Arthur Caires

Existem momentos na história em que o mundo se une em torno de um único artista, celebrando seu pico de sucesso com admiração. São instantes marcantes, onde a Música transcende o mero entretenimento e se torna um fenômeno cultural que define gerações. A Beatlemania na década de 1960, o lançamento de Thriller por Michael Jackson em 1982 e a ascensão de Madonna como ‘Rainha do Pop’ na década de 1990 são apenas alguns exemplos dessa catarse coletiva. Em cada um desses casos, a obsessão pela estrela era palpável, dominando conversas, inspirando moda e comportamento, e consolidando seu lugar como ícone cultural inegável.

O mesmo aconteceu com Taylor Swift em 2023. Em Março daquele ano, a cantora iniciou uma das maiores turnês da história, a The Eras Tour. Celebrando todos os seus dez (agora, onze) álbuns, a sequência de shows já ultrapassou a marca de 1 bilhão de dólares de arrecadação, e está bem longe de acabar. Durante esse período, Swift ainda lançou duas regravações – Speak Now (Taylor’s Version) e 1989 (Taylor’s Version) –, quebrou recordes nos cinemas com o lançamento do registro ao vivo da turnê e foi nomeada como Pessoa do Ano pela revista Time. Já no começo de 2024, seguindo a onda de conquistas, a artista se tornou a primeira a ganhar quatro vezes o prêmio de Álbum do Ano no Grammy, sendo o último gramofone pertencente a Midnights.

É logo após esse turbilhão de acontecimentos que Taylor Swift lança seu 11º álbum de estúdio, THE TORTURED POETS DEPARTMENT. O disco vendeu mais de 2,5 milhões de cópias em sua primeira semana nos EUA e debutou com 313 milhões de reproduções no Spotify, sendo a maior estreia da carreira da cantora e da plataforma. Ao longo de suas 16 faixas – na versão standard –, a compositora fala sobre o término de seu relacionamento de seis anos com o ator britânico Joe Alwyn, a breve mas intensa reaproximação com o cantor Matty Healy, vocalista da banda The 1975, e a não muito bem-vinda opinião da mídia e de alguns fãs sobre sua vida pessoal.

A eficácia da caneta de Swift já não é assunto a ser discutido há um bom tempo, mas em THE TORTURED POETS DEPARTMENT, a artista consegue elevar sua escrita para um nível diferente. É possível observar uma extrema vulnerabilidade em forma de hipérboles e sentimentos fatalistas, porém, expressos nas mais rebuscadas palavras e analogias. “Eu mantenho esses anseios trancados/Em letras minúsculas dentro de um cofre” a intérprete canta em um dos destaques do disco, Guilty as Sin?. Ainda assim, apesar de possuir algumas letras mais simples e literais – e alguns deslizes envolvendo Charlie Puth –, a obra, como um todo, se caracteriza por uma complexidade que exige múltiplas audições para ser desvendada e plenamente digerida em suas diversas camadas.

Na sonoridade, há uma mescla balanceada entre os três gêneros predominantes da discografia de Taylor Swift: synthpop, country e folk. Mais uma vez, ela se junta a seus parceiros de longa data, Jack Antonoff e Aaron Dessner, para dar vida à sua visão musical. Nesse momento, a presença dos produtores foi crucial para a artista, especialmente ao explorar temas íntimos e confessionais, em que a confiança é um elemento essencial no processo criativo. No entanto, essa familiaridade também traz consigo um certo déjà vu. A produção apresenta diversas semelhanças com trabalhos anteriores da cantora, o que leva o ouvinte a desejar por algo novo e inovador. 

Fortnight, primeiro single do projeto e com participação de Post Malone, assume seu papel de introdução ao álbum de forma satisfatória, mas deixa a desejar em termos de energia. A letra, repleta de metáforas, resume os acontecimentos envolvendo ‘certos homens britânicos’ na vida da artista. A produção, no entanto, peca pela monotonia, não apresentando elementos que prendam a atenção do ouvinte e despertem a sensação de um grande sucesso, como Anti-Hero ou Blank Space. Mesmo assim, a melodia do refrão consegue grudar na cabeça depois de alguns replays.

Os easter eggs e a promoção midiática do ‘TTPD’ levaram o público a acreditar que esse seria um álbum dissecando o fim do relacionamento de seis anos da cantora com Joe Alwyn. Referências a canções passadas, teoria dos estágios do luto e um grupo de Whatsapp conhecido fizeram a cabeça de vários fãs. Porém tudo isso foi por água abaixo na morna faixa-título com a menção ao “golden retriever tatuado”. O cantor Matty Healy permeia a vida de Swift desde 2014, mas ganha destaque maior nesse disco após chamas terem sido reacendidas logo depois do término da artista.

Ainda assim, em So Long, London, quinta faixa do álbum – tradicionalmente, a mais pessoal e sentimental –, Taylor Swift oferece uma homenagem empática ao seu ex, Joe Alwyn. A canção revela o conflito central: o desejo da cantora de se casar, contrastando com a hesitação do parceiro. No segundo verso, a artista canta “Parei a RCP [ressuscitação cardiopulmonar], afinal não adianta”, uma referência à música You’re Losing Me de seu álbum anterior, Midnights (2022), onde ela afirma “Eu não consigo sentir uma pulsação/Meu coração não bate mais”. Através dessa metáfora, a intérprete demonstra a frustração de tentar salvar um relacionamento já condenado. Apesar de seus ressentimentos, a faixa termina em um tom de aceitação e uma mensagem esperançosa: “Você achará alguém“.

O álbum dos poetas torturados vai além da negação e da depressão, explorando também o segundo estágio do luto: a raiva. Em But Daddy I Love Him, Swift dirige um sermão de mãe aos fãs que se sentem no direito de controlar suas escolhas. No pós-refrão, a cantora explode: “Eu prefiro queimar toda a minha vida/Do que ouvir mais um segundo de toda essa baboseira e reclamação“. Esse sentimento tem como raiz a repercussão do relacionamento da artista com um certo cantor problemático, porém se estende a outros tópicos que envolvem sua fervorosa base de admiradores, os swifties.

Além de conversar com seus fãs, Taylor Swift também fala diretamente com a mídia – e com quem ‘não vai muito com a sua cara’. Desde o começo de sua carreira, a artista é colocada em uma caixa de compositora que só fala sobre ex-namorados e que não tem sua Arte levada a sério, ao mesmo tempo em que sua vida pessoal é analisada minuciosamente e cada um de seus passos é rastreado. Então, quando canta “Você não duraria uma hora no hospício onde me criaram” em Who’s Afraid of Little Old Me, é possível sentir a exasperação de alguém que não se importa mais com a opinião pública ou, pelo menos, não tanto quanto antes.

Independentemente, é necessário reconhecer que Swift se beneficia de diversos privilégios e não é isenta de críticas. A silenciosa forma como a cantora lidou com o caso de Ana Benevides, ao passar pelo Brasil com a The Eras Tour, é um exemplo de como ela escolhe lidar minimamente com certas pautas, enquanto, com outras, age de forma mais presente. Além disso, a constante capitalização de sua Arte se torna cada vez mais difícil de diferenciar o produto e a Música. Artigos em sua loja, versões exclusivas de seus álbuns, variações de vinis, entre outros, podem ser interessantes para os fãs, mas acabam se tornando uma quantidade sufocante de conteúdo. Por estar em, praticamente, todos os lugares, a saturação de sua imagem pode se tornar algo negativo.

