoot (atirar no inglês) em uma das cenas mais divertidas do longa – quando uma fotógrafa utiliza o verbo para falar a respeito das fotos que podem ser tiradas com parentes e amigos, mas Charlie associa a palavra ao ato de disparar uma bala – ou pela quantidade de produtos, como canecas e camisetas, que referenciam materiais de armamento, as paranóias de Charlie se alastram pelas áreas de sua vida. Antes, a noiva era sinônimo de perfeição, novidade e calmaria. Agora, ele não a reconhece, tem medo dela e pensa se algum dia conheceu aquela que será a sua esposa nos próximos dias.

Utilizada como bússola moral da produção, a personagem principal segura o tranco daqueles que tinha como família: Rachel está descontente com o que escutou e o seu futuro marido não se sente mais confortável de ficar ao seu lado. A partir dessa situação problema, há a questão que o filme tenta solucionar: você se casaria com alguém mesmo após descobrir um segredo perturbador dessa pessoa? Em um dos papéis mais interessantes de sua carreira, Zendaya interpreta uma mulher tímida, encantadora e inexplicável. Como essa jovem adulta com o emprego e o noivado perfeitos seria capaz de entrar em uma escola e matar os colegas durante uma época de sua adolescência?

Com uma sucessão de momentos desconfortáveis, o clima é criado para ser atingido no ápice do casamento em uma das tradições mais convencionais de festas como essas: o discurso do recém casal. Aqui, a comédia de constrangimento é clássica e bem retratada. Após a destruição do que era para ser a noite mais especial de suas vidas, Charlie e Emma se encontram por acaso em uma lanchonete e se apresentam novamente como se não se conhecessem. 

Você não sabe se os dois terminarão juntos, se ela vai ser perdoada ou se essa marca a seguirá para sempre, mas o texto de Borgli e a química das estrelas hollywoodianas te fazem embarcar na história e pedir por mais. Sim, o que ela pensou em fazer é errado, condenatório e deve ser repreendido. Entretanto, o cineasta tenta ampliar a dicotomia provocada pelo duelo entre imaginar e de fato realizar. Emma pode ser perdoada pelo momento mais sombrio de sua vida? Dá para uma pessoa que é amada por tantos na vida adulta seguir em frente após o seu passado tenebroso marcado pela solidão?

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Guilherme Moraes

Devido à greve dos atores e roteiristas, e da tentativa do estúdio de levar para o IMAX, Mickey 17 mudou a data de estreia várias vezes, inicialmente planejado para Janeiro, depois mudando para Abril e sendo lançado, antecipadamente, em Março. O longa finalmente chegou às telonas como o primeiro filme de Bong Joon-Ho após a histórica vitória de Parasita no Oscar de 2020. Assim como seu antecessor, o coreano manteve sua veia política, mas, desta vez, focado na eleição norte-americana entre Donald Trump e Kamala Harris. Contudo, em oposição à sua obra mais celebrada, este não consegue criticar o capitalismo de maneira produtiva, além de não sustentar a diversidade de temas, principalmente pela sua abordagem.

Mickey (Robert Pattinson) é um ‘descartável’, ou seja, uma pessoa que pode morrer, pois será reimpresso no dia seguinte com todas as suas lembranças de outras vidas. Nesse sentido, a companhia para a qual ele trabalha o utiliza para experimentos e atividades perigosas que podem culminar em morte, o que normalmente acontece pela natureza da relação de Mickey com a empresa.

O personagem de Robert Pattinson ilustra a relação do empregado com o empregador, uma representação do sistema capitalista com a classe trabalhadora. Todo o conceito de descartabilidade funciona muito bem, são críticas bem diretas e bem pontuadas. Inicialmente, o diretor lida muito bem com o tempo e a estrutura da narrativa para fortificar seus pontos, partindo para uma humanização de um personagem excêntrico, desde os seus sentimentos em relação às pessoas e o mundo, até os conflitos que ele tem na Terra, como dívidas com agiotas. Aliás, foram os débitos que levaram Mickey a virar um ‘descartável’. Bong Joon-Ho é muito certeiro ao colocar a violência das cidades urbanas como motivação para se submeter a um processo que a torna um objeto, uma ‘não pessoa’. O protagonista se vê encurralado diante do mundo contemporâneo.

Todavia, o longa funciona até o momento em que o Mickey 17 se encontra com o seu ‘sucessor’. A partir daí vira uma bagunça e se perde ao abraçar diversas temáticas e tomar diferentes direções narrativas que nunca se desenvolvem, de fato. Ascensão da extrema direita, questões ambientais, abuso nas relações e a vida dentro do ambiente de trabalho; são muitas proposições que, apesar de cercarem o mesmo objeto – capitalismo –, dificilmente encontram um caminho em comum para a história. 

