Mariana Bezerra

O Clube do Crime das Quintas-Feiras chegou à Netflix diante de uma onda de altíssimas expectativas dos fãs da série de literatura homônima de Richard Osman. A obra de mistério e suspense dirigida por Chris Columbus (Harry Potter, Esqueceram de Mim) se difere de outras tantas do gênero por apresentar como protagonistas quatro amigos septuagenários, que vivem em Coopers Chase, um lar de luxo para aposentados em Londres. Elizabeth (Helen Mirren), Ibrahim (Ben Kingsley) e Ron (Pierce Brosnan) se reúnem todas as quintas-feiras – como sugere o título – para investigarem casos policiais não solucionados. Logo no início da trama, o grupo recebe um novo membro: Joyce (Celia Imrie), uma simpática senhora recém chegada nessa charmosa vila da terceira idade.

O mais interessante da obra é que ela não demora para revelar a particularidade de cada personagem. Elizabeth, a imponente líder do clube, foi uma ex-secretária do serviço secreto britânico; Ibrahim, um psiquiatra; Ron, um ativista sindical e Joyce, uma enfermeira. À medida em que o enredo avança, as personalidades fortes do grupo vão se fortalecendo na trama, o que subverte o estereótipo preconceituoso de invalidez. O quarteto é simplesmente genial e carrega consigo a leveza – e não o peso – da experiência, e, além disso, todo um arsenal de habilidades e conteúdos que não morrem quando se aposenta. Muitas pessoas desejam parar de pensar em suas profissões depois que se retiram do mercado de trabalho, enquanto outras, querem cultivar tudo o que viveram mesmo após a aposentadoria. De uma forma ou de outra, a essência de tudo o que aprenderam e precisaram desenvolver segue em cada um. Apesar das conveniências de roteiro, a dinâmica da equipe revela um olhar sensível da produção.

Esse aspecto se torna nítido quando o grupo de amigos é forçado a arquivar a atual investigação, a qual chamam do caso da ‘mulher de branco’, para se dedicarem a solução de uma mais urgente: o assassinato de Tony Curran (Geoff Bell), um dos três proprietários de Coopers Chase. A suspeita logo recai sobre Ian Ventham (David Tennant), o segundo dono, que desejava transformar o recinto em apartamentos de luxo, promovendo, inclusive, a destruição do cemitério local. Nessa jornada, o clube vai contar com a ajuda da jovem policial Donna De Freitas (Naomi Ackie), que é transferida para o setor de investigação de homicídios graças a astúcia do grupo não oficial de detetives. 

A cada momento da investigação, eles se mostram sempre um passo à frente dos policiais, seja pela experiência, pela ausência da burocracia, pela pouca ignorância ou pela demasiada sensibilidade que empregam durante o percurso. Logo, surgem outros personagens importantes, como Bogdan (Henry Lloyd-Hughes), um imigrante polonês e funcionário de Tony Curran, que revela ter tido o passaporte apreendido pelo patrão. Há também Bobby Tanner (Richard E. Grant), o enigmático terceiro proprietário do lar de aposentados – um perigoso mafioso que, até então, todos acreditavam estar morto.

O filme conta com um elenco extremamente renomado, como Tom Ellis (Lucifer) e Jonathan Pryce (Dois Papas), que interpretam Jason, filho de Ron, e Stephen, esposo de Elizabeth, respectivamente. Isso somado ao status que o livro carrega, torna a obra audiovisual extremamente convidativa, mas também agrega uma grande carga de responsabilidade à produção. 

A aposta da Netflix em abordar investigações criminosas com um ar de leveza e humor, ainda que sem deixar de transmitir a profundidade de algumas emoções, não é algo novo. Em 2024, a série Um espião infiltrado, protagonizada por Ted Danson (The Good Place), trouxe uma história diferente, porém,  com plano de fundo semelhante, em que um homem aposentado se infiltra em um lar de idosos para desvendar o roubo de uma jóia. Além disso, a franquia de Entre Facas e Segredos, um mistério repleto de sarcasmo, em 2025, ganha seu terceiro longa. Talvez, a lembrança aponte um padrão de interesses do público a ser aproveitado. 

