Livia de Figueredo

Dona de um talento singular e autêntico, a rapper Azzy lança um novo EP chamado Rímel. Contando com 5 faixas que destrincham toda sua versatilidade e potencial como artista, o trabalho aborda desde músicas com temática romântica até letras que retratam a realidade feminina dentro das periferias. 

Uma das principais faixas de Rímel é São Gonçalo, que explana grande parte da sua trajetória. A vida da artista foi marcada por um amadurecimento compulsório, visto que, aos 12 anos de idade, Isabela Oliveira foi violentada sexualmente por um parente. Sem saídas e sem o apoio familiar, ela saiu de casa para não ser mais submetida a tamanha violência. 

Desamparada, sozinha e na ausência de um apoio psicológico e financeiro, o tráfico de drogas foi a solução que a Azzy encontrou para sua própria sobrevivência. No podcast Podpah, a rapper relata como foi ter que traficar até conseguir uma mínima condição de vida, para assim sair do crime e poder se dedicar à Música, que sempre foi sua paixão.

A história de Azzy é semelhante a vivência de milhares de meninas que são violentadas sexualmente, e por consequência de uma sociedade que possui em sua conjuntura raízes discriminatórias e sexistas são invisibilizadas, e ainda tem todos os seus direitos negligenciados pela família e pelo Estado. Nesse cenário de extrema violência, uma válvula de escape que surge como um grito de resistência é se expressar através da Arte. 

Inicialmente, a rapper participava de batalhas de rimas no estado do Rio de Janeiro. Todavia, nem dentro do rap, onde pessoas negras e periféricas conseguem ganhar voz para escancarar uma realidade de estigma que sofrem, a mulher encontra seu espaço. Esse foi o preconceito que Azzy vivenciou na própria pele, quando o seu trabalho era desmerecido por conta do seu gênero, e em suas letras, ela denuncia o machismo dentro do rap nacional: “Até entendo vocês odiarem uma mina rimar melhor do que vocês”.

Nesse quadro persistente de preconceito e pouca representatividade, Azzy, com apenas 20 anos, teve seu rosto estampado em um telão da Times Square, um dos lugares mais conhecidos no mundo. A rapper é uma das brasileiras que compõem o quadro de artistas do projeto EQUAL do Spotify, que tem como objetivo promover a equidade de gêneros. O destaque foi para a música Robocop, que deixa explícita a mensagem sobre a liberdade feminina em Rímel. Outros artistas, como Anitta, Luan Santana, Iza e MC Dricka colaboram com o EQUAL, entretanto, é inegável que a presença de Azzy é essencial para a diversidade cultural, visto que ainda há entraves para a figura feminina dentro do rap.

Esse reconhecimento internacional fez a rapper se transformar numa inspiração para milhões de meninas e mulheres, que hoje podem ver o rap como uma oportunidade de se expressar. Nesse sentido, o EP Rímel conta com uma participação de uma artista emblemática do gênero musical: Cynthia Luz em Luzes de Neon. Na música, a dupla  deixa claro o recado de que as minas são livres para serem, fazerem e ocuparem tudo o que desejam. 

Atualmente, Azzy coleciona na sua carreira participações nacionalmente reconhecidas, como no Poesia Acústica, onde ela colaborou em três edições que tiveram mais de 650 milhões de acessos. Além disso, os dois milhões de seguidores que a rapper conquistou em sua conta pessoal do Instagram confirmam o inquestionável: Azzy é um fenômeno, contribuindo para a representatividade do rap nacional e feminino, que infelizmente ainda hoje encontram obstáculos como a falta de investimento e o machismo. 

Entretanto, com a figura de mulheres como Azzy, a passos pequenos outras meninas e mulheres periféricas são inspiradas a procurar uma realidade diferente da que é oferecida pela sociedade, como os abusos, violências e negligência dos mais diversos setores sociais. E finalmente, podemos nos ver como merecedoras de ocupar todos os espaços, inclusive como dignas a  atingir o pódio através de uma música que surge como um grito das minorias.

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Enrico Souto

Rico Dalasam foi o primeiro rapper gay a ganhar grande projeção na cena do hip-hop nacional, e um dos principais expoentes do gênero queer rap no Brasil, que contudo hoje se mostra um termo limitado demais para o que ele representa. Em suas palavras, “depois que você lança uma música e vai existindo, as coisas tomam caminhos que uma tag não suporta”. E acredite, nenhuma tag suporta Dalasam. E caso ainda houvesse dúvidas, Dolores Dala Guardião do Alívio vem para cravar o artista como um dos nomes mais relevantes da música brasileira atual.