Mickey 17 não é só enxuto, mas também não confia em seu espectador, ao ponto em que, por vezes, precisa jogar na cara o que está tentando propor. Em dado momento, no jantar entre Mickey, Kenneth (Mark Ruffalo) e Ylfa (Toni Collette), Bong Joon-Ho e Darius Khondji (diretor de Fotografia) dão um close em uma insígnia que remete a uma suástica. Ou seja, não existe crença de que o público irá entender de que se trata de uma paródia à extrema direita, mesmo que os personagens sejam óbvios.

É preciso destrinchar ao máximo sobre a profusão de temas, visto que, ela em si não é o problema, porém, gera consequências que atrapalham a experiência fílmica. The Shrouds (2024), por exemplo, tem assuntos em abundância. Entretanto, a abordagem mais desafetada e, definitivamente, cínica e irônica, dão sentido a essa ‘pegada’ nonsense. David Cronenberg se apresenta mais seguro sobre o que quer e como fazer. O caso do sul-coreano é diferente. Ao mesmo tempo que o filme fica ‘dando a pinta’ de ser mais inteligente do que realmente é – de forma parecida com Não Olhe para Cima (2021) –, ele também aparenta estar menos certo sobre os caminhos que toma, ficando entre a caricatura, a seriedade e a comicidade, o que até dá uma dinâmica, mas nunca consegue se definir.

O lado mais burlesco fica por conta do Mark Ruffalo, muito parecido com o papel dele em Pobres Criaturas (2023), em uma tentativa de emular Donald Trump. A mera presença do antagonista em cena já a torna menos interessante, por ser óbvio, feio e raso em suas intenções e críticas. Toni Collette acompanha o ritmo de Ruffalo, sendo o total o oposto de seu papel em Jurado N°2 (2024). Esse lado da obra não casa com as construções visuais mais desgastadas, sérias e frias dos ambientes que Mickey frequenta. É como se fossem dois filmes distintos que, por vezes, se chocam e destes embates surgem comentários ‘mastigados’ para o público entender.

Ademais, existem complicações em relação a estrutura. Devido aos diversos assuntos presentes, o roteiro opta por uma série de acontecimentos, com o intuito de abranger a todos. Contudo, eles não se sucedem de maneira orgânica, soa muito conveniente como certas cenas vão sendo resolvidas, além de parecer uma acomodação para deixar a narrativa fluída. Como resultado, muitas tramas são jogadas de lado, como a relação entre Mickey 17, Mickey 18, Nasha (Naomi Ackie) e Kai (Anamaria Vartolomei), ou a questão de Timo e o personagem principal com o agiota.

O lado positivo fica por conta de Robert Pattinson que, mais uma vez, entrega uma atuação muito boa desempenhando diversos papéis em um só personagem. No entanto, o foco fica entre os Mickeys 17 e 18, que apresentam duas personalidades completamente diferentes. O morcego consegue lidar com as diferentes maneiras com que o medo se externaliza em ambos. O décimo oitavo, a partir da raiva, revolta e audácia. Enquanto o protagonista se encolhe, um tipo de personagem que ‘não esbarra em ninguém’, pede perdão, não incomoda, aceita as figuras expansivas e encontra seu lugar no canto, onde ninguém o vê. O ator enxerga o potencial do discurso em si, nos conflitos consigo mesmo – sejam eles internos ou externos –, sobre a situação exploratória e deprimente em que ele se encontra. 

A resolução final se dá a partir do amor, pode soar bonito, mas, na realidade, se torna condescendente com um discurso divulgado pelo cinema norte-americano a décadas. Não que isso seja um problema em si, porém, se torna contraditório, visto a intenção da fita. Se olharmos para as comédias românticas estadunidenses, normalmente todos os problemas do mundo se resolvem com amor. O ponto aqui é que, nestes universos, esta decisão é possível, é acatada, levando em conta o objetivo da obra. Parasita e Ruptura, obras críticas ao capitalismo, assim como este, também buscam o amor – não necessariamente o romântico –, contudo, eles aceitam a impossibilidade de grandes mudanças sistemáticas a partir dele e o tornam um ato de rebeldia.

Existe uma relação muito ímpar entre Mickey 17 e a segunda temporada de Ruptura. Além de serem lançadas, quase, paralelamente, as duas discutem sobre o ambiente de trabalho e a exploração. Entretanto, elas também parecem conscientes sobre a vida que é criada a partir destes lugares, ou seja, se por um lado, dentro do sistema capitalista é um local exploratório, por outro, também permite pessoas se conhecerem, formarem uma família para além do sangue e se apaixonarem. É o que acontece entre Mickey e Nasha, em contrapartida ao mundo externo cruel, sujo e solitário.