Com The Thursday Murder Club (no original), a produtora traz algo agradável, que não se coloca nem como o melhor dos dramas ou dos mistérios, nem como a melhor das comédias. O grande problema é que, ao que tudo indica, o streaming se apoiou demais nessa intenção de entregar pouco: o incrível elenco, apesar de carismático, é um tanto desperdiçado diante do roteiro de Suzanne Heathcote (Killing Eve) e de Katy Brand (Boa Sorte, Leo Grande), que executa uma frágil construção dos personagens (com exceção de Elizabeth, que acaba roubando a cena). Infelizmente, a tentativa de criar algo genérico, que agrade à todos, fez com que a adaptação perdesse boa parte da complexidade e do espírito de Agatha Christie contido na obra original. A Netflix pareceu querer equilibrar as temáticas do livro ao unir mentes de franquias infanto-juvenis, da comédia e do drama, mas terminou favorecendo somente as duas primeiras. No entanto, a capacidade da produção de amarrar tão bem tantas pontas soltas, ainda que de forma mais simples, torna o lançamento algo interessante e divertido de assistir.

Apesar dos percalços e aliado à comicidade, o filme consegue abordar um dos elementos cruciais da obra original de Osman: os dilemas éticos que os personagens enfrentam. A respeito do caso da ‘mulher de branco’, a morte de Angela Hughes foi investigada, na época, por Penny Gray (Susan Kirkby) – policial aposentada, fundadora do clube e moradora de Coopers Chase, que está inconsciente e com estado de saúde extremamente debilitado. A presença de De Freitas cria um elo com a história de Penny, ao estabelecer um paralelo entre duas jovens, separadas por décadas, que buscam ser ouvidas em um ambiente predominantemente masculino, que pouco mudou nesse intervalo de tempo.

Penny lutou sem sucesso para provar que Angela havia sido vítima de feminicídio, acusando Peter Mercer (Will Stevens), namorado da jovem, como o autor. Somente quando a escavação do cemitério é iniciada por Bogdan, o funcionário de Tony Curran, é que o cadáver de Mercer vem à tona, revelando que Penny havia feito justiça com as próprias mãos, com a ajuda de seu marido, John (Paul Freeman). Além disso, com medo que o processo de escavação do cemitério levasse à descoberta de seu crime e da esposa, o homem mata Ian Vetam durante um dos protestos contra a venda de Coopers Chase. 

Diante desse contexto, o grupo tão aparentemente centrado em fazer ‘o que é certo’, se depara entre denunciar amigos de longa data e preservar a história e reputação de ambos. Ao questionarem John e receberem a confirmação de suas hipóteses, Elizabeth percebe que ele iria matar a esposa com um medicamento e cometer suicidio, mas não impede o seu plano. 

Essea, entre outros conflitos servem para criar tensão na história, trazer à tona os dilemas éticos da obra e para agregar um toque de imperfeição a esses personagens tão carismáticos, que provocam simpatia no espectador. É interessante assistir à trama de investigadores independentes que estão inseridos no ambiente do crime, porém é justamente isso que os tornam falhos, humanos demais, em um ótimo sentido. Por fim e graças ao trabalho investigativo do clube, todos os criminosos – estimados ou não – são desvendados, e Coopers Chase, o tão querido lar de seus moradores, é salvo pela filha de Joyce, que compra o lugar e permite o sentimento de ‘felizes para sempre’, o qual não deve durar muito tempo se as suposições estiverem certas e uma possível continuação estiver sendo preparada— assim como outras franquias da Netflix.

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Isabella Lima 

“Austen nos dá a fantasia histórica e ainda fornece uma dura ridicularização daqueles que são muito esnobes em suas distinções de classe” é o que escreve Linda Troost e Sayre Greenfield no livro Jane Austen in Hollywood. Publicado entre os anos 1990 e 2000, as autoras acompanharam o auge das adaptações audiovisuais das obras literárias de Jane Austen. De fato, todos esses elementos, juntos da narrativa romântica, encantam os entusiastas da escritora inglesa e foram bem incorporados em  Orgulho e Preconceito (2005), Emma (2020), ou até mesmo em As Patricinhas de Beverly Hills (1995), uma adaptação mais reconstruída e modernizada. Ao contrário desses títulos, Persuasão, a nova aposta da Netflix  inspirada no livro homônimo de Jane Austen, não conseguiu proporcionar uma experiência capaz de estabelecer conexão com a tradição, nem com a reinvenção da direção inaugural de Carrie Cracknell, nome já conhecido no teatro britânico. 