Emicida, em entrevista ao Roda Viva em julho de 2020, ao ser perguntado sobre o envolvimento da comunidade LGBTQ+ no movimento do hip-hop, citou Rico, que colaborou com o rapper em Mandume, como “um dos melhores letristas que nós temos hoje”. E de fato. Depois de alguns anos de hiato e polêmicas que reverberam até hoje, o cantor e compositor retorna com os dois pés na porta com um álbum extremamente conciso, maduro e de identidade visual marcante, acompanhando 11 faixas e um curto clipe de quase 2 minutos que introduz as temáticas abordadas no disco e sintetiza a mensagem proposta.

Anteriormente lançado como um EP de cinco faixas em maio de 2020, dessa vez sua premissa é elevada à décima potência, transformando-se em uma experiência imersiva e em uma viagem pelas emoções, vivências e pensamentos do autor, resultando no trabalho mais sensível e intimista de sua carreira, e com certeza um tiro acertado. O disco, de cerca de 26 minutos, pode até ser consideravelmente curto para a duração padrão de um LP hoje, mas, em compensação, ele não tem uma grama de gordura. Como um legítimo álbum conceitual, todas as faixas têm papel crucial e relevante para o resultado da obra final. Tanto sua estrutura narrativa quanto a forma com que as faixas são agrupadas não são por acaso. 

Com produções assinadas por Dinho, Mahal Pita, Moi Guimarães, Netto Galdino, Pedrowl, RDD e Chibatinha (ÀTTØØXXÁ), Dolores Dala Guardião do Alívio nos conduz à jornada emocional de Rico, através de uma fábula envolvida por versos poéticos e rimas instigantes, de alguém que incessantemente procura a calmaria em um mundo hostil. Enquanto Orgunga, álbum anterior do rapper, é “o orgulho que vem depois da vergonha”, aqui ele nos revela o alívio que vem depois da dor.

A música de abertura é a intro DDGA, faixa em spoken word que apresenta um eu-lírico absorto e contemplativo, olhando para trás depois de um longo caminho percorrido e refletindo sobre sua trajetória, essa que acompanharemos nas 10 faixas que virão a seguir. Entre todo o texto que é recitado, uma frase ecoa em destaque: “não falaria de alívio se não tivesse doído tanto”. Aqui, Rico evoca as duas máximas que irão ditar o curso que sua narrativa percorrerá: dor e alívio. Essa dualidade é exposta e será posta em constante conflito até que ela ache seu equilíbrio para, desse modo, abrir passagem para a cura. Afinal de contas, depois de tudo o que ele passou, simplesmente não há como continuar o mesmo.

Em contraponto à faixa anterior, voltamos à estaca zero e somos levados à Expresso Sudamericah. Dessa vez, ao invés de ouvirmos um discurso auspicioso e otimista, nos deparamos com o manifesto de um homem confuso, angustiado, largado sozinho na estação, procurando sentido em sua caminhada. Acompanhamos o seu raciocínio junto às batidas compassadas, de quem questiona sua posição no mundo e as responsabilidades que essa posição lhe infere. Como uma carta para o seu público, vinda direto de um período em que o próprio Rico, depois de sofrer constantes ataques por unicamente reivindicar um direito trabalhista, perguntava-se qual era o seu papel como músico em uma indústria tão opressiva e sufocante.

Mas ali ele encontra uma resposta. Ou, senão uma resposta, uma faísca de esperança. Dalasam usa a sua experiência individual como homem, negro, gay e latino para comentar todo o processo de henrança colonial da América do Sul, posicionando-se no centro desse cenário. Não é à toa que, durante o refrão, ele se dirija diretamente ao ouvinte: “Alô parceiro, passageiro”. Afinal, ele não caminha sozinho. E, no fim das contas, não adianta de nada produzir um hit de milhões se isso significar se render à ordem vigente e tornar-se ainda mais refém desses poderes. Ele, enfim, conclui que não importa o quanto tentem calá-lo, ele mesmo abrirá o seu caminho para o topo, traçando seu propósito: “Tô desenhando um coração onde todo dia apagam um monte”.

Esse artifício de utilizar vivências individuais para comentar um fenômeno social coletivo rege toda a estrutura de Dolores Dala Guardião do Alívio. Em Não é Comigo, é introduzido, através de um áudio de WhatsApp, um dos arcos centrais a serem abordados: um relacionamento interracial, homoafetivo, e as implicações disso para ele como homem negro. Rico então atravessa um importante tópico: a solidão do gay negro, constantemente hiperssexualizado e idealizado em fantasias e fetiches sexuais, porém nunca considerado digno de amor e afeto genuíno. O rapper decide enfrentar diretamente esse imagético e coloca o seu parceiro – evidentemente branco – contra a parede ao questionar o motivo dele não assumi-lo para seus familiares e amigos.