Apesar de ser um diretor de grandes obras, que vão além de Parasita, como Memórias de Um Assassino (2003) e O Hospedeiro (2006), Bong Joon-Ho decepciona em sua primeira fita após fazer história no Oscar 2020. Apesar dos ótimos atores presentes e de estar recheado de ideias interessantes, o longa se mostra frágil estruturalmente e problemático em sua concepção. Boas intenções não fazem, necessariamente, bons filmes.

Mickey 17 – Trailer Legendado

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Gabriel Oliveira F. Arruda

O anúncio de Robert Pattinson como o novo vigilante noturno da DC Comics provocou intensas reações entre os entusiastas mais fanáticos, desinteressados em separar o currículo extenso e impressionante do ator de seu papel como galã da saga Crepúsculo. No entanto, para aqueles de nós maduros o suficiente para não se importar com tal associação (o que é um morcego para quem já foi vampiro?), a expectativa para o novo longa só aumentou: afinal de contas, o que seria o Batman de Pattinson?

É claro, nem sempre essa versão do Cruzado Encapuzado pertenceu a ele. Dizer que o novo filme solo do protetor de Gotham City teve um desenvolvimento conturbado seria um eufemismo: o que antes seria uma história de ação estrelada e dirigida por Ben Affleck, após sua introdução no sisudo universo compartilhado de Zack Snyder, tornou-se uma nova interpretação de seu protagonista, no embalo de produções como o Coringa de Todd Phillips, completamente avulsa à qualquer ambição de universos expandidos. A difícil tarefa caiu na mão de Matt Reeves, diretor e roteirista responsável por desenvolver e terminar a trilogia de prequels de Planeta dos Macacos, mas que ganhou fama pelos terrores Cloverfield – Monstro e Deixe-me Entrar.

Batman (ou, numa tradução mais precisa de seu título original, O Batman) nos apresenta um vigilante ainda em início de carreira, afundado de cabeça em sua própria definição vingativa de justiça, mas que é assolado pelas dúvidas que sua vocação desperta. Tudo isso é intensificado pela aparição do Charada, um misterioso assassino serial que tem a elite de Gotham em sua mira, revelando segredos sobre a cidade que ameaçam destruir seus alicerces e jogá-la no abismo. Nesse cenário, somos introduzidos a algumas das figuras mais icônicas do cânone do Morcegão, tais como o comissário Gordon (aqui ainda tenente), a ladra Mulher-Gato e o criminoso Pinguim. Mas talvez nenhuma iconografia seja tão importante quanto a própria Gotham City.

Mas, afinal, “quando um homem é uma cidade?” Quando Gotham muda, seu guardião silencioso também deve mudar. Diferente do bilionário carismático que estamos acostumados a ver, Pattinson descreve sua versão de Bruce Wayne como um “esquisitão perdido”, isolado do resto da sociedade em sua caverna de segredos, onde ele planeja maneiras de extravasar sua raiva nos criminosos de Gotham, suas únicas companhias sendo seu leal mordomo, Alfred (Andy Serkis) e o cauteloso tenente Gordon (Jeffrey Wright), seu contato frágil com a polícia de Gotham e parceiro na investigação para achar o Charada. Embora nem tão brutal quanto o Homem-Morcego de Michael Keaton, há uma fúria contida neste que impulsiona sua performance além de qualquer outra interpretação em live-action.

Grande parte da trama lida com o propósito de sua identidade secreta e a razão que o leva a pôr a máscara, apesar de misericordiosamente não conter mais uma cena das pérolas de Martha Wayne se espalhando pelo Beco do Crime. Negando veementemente uma nova história de origem para o personagem, Reeves e seu co-roteirista, Peter Craig, exploram o nascimento do alter ego de Bruce Wayne através das dúvidas internas e de revelações chocantes que as extrapolam, conversando intensamente com o papel do herói como um símbolo de Gotham City, tirando lições do excepcional Batman: A Máscara do Fantasma.

Sem as constrições comuns a filmes de origem, Batman consegue se aprofundar com clareza em seu elenco coadjuvante, não apenas introduzindo rostos que terão mais desenvolvimento em futuros filmes ou séries, mas lhes dando espaço para agir dentro da trama e serem afetados por ela. Dentro de um gênero cada vez mais definido por blockbusters artificialmente longos e inchados, o longa de Matt Reeves é um dos raros casos em que sua duração de quase três horas se justifica na ambição por trás de seu tom intimista e sua visão monumental e detalhada de uma Gotham definida por contrastes.

Há um incrível elemento tátil em Batman. Seja o novo capuz costurado (junto de um uniforme marcadamente mais ágil que anteriores), o Batsinal em que o ícone do morcego parece ter sido martelado à força dentro de um holofote, ou o novo Batmóvel saído diretamente de Mad Max, a produção do longa reforça os elementos mais crus de sua fotografia, criando uma visão suja e incrivelmente fluida do mundo que seus personagens habitam. Indo de contrapartida à muitos dos preceitos visuais do gênero instaurados na última década com a ascensão do Universo Cinematográfico da Marvel, Fraser cria uma identidade única para um filme de super-herói, unindo referências díspares em uma coesão afiada e hipnotizante, catapultando-o diretamente para a vanguarda da próxima temporada de premiações.