O casal Anne Elliot (Dakota Johnson) e Frederick Wentworth (Cosmo Jarvis) é o fio condutor da trama, cujo relacionamento foi bruscamente rompido no passado pela persuasão de Lady Russell (Nikki Amuka-Bird). Sendo uma amiga de grande estima de Anne, Lady Russell convence a protagonista a desistir do romance pela falta de títulos e status de Wentworth. Porém, após oito anos separados, Frederick retorna ao círculo social da família Elliot como capitão da Marinha Real Britânica, dispondo de fortuna e reconhecimento. A partir desse reencontro, observamos os ressentimentos de Anne e suas expectativas por uma segunda chance, agora que ele está em busca de uma esposa.

Entre os pontos que mais deixaram a desejar em Persuasion, nome original do longa, o esvaziamento da personagem, originalmente idealizada no livro, é o mais gritante. Anne Elliot é conhecida por ser uma das heroínas mais apaixonantes já escritas por Jane Austen. Seu temperamento tranquilo, resiliente, sábio e empático são características natas, que destoam muito do seu ambiente familiar egocentrista composto pelo pai, Sir Elliot (Richard E. Grant), e pelas irmãs, Elizabeth (Yolanda Kettle) e Mary (Mia McKenna-Bruce). Já no filme, a senhorita Anne é transformada em uma pessoa irônica, cômica, uma cópia não tão bem executada de Fleabag, que se mortifica durante oito anos por ter sido persuadida a abandonar o homem que amava. Em outras palavras, a jornada de aprendizado e evolução da personagem, um dos principais aspectos dos romances de costumes do século XIX, é deixada de lado em prol de trazer toques mais atuais para a obra. 

Tanto a crítica especializada, quanto o público mais familiarizado com a escritora inglesa, fizeram comentários em relação à modernização exagerada da trama. Fica evidente que a estratégia utilizada pela Netflix foi apostar em fórmulas prontas de sucesso, assim como fez em Bridgerton, trazendo diálogos que não condizem com os costumes da época e a quebra da quarta parede. Além disso, Jane Austen é conhecida por não subestimar a inteligência do leitor e, de forma sútil, apresentar suas críticas sociais. No entanto, o filme vai na direção oposta quando incumbe a personagem principal de explicar os mínimos detalhes ao telespectador em diversos momentos, rompendo com qualquer carga emocional que a cena poderia carregar e tornando o roteiro, escrito por Ronald Bass e Alice Winslow, maçante em muitos momentos.

Outra questão pouco explorada, que dá sentido ao título da obra, é a crítica à estrutura social da Inglaterra no século XIX. A ironia sutil que a produção literária utiliza para criticar o contexto social garantiu seu lugar entre os clássicos da Literatura, portanto, adaptar a narrativa de Persuasão sem levar esse trabalho a sério é uma tarefa difícil. Para trazer alívio cômico, o filme ignora o pano de fundo histórico e deixa de se aprofundar nos motivos pelos quais  a protagonista desistiu do noivado no passado. Motivos esses muito ligados ao papel aprisionador das mulheres da época, que tinham no casamento a única forma de ascensão social. No livro, Anne é persuadida ao entender que terminar com Wentworth era seu dever, uma precaução acerca das condições sociais e econômicas precárias do homem. Dessa forma, a personagem passa por um processo de racionalização dos seus sentimentos, ao contrário do que vemos no longa.

Apesar de todas as inconsistências, nem tudo foi perdido. É preciso reconhecer que pelo menos uma característica de Jane Austen foi aproveitada: a sátira pitoresca dos personagens. Um ponto forte da escritora inglesa é satirizar os costumes da época, apresentando uma ‘elegância ridícula’ daqueles que se esforçavam para manter o status social a qualquer custo. A família Elliot é o maior exemplo disso, pois, mesmo estando à beira da falência, Sir Elliot e Elizabeth não deixam de lado a vaidade e o egocentrismo. Esse aspecto é bem retratado no filme com diversos auto-retratos do patriarca espalhados pela casa e a presunção arrogante da irmã mais velha de Anne. 