Há muito tempo, os swifties tentam convencer todos ao seu redor do quanto Taylor Swift é talentosa, defendendo-a de qualquer opinião desfavorável. Na promoção do álbum, a repercussão às críticas negativas e a controversa republicação de matérias positivas pela artista em suas redes sociais fizeram com que uma parcela dos fãs sentisse a necessidade de refutar, cegamente, qualquer ponto de vista contrário. Porém, nada disso é necessário. Bem ou mal, é prazeroso falar sobre a vida e obra da cantora. Como John Green disse em publicação nas redes sociais: “Eu amo as músicas e letras de Taylor Swift. Você não precisa gostar. Mas eu posso”.

Clara Bow, a última faixa do disco, é uma síntese do que se passa na cabeça da cantora mais famosa do momento. O nome que dá título à canção se trata da estrela de Cinema que lutava com problemas de saúde mental devido ao estresse causado por sua fama, sendo considerada a primeira ‘it girl’. Ao longo da música, Swift também homenageia Stevie Nicks e reflete sobre como “é um inferno na terra ser celestial”, forçada a ser um modelo de perfeição para todos que a admiram. Por isso, é compreensível quando na divertida e depressiva I Can Do It With a Broken Heart a artista desafia a audiência: “Venha e tente fazer o meu trabalho”.

Não contente em lançar um álbum, Taylor Swift resolveu lançar outro, na mesma madrugada. THE TORTURED POETS DEPARTMENT: THE ANTHOLOGY foi lançado de surpresa duas horas após a versão inicial, contendo 15 faixas adicionais, totalizando 31 músicas – 13 ao contrário, porque nada é uma coincidência. Desde o anúncio do disco, feito no palco da 66ª edição do Grammy ao ganhar a categoria de Melhor Álbum Vocal de Pop com Midnights, a cantora vinha fazendo sinal de dois com as mãos e colocando easter eggs, remetendo ao gesto na promoção do registro. A teoria de um álbum duplo percorre as conversas da sua base de fãs há muito tempo, e finalmente aconteceu.

Sempre foi uma tradição de Swift lançar versões deluxe de seus álbuns. Mas, após o projeto das regravações com as faixas From The Vault, as músicas ‘descartadas’ começaram a ser disponibilizadas em tempo real. No seu trabalho anterior, Midnights, a intérprete de Anti-Hero já havia feito isso, lançando a 3am Edition com sete novas canções. Dessa vez, ela dobra ainda mais a aposta. Enquanto na primeira versão de ‘TTPD’, Taylor Swift foca em detalhar cada um dos últimos acontecimentos de sua vida, o outro lado do disco explora os pensamentos mais intrusivos da compositora, como espiar a janela dos outros. O protagonismo na produção dessa parte fica com Aaron Dessner, remetendo à atmosfera criada nos álbuns folklore (2020) e evermore (2020). 

The Black Dog, a primeira faixa do THE ANTHOLOGY, é o principal destaque, sendo a favorita na categoria ‘músicas que deveriam estar no álbum principal’. O jeito mesquinho que a cantora diz “E eu espero que esteja uma merda no The Black Dog”, convém uma emoção irracional que todos já sentimos, de desejar algo ruim para alguém que nos machucou. Por outro lado, em thanK you aIMee, Swift não perdoa nem esquece, mas agradece. Relembrando os tempos que dava pistas em letras maiúsculas em seus álbuns, a faixa é uma indireta direta à Kim Kardashian, que foi uma das principais responsáveis pelo intenso cancelamento que a artista sofreu em 2016. Na canção, deliciosamente carregada de influências country, a compositora ainda ressente tudo que aconteceu, no entanto reconhece que sem aquele momento, não estaria onde está hoje.

Descobrimos também que a garota de Love Story continua viva dentro de Taylor Swift com The Prophecy. O desejo de encontrar sua alma gêmea persiste, o que explica porque, em certas composições, os temas adolescentes ainda são explorados. Como a mesma disse em But Daddy I Love Him: “Crescer precocemente às vezes significa não crescer de forma alguma”. Essa jovialidade é recorrente em So High School, que junto de The Alchemy, da versão original, são as canções destinadas à Travis Kelce, o novo parceiro de Swift. Com várias referências ao início da década de 2000, a mais nova torcedora do Kansas City Chiefs e vencedora honorária da 53ª edição do Super Bowl declara sua paixão da mesma forma que uma jovem de dezesseis anos.

Qual o propósito de THE TORTURED POETS DEPARTMENT: THE ANTHOLOGY? Por um lado, 31 músicas é um grande presente para os fãs e mostra o quanto Swift está disposta a sempre recompensar seus maiores admiradores. Ao mesmo tempo, pode ser visto como uma forma de obsessão por números e de alimentar a roda da criação de conteúdo nos tempos do TikTok. Ambos são verdade. A artista já se mostrou, muitas vezes, se importar com charts, vendas e premiações. Os meios podem ser questionáveis, todavia os fins são claros. Vale de cada pessoa discordar e não consumir sua música ou concordar em não se importar e aproveitar o material. Esse não é só um argumento dos swifties, mas de quem entende o impacto da música da ‘loirinha’, como o ex-CEO da empresa norte-americana Ticketmaster, Nathan Hubbard, ao dizer no podcast Every Single Album que: “Este álbum é importante. Faz parte de sua narrativa. Mas não precisa ser o seu favorito ou de qualquer outra pessoa. Deixe-a criar exatamente de onde ela está.”

Para o futuro, quando se trata de Taylor Swift, muita coisa é esperada. No momento, a artista encaminha para a finalização da The Eras Tour na América do Norte, incluindo o novo ato do THE TORTURED POETS DEPARTMENT. Quanto às regravações, reputation (Taylor’s Version) já passou da hora de aparecer, junto do auto-intitulado debut. Ainda é muito cedo para se dizer qual será o caminho para o próximo disco de inéditas, entretanto seria interessante que a banda dos poetas torturados seja separada para que Swift explore uma nova sonoridade e inicie uma nova fase em sua carreira.

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Arthur Caires

Em Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças, Joel e Clementine, interpretados por Jim Carrey e Kate Winslet, embarcam em um romance intenso, porém marcado por turbulências. Após um término doloroso, ambos optam por apagar as memórias um do outro através de um procedimento inovador. Essa busca por um recomeço emocional ecoa no sétimo álbum de estúdio de Ariana Grande, eternal sunshine, lançado sete meses após seu divórcio. Inspirado diretamente no filme, o disco é uma jornada introspectiva em que a artista explora a dor da perda, a esperança de cura e a busca por um novo amanhecer.

Desde o início, a carreira de Grande foi marcada por uma série de eventos turbulentos e polêmicas midiáticas. Seja pela repercussão negativa do vídeo em que lambia donuts e criticava os EUA, pela perda trágica de seu ex-namorado Mac Miller, pelo atentado terrorista em seu show em Manchester ou pelas acusações de blackfishing, a artista frequentemente se viu no centro de debates acalorados. Os últimos três anos não foram diferentes. Em 2021, Ariana Grande se casou com o corretor de imóveis Dalton Gomez, em um casamento inicialmente tranquilo. Porém, durante as gravações do musical Wicked em 2023, rumores de traição envolvendo a cantora e o parceiro de filmagens Ethan Slater abalaram sua imagem pública mais uma vez.

Mas, e daí? Mesmo após tantos comentários, a artista sempre consegue sair por cima e da melhor forma: cantando. O primeiro single de estreia, yes, and?, é uma ode à indiferença diante do julgamento alheio. Entre versos como “Seus assuntos são seus e os meus são meus/ Por que você se importa tanto em quem eu sento?”, Grande lembra a todos de quem está no comando de sua narrativa. A faixa, apesar de ficar deslocada no álbum, é poderosa, inspirada no gênero house e produzida pelo gênio da música pop Max Martin, que comanda a produção de todo o disco ao lado da própria cantora.