Tal temática continua se estendendo na faixa que sucede, Última Vez. Musicalmente, essa é a que mais se diferencia do resto do álbum: um afrobeat que abusa de 808’s e arranjos eletrônicos, predominantes no gênero do trap – o que se encaixa perfeitamente com a estética densa e soturna que a música quer transmitir –. No entanto, ela também opta por batidas mais orgânicas, somadas a suaves dedilhados de cavaco em segundo plano, fazendo com que sua sonoridade, ainda que destoante, continue soando familiar com o resto da tracklist. Além disso, com sua voz sustentada por um autotune modesto, porém marcante, e um flow melódico à la Beli Remour, Rico explora sua extensão vocal como nunca antes, expressando sentimentos que vão da agressividade à melancolia.

Por meio de rimas ríspidas, cruas e diretas, Rico se localiza e deixa claro: ele não será cativo de ninguém. Frases como “quer meter, mas não quer manter” o colocam em uma posição ativa e reforçam a sua ofensiva, de alguém que sofreu calado por tempo demais. De tônica semelhante, a faixa Mudou Como?, um afropop enérgico que cativa logo na primeira ouvida, relata o momento em que essa relação adquire um caráter abusivo, fatalmente repercutindo as dinâmicas de uma hierarquia colonial. Nos deparamos com um eu-lírico complexo e impotente, em conflito com a contradição de ainda desejar permanecer em uma condição que o faz tão mal. 

Com o intuito de realizar um mergulho mais íntimo sobre esse romance e seus efeitos tanto internos quanto externos, o primeiro single de Dolores Dala Guardião do Alívio e seu maior hit, Braille, é conduzido por um sample notável de Chanel, do Frank Ocean, acompanhado por um singelo pandeiro, culminando, no refrão, em um dos clímax mais memoráveis que o rapper já nos proporcionou. Seu talento como compositor se manifesta em versos intensos e frases icônicas que tratam da forma mais franca possível os infortúnios vivenciados com seu parceiro.

E então, finalmente, depois de tantos tormentos e anseios, Supstah é uma quebra que vem como um balde de água fria, um momento de respiro diante de tantas perturbações. Supstah é a utopia de Rico Dalasam, quando, nem que seja por um breve instante, ele se entrega aos seus sonhos e se permite descolar de sua existência material, idealizando um mundo diferente para si e para os seus. 

Talvez, exatamente por ser um momento mais brando e menos urgente, essa também seja uma das faixas de menor destaque de Dolores Dala Guardião do Alívio. Porém, independente do seu impacto dentro do panorama geral, esse ainda é um dos takes mais bonitos feitos no disco. Visto isso, faz sentido que, na faixa seguinte, o interlúdio Circular 3, protagonizado pela mãe de Rico, o vejamos comentando, através da metáfora de uma espera em um ponto de ônibus, sobre a cultura imediatista de uma geração superexposta, sedenta por controle, que recebe estímulos de todos os cantos e não consegue mais enxergar valor nas pequenas coisas.

Voltando à realidade, agora em busca de tornar essa utopia tangível, Vividir chega como uma revisita nostálgica a um local e tempo distantes. Dalasam inicia citando elementos importantes de um período longínquo de sua vida: “Um pedaço de colo/Um gole de café/Uma foto de um ano/Que eu não lembro qual é”, até que por fim ele tenha que confrontar o fato inevitável de que as coisas mudaram e, não importa o quanto ele queira, elas nunca voltarão a ser o que eram antes: “Onde era minha casa não é mais/Onde era minha escola não é mais/Onde era a minha vida não é mais/Cadê?”. Mas, afinal, já que não temos controle sobre o que acontece ao nosso redor, o que fazer a respeito?

É isso que Rico tenta responder no interlúdio Outros Finais, uma ponte para o final da grande odisseia de Dolores Dala Guardião do Alívio. O texto, declamado por Camilla Pellegrini, que transcende o concreto e sugere uma conexão etérea, divina e espiritual com sua ancestralidade, é introduzido ressoando a frase “Ninguém está mais no mesmo lugar”, como se contestasse diretamente as indagações feitas previamente em Vividir. Dalasam então, através de sua fé, encontra as respostas de que precisa, pavimentando o caminho para seu encontro consigo mesmo em Estrangeiro.

Essa música, mais do que uma reconciliação e um término pacífico – ainda que não menos crítico – para aquele romance tão atribulado, representa o Rico respeitando seu próprio tempo e, enfim, se chocando com a possibilidade da cura. Representa sua tomada de consciência de que aquele não é o seu lugar, e a retomada de sua busca por um espaço que é de seu direito. Estrangeiro não marca o fim de sua jornada, e sim o fechamento de um ciclo para a abertura de um novo. Libertando-se das correntes dessa relação tóxica, ele sai desse episódio amadurecido e em paz com sua decisão. Em virtude disso, não é por acaso que a frase que marque o desfecho dessa história seja: “Fui, porque acabou a fé/Não, porque acabou o amor”.