Vale ressaltar também a diversidade que a produção trouxe para o elenco e, claro, a maneira como retrata a natureza e o espaço físico da história em si. O bucolismo, já muito utilizado nas adaptações cinematográficas anteriores das obras de Jane Austen, se trata de um elemento chave para transportar o telespectador para o enredo, que, na maior parte do tempo, se passa na região interiorana da Inglaterra. Em Persuasão, somos apresentados a três cenários: o interior (Uppercross e Kellynch Hall), o litoral (Lyme) e a paisagem urbana (Bath). Nesse aspecto, o longa rendeu imagens agradáveis capazes de trazer a natureza como um personagem da narrativa.

Persuasão se apresenta como o ponto fora da curva entre as adaptações de Jane Austen. Repleto de anacronismos e modernizações, o longa não conversa com aquele que deveria ser seu principal elemento: o questionamento se o amor é verdadeiro a ponto de sobreviver às imposições sociais, ao tempo, à opinião da sociedade e, acima de tudo, se é capaz de perdoar. A construção apaixonante do casal não estabelece uma conexão genuína com o telespectador em relação a esses aspectos e, ao final, o sentimento de recompensa quando os personagens ficam juntos não é tão gratificante. Para aqueles que estão tendo o primeiro contato com a obra, o longa pode garantir certo divertimento, mas não é capaz de trazer uma experiência verdadeiramente digna de um romance de Jane Austen. Elementos como a sátira e a ridicularização estão presentes, de fato. Porém, a fantasia histórica mencionada por Linda Troost e Sayre Greenfield foi deixada de lado para ceder lugar a, praticamente, uma comédia romântica.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

A mais recente da primeira leva de séries do Disney+ produzidas pela Marvel Studios, Loki chega com a proposta de resgatar a personagem titular dos eventos trágicos de Vingadores: Guerra Infinita, utilizando a viagem no tempo de Ultimato como ponto de partida para sua trama de ficção científica old school. Contudo, se tem uma coisa que o Deus da Mentira de Tom Hiddleston nos ensinou ao longo de sua década no Universo Cinematográfico Marvel, foi nunca confiar nas aparências.

Após as peripécias temporais para reaver as Joias do Infinito terem resultado na evasão de um Loki pós-Vingadores das autoridades terrenas e asgardianas, ele é logo capturado por uma entidade ainda mais misteriosa. Grande parte do primeiro episódio, Glorioso Propósito, se dedica a apresentar a Autoridade de Variação Temporal (AVT), a misteriosa organização que clama governar a ordem do tempo e que acusa Loki de ser uma “variante”: alguém que divergiu do caminho designado pelos Guardiões do Tempo na Linha do Tempo Sagrada e que, portanto, não deveria existir.

O piloto se sobressai ao fazer a ponte entre o anti-herói que vimos morrer pelas mãos do Titã Louco e o maníaco homicida de Os Vingadores, por meio de um inteligente interrogatório que o força a rever os seus “maiores” momentos – passados e futuros – e a confrontar sentimentos profundos que ele manteve escondidos. O que antes seria uma sentença de morte vira oportunidade quando o agente Mobius (Owen Wilson) pede a ajuda do notório trapaceiro para capturar outra variante fugitiva extremamente perigosa: ele mesmo.

A partir daí, Loki habilmente torce sua premissa de ficção científica serial em uma narrativa de redenção romântica que, diferente de suas aparições prévias, explora o personagem principal não apenas no contexto do universo Marvel, mas como a figura mítica e caótica do Deus da Trapaça. Colocando-o diretamente em conflito com a figura de autoridade e ordem suprema, a série criada por Michael Waldron consegue fazer florescer a verdadeira natureza de Loki como um agente do caos e da mudança, explorando intimamente sua natureza dual e paradoxical de jeitos peculiares e inventivos.

Desses, o mais evidente e tangível é a introdução de Sylvie (Sophia Di Martino), a variante que Loki é chamado para caçar, uma mulher com contas a acertar com a AVT e que provê a maior parte da força motriz da série após sua chegada ao final do segundo capítulo, A Variante. Ao encarar ferozmente o Loki que conhecemos e declarar que aquilo “… não é sobre ele”, o tabuleiro está montado para que os próximos episódios respondam à pergunta: então, sobre o que é?