Após a hegemonia do trap em thank u, next e Positions, Ariana Grande finalmente se distancia do gênero em eternal sunshine. O álbum é marcado por uma sonoridade nostálgica, que combina o R&B reminiscente dos anos 2000 com referências à década de 1980. Essa mudança é complementada pela voz da artista, que agora soa mais clara e com a dicção corrigida, proporcionando uma experiência sonora ainda mais agradável aos ouvidos. Entre as influências oitentistas, destacam-se we can’t be friends (wait for your love), inspirada diretamente em Dancing On My Own de Robyn, e supernatural, que facilmente poderia ser um dueto com The Weeknd. Já na seção ‘isso poderia ter sido cantado pelas Destiny’s Child’, true story e the boy is mine são os pontos mais altos do disco.

Em uma atmosfera cinemática, com orquestras presentes em músicas como intro (end of the world) e Saturn Returns Interlude, eternal sunshine é um álbum de divórcio que explora os diferentes estágios do luto. A disposição das faixas não faz essa passagem de forma cronológica, mas há uma progressão natural muito bem amarrada. Na intro, Grande começa perguntando “Como sei se estou no relacionamento certo?” para, então, só ser respondida nos últimos segundos de ordinary things pela sua Nonna: “E se você não puder, e se você não se sentir confortável fazendo isso/ Você está no lugar errado, saia dali”.

Ainda assim, eternal sunshine transcende o término de um relacionamento e se torna uma reflexão sobre o fim de um ciclo. Nesse caso, mais especificamente a chegada dos 30 anos para Ariana Grande, como é revelado no interlúdio narrado pela astróloga Diane Garland. A frase presente na faixa “Está na hora de você cair na real e descobrir quem realmente é” resume essa sensação de ruptura com o passado e a busca por uma nova identidade. É como acordar de um longo sonho, com novas percepções sobre o mundo e sobre si mesmo. Esse processo de amadurecimento implica em entender seus verdadeiros desejos, limites e valores, construindo uma nova fase de vida com base em uma autoconsciência mais profunda.

Além de participar da produção de todas as faixas, Ariana Grande contribuiu significativamente para a composição das músicas, dessa vez, com um número reduzido de co-compositores. É possível observar também que a abordagem vocal da intérprete de Dangerous Woman nesse álbum difere de seus projetos anteriores, com menos ênfase em alcançar grandes notas e mais foco em expressar uma voz vulnerável, sem excesso de efeitos. Em i wish i hated you, a mais emotiva do disco, é possível ouvir a influência do choro em sua voz, proporcionando uma maior riqueza de detalhes à faixa. Esses aspectos destacam a importância de artistas comprometidos nesta era da Música, na qual os ouvintes valorizam a autenticidade e a presença total do intérprete no processo de criação, resultando em trabalhos mais identificáveis e verdadeiros.

Embora eternal sunshine marque o fim de um ciclo para Ariana Grande, os próximos passos da artista ainda são incertos. Uma possível turnê para divulgar o álbum foi mencionada, mas sem datas ou locais confirmados, e o filme musical de Wicked, no qual a atriz interpreta Glinda, ainda vai demorar um pouco para chegar nos cinemas. No entanto, a mensagem final é clara: apagar as memórias, como Joel e Clementine fizeram, pode parecer o caminho mais fácil, mas o processo de superação é essencial para o nosso amadurecimento. Ao invés de negar as dores e perdas do passado, Grande nos convida a abraçá-las e aprender com elas.

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Guilherme Barbosa

Não é por acaso que Taylor Swift é considerada a indústria da Música. A cantora, que acumula mais de 100 milhões de ouvintes mensais no Spotify, lançou em Outubro de 2023 a regravação de uma de suas maiores obras musicais, o álbum 1989 – agora intitulado 1989 (Taylor’s Version). Após o anúncio da remasterização de seus seis primeiros discos, a intérprete tem se mostrado muito engajada em apresentar ao público novas versões que se mostrem atuais, mas ao mesmo tempo, preservem sua essência original.

Desde o lançamento do Fearless (Taylor’s Version), em 2021, a artista tem apresentado um novo formato de consumo de suas criações, presenteando os fãs com músicas inéditas que compõem o conjunto original de faixas, adicionando novas histórias e sentimentos às composições mais pessoais de cada álbum. Quando lançou o projeto original, em 2014, a cantora se adentrava 100% no gênero pop, apresentando canções que viriam a fazer um sucesso estrondoso e a consolidaria como uma das maiores divas pop da atualidade. Swift estava presente em todo lugar: streamings, rádios e televisões. Seu sucesso era inegável e hoje se torna algo inerente à sua carreira.

Anunciado como sua regravação favorita, o tão aguardado disco traz consigo temáticas como o amor, novas descobertas e decepções. Os cenários que vão desde a cidade grande até a praia se fazem presentes para criar uma atmosfera calorosa que irá transitar entre as 21 faixas da nova versão. Com o desafio de manter a qualidade do registro original, a loirinha não decepciona ao trazer vocais mais maturados, suaves e amistosos às suas canções. Um dos maiores sucessos da era, Blank Space nos traz o mesmo ambiente, mas de maneira mais madura em seus versos. Os vocais nos oferecem uma sensação de ironia, contrários ao sentimento de raiva dos cânticos originais.

O álbum mantém suas referências dos anos 1980, que funcionam muito bem em quase toda a obra, como Welcome to New York, I Wish You Would e This Love. Style se mostra como uma das, se não a única música da versão repaginada que, simplesmente, não funcionou. Seus vocais decepcionam, tirando toda a vivacidade que a canção pede. A mudança no instrumental é perceptível, confirmando que a produção falhou ao tentar realçar o que já era bom.

Com sua estética única, o registro traz cinco faixas inéditas para fazer conjunto com as originais. De forma muito sensível, todas trazem assuntos como a decepção, mas também a superação. Now That We Don’t Talk se mostra como aquela canção que (quase) todo mundo irá se identificar. De maneira autêntica e sincera, a Miss Americana nos conta como é ver alguém que era presente em nossa vida e hoje não é mais, seguindo em frente. Taylor Swift reafirma seu status de uma das maiores compositoras de todos os tempos ao nos contar de um jeito tão particular, em forma de composição, como é crescer, amar, se decepcionar e ainda assim, no fim de tudo, se sentir limpo. 

A nova versão não apenas resgata a nostalgia dos fãs, mas também oferece uma nova perspectiva da relação entre os artistas e seu catálogo na indústria musical. Ao revisitar um álbum já consagrado como o 1989, Swift não só fortalece seu vínculo com os ouvintes antigos – o famoso fan service – como também encanta uma nova geração ao proporcionar uma experiência musical renovada. Esta conexão com as gerações Z e Alpha são perceptíveis, especialmente durante os shows da gigante The Eras Tour, onde foi possível notar a presença de crianças e adolescentes cantando as músicas com muita energia. A abordagem desafia os tradicionais costumes, redefinindo a maneira como os artistas preservam seus legados, ao mesmo tempo em que reimaginam criações de anos atrás.

Sua legião de fãs é imensa e isso se torna ainda mais explícito durante a turnê atual, a The Eras Tour. No Brasil, os swifties se uniram para uma homenagem no Cristo Redentor, celebrando a chegada da cantora no país. Este é apenas um exemplo de como ela estabelece uma conexão profunda em suas obras. Os versos contam emoções vividas por quase todos, afinal, quem nunca passou por um término de relacionamento? Ao revisitar sentimentos, Swift não apenas proporciona uma perspectiva renovada de seus discos, mas também adiciona camadas emocionais profundas a eles. Essa conexão vai além de simplesmente ‘ouvir música’; é um laço emocional que transcende o tempo, construindo uma relação autêntica de identificação entre a artista e seu público.