Uma coisa é certa: Dolores Dala Guardião do Alívio é rap – Rhythm and Poetry – em sua essência. Transbordando poesia, talvez essa faceta de Dalaboy nunca tenha estado tão escancarada antes, no melhor dos sentidos. Entretanto, o álbum não se restringe a isso. Construindo uma colcha de retalhos, ele bebe de diversos gêneros afrolatinos distintos – do dance hall ao samba e pagode –, pincelando doce e gentilmente sua obra por temas pesados como colonialismo, homossexualidade, afetos e negritude, elevando-a a uma experiência lúdica e acessível, sem diminuir o impacto, relevância e seriedade dessas questões.

E, ao fazer isso, ele passa a destoar ainda mais dos seus trabalhos anteriores e das tendências musicais do pop atual. Mas, apesar disso, continua soando aconchegante e convidativo para quem acompanha o artista desde Modo Diverso. É um retrato tão pessoal e tão singular, mas que, ao mesmo tempo, de alguma forma, consegue soar completamente abrangente. Tal qual o próprio Rico pontua, alguns dos contos e versos apresentados poderiam muito bem serem cantados pela Marília Mendonça, porque amor, desilusão e rompimento são conceitos universais e identificáveis para qualquer um. No entanto, calhou por serem cantados por ele, o que é potente e político por si só.

Por fim, bem como a sua capa sugere, esse álbum é um abraço acolhedor. É a proposta de um alívio para um período tão doloroso quanto o que estamos passando ao, como ele mesmo define, “desenhar um coração dentro de um corpo preto sul-americano”. Coração esse que, não importa o quanto seja golpeado, continuará pulsando e resistindo obstinadamente. Assim sendo, me parece que a rosa é o signo perfeito para a sua fábula: algo tão bonito, ao mesmo tempo que potencialmente perigoso – Rico Dalasam consegue encontrar beleza em uma realidade espinhosa, e não poderia haver posição mais revolucionária do que essa.

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Elder John

No início de fevereiro, Diomedes Chinaski lançou a mixtape A Vida Ainda Pode Ser Bela e se mostrou um artista completo. O rapper manteve seu nível musical, mas agora com uma visão de mundo um pouco diferente nas letras. O trabalho conta com 7 faixas e já tem 2 clipes disponíveis no canal do artista no YouTube. Nas participações, temos o Moral e Raz Tarcisio, que já haviam trabalhado com o aprendiz em outras produções. Além da análise, trago uma entrevista exclusiva que fiz com o artista sobre o álbum.

A mixtape se passa em 20 minutos, mas como o próprio Diomedes disse, necessita de um ambiente tranquilo para apreciar a obra: “Você precisa estar sentado ou deitado confortavelmente. O ideal, se possível, é estar com alguém. A vida ainda pode ser bela é uma experiência musical muito gostosa. As letras são eróticas e poéticas. O poeta é um sonhador”, afirmou.

Realmente, é uma produção leve, mas precisa de um ambiente calmo para curtir a vibe. Dentro da proposta, o rapper foi totalmente assertivo em um misto de desabafo, reflexão e amor. Quando falo sobre um novo Diomedes, é verdade, aquele que cantou Sulicídio já conquistou seu espaço e hoje gera oportunidades para os demais artistas da região. Seus assuntos são mais pessoais e sentimentais.

Apesar de ser um EP curto, o artista não foge de sua principal característica de passar emoção e sentimento nas letras, algo que Chinaski sempre trouxe em todos os projetos. E que não são poucos, mesmo tendo apenas 29 anos, lançou nove produções: Ressentimentos (2010), Réquiem (2014), O Aprendiz (2015), Ouroboros (2016), Ressentimentos II (2017), Comunista Rico (2018), Crocodiloboy (2020), Coração Partido Vol. 1 (2020) e A Vida Ainda Pode Ser Bela (2021).

Começando pela faixa Chuva, uma introdução impactante, instrumental melancólico, já demonstrando a pegada da obra. Em contrapartida, na sequência temos Deserto e Metflix, duas love songs. A primeira, em tom de agradecimento e alívio, enquanto a segunda é uma letra totalmente erótica, como já vimos o rapper fazer em Poesia Acústica 2. Já Adão e Eva me lembrou muito o disco Ressentimentos II, uma letra com muitos significados, na qual cada pessoa que ouvir vai se identificar com algum ponto. Uma combinação de desabafo com pedido de socorro, principalmente quando diz não saber lidar com a solidão.