Muito como WandaVision foi uma homenagem às comédias românticas da televisão americana e Falcão e o Soldado Invernal foi uma exploração de tramas de espionagem internacional nos calcanhares do Blip, Loki se vende como uma ficção científica serializada remetente à Doctor Who – se Doctor Who tivesse um orçamento. Quando um grupo de personagens pode ter seus nomes concebivelmente traduzidos para “Senhores do Tempo”, esse tipo de comparação é inevitável, e a série é esperta o suficiente para abraçar a galhofa e os questionamentos existenciais, ao invés de se envergonhar deles.

A amizade entre Loki e Mobius ajuda a realçar tais questionamentos, com os dois personagens se desafiando mutuamente ao longo de suas cenas juntos. Enquanto o agente ajuda a expor e confrontar as reais motivações e os objetivos de Loki, o deus ajuda a expor as falhas lógicas da AVT e a fazer com que Mobius comece a questionar o propósito daquilo tudo. Ambos os atores vestem muito bem a dinâmica de comédia buddy cop e trazem à tona o melhor do outro.

Afinal, o que faz um Loki ser um Loki? Se há apenas uma linha temporal, existe mesmo livre arbítrio? “Por que diabos há um jacaré aqui?” São todas perguntas feitas e, até certo ponto, respondidas (até mesmo a do jacaré), em episódios diferentes, sem sobrecarregar o telespectador. É claro que Loki também possui ganchos que só serão respondidos mais à frente, mas é louvável ver o quanto cada capítulo se esforça para contar tramas que respondam esses questionamentos ou que introduzem novos e instigantes conceitos.

A relação entre o Deus da Trapaça e sua variante é um dos grandes trunfos da série, chegando de fininho em um episódio que foi erroneamente considerado como um filler por alguns fãs por não conter muitas respostas, mas que apresenta muito bem a dinâmica entre as duas personagens e estabelece o tom da segunda metade da temporada. Não é nada menos do que poético que a tentativa mais sincera da Marvel de introduzir uma trama romântica em seu universo venha de Loki, o personagem que uma vez provocou Thor (Chris Hemsworth) por conta de seu romance com a mortal Jane Foster (Natalie Portman) em Thor, mais de 10 anos atrás.

É claro que já houveram subtramas românticas em filmes da Marvel (Thor teve provavelmente a mais acentuada), mas Loki marca a primeira vez em que tal gênero assume o primeiro plano da história e guia as ações de seu personagem. Não só isso, mas o fato de Loki estar apaixonado por uma versão alternativa de si mesmo molda a narrativa e introduz um nível de profundidade até então inexplorado pela Casa das Ideias. Nas palavras da diretora da série, Kate Herron:

“É muito caótico se apaixonar por uma versão de si mesmo, mas ao mesmo tempo é uma ideia tão ruim e tão travessa, que é claro que o Loki se apaixonaria por si mesmo. Mas ele também é um personagem que precisa vencer seus demônios e encontrar o bem em si mesmo para poder seguir nessa jornada de redenção. No centro de tudo isso temos essa história de amor e ninguém se apaixona na hora certa.”

Kate Herron, “Avante: Os Bastidores de Loki”

Embora Loki e Sylvie iniciem essa jornada como inimigos, a ameaça de uma lua explodindo sob suas cabeças logo faz com que ambos reconsiderem suas desavenças e comecem a trabalhar juntos. No menor episódio da temporada, Hiddleston e Di Martino introduzem uma química singular e incendiária no enredo e nos fazem ansiar cada vez mais por todos os momentos que partilham. Durante a fuga, os dois tem uma conversa honesta sobre família, amor e até mesmo sexualidade, na qual Loki revela ser bissexual.

Onde um é oportunista e manipulativo, a outra é reativa e agressiva, e parte do que torna a dinâmica entre os dois tão intoxicante é como juntos eles conseguem realçar suas melhores qualidades e superar suas maiores falhas. Depois de passarem doze horas tentando sobreviver em um planeta prestes a morrer, quando Loki suavemente diz à Sylvie que acha ela incrível e eles dão as mãos, somos deixados com a impressão de que algo verdadeiramente monumental está acontecendo. Algo capaz de mudar o universo.