É inegável o impacto que o 1989 teve na indústria musical: foram muitos recordes e shows que ficarão para a história. A regravação vem para reafirmar esse sucesso, nos mostrando que apesar das adversidades, foi possível manter a qualidade original trazendo novos elementos que compõem de forma extraordinária o disco. De fato, há algumas incorreções que se fazem questionáveis, mas que ainda assim, não diminuem o quesito qualidade de uma obra que é uma das mais premiadas da história do Grammy. Com o lançamento de sua quarta Taylor’s Version, a artista se consolida ainda mais como uma das maiores deste século, demonstrando ser extremamente completa e versátil.

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Henrique Marinhos 

Lançado após um atentado terrorista em um dos shows da cantora Ariana Grande, em Manchester, que resultou em 23 mortes e inúmeros feridos, Sweetener é claramente a cura de muitas feridas e uma carta aberta a novas chances e oportunidades, através de experimentação, criatividade e leveza. O projeto é o quarto álbum de estúdio da ex-act, lançado em 17 de Agosto de 2018 pela Republic Records. Com apenas três colaborações em um total de 15 músicas, Nicki Minaj, Pharrell Williams e Missy Elliott entram em sintonia com a cantora em faixas alegres e chicletes. 

Sweetener pode ser considerado um álbum muito pessoal – se descartarmos os muitos produtores que junto a Williams o fizeram acontecer. Com uma mistura de gêneros, como pop, R&B, trap e soul, podemos nos aventurar em temas como o amor, felicidade, superação e a espiritualidade que marcou o início de uma nova era para a intérprete. As canções the light is coming, successful, breathin e no tears left to cry (também apelidada pelos fãs NTLTC) são algumas das faixas que ditam o tom do álbum com otimismo, confiança e gratidão, tanto em em suas letras e títulos quanto em sonoridade.

Em Janeiro de 2018, Grande anunciou que estava trabalhando no álbum, que serviria como uma forma de lidar com seus sentimentos e expressar gratidão pela vida. Logo em Abril, ela lançou o primeiro single, NTLTC, que trata sobre a superação da dor e a escolha de ser feliz. O título do álbum, Sweetener, alcançou seu objetivo de “trazer luz a uma situação ou à vida de alguém, ou a alguém que traz luz a uma situação ou à vida de outra pessoa”, completando 5 longos anos que envelheceram como um bom vinho suave.

Seu objetivo com o é, basicamente, fazer as pessoas se sentirem bem. Sem muitos malabarismos para fazê-lo, o projeto reflete como a artista é com seus amigos, aumentando ainda mais sua intimidade. Isso fica evidente em faixas como God is a woman e borderline (feat. Missy Elliott), que mantêm a pegada pop e R&B de Dangerous Woman, mas com um toque divertido e descontraído, rendendo a incrível performance no VMA 2018 em que a Artista – com A maiúsculo – recriou A Última Ceia, de Leonardo da Vinci, só com mulheres.

Mais que apenas querer o bem, as escolhas de Grande refletem a transparência da cantora ao expressar como se sentia no momento da produção e que nem tudo é um mar de rosas. Em duas faixas, Ariana Grande aborda a luta contra a ansiedade e o estresse pós-traumático, que foram agravados pelo atentado. Em breathin, ela canta sobre como algumas situações consomem sua energia e fazem sua cabeça girar, e como ela precisa se acalmar, além de sugerirem que se medique. Em get well soon, Grande homenageia às vítimas do atentado e revela como sua vida é controlada pelas dúvidas: “e se?”. Essas composição mostram a honestidade e a vulnerabilidade em um trabalho tão pessoal e experimental da carreira, quebrando os estigmas da maldição do quarto álbum, comercial e qualitativamente.

Tanto que, comercialmente, a obra foi um sucesso. Estreando no topo da Billboard 200 nos Estados Unidos. Os três singles – que não poderiam ser mais bem escolhidos – destoam positivamente das demais faixas com qualidade e aceitação. NTLTC, GIAW (God is a woman) e breathin alcançaram o top 10 da Billboard Hot 100, em adição ao seu primeiro megafone no Grammy, com Melhor Álbum Vocal Pop em 2019. Além disso, o álbum recebeu o ASCAP Pop Music Award de Winning Song por NTLTC e GIAW em 2019, que é um reconhecimento aos compositores e editores das músicas mais tocadas do ano.

‘‘E eu sei que você sabe que você é minha alma gêmea e tudo mais.’’

De Maio a Outubro de 2018, época de produção de Sweetener, os assuntos sobre o relacionamento do comediante Pete Davidson com a cantora eram constantemente citados nos Trend Topics do X (antigo Twitter), com anúncios de noivado, mudanças de apartamento e várias tatuagens em homenagem um ao outro, além de tantas declarações de amor. No entanto, o casal terminou o relacionamento e o noivado em outubro, após a morte do ex-namorado de Grande, o rapper Mac Miller. 

O que restou foi apenas a 14° faixa com o nome do comediante, já que suas tatuagens também ficaram só em memória. Com uma sonoridade pop e R&B, e uma batida suave com melodia doce, pete davidson reflete o amor e gratidão no relacionamento relâmpago, que diz ter idealizado em sua vida e não existir outro lugar melhor. Mas existe, em qualquer outra das 14 canções.

Seja por influência de Pharrell Williams como produtor de algumas faixas, nem sempre a cantora pode se sobressair como fez em raindrops (an angel cried), que explicita que os vocais agudos e acolhedores nunca são demais. pete davidson, sweetener e blazed são algumas das composições com um toque maior de experimentação para a época, mas que, depois de cinco anos, só soam desniveladas quando comparados ao restante do álbum. Isso não nos surpreende, já que competir com GIAW ou NTLC é injustiça.

Os sucessores de Sweetener são thank u, next e Positions, que mostram a  evolução musical e pessoal de Grande. O primeiro é um álbum mais honesto e terapêutico, que explora o amor-próprio, a gratidão, a resiliência e o feminismo, enquanto Positions é mais maduro e sensual, explora o romance, a sexualidade, a confiança e a política. Além de terem sido elogiados pela crítica e pelo público, alcançaram o topo dos charts novamente, como seu antecessor. 

Após três lançamentos consecutivos, Ariana Grande decidiu dar uma pausa na Música e focar na qualidade do seu material. Ela está se dedicando a outros projetos, sua linha de produtos de maquiagem, a r.e.m. beauty, e sua atuação como técnica no programa The Voice dos Estados Unidos. Seus fãs terão que esperar para ouvir um novo álbum dela, mas com material suficiente para se descobrirem e redescobrirem quantas vezes puderem até lá: seja com a regravação de Yours Truly no aniversário de uma década ou a participação como Glinda no musical Wicked. Em memória de que a Arte é uma forma de cura, de libertação, de empoderamento e de amor, em Sweetener, Ariana Grande prova que a Música é, sobretudo, uma forma de viver.

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Luiza Lopes Gomez

Reflexões na madrugada, nostalgia de inquietudes antigas e diálogos internos marcam as composições do décimo álbum de estúdio de Taylor Swift que reafirma seu posto como artista flexível e inovadora, capaz de movimentar multidões e quebrar recordes. Com o anúncio do disco em meio ao seu discurso de agradecimento no VMA 2022, Swift introduziu ao público uma nova era. Permeado por mistérios e noites sem dormir, Midnights foi apresentado de forma instigante e milimetricamente arquitetada antes mesmo do seu lançamento, partindo de uma coleção de vídeos postados nas redes sociais, revelando os nomes das composições e recheados de easter eggs, referências já tão próprias da artista.

Como uma mescla de toda a trajetória de Taylor Swift na Música, o álbum, com 13 faixas em sua primeira versão e 20 composições na edição 3 am, é introduzido na carreira da cantora norte-americana de forma a recapitular sua história e, paralelamente, revelar facetas não expostas anteriormente ou aprofundá-las após mais de dez anos de atividade. Com tom irônico, a compositora explora a melancolia e o amargo de momentos que cercam sua sensibilidade e confusão interna. Ao fazer isso, porém, Swift não segue uma linha delicada e nebulosa a fim de ressaltar seu medo, mas sim apresenta uma atmosfera dançante e imersiva, com toques de sensualidade e mistério. 