Janis Joplin, referência do rock nos anos 60, foi homenageada nesta faixa. Talvez seja um dos estilos menos usados pelo artista, mas é a canção mais erótica da mixtape, além de uma virada de beat que casou perfeitamente. Diomedes ousou e acertou.

Leis de D’us volta no estilo de Adão e Eva, Chinaski contrastou esses dois pontos, poesia e erotismo. Essa música retrata a superação do artista em meio às adversidades da vida: “Quem eu amo não se importa com a dor que a vida me deu/Eu vou me trancar no estúdio, já que a rua me escolheu”. E o rapper prometeu que virão muitas produções daqui pra frente.

A última faixa e dona do título da mixtape é, sem dúvidas, a melhor. A Vida Ainda Pode Ser Bela é autêntica, demonstrando toda a qualidade do rapper em passar uma mensagem objetiva com uma musicalidade fenomenal. A letra é tão equilibrada que não tem uma punchline de destaque, é um verso completo.

Falando sobre as letras, a primeira frase da mixtape é: “Quando uma lágrima cai, você tem a chance de deixar tudo aquilo que te fez tanto mal pra trás […] Espero que chova mais”. Em uma conversa exclusiva comigo, Diomedes explicou que essa passagem é uma fase de superação em sua vida, quando se reaproximou de sua família após um período conturbado na vida pessoal e artística.

“A depressão e a solidão nos levam para a vida noturna. E a vida noturna junto com a depressão te levam às drogas. Quando falo que não sei lidar com a solidão, estou dizendo que me estrago e me drogo. E agora estou mudando radicalmente, eu e minha esposa amadurecemos, agora nossa vida é em casa e isso faz tudo ao redor melhorar. Chuva fala de deixar pra trás a vida noturna, de confiar em muita gente, ser visto o tempo todo, muita carga pesada nisso tudo”, disse o rapper.

Em contrapartida, a frase-chave da obra é a “vida ainda pode ser bela se eu fizer dinheiro” e Chinaski falou sobre o real sentido disso tudo: “A vida vai ser bela se eu tiver dinheiro pra cuidar do que realmente importa, não é tipo ostentação, é dinheiro por qualidade de vida”, relatou. A mixtape está toda amarrada em cima dessa narrativa, diversos exemplos são citados sobre como era a vida do rapper e como ele vive e pensa hoje em dia.

Reparem nesse outro verso, as prioridades mudaram: “Sempre que encho o armário/Esqueço a opinião de vários/Chinaski, empilhador de tracks/O famoso bruxo lendário”. Toda a pressão existente no movimento cultural, uma cobrança muitas vezes até utópica de postura e atitude dos artistas se torna supérflua quando estamos bem com as pessoas próximas.

Diomedes passou por fases complicadas e agora enxerga na família o local ideal para gastar o tempo. “Enquanto eu fizer dinheiro eu ajudo minha mãe, meu pai, pago as contas e o principal, meu filho é especial e precisa de uma atenção maior. Sem dinheiro é sofrimento e depressão”, finalizou.

Houve um processo de amadurecimento na vida do artista pernambucano e isso fica nítido em suas letras. Diomedes disse na entrevista: “O deserto é a vida, os problemas da vida, cada um de nós temos desertos que temos que atravessar”. Sem dúvidas, o dinheiro é um dos principais fatores no processo de travessia. Concordo, Chinaski, se fizermos dinheiro, a vida ainda pode ser bela.

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Gabriel Gomes Santana

O recente documentário AmarElo – É Tudo Pra Ontem foi aclamado quase por unanimidade. A produção original da Netflix exibe o evento de estreia do mais recente álbum do rapper Emicida, AmarElo. O artista reúne todas as pessoas que, durante muito tempo, não tiveram a oportunidade de sequer pisar no Theatro Municipal, principal símbolo da cultura erudita do país. Emicida nos revela o porquê de suas letras, mensagens, parcerias e missões. Mais do que isso, o show traz um profundo sentimento de esperança aos seus espectadores. Ao mesmo tempo que evidencia os diferentes males que assolam nosso país, também constrói um forte apelo à esperança de tentar mudar esse cenário. 

Divida em três atos (Plantar, Regar e Colher), a obra de Emicida junto à direção de Fred Ouro Preto consegue instigar a atenção do espectador para um lindo processo de reflexão análogo à germinação das plantas e árvores. Como se tudo o que produzimos atualmente fossem frutos colhidos das raízes do passado. Neste texto, eu procuro elucidar algumas reflexões de cada faixa do disco, de acordo com as explicações fornecidas pelo autor ao longo do documentário. Em seu amplo processo de composição e pesquisa, Emicida elaborou didaticamente o porquê de cada canção pertencer a uma simbiose perfeita do enredo que é narrado. Me acompanha nessa viagem?