Essa identidade também se estende na trilha sonora de Michael Giacchino, outro aspecto celebrado do longa que vem suscitando burburinho de Oscar para 2023. O experiente compositor (que já havia trabalhado com Reeves em Planeta dos Macacos: O Confronto e A Guerra) tece diferentes facetas do Batman, seus aliados e inimigos, bem como a própria cidade que os pariu, em uma procissão rítmica, alucinante e bombástica, refletindo as transformações emocionais de seu bilionário desajustado. O legado de Danny Elfman e Hans Zimmer continua intacto: ainda havemos de ouvir um tema ruim do Batman no Cinema.

No coração de sua história, Batman é um mistério, mas um no qual a identidade do antagonista é claramente menos importante do que a máscara que ele usa. Se afastando da energia maníaca de Jim Carrey na galhofa de Batman Eternamente, o Charada de Paul Dano é modelado com base no Assassino do Zodíaco, o infame serial killer que assolou a Califórnia ao final dos anos 60. Cobrindo seu rosto com uma máscara e óculos por cima, ele deixa códigos elaborados e cifras que apenas o Maior Detetive do Mundo (que finalmente conquista essa alcunha com suas deduções sagazes e um olhar minucioso) pode desvendar.

No entanto, apesar de suas inspirações realistas, a câmera o captura como vários dos assassinos icônicos do Cinema de Terror: na precisão fria de Michael Myers em Halloween, os jogos sádicos de Jigsaw em Jogos Mortais ou até mesmo nas ligações telefônicas e quizzes inesperados de Ghostface em Pânico, o filme utiliza esses arquétipos reconhecíveis em uma de suas combinações mais audazes, reintroduzindo um vilão caricato como um adversário temível e imprevisível. Porém, a violência inerente tanto ao slasher quanto ao noir aqui fica de lado devido aos aspectos comerciais do longa e sua classificação PG-13, impedindo que seu antagonista choque a audiência assim como choca Gotham.

Em uma performance psicopática, Dano faz do Charada um nêmesis à altura de Pattinson, refletindo algumas das piores tendências do herói e servindo como um cúmplice de seus defeitos. À todo momento a direção de Reeves acompanha os movimentos desses personagens com um olhar empático, notando suas semelhanças e criando a dualidade que os une: através de suas máscaras, ambos representam as falhas sociais e morais de Gotham, em níveis distintos, mas complementares, e denunciam suas verdadeiras identidades para o mundo. O conflito interno de Bruce Wayne ao ter de confrontar essa dicotomia deturpada está no cerne desta versão do personagem, que renega inteiramente sua persona pública em favor do Cruzado Encapuzado.

Com uma abordagem muito mais metódica e calculada que um blockbuster normal, o longa constrói maravilhosamente bem a tensão entre as figuras peculiares dessa cidade escorregadia. A introdução do submundo criminoso de Gotham não sai desse tom, com figuras como o Pinguim de Colin Farrell (irreconhecível em sua maquiagem cartunesca) e o Carmine Falcone de John Turturro servindo de ganchos narrativos para macular a visão em preto e branco que Bruce tem do mundo. Aqui, Matt Reeves captura habilmente um humor mórbido que não destoa do resto do longa, mas que reforça seus elementos mais bizarros, ajudando ainda mais em sua caracterização do espaço e das personagens.

É também durante essa introdução que conhecemos a Selina Kyle de Zoë Kravitz, que contracena explosivamente com o detetive taciturno de Pattinson (a química entre os dois não ficou apenas nas muitas capas de revistas). Apesar de ainda não ser exatamente a gatuna descolada que conhecemos dos quadrinhos, Kravitz acha a humanidade em suas motivações e, junto de Reeves, traça o arco narrativo mais forte da personagem no Cinema até então. 

Dona do tema que mais se assemelha ao noir, o relacionamento da personagem com o Morcego é, assim como nos quadrinhos, uma aliança tênue de objetivos, ditada pela necessidade, mas que se desenvolve em uma troca honesta de sentimentos. Seja quando lutam ou quando conversam através de suas máscaras, a atração entre os dois estoura em momentos chaves da trama e impulsiona ambos a serem melhores do que o mundo que os criou. Se o Charada é o espelho sombrio de tudo de pior que há no Batman, a Mulher-Gato é a pessoa que finalmente lhe oferece a chance de fazer a diferença e, talvez, salvar alguém.