A mistura entre o íntimo e a descontração tornam o álbum uma união de opostos, revelando trajetórias não lineares na vida da cantora que quebram expectativas e conquistam a adoração de seus fãs e da crítica. Desse modo, o disco coleciona recordes de acesso em plataformas musicais, consagrando Taylor Swift como “a indústria musical”. A combinação da batida pop com composições mais densas demonstra a superação de barreiras temáticas e sonoras da artista, desvinculando-se de qualquer rigidez e imobilidade lírica. Assim, ela promove uma viagem ao passado que, por outro lado, possui uma visão nova, madura e sofisticada sobre questões complexas acerca de crescimento, perda e pertencimento. 

A jornada para a composição de certas faixas passa por um grande processo de imersão na sua juventude. Would´ve, Could´ve, Should´ve, presente na versão deluxe, é uma das músicas mais intensas e vulneráveis criada pela artista. Com a apresentação de canções tão potentes e dilacerantes, Taylor Swift emociona ao detalhar os arrependimentos antigos que a assombram até hoje, retomando relacionamentos tóxicos vivenciados e cicatrizes ainda abertas em seu coração. Além de transmitir seus sentimentos de forma esplêndida e comovente, Swift é capaz de aproximar o ouvinte de suas feridas mais profundas e marcantes através de letras que, pela sua voz, mostram sua potência, sendo responsáveis por influenciar a forma de ver o mundo e receber o amor.

O que também chama a atenção dos fãs mediante a liberação de faixas do disco são as relações diretas traçadas com outra obra da cantora, seu segundo álbum, Speak Now. No ano de 2022, novas citações sobre o sofrimento em uma relação dual e dilacerante, apresentada anteriormente de forma menos profunda em Dear John (2010), constituem momentos comoventes no que diz respeito à destruição de sua inocência e do abuso emocional suportado, apresentando reflexos em sua personalidade e autoconfiança. De tal forma, Taylor Swift transmite toda sua genialidade e sensibilidade, ressaltando seu extenso talento à medida em que transpõe todo seu medo e remorso em versos incomparáveis.

Em um processo de imersão no seu ‘eu’ mais particular, Taylor Swift, como  compositora árdua e experiente no ramo musical, passa por sonhos e pesadelos para construir uma ponte entre seu passado e presente, reconhecendo seus pontos fracos e destacando-os em uma perspectiva que beira a autodepreciação, às vezes perdida entre batidas dançantes que superam os vocais reflexivos. O lead single do décimo disco da cantora, a faixa Anti-Hero, representa justamente este conflito entre o caos interno e a sua visão perante uma sociedade maniqueísta que oprime a expressão individual resultante da instabilidade interior. 

A forma como diversas crises e a falta de confiança são expostas, tão próxima do público no quesito relacionável, remonta a situação de exaustão mediante dilemas morais de madrugadas que condenam. Por outro lado, tanto na faixa principal como em outras que flertam com o lado sensível do ser, suas questões morais e de cunho emocional, é a versatilidade de suas músicas que se manifesta. Para tal, percebe-se a grandiosidade da cantora a partir da construção de um ambiente efervescente para o público, funcionando como uma espécie de teatro vicentino de teor musical, em que os ouvintes se envolvem com a produção e musicalidade atrativas mas, ao mesmo tempo, refletem sobre as realidades complexas e identificáveis presentes em seu âmago.

Além do single de Midnights, outras composições do álbum dialogam com o tema dos arrependimentos e da aceitação, se perdendo em lembranças e, posteriormente, entendendo seus resultados em quesitos de personalidade e ação na vida adulta. Uma das canções que segue tal temática e atraiu os olhares do público e da mídia foi a faixa You’re on Your Own, Kid. Solidão, perda e transformação se entrelaçam e dão vida a um cenário nostálgico da jornada de Taylor Swift, que desenvolve a música a partir de inseguranças de seu passado, dificuldades de aceitação e de reconhecimento da independência como algo positivo. 

Destaca-se a fórmula de sucesso de Taylor Swift em seus lançamentos como resultado de uma entrega impecável para o público, criando ambientes de identificação do ouvinte com as faixas, o que garante ainda que ela acerte em cheio no teor emotivo de suas obras. Ao trocar experiências e expor trajetórias tortuosas até atingir seu momento de estima, a cantora cumpre com uma visão engrandecedora em suas canções, provando a capacidade de superação em relação a dilemas tão próprios do mundo moderno e da juventude, alarmados em madrugadas ruidosas. Torna-se evidente, ainda na continuação do álbum, a forma majestosa com que a artista abre o seu universo, abraçando o sentimento de conforto e afabilidade nas faixas mais lentas e pessoais do disco.

No quesito musicalidade, a credibilidade dos projetos de Taylor Swift mostra-se ainda maior a partir da percepção de sua forma de criação na indústria ao inserir o seu clássico pop, como o do inesquecível 1989, em conjunto com a delicadeza e complexidade de composições próximas das músicas atemporais de seu oitavo álbum, folklore. A unicidade de Midnights parte justamente do relacionamento diferenciado entre suas batalhas psicológicas e sua incapacidade de negar a tentativa pela perfeição, satirizando suas dores e revelando novas emoções que tomam espaço a partir de decepções como vingança, indiferença e karma. 

A partir da produção de planos não tão polarizados e distantes entre tristeza e ânimo, presente nas batidas do disco, Swift concebe ao público canções com toques mais poderosos e que expressam o tom sensual e amargo da norte-americana, distanciando-se de composições somente românticas. Com isso, a artista amplia seus horizontes e expressa sua capacidade em permear diferentes territórios de forma avançada e impecável, construindo um ambiente comum de envolvimento e atração contínua.

Primeiro álbum realizado totalmente em parceria com Jack Antonoff, o disco une vocais incríveis de duas parceiras de longa data do produtor musical: Taylor Swift e Lana del Rey. As artistas se juntam em uma das canções mais metafóricas de Midnights, combinando seus toques românticos e paradoxais em Snow On The Beach. Considerando toda a ansiedade envolvida no feature, a faixa deixa a desejar no que diz respeito à participação de del Rey. A composição bela e estranha, que mistura emoção e desilusão constantemente, tem sua potencialidade exaltada em decorrência da maestria na condução de versos e estrofes dramáticas, porém, não capazes de esconder a ausência da voz da cantora convidada nos ápices da faixa. 

Assim como a parceria com Lana del Rey e os outros dez álbuns de Taylor Swift, o romance está presente em Midnights de diferentes formas, transpondo desde a sensação de arrependimento até a conquista de um amor guerreiro e vencedor. No disco, o sentimento modela-se de maneiras distintas, traçando um percurso não linear que começa na negação da paixão em Labyrinth até a conquista da tranquilidade e transparência em um relacionamento, como detalhado em Sweet Nothing. Esse processo, no entanto, envolve possíveis mudanças no caminho até chegar ao ponto de destino do conforto.

A intensidade e o mistério de certas canções da obra de Taylor Swift são intensificados através de mecanismos de sobreposição e modulação de vozes, como nas faixas Midnight Rain e Maroon, que abordam jornadas frustradas da cantora e inserem o ouvinte em um meio sensível e imersivo que clama pela potência e força de tal experiência. O álbum configura-se de tal forma como uma companhia para todos os momentos, caminhando desde a vulnerabilidade até o poder de se sentir livre e brilhante. Característica obviamente planejada por Swift, Midnights oferece de tudo um pouco, sendo capaz de te acompanhar nas madrugadas e se mostrar compatível com diferentes dores, incentivando, porém, a expressão do brilho interno de cada um, assim como preciosos diamantes.