 “Exu matou um pássaro ontem, com uma pedra que só jogou hoje”.

Para os iorubás antigos, nada é recente. Tudo faz parte de um motivo maior e por isso, podemos aprender com o passado. O modo como lidamos com o presente é o que realmente importa, pois apenas com ele e através dele, enxergamos o mundo à nossa volta. Isso serve para criar releituras, superar traumas e se desafiar a interpretar a vida de um jeito mais harmônico. O documentário AmarElo – É Tudo Pra Ontem é um suspiro aos desacreditados, um guia para os perdidos, um gás para aqueles que já se encontram sem fôlego. Já que o foco do artista é tratar sobre brasilidades, então este é o hit certo para quem tanto lembra dos esquecidos. 

AmarElo, além de ser uma ponte entre radicais que se completam, também é a cor que nos ilumina a enxergar o caráter cíclico da natureza. Mergulhado em um incrível passeio sobre a história da arte popular brasileira e o passado dos protagonistas que alavancaram a cultura nacional mas que, infelizmente, são frutos do esquecimento marcado pelo racismo estruturante em nossa sociedade. 

Pixinguinha (precursor do samba e da música genuinamente brasileira) é uma referência artística pouco lembrada pelo cenário cultural e musical. Além disso, sua fama repercutiu internacionalmente junto com o grupo Oito Batutas, mas será que ele é pouco lembrado por conta da cor da sua pele?

Mediante a contextualização de um Brasil pós-abolicionista, o filme registra as raízes que ajudaram a fortalecer o protagonismo dos movimentos negros, mesmo com condições totalmente adversas. O curioso é que, para cada figura que é retratada na obra, há uma menção, inspiração ou homenagem nas suas músicas. Este é o elemento surpresa de Emicida. Como se não bastasse a reflexão de suas letras, entendemos quais foram as inspirações pelas quais teriam sido produzidas.

A essência do disco orienta o filme. De início, Principia traz em sua estrutura narrativa um sonho. Nele, somos convidados a amar uns aos outros, em sintonia firmada com a sonoridade do vento. É um som etéreo e convidativo que nos remete, de imediato, a canções de ninar, as mesmas que armazenamos em nossa memória infantil e, em um piscar de olhos, são resgatadas através de uma conexão. Essa chave que liga “o eu” com “o outro” constrói um elo, e é aí que a lembrança amorosa traz a seguinte mensagem em meio a escuridão: “tudo que nóis tem é nóis.”

As duas próximas faixas, A Ordem Natural das Coisas e Pequenas Alegrias da Vida Adulta, endossam um olhar ao poder da simplicidade presente no cotidiano. Já parou pra pensar sobre a riqueza dos detalhes? O quão difícil é ser adulto? Se por um lado presenciamos diariamente o milagre do amanhecer, não há porque deixar de lado as pequenas alegrias da vida adulta. As batidas de ambas canções carregam sintonia através de ritmos do samba-rock, jazz e MPB.

Qual é a verdadeira “Ordem Natural das Coisas”? É ter medo? Sentir-se infeliz e com ódio? Não. Emicida, diferente do estereótipo do que muitos imaginam, não quis demonstrar o seu lado revoltoso e agressivo perante as injustiças que vem ocorrendo. O que há de mais natural é sermos nós mesmos. Sermos gratos pela vida, pela natureza e principalmente por termos o privilégio de nos conectarmos uns aos outros. É como o rapper mesmo diz: “O maior ato de rebeldia contra o sistema é eu estar aqui sorrindo com vocês”.

É interessante a maneira como o longa possui diversas transições com narrativas representadas na forma de animação. Este trabalho bem feito é de autoria de Alexandre de Maio e Felipe Macedo (direção de animações) e André Juventil (direção de arte). As ilustrações nos auxiliam a compreender a verdadeira face de quem é pouco reverenciado pelo imaginário de boa parte da população. 

São ilustradas as narrativas “esquecidas”, a exemplo a do arquiteto Tebas. Negro, ele foi responsável por planejar as fachadas do Convento São Bento e da Igreja São Francisco do Carmo, no período da escravatura. Além de ser símbolo de resistência, Tebas contribuiu sendo uma das principais referências no estilo arquitetônico da cidade paulistana. Como ele, diversos outros expoentes pretos puderam agir para que hoje tenhamos um cenário mais rico e representativo do povo negro.

Em sua parceria de anos com Wilson das Neves, um dos maiores bateristas e instrumentistas da América Latina, Emicida reconheceu o valor de uma amizade. Ora, existe alguém mais sábio nesse quesito do que o mestre Zeca Pagodinho? Uma canção feliz e exuberante: Quem Tem Um Amigo (Tem Tudo). A letra não somente é em homenagem a Das Neves, como também toda sua composição foi criada em cima de harmonias encontradas em suas parcerias com Elza Soares.