O Batman de Matt Reeves é uma colcha de retalhos, uma tapeçaria de diferentes referências, que conversam umas com as outras em virtude da paixão que seus realizadores injetam em cada decisão criativa tomada na construção desta homenagem a uma das figuras mais duradouras da ficção. O orçamento de 200 milhões de dólares não se faz valer em sequências grandiosas de ação, mas no extremo cuidado e deliberação dado à caracterização de seus espaços e as pessoas que o habitam. Foi a primeira vez em muito tempo que, assistindo a um filme de super-heróis fantasiados, me senti conectado não apenas a eles, mas ao mundo que desejam tanto salvar.

É estranho, numa cultura tão obcecada com histórias de salvadores, o quão pouco nós os vemos efetivamente salvando pessoas que não sejam figurantes anônimos esquecidos na cena seguinte. Seria Batman uma resposta, uma vingança até, a essa apatia pelos mundos que abrigam essas figuras heroicas, mas que tão raramentGe praticam heroísmo, examinada por meio de seu protagonista tão fundamentalmente falho quanto a cidade que ele jura tentar proteger? Mas não, há amor demais, paixão demais, para que essa raiva o defina: quase que impossivelmente, ao final de seu mistério tenebroso, somos deixados com esperança.

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Vitor Evangelista

É uma pena que o filme mais comedido de Christopher Nolan tenha em sua bagagem a maior negatividade de sua carreira. Longa que, segundo o cineasta, salvaria o cinema depois da pandemia e das salas fechadas, Tenet traga a ingratidão de um realizador ególatra e de um público que já dá o play com desgosto nas entrelinhas. A obra por si só se diverte em tudo que Nolan construiu desde que estourou com Memento, no início do século: o tempo vira gelatina nas mãos e nas lentes do britânico, fascinado pela auto indulgência de sua falsa genialidade.

A personagem de Clémence Poésy até tenta explicar os conceitos de reversão temporal e inversão de ações para o protagonista, papel levado com honestidade e só um tiquinho de canalhice por John David Washington. A cientista loira, todavia, falha no primeiro momento que o soldado a questiona mais a fundo. É então que Christopher Nolan, até o momento ostentando uma ação de primeira qualidade e firulas magnéticas, parece botar o rabo por entre as pernas. “Você não precisa entender, só sentir”, escreve no corpulento roteiro de Tenet.

O filme é complicado, não restam dúvidas quanto à isso. Nolan não solta o osso na hora de embaralhar suas narrativas, seja na amnésia (que não é amnésia coisa nenhuma) da tradução de Memento, ou na maneira como o diretor injetou a megalomania do Coringa no ecossistema quase sedativo do nicho ‘filme de heróis’ em O Cavaleiro das Trevas. Um mestre em ser desgostado, ele nunca pareceu se abalar às críticas quanto à sua visão ou tato artístico, que são traços que afastam a audiência, o cinema de arte sendo vomitado no cinema popular. ‘Gêneros’ esses ridículos por natureza, já que não existe cinema que seja popular ou difícil, existem sim interpretações, níveis de entendimento e camadas.

Tenet é uma cartada de gênio por saber de todo o histórico de banana do realizador. Não existe respiro na sequência inicial, o filme começa antes de sequer conseguirmos nos acostumar com a barulheira que virá a seguir. Nolan, adepto religioso ao som de cinema e à ‘experiência de tela grande’, levou um chute na bunda quando percebeu que o lançamento de seu novo sucesso acabou coincidindo com o coronavírus, que fechou o mundo e, até hoje, não deu margem para uma volta segura aos estofados vermelhos, baldes de pipoca e curtos trailers de filmes que nunca vamos ver.

É fato que várias salas já reabriram e estão exibindo as duas horas e meia de Tenet, com direito à confusão e a gritaria, as frases de efeito soltadas a cada treze minutos e a elegante participação de Michael Caine, que interpreta, bem, um personagem chamado Michael. John David Washington nem esconde o sorriso de ledice quando se despede do eterno mordomo do Batman de Bale. Tenet é recheado desses atores de estimação de Nolan, dessa vez com papéis mais fora do convencional que o costume.

Se Kenneth Branagh passava Dunkirk (2017) inteiro olhando pro horizonte e explicando o que rolava para o resto do elenco, em Tenet ele assume o papel de vilão com sotaque europeu. E aí entra outra tecla que o filme bate tanto que até quebra o teclado: esse filme é uma aventura do James Bond que se esconde de ser uma aventura do James Bond. Fazem tantos anos que petições são assinadas implorando para Idris Elba pegar o papel do 007, e o filho de Denzel Washington chamou a responsa para si sem ninguém se dar conta. 