O lançamento de Midnights não foi a única surpresa de Swift em sua mais nova era. Meses após o debut de seu décimo álbum, a cantora retornou aos holofotes com o anúncio de sua turnê mundial, a The Eras Tour. Narrando toda sua trajetória na Música através de diferentes composições, cenários, figurinos e uma produção impecável e esplêndida, Taylor Swift comove multidões com shows de mais de três horas que não perdem a intensidade e emoção por um minuto sequer.

Recebendo ainda o reconhecimento do Grammy como a “turnê mais lendária desta geração”, a cantora norte-americana reafirma através do espetáculo toda sua genialidade e talento em uma carreira que já supera 17 anos. A energia do evento é capaz de ultrapassar quaisquer barreiras de diferentes estádios e transparecer todo o empenho, excelência e comprometimento de Swift com seu público.

Sua jornada de sucesso na indústria tem como base todo seu magnetismo e dedicação no que se propõe a fazer e inovar na Música. Traçando uma linda caminhada desde suas primeiras aparições em 2006 com o primeiro álbum Taylor Swift, até a consagração de seu legado através de Midnights. Nenhuma porta encontra-se inteiramente fechada para ela, uma compositora em ascensão há anos e extremamente criativa e ambiciosa em todas as suas produções, emplacando hits e marcando vidas a cada momento. 

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Leticia Stradiotto

No ano de 2012, dentro de uma garagem em Frankenmuth, cidadezinha alemã de Michigan, o som mais esperado pelos apreciadores do bom e velho rock’n’roll nasceu com a banda Greta Van Fleet. Em seu primeiro trabalho, o EP Black Smoke Rising, o grupo rebateu – com impulso – a polêmica e extremamente cansativa frase “Não se faz mais o rock como antigamente”, o êxito da banda disparou talento e reviveu a intimada e almejada melodia dos anos 70.

Os integrantes fecharam seu primeiro contrato com a gravadora Republic Records para estrearem sua carreira em 2017: o EP Black Smoke Rising foi criado por jovens de pouco mais de 18 anos de idade. Em 2022, completam-se 5 anos de lançamento do primeiro trabalho. É quase inacreditável pensar que o quarteto estava se despedindo da adolescência, considerando a voz potente de Josh e a enorme habilidade nos instrumentos hard rock dos irmãos Kiszka e Danny. Pois então, quando menos esperávamos, Greta Van Fleet nos apresentou uma oportunidade perfeita para a volta do estilo old-school, acionado pela guitarra e por um bom heavy blues.

Extremamente comparados ao Led Zeppelin e às semelhanças da voz de Robert Plant, a mídia aprofundou opiniões. Ao ser questionado em uma entrevista, Plant, o líder do Led Zeppelin, afirmou que Josh é um jovem cantor de bela voz e comentou, em tom de brincadeira: “Eles são o Led Zeppelin. Eu odeio ele (Josh Kiszka), o cara pegou emprestado a voz de alguém que eu conheço muito bem, mas o que pode ser feito?”. É justo ressaltar que a maioria dos artistas especializados em hard rock e blues dos anos 60 e 70 trazem as características principais do estilo, sendo assemelhados também à estrela Jimi Hendrix. O que não é algo ruim, por si só, mas o interessante é utilizar esses recursos para construir uma identidade própria. Em Black Smoke Rising, Greta Van Fleet faz exatamente isso. 

A primeira faixa do EP de estreia, a destaque Highway Tune, teve um resultado gigantesco a ponto de permanecer na lista da Billboard por semanas. A música foi muito bem-vinda no mundo musical do rock: ela prende e não solta, como um vício longo e contagiante. Além disso, o primeiro contato aponta o incessante questionamento de ‘caraca, de onde esses caras surgiram?’, em forma de sensação e nostalgia. Os vocais de Josh Kiszka são, de fato, parentes dos de Robert Plant, mas seu dom de equilibrar o caos e a melodia são impressionantes e extremamente difíceis de encontrar. 

Já Safari Song inicia com um riff espetacular e um grito estrondoso do vocalista, e se faz o maior pontapé do EP para dentro do tradicional rock’n’roll, com direito a agudos e graves tempestuosos. A faixa soa como um acolhimento para quem suplicava por um novo som de bater cabelo. O baixista, Sam Kiszka, traz a influência do jazz nas suas dedilhadas e a música tem uma incrível quebra no meio, fator imprescindível para a retomada, com força, do pesado estalo.

Em seguida, Flower Power demonstra a maturidade do grupo em suas composições – afinal, Greta Van Fleet está aqui para inovar e experimentar novos tipos de combinações musicais. Dessa forma, o guitarrista Jake Kiszka abre mão de alguns segundos no instrumento e entra com um violão minucioso, em uma pegada de bandolim, que torna o som aconchegante. A dinâmica da canção é resultado de riscos e misturas, até então com pouca frequência no gênero musical, e a faixa se fecha misteriosamente com um órgão de igreja tocando ao fundo.

Black Smoke Rising, composição que dá nome ao EP, é de longe a identidade da banda em sua forma mais íntegra. A guitarra, baixo e bateria estão presos em um groove moderado, que sobe e desce suavemente. Enquanto isso, Josh oferece seu enorme desempenho nos vocais, principalmente durante os refrões, em uma música contagiante e comunicativa, assim como todo o disco. Mesmo após 5 anos, o match com o estilo adormecido há tempos finalmente tem um resultado incrível, que, com muito esforço, agrada os ouvintes de longa data do rock’n’roll.

O EP de estreia de Greta Van Fleet é o primeiro de três CDs. Entre o trio, está From the Fires, álbum duplo composto por oito canções; quatro do trabalho de estreia e quatro faixas novas, que incluem um cover magnífico e super adaptado ao rock da clássica A Change Is Gonna Come, de Sam Cooke. Na época, a banda optou por lançar pequenos EPs ao invés de um disco completo – atualmente, porém, já possui deles, com 12 faixas. O mais recente dos trabalhos, The Battle at Garden’s Gate, revela os principais caminhos para o crescimento e amadurecimento do grupo.

Em Black Smoke Rising, a música tentadora soa como uma homenagem refrescante ao rock clássico e alcança uma abordagem impressionante. Com o destaque em alta, a banda preenche as expectativas e aposta em mostrar ao mundo o que tem a oferecer: o quarteto constrói sua persona de forma vitoriosa. Para os amantes do bom e velho, acompanhar o crescimento de grupos que o revivam nunca foi tão fácil, e o EP inova o gênero, com nostalgia ao mesmo tempo que personalidade. Estamos no tempo perfeito para acompanhar a trajetória de Greta Van Fleet, que segue na ativa, produzindo cada vez mais álbuns e adaptando sua personalidade à cena do rock atual.

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Júlia Paes de Arruda

Depois de um impetuoso começo na carreira solo, Joe Jonas decidiu tentar outra forma de permanecer nos holofotes da Música. Com o término dos Jonas Brothers ainda recente, ele se uniu com seu amigo de longa data Jack Lawless para formar o DNCE, junto com a guitarrista JinJoo Lee e o tecladista Cole Whittle. Ainda que seu primeiro lançamento tenha sido uma incógnita, somente em 2016 que o quarteto sentiu seu deleite com a chegada de um álbum autointitulado. 

Embora muita coisa de DNCE possa ser esquecível e, muitas vezes, reciclada, toda a sua aura pende para um lado festivo. Nesse caso, toda a construção imagética e sonora se embasa em cores mais vibrantes, ritmos mais demarcados com a percussão e notas mais agudas. Não há dúvidas que as músicas foram feitas com um só objetivo: dar aquele ânimo em festas para, principalmente, não parar de dançar. 