Cananéia, Iguape e Ilha Comprida é firmada pela transição de conhecimentos entre gerações distintas. Os diálogos amorosos entre pais e filhos retomam o que há de mais singelo entre o tempo: a troca com o outro. Em AmarElo, Emicida transcende as famosas “pedradas do rap” e em especial nesta faixa, observamos um curioso olhar ao amor, às delicadezas, nuances e, principalmente, ao belo. O rap é ritmo e poesia, não precisa carregar estereótipos de maldade, mágoa, rancor e ódio em sua imagem. O artista rompe com essa visão, ironizando aqueles que sustentam essa visão estereotipada, através das gargalhadas de sua filha caçula logo na introdução da canção. Ao final, mensagens fofas e carinhosas transbordam a alegria de sua filha mais velha com as famosas “cartas de amor”.

A linguagem sutil de um caos instaurado na modernidade retrata bem os primeiros versos de Paisagem. A letra trabalha com antagonismos muito marcantes entre aparência e essência do ser. Ela ainda é capaz de gerar incômodos, afinal, mesmo diante da violência, somos treinados a ignorá-la em nosso interior, um modo de sobrevivência do dia a dia. O seu horizonte revela que ódio pode corroer tudo, exceto o nosso coração, caso o mesmo esteja em paz.

Em 9nha, por outro lado, é contada a história de um amor bandido, estilo Bonnie e Clyde. A música, que foi produzida em parceria com Drik Barbosa, trata-se de um relato apaixonante e ao mesmo tempo perverso, onde a maldade da sexualidade confunde-se com o “lado B” da vida do casal. Uma verdadeira aula de linguagem, mesclando duplos sentidos com gírias jovens que conversam com adolescentes rebeldes e apaixonados. “Ó meu bem, a gente ainda vai sair nos jornais” traduz a fama de jovens sonhadores que almejam ser notados. 

Eis que surge a nona faixa, Ismália, a mais poética de AmarElo. Com a declamação do poema de Alphonsus Guimarães, Fernanda Montenegro e Emicida incorporam uma nova versão para o texto da poesia, lançada no século XIX, para os dias atuais. A música homenageia a luta de mulheres pretas guerreiras como: Ruth de Souza, Lélia González, Leci Brandão, Ivone Lara, Marielle e tantas outras personalidades marcantes para a representatividade da luta feminista antirracista. 

Preconceito racial, violência policial, estereótipos raciais, ódio e empoderamento são os principais temas abordados em Eminência Parda, um trabalho conjunto de Emicida, Jé Santiago e Papillon. Nos bastidores da gravação do clipe desta música, o ‘assassino de MC’s’ solta a seguinte frase:  “Eu não sou o alvo do racista, eu sou o pesadelo dele”.

Então chegamos na penúltima faixa, AmarElo, que além de lidar com questões sobre auto aceitação, busca por um ideal, sonhos, fé… Trabalha com maestria sobre o enfrentamento de temáticas delicadas, através de uma mensagem amorosa. No fundo, é o remédio que todos nós precisamos nesse exato momento.

A ideia de produzir a canção ao lado de Majur e Pabllo Vittar foi excepcional. Além de trazer duas grandes vozes para compartilhar talento, Emicida deu um show de diversidade. Até porque, não existe luta que seja separada das demais e mais uma vez, com seu lindo discurso humanista e performance fora da curva, fez questão de nos lembrar da importância da união.

A frase do refrão “Ano passado eu morri, mas esse ano eu não morro” vem de um sample de Belchior (gravado há mais de 40 anos) que diz muito sobre resistência e se permitir conquistar espaços. Esse é o ideal de querer retratar diferentes lutas em seu clipe. “Você é o maior representante do seu sonho na face da terra”, “Te vejo no pódio”, “Cê vai sair dessa prisão”, “Cê vai atrás desse diploma”, “Faz isso por nóis”.

Neste ciclo que se fecha, somos acordados com a melhor percepção de nós mesmos. Com a autoestima renovada, temos a certeza de que somos Libre (a faixa que conclui o disco). Na tentativa de reconstruir o futuro, colhendo os ensinamentos dos erros passados no presente, o artista se coloca como um grande mestre. Ele reconhece a razão de suas letras, mensagens, parcerias e missões. Mais do que isso. Emicida nos desafia a entender a situação de um país profundamente racista como o de hoje, mas que ainda tem a esperança de se erguer.