Branagh é o antagonista casca dura e astuto, e Washington dá vida à um genérico (mas carismático) agente tão secreto que esconde até suas motivações. O personagem sequer chega a ganhar um nome, e sempre é referido como ‘o protagonista’. Quer punheta cinematográfica mais digna de Nolan que isso? Só se mais cientistas aparecessem explicando conceitos básicos de física para outros cientistas, mas isso o diretor já fez em Interestelar. Para fechar o quarteto fantástico, Robert Pattinson e Elizabeth Debicki atuam sempre em suporte ao protagonista, mas a melação salda positivamente.

O ex-vampiro e futuro morcego é um ajudante de primeira, numa atuação que jogava seguro até demais para o que Tenet cultiva. As viradas temporais e a conceituação chegam aos montes, e se piscar, perdeu, mas a emoção e o coração nesse momento ficam maiores que a mente. Pattinson dá pirueta, corre da galera e dá tiro de tudo quanto é arma, guardando o maior deles para os segundos finais do filme, que no fundo adora um melodrama. Elizabeth Debicki, a próxima princesa Diana de The Crown, é o papel de quem assiste, ambiciosa e refém, a mulher se mostra uma joia rara, tanto dentro de Tenet quanto fora dele.

A humildade da obra não vai levar ele para longe, infelizmente. Tenet é o filme com que Nolan forçou abertura de cinemas com o coronavírus comendo solto, e sempre vai ser. Qualquer sonho de indicações principais no Oscar 2021 podem ser feridas por todos esses fatores, que dizem muito mais sobre a falta de caráter do diretor do que sobre os méritos do produto final. E, se relógio parado acerta duas vezes por dia, Christopher Nolan molda uma história labiríntica que não se sente na obrigação de esquentar a cuca de quem só quer se divertir.

A trilha sonora de Ludwig Göransson não nos faz sentir falta de Hans Zimmer, e a música de Travis Scott que embala os créditos finais coroa Tenet, não como o melhor filme de Christopher Nolan, nem mesmo o mais grandioso ou bem resolvido. Tenet é a prova de que o cineasta consegue brincar de fazer cinema, consegue filmar bem pra caramba sequências de ação e consegue cativar na breguice e na modéstia. Depois de Tenet, tenho esperança.

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Júlia Paes de Arruda

Não há dúvidas quanto ao sucesso das histórias emocionantes envolvendo o mundo de Harry Potter. O quarto filme da saga britânica, Harry Potter e o Cálice de Fogo, já deixa isso claro 15 anos atrás, quando faturou mais de 100 milhões de dólares em apenas três dias em cartaz nos Estados Unidos. É plausível dizer que essa conquista não veio dos novos cortes de cabelos que os atores, como Daniel Radcliffe e Rupert Grint, adotaram na época. Na verdade, é a partir desse filme que a trama mais sombria adentra no universo mágico com a chegada de Lord Voldemort.

Como já se é esperado, o novo ano em Hogwarts não é passível de tranquilidade. Dessa vez, a Escola de Magia e Bruxaria foi escolhida para sediar o Torneio Tribruxo, um evento lendário que seleciona alunos para competir tarefas mágicas. Além da escola de Harry, a Academia de Magia Beauxbatons e o Instituto Durmstrang participam juntamente nessa competição. 

Como o próprio nome diz, um aluno de cada escola é escolhido para disputar a Taça Tribuxo. Os nomes cuspidos pelo Cálice de Fogo para Beauxbatons e Durmstrang são, respectivamente, Fleur Delacour (Clémence Poésy) e Viktor Krum (Stanislav Ianevski). Em Hogwarts, Lufa-Lufa é a casa (finalmente) destacada graças a participação do gentil e encantador Cedrico Diggory (Robert Pattinson). Porém, esses ‘cinco minutos de fama’ são deixados de lado quando o Cálice misteriosamente seleciona mais um integrante para o torneio. Obviamente, Grifinória recebe os holofotes quando Dumbledore grita o nome de Harry Potter. 

A indicação de um universo mais sombrio começa a ser perceptível pela iluminação dos cenários, responsabilidade de Roger Pratt, desde a abertura até ao longo do próprio filme, que é dirigido por Mike Newell, com Steve Kloves adaptando o livro base. As cenas são primordialmente mostradas à noite, com muita neblina. Os raros acontecimentos à luz do dia são, em sua maioria, em tempo nublado com muitas nuvens. Um grande salto em comparação ao filme anterior, Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban, cuja abertura é seguida da elocução do feitiço de Lumus – usado para iluminar ambientes. 

A segunda indicação da trama sombria, um pouco mais subliminar, ocorre durante a Copa Mundial de Quadribol. A última fala do Ministro da Magia antes do início dos jogos é ‘que a mágica comece’, uma referência (ainda que parafraseada) ao mundo de Jogos Mortais. A partir daí, jogos enigmáticos com altas taxas de fatalidade passam a desenvolver a trama. No final das contas, o Torneio Tribruxo baseia-se num quebra-cabeça doentio, assim como os filmes de Jigsaw. 