O álbum começa com uma música de mesmo nome, que serve como uma ponte para o estilo predominante do disco. A vibe divertida não solta a mão do projeto e DNCE introduz esse sentimento com muita energia, especialmente porque tem o funk pop como seu principal gênero. Não é mera ironia que o nome da própria banda, de certa forma, é um anagrama para dance. 

Blown poderia fazer parte da trilha sonora de qualquer filme adolescente, particularmente nas cenas em que o personagem realiza muitas atividades ao mesmo tempo e só temos acesso a uma música ambiente. Isso também pode ser aplicado a Good Day, com uma atmosfera de renovação e positividade. Os arranjos de violão transmitem uma energia otimista e, aliado ao compasso coreografado, torna-a algo gostoso de ouvir. 

Fazendo uma contraposição com essas faixas mais serenas, nos deparamos com Naked. Com versos aglutinantes, simples e repetitivos, a música produz uma sensação meio robotizada. Tons extremamente agudos transmitem uma euforia esquisita e angustiante, de forma a preparar o público para qualquer surpresa. É nesse momento que somos arrebatados com batidas eletrônicas características do álbum, em uma transposição de ânimos repentinos que, no final, se encaixam. 

Contudo, a obra-prima de DNCE é a que tornou a banda conhecida pelo público, ainda que seu nome não seja associado a quem a canta. Cake By The Ocean consegue atingir em cheio qualquer pessoa que a escute com sua batida chiclete e versos mais constantes. Pessoalmente, é a música que consegue ser hit em qualquer verão e a mais difícil de se enjoar devido ao seu caráter dinâmico e sociável. Mesmo que muito tempo tenha se passado, é difícil não se animar com seu refrão viciante. Por causa disso, a faixa chegou no Top 10 em em várias paradas, incluindo na Billboard Hot 100, embora tenha um significado um pouco diferente do literal. 

Apesar dessa construção festiva, o disco também consegue trazer certos graus de equilíbrio com Truthfully e Almost, as faixas mais destoantes de todo o projeto. Com uma entonação de calmaria, as duas canções se assemelham aos trabalhos de Happiness Begins, dos Jonas Brothers. Possivelmente, isso se deve ao fato da presença de Joe Jonas nas composições de todas as músicas de DNCE. Dessa forma, podemos apreciar a demonstração de seus alcances vocais sem estar presos a acordes de guitarras e batidas de percussão extremamente altas, algo que ele desempenha com maestria. 

Mesmo com esse sucesso meio repentino, DNCE não decolou nada muito sólido além de uma excelente música com Nicki Minaj, um single disco solto e um EP desconhecido. Com a volta dos Jonas Brothers, as atividades do quarteto estão temporariamente em pausa. Porém, o próprio vocalista já afirmou que tem total liberdade para trabalhar com os dois projetos em paralelo. Se até mesmo seu próprio irmão preferiu um álbum DNCE ao invés de um solo de Nick Jonas, quem somos nós para recusar o que a banda de Joe Jonas tem para oferecer? Só nos resta celebrar todo o sucesso de DNCE com veludo vermelho, baunilha e chocolate na minha vida.

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Eu estou tão cansada de correr o mais rápido que consigo/Imaginando se eu chegaria lá mais rápido se eu fosse um homem/E estou tão cansada deles vindo atrás de mim de novo/Porque se eu fosse um homem, então eu seria o cara/Eu seria o cara

Esse trecho que você acabou de ler foi retirado da música The Man da Taylor Swift. Nela, a artista reflete sobre a sua situação como mulher tanto no mundo da Música como na sociedade como um todo, transparecendo o quanto ela sempre tem que se esforçar mais para alcançar o mesmo sucesso dos homens, embora eles entreguem resultados medíocres quando comparados aos dela. 

Enquanto a Miss Americana já migrou do country para o pop e do pop para o folk, faturando 11 Grammys, ela também enfrenta seu trabalho desvalorizado e às vezes até “roubado”. Enquanto um homem, cuja trajetória musical se baseia em usar jeans, camisa de botão e segurar um violão no palco, é considerado “O Homem”.

No clipe da música The Man, que foi roteirizado, dirigido e estrelado por Taylor, há uma cena na qual ela, vestida de homem, faz xixi numa parede de um metrô. Nessa parede, se encontram os títulos de 5 dos seus álbuns e também uma plaquinha escrito “PERDIDO, se achar devolver à Taylor Swift.” Onde ela claramente faz uma referência ao produtor musical, Scooter Braun, responsável pela compra de sua antiga gravadora e por vender os discos da artista sem o seu consentimento, desta forma, fazendo com que ela deixasse de ter direitos sobre as suas próprias músicas.

Para superar toda essa história e evitar que um homem lucrasse com o árduo trabalho que havia depositado em cada álbum que foi gravado pela gravadora Big Machine, Taylor Swift decidiu enfrentar uma jornada de regravação de todos os seus álbuns, que a antiga gravadora detinha os direitos. O primeiro desta jornada de regravação foi Fearless, o segundo álbum de estúdio da cantora, que inclui enormes sucessos como You Belong With Me e Fifteen.

O álbum original estreou na primeira posição da Billboard 200, fazendo Swift a artista mais jovem a conseguir a marca de álbum mais vendido em um ano nos EUA, que ainda rendeu 8 indicações ao Grammy e 4 vitórias na premiação para a cantora. Logo após o lançamento de Fearless, houve o single Love Story, que foi um divisor de águas na carreira de Taylor, pois após isso a Miss Americana alcançou seu sucesso mundial.

O sucesso mundial do segundo álbum de Swift pode ser justificado por apresentar um dos grandes traços de Taylor: suas composições intimistas onde a cantora encapsulou seus sentimentos, tornando possível a identificação por parte do grande público. E também por sua sonoridade marcante e sutil, que traz um country com uma mescla de pop, sem fazer esse crossover de uma forma grosseira ou forçada. 

A regravação de seu primeiro sucesso mundial é chamada Fearless (Taylor’s Version), onde é perceptível notar que Swift nos trouxe uma voz mais madura e valorizada pela produção técnica do álbum, em comparação a 2008, mas ainda sim capaz de transmitir as mesmas sensações que a Taylor de 18 anos. A composição Love Story foi feita há 12 anos, mas ao cantá-la novamente em 2021, Swift em momento algum transpassou a música um tom infantil, nos entregando sua maturidade de agora aveludada aos seus sonhos de adolescente, feito que se estende por todo o álbum. Taylor demonstrou muito bem que, ao conversar com seu passado, ela não se sente deslocada em sua própria história.

Possuindo atitudes como contratar a banda original da primeira versão, a artista não poupou esforços para manter os dois álbuns o mais próximo possível um do outro. Porém ainda tiveram mudanças, que vieram em sua grande maioria em forma de acertos. Através de faixas como Fifteen, onde Taylor narra sutilmente sua entrada no Ensino Médio, é visto um tom mais nítido e acertado que o de sua versão original. Em seu ritmo, há um country mais melódico e romântico, com banjos, baterias e violinos bem marcados. Os acertos na composição do ritmo trazem vivacidade à música e a sensação de que você está no mesmo lugar que Taylor ao compor ela.

Apesar do álbum ser escrito por uma adolescente imersa em suas fantasias, Taylor é ciente dos altos e baixos do amor e Fearless também apresenta o momento em que o conto de fadas é quebrado. Segundo a própria Taylor, White Horse mostra como ela está chegando a uma conclusão de que não existe o conto de fadas em tudo e que esta é a vida real. A música narra uma desilusão amorosa da Miss Americana, e ao compará-la com Love Story, na versão regravada, fica muito nítido a disparidade entre suas melodias: Love Story desperta uma vontade de se apaixonar pela forma como narra um amor forte e permanente apesar de tudo; já em White Horse, temos um som mais calmo e um country melodramático, com acordes de violão bem fortes.