Não é por acaso que o crush de Loki consigo mesmo comece à beira do fim do mundo. No segundo episódio, a ideia de que Sylvie se esconde em apocalipses é introduzida, já que os cataclismas ocultam qualquer alteração que a personagem possa fazer na Linha do Tempo Sagrada. Mitologicamente, faz todo sentido Loki ver no fim do mundo uma oportunidade: o deus é intimamente relacionado com a vinda do Ragnarok na mitologia nórdica, onde seus filhos são responsáveis por grande parte da batalha.

Sylvie diz a ele, momentos antes do fim de Lamentis-1: “O universo quer se libertar, então manifesta caos. Como eu ter nascido a Deusa da Mentira”, uma fala que revela não só algo sobre ela como também sobre o papel fundamental dos Lokis no universo. Apesar de adotar atitudes vilanescas em todas as suas aparições, ele é primordialmente um desafio à ordem e aos limites, uma resposta às tentativas de contenção e controle e por isso tira sua força de apocalipses, por ser tanto herói quanto vilão, ser tanto sábio quanto é tolo, de ser uma dualidade e um paradoxo em si mesmo, um narcisista egoísta cujo maior medo é ficar sozinho.

Durante seu memorável período no Vazio, o lugar para onde a AVT manda as linhas temporais “podadas”, Loki conhece diversas versões de si mesmo e é obrigado a enfrentar de cara as diversas características que o definem e finalmente encarar os sentimentos que tem por sua variante. É Sylvie que primeiro percebe a oportunidade de usar o carcereiro deles, Alioth, como uma porta para achar a pessoa por trás de tudo, reafirmando o poder de Loki sobre os apocalipses. É um testamento à força do roteiro de Loki o Vazio ter sido utilizado não apenas como um parque de easter eggs da Marvel (afinal, quem reclamaria de um bom e velho Thanoscoptero?), mas como uma invenção para externalizar legitimamente os conflitos de seu protagonista e fazer ele superar seus limites.

A série está na sua melhor forma quando assume as qualidades do próprio Loki, sendo duas coisas ao mesmo tempo com resultados caóticos: ao mesmo tempo uma ficção científica das antigas e uma adição moderna ao cânone do MCU; um estudo de personagem intimista e uma expansão repentina e até mesmo violenta da realidade em que esse personagem vive; equilibrando a arquitetura brutalista e déco dos escritórios da AVT com paisagens históricas ou alienígenas; fazendo bom uso de sintetizadores em sua trilha sonora futurista e logo depois introduzindo uma reinterpretação da ópera de Richard Wagner.

Em um final de temporada que desafia a distinção entre “meditativo” e “entediante”, Loki se mantém fiel à esse glorioso propósito mitológico, com Loki ao mesmo tempo apaixonado e em guerra consigo mesmo, uma dança de facas e beijos que entrega tanto uma conclusão para as tramas apresentadas nesse primeiro ciclo quanto uma promessa do que há por vir. Com uma confirmação surpresa de uma segunda temporada sendo desenvolvida, as implicações de seu final traçam os pontos iniciais da Fase 4 no Cinema e na Televisão. Com rumores de que o personagem esteja escalado para aparecer em Doctor Strange in the Multiverse of Madness, Loki se posiciona como uma das peças chaves para a continuação da saga dos Maiores Heróis da Terra no futuro.

Ainda há problemas clássicos herdados do modelo Marvel: personagens como a juíza Renslayer de Gugu Mbatha-Raw e o misteriosamente-nomeado “Aquele Que Permanece” de Jonathan Majors têm pouca caracterização com o qual trabalhar, e recebem a promessa de serem explorados em produções futuras. O relacionamento complicado de Mobius com Renslayer tem um final morno no sexto episódio, salvo pelas excelentes interpretações, mas que faz pouco pelos personagens, enquanto o monólogo expositivo de Majors nos deixa definitivamente intrigados, mas sua personalidade fica diluída nas toneladas de informação que ele despeja.

Como o deus no qual foi inspirado, Loki é caótica, trágica, divertida, cruel e profundamente romântica, dando diversas oportunidades para que Tom Hiddleston exiba seus talentos teatrais na reinvenção de um dos personagens mais marcantes de sua carreira. E, graças a um elenco excepcional, um roteiro singular e uma direção travessa, somos deixados ansiando por mais desse personagem, e de todas as variações deles que podem existir. Especialmente aquelas que sabem que não estão mais sozinhas.

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