Os momentos tenebrosos não ficam restritos apenas à competição. Paralelo a isso, a chegada de Voldemort está cada vez mais próxima. Os ataques dos Comensais da Morte no acampamento dos torcedores de quadribol, seguido dos registros no céu da Marca Negra do vilão, amedrontam a todos ao redor, especialmente o protagonista que havia tido pesadelos envolvendo o Lorde das Trevas. É nesse filme, inclusive, que sua personificação é mostrada ao público através da figura do ator Ralph Fiennes. 

Infelizmente, a obscuridade dos acontecimentos da ficção entrelaça a da realidade. As roupas usadas pelos Comensais da Morte no ataque após a partida de quadribol se assemelham às vestidas pela Ku Klux Klan em sua segunda fase, na década de 20. Os chapéus cônicos usado em rituais e manifestações se diferem da fantasia apenas pela cor e pela forma em que cobriam os rostos. A primeira distinção é a mais significativa. Costuma-se associar tons escuros como o preto, usado pelos seguidores de Voldemort, como sinônimo da malignidade. Contudo, o branco usado pelas organizações de ódio também demarcam o perverso. A defesa de seu discurso de supremacia não é apenas através das manifestação, em exemplo do caso 300 do Brasil no começo do ano em Brasília, mas também pelo seu caráter de disfarçar o bem através do mal. 

O filme também abre espaço para debater o jornalismo sensacionalista a partir da figura de Rita Skeeter (Miranda Richardson). Como forma de ganhar notoriedade no jornal Profeta Diário, a “repórter” escrevia histórias baseadas em informações falsas ou em distorções dos acontecimentos de seus entrevistados. A cena mais ilustrativa é a do abraço de Hermione (Emma Watson) e Harry: a bruxa, preocupada com a situação do amigo, vai até a tenda dos escolhidos para lhe oferecer apoio. Entretanto, Skeeter entende a situação como um ‘amor juvenil’ da menina inteligente pelo garoto sorteado. 

O ponto alto da trama de Harry Potter e o Cálice de Fogo é o Baile de Inverno, muito semelhante a um baile de formatura dos EUA. Roupas elegantes e trajes a rigor (ou as roupas da tia avó Tessy) compõem o cenário, juntamente de um rock dançante seguido de uma música lenta, igual numa comédia romântica adolescente. Apesar de toda sua beleza e seu encanto, existem teorias de que o Baile serve para que os organizadores do torneio analisem as relações dos participantes com as outras pessoas para que elas sejam usadas nas provas.

A evidência mais clara é que o desafio seguinte ao evento consta nos campeões irem na busca dos seus ‘tesouros’ no fundo do Lago Negro. A parte bizarra disso é que os ‘tesouros’ são pessoas: o de Krum e de Diggory foram suas parceiras de dança, Hermione e Cho Chang (Katie Leung); o de Harry foi Rony, seu melhor amigo que dividiu as cadeiras do Salão Comunal enquanto as pessoas dançavam. A falha desta teoria refere-se a Fleur Delacour, cujo ‘tesouro’ foi sua irmã mais nova ao invés do seu par na valsa. 

De todos os filmes da saga, Harry Potter e o Cálice de Fogo é o mais completo. Uma mistura de romance adolescente estilo Ela é Demais com um toque sutil de suspense e de terror que mantém a atenção do público do início ao fim. A luta pela sobrevivência através de desafios lembra os preceitos do futuro Jogos Vorazes: Em Chamas, lançado quase 10 anos depois. Mesmo quando todos duvidavam e caçoavam da capacidade de Harry, o bruxo prioriza a empatia com os outros participantes ao título de vencedor do Torneio Tribruxo. Independente do resultado (e de pertencer a Grifinória), Potter já é vencedor por causa disso.

Com a chegada de Voldemort, a trama central da narrativa começa a se tornar mais tensa, visto nas chamadas de abertura dos filmes seguintes. Além disso, Grifinória e Sonserina deixam de ser o “centro das atenções” do enredo, dando espaço para Lufa-Lufa receber seu devido reconhecimento na figura de Cedrico Diggory, já que é a casa que produziu o menor número de bruxos das trevas. Quinze anos depois de sua estreia, o mérito de Cálice de Fogo (Harry Potter and the Goblet of Fire, no original), enfim, é perceber que estar de fora dos babuínos bobocas balbuciando em bando não é tão ruim. 

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Gabriel Fonseca

O Diabo de Cada Dia (The Devil All The Time) é um filme que tenta corresponder à experiência literária da obra original e, com isso, perde a sua essência. Esta adaptação do primeiro romance de Donald Ray Pollock, traduzido como O Mal Nosso de Cada Dia, gerou grandes expectativas no público, e o fez acreditar no investimento de sua produção, que escolheu nomes em alta para compor o elenco.