A sensação de nostalgia para os fãs de longa data da Miss Americana é constante, e ainda mais forte ao ouvir algumas faixas extremamente marcantes. Em You Belong With Me, Taylor nos presenteou com uma versão impecável de seu grande sucesso, apresentando um vocal nítido e mais harmônico, com os instrumentos mais bem trabalhados e resultando em uma sonoridade que traz uma percepção maior de cada instrumento que compõe a música. Resultando em uma melodia eletrizante e nostálgica para quem já acompanhava a artista há anos. 

Mesmo trazendo um acerto na produção técnica da música e na produção da voz de Taylor, a regravação possui pequenas falhas, como em The Way I Loved You. Essa faixa possui um banjo bem marcado, destoando do que acontece ao decorrer do álbum. Logo no começo da música, já nota-se que a versão atual possui acordes mais sutis que a versão original e com uma progressão de grave maior, algo que aqui não foi tanto um acerto, pois a intro dessa música era algo muito marcante e diferenciado no álbum original. O arranjo de Fearless (Taylor’s Version) tirou um pouco da originalidade dessa faixa, e assim como outras músicas, a voz de Taylor casou mais com a melodia na versão atual, mas ao ouvir há a sensação que na versão de 2008 a cantora trouxe mais emoção.

A maior diferença entre as versões segue sendo a adição de seis faixas novas, escritas na época que o álbum original foi produzido, mas que ficaram de fora do lançamento. Entre as extras, está uma das músicas mais populares da cantora no Spotify atualmente: Mr. Perfectly Fine, que traz uma melodia composta por um country pop muito alegre, com guitarras energéticas e um ritmo com intervalos. A sua composição descreve um pós-término e como o narrador se sente frustrado com o parceiro do relacionamento romântico se mostrando uma pessoa diferente do esperado, um clássico de Taylor Swift. Vale ressaltar também a faixa Don’t You, cuja melodia apresenta um pouco mais de pop que o restante do álbum. Para um fã assíduo da cantora, a música aparenta ser mais algo que Taylor faria durante sua era 1989 do que em sua era Fearless.

Outra diferença entre os álbuns digna de ser vista é em relação às suas notas na plataforma Metacritic, que pontua trabalhos artísticos com base em textos de jornais renomados. A regravação e as faixas inéditas apresentam uma nota 82, enquanto a versão original apresenta uma pontuação de 73, mostrando como o álbum foi bem recebido pela crítica especializada. O álbum também foi bem recebido pelo público, igualmente à versão original, estreando na em primeiro lugar nas paradas da Billboard 200, como o álbum com a melhor semana de vendas do ano. 

Os números demonstram como a atitude corajosa de Taylor de regravar seus álbuns, que de certa forma foram roubados, foi promissora. Segundo Swift, Fearless (Taylor’s Version) e esse importante processo de regravação foi mais satisfatório e emocional do que a mesma poderia ter imaginado, e a convenceu ainda mais a regravar todas as suas músicas, deixando transparecer os sentimentos em relação à retomada da sua própria Arte. Além de tudo, o interesse da Miss Americana em expor toda a situação em relação a Scooter e a sua antiga gravadora foi um grande alarmante para as condições em que jovens talentos são postos ao assinarem seus contratos.

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Laís David

Um rito de passagem natural da indústria da música é a popularização das ‘eras good girl gone bad’. Se distanciando de letras reverentes e se aproximando de um conteúdo mais adulto, esses lançamentos são marcados pela ascensão da persona Femme Fatale e a maturação de suas narrativas. Essa transição é referência para artistas que começaram cedo: Miley escandalizou com Bangerz, Taylor declarou a morte de sua antiga versão em reputation e Aguilera esteve à frente de seu tempo com Stripped. Em 2016, foi a vez de Ariana Grande e o majestoso Dangerous Woman.

Depois de dois álbuns de sucesso massivo, foi difícil enxergar qual direção Grande iria seguir. Com My Everything, ela conseguiu estabelecer seu nome como artista pop, emplacando mais de cinco sucessos consecutivos dentro da Billboard Hot 100. O desenrolar bem-sucedido entre Problem, Bang Bang e Break Free foi surpreendente dentro da indústria, e não demorou muito para que a Republic Records começasse a preparar o lançamento do disco subsequente. 

O início da era foi conturbado. Focus, o primeiro single, soava como uma versão Walmart de Problem e não agradou o público ou a crítica especializada. Para ajudar, Grande viu seu primeiro escândalo explodir nas revistas ao afirmar em um vídeo que odiava a América enquanto lambia um donut da prateleira de uma padaria. Com o single mais falho de sua carreira e a demissão de seu empresário Scooter Braun, parecia o fim ridículo da era de ouro da cantora.

Foi reinventando o conceito do disco que ela conseguiu salvá-lo. O romantismo do trabalho original, que iria se chamar Moonlight, foi totalmente descartado. Grande deixou os vestidos longos de lado e aderiu às roupas de látex; as orelhas de gatinho foram substituídas por orelhas de coelho, à la Playboy; sua sonoridade já não remete a inocência de seu passado, e sim a confiante feminilidade de seu presente. Nasce, então, o seu trabalho mais pop: Dangerous Woman.

Para um álbum recheado de canções dançantes, era impossível não contar com a participação do gigante Max Martin. O produtor trabalhou em quase todo o disco, dividindo o espaço no trabalho com o parceiro onipresente na carreira de Ariana, Tommy Brown. A produção do LP é bem mais consistente que o nada coeso My Everything, e Grande se mostra uma vocalista ilustre em todo o trabalho.

Se, até então, a floridense tinha experimentado pouco dentro do R&B, ela mergulha de vez nesse ritmo dentro do disco. Moonlight abre o álbum com sua serenidade romântica e angelical reverência – que são refutadas com a canção seguinte, a sensual  faixa-título Dangerous Woman. Essa mudança radical é precursora do trabalho extrovertido e nada ortodoxo que vem a seguir.

A americana conseguiu reunir um compilado de proficiência pop em um único álbum. Into You é talvez o maior feito de sua carreira: a construção do refrão e a mistura entre o dance pop e o R&B carregam a faixa para a lista de canções pops atemporais da década passada. O mesmo pode ser dito da memorável Side to Side, que é a mistura perfeita entre reggae, pop e o flow vultoso da rainha do rap, Nicki Minaj. Tais canções foram fundamentais para a consolidação de Ariana Grande como artista pop naquele ano.

Ela também passeia por sons retrôs de forma formidável. Leave Me Lonely é um soul moderno e polido, trazendo para Ariana o desafio (bem realizado) de colaborar com a prolífica vocalista Macy Gray. Já Greedy precedia a volta do disco com a produção recheada de pitadas de funk e motown: a mudança de tom no último refrão é inesquecível. A comparação com Mariah Carey, muito comum no começo de sua carreira, já não é mais tão comum aqui: sua sonoridade é muito mais original.

Dentro da discografia de um artista, é normal que músicas sejam esquecidas ou pouco trabalhadas. No entanto, é quase criminoso ver canções como Bad Decisions serem escondidas em tracklists deluxe e versões especiais. O mesmo acontece com a obra prima Touch It, um synth-pop proficiente e a melhor canção do disco.

Uma crítica comum dentro da indústria musical é que artistas mulheres sentem a pressão da reinvenção de seu conteúdo mais do que artistas homens. Por mais que válida, essa realidade não se aplica para Grande: essa reinvenção foi necessária para colocá-la no status que ocupa. A persona romântica e delicada do passado se transformou em uma mulher envolvente e confiante. Mais que tudo, Dangerous Woman consolidou Ariana Grande como uma artista de destaque e traçou o caminho para trabalhos ainda mais autênticos em sua discografia. 

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