Estamos falando de Tom Holland, o intérprete mais recente do Homem-Aranha, Robert Pattinson, que fará o papel do homem morcego em The Batman, e Bill Skarsgard, que deu vida ao horripilante Pennywise, de It – A Coisa, entre outros nomes. A direção e o roteiro ficaram sob os cuidados de Antonio Campos, diretor e roteirista de Depois da Escola (2008) e Simon Killer (2012), além de outros longas e episódios de séries policiais, como The Sinner, que lançou a sua terceira temporada em fevereiro deste ano.

A história se passa nas cidades de Knockemstiff, em Ohio, e Coal Creek, em West Virginia, podendo ser dividida em três períodos diferentes. Primeiro, acompanhamos a união dos casais Russel, Laferty e Henderson, em 1947. Depois, as tragédias das duas primeiras famílias, que deixam Arving Russel (Tom Holland) e Lenora Laferty (Eliza Scanlen) órfãos, sob os cuidados de Emma Russel (Kristin Griffith), a avó do garoto, entre 1948 e 1957. Por último, em 1965, vemos os dois jovens crescerem como irmãos em Coal Creek, onde vivem uma espécie de reprodução dos males passados, como a violência plantada na essência do rapaz desde a sua infância e a devoção submissa da garota, característica herdada dos pais e que lhes custou a própria vida.

O contexto é de extrema importância para as ações. A síntese de duas cidades do interior de Ohio e West Virginia, pós-Segunda Guerra, é o que define o modo de pensar e agir dos personagens em muitos momentos. Cada localidade possui a sua característica, e vemos as figuras existirem dentro de sua limitação cultural: os ideais de fé, masculinidade, condição financeira, entre outras coisas. O espectador é levado a um universo real, com casas de campo, a pequena igreja, os automóveis e o sotaque incorporado pelos atores.

A maneira de contar esta narrativa é o que enfraquece o longa. O encadeamento dos acontecimentos deixa de seguir a lógica cronológica para aproveitar um recurso de estilo literário: a transitoriedade entre diferentes tempos, que parece uma boa escolha a princípio, mas é comprometida por outro recurso, que é a narração. Do começo ao fim de O Diabo de Cada Dia, temos uma voz extradiegética que explicita o que os personagens estão pensando e explica algumas cenas. Esta narração é usada em momentos desnecessários, como se a direção não confiasse no espectador.

O narrador convém quando a sua função é gerar expectativas. Como no início da história, em que saltamos para a casa dos Russel em Knockemstiff, 1957, depois voltamos à Meade, 1947, quando o casal se conhece em uma lanchonete. Ou na cena em que Emma Russel pressente que coisas ruins podem acontecer ao descumprir sua promessa a Deus, de casar o filho Willard (Bill Skarsgård) com Helen (Mia Wasikowska). Willard já estava apaixonado por Charlotte (Haley Bennett) quando sua mãe o apresentou à outra moça, e é a voz em terceira pessoa que nos avisa sobre o medo da senhora em quebrar o acordo divino.

As expectativas geradas ao desenrolar da história funcionam, já que a sua função é prender a atenção, mas não são as únicas responsáveis por manter o interesse do público. O elenco carrega este grande mérito, ao criar tensão e conflito. Antonio Campos aproveita os planos fechados para captar as emoções que aparecem progressivamente, como se pudéssemos vê-las crescendo nos personagens. Tom Holland consegue balancear entre o irmão protetor e o jovem apavorado, mas a quantidade de personagens em destaque tira o seu crédito como protagonista.

Entre os coadjuvantes, Harry Melling é quem surpreende. Sua aparição como Roy Laferty é curta, mas revela tanta convicção, que o faz parecer um alucinado. Uma das passagens mais chocantes é o sermão que ele chama de “testar a fé”, no qual Roy despeja um pote de aranhas sobre o próprio rosto para provar que Deus é capaz de remover os maiores medos do homem.

Apesar de seu enredo rico em personagens e a contextualização geográfica e histórica convincente, O Diabo de Cada Dia não aproveita a liberdade que tem como adaptação para se tornar uma obra única. Escolher um narrador para explicar a história parece mais um capricho do que um recurso funcional, que limita o potencial da direção. Também não há uma unidade que amarre esta narrativa. Logo no começo, sentimos que uma crítica ao charlatanismo religioso está sendo construída, mas ela fica em segundo plano e tem um papel mais prático do que filosófico.

A transitoriedade entre os diferentes tempos da trama não é bem explorada. Campos não precisava fazer um longa ao estilo de Amnésia, de Christopher Nolan, mas deveria se arriscar mais com esta escolha, já que se propõe a construir sua história como um romance literário o faria. A escolha também se torna um enfeite, que não acrescenta valor algum à experiência de quem assiste, além de antecipar alguns acontecimentos. 

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