O desfecho do filme consegue oferecer esperança aos tempos pandêmicos que ultimamente enfrentamos. Coincidência ou não, todo o medo e desilusão já foram enfrentados mais de cem anos atrás e somente a arte foi o remédio encontrado para nos tirar deste poço sombrio. Tentaram calar Marielle, mas o seu legado permanece cada vez mais forte. O último trecho do documentário AmarElo – É Tudo Pra Ontem encerra com o seu depoimento inspirador: 

“É fundamental porque marca o século XXI que é esse momento que a gente vive de impulsionar, de fortalecer, de mais visibilidade para essas mulheres negras. Então o que a Dona Ruth começa lá atrás, é o que está florescendo hoje.”

A lição que fica disso tudo está relacionada ao direito de nos permitirmos. Aprendemos um com “o outro”, mas enquanto “ele” não tiver iguais condições para poder ser livre, estaremos privados de conhecer novas cores, presos na escuridão da intolerância e do preconceito. 

É urgente que o  povo preto, periférico e LGBTQ+ também tenha direito à cultura. Eles não somente têm direito, como também são os responsáveis pela maioria das produções artísticas do país. No fundo, tanto o álbum quanto o documentário AmarElo cumprem sua missão e percebemos que devemos mudar nossas atitudes e olhares “para que amanhã não seja só um ontem, com um novo nome”.

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Marina Ferreira

“Os mais velhos dizem que um dia, cansado da solidão do poder, Zambiapungo, o Ser Supremo dos cultos angolo-congoleses, foi tomado pela tristeza e cogitou desistir da criação do mundo.” 

Essas são as primeiras frases da sexta faixa do lado A de Assim tocam os MEUS TAMBORES, o novo trabalho revolucionário de Marcelo D2, gravado durante o período de isolamento social com sua família. Os versos podem ser entendidos como a síntese da trajetória do disco, que é o mais ousado da carreira do rapper carioca.

Em entrevista recente para a revista Rolling Stones, Marcelo fala sobre a fúria que sentia no início da quarentena. Estava em estúdio com a sua banda, o Planet Hemp, cantando contra a onda crescente do conservadorismo da extrema direita e o fascismo, e sentia fisicamente o peso disso: de gritar liberdade e fazer arte em um país como o nosso. A fúria o deixou inquieto, inconformado. Em pânico. E foi através do tambor – Ng’Oma – e dos muitos beats do rap que D2 encontrou alívio e afirmou, assim como Zambi, que a criação não iria parar.

Para entender Assim tocam os MEUS TAMBORES é preciso partir da ideia dos discos de vinil, divididos em lado A e lado B, contando uma história por lado que juntas compõem um propósito maior. Já de início, Marcelo abre os caminhos desse trabalho através de uma chamada de rádio antigo, atentando para o momento histórico de pura crise em todos os setores da sociedade. Essa chamada também pode ser vista como o momento histórico do artista em seu processo de criar, compor, produzir e lançar um projeto audiovisual dentro de casa em meio ao caos da vida externa e da loucura que é viver, principalmente sendo brasileiro. Tudo isso, como se não bastasse, ao vivo para milhares de pessoas na Twitch.

Ao passar pelas faixas seguintes, o rapper retoma temas já conhecidos de sua obra, como o racismo, a violência policial, as diferenças sociais e sua fiel marijuana. Mas novos tons de voz acompanham a verdade dura que é cantada e rimada assim como novos ritmos e sonoridades, como o manguebeat e as referências ao Nação Zumbi em Malungoforte; o funk do Tropkillaz em Deus de Outro Lugar; a voz suave de Juçara Marçal e o tambor dos terreiros de candomblé em Rompeu o Couro; e a visita a uma clássica canção dos anos 70, na mais genial das misturas em A Verdade Não Rima. 

Composta por Fátima Guedes em 1979 e imortalizada na voz da grandiosa Elis Regina, Onze Fitas – em sua versão original – é incorporada como sample e refrão no trabalho de D2. Enquanto ele rima sobre a brutalidade policial, a imparcialidade do estado e o descaso da mídia, ele prova que mesmo em uma de suas canções mais poéticas está mais político do que nunca.

É possível identificar as referências afro brasileiras muito bem destacadas por Marcelo em Malungoforte, na mistura dançante do maracatu com o beat pernambucano. Na já citada Tambor, O Senhor da Alegria, o conto africano transcrito pelo historiador brasileiro Luiz Antonio Simas e recitado pelo rapper paulistano Criolo encerra e amarra a primeira parte do trabalho tão bem construído.

“Sua benção, Ng’oma, nosso pai tambor! Nós estamos no mundo para celebrá-lo!”

Ao virar o disco, podemos sentir de imediato a mudança de tom e estilo. Enquanto havia o gosto experimental no lado A, na parte 2 do álbum Marcelo nos mostra suas raízes do rap em versos certeiros e referências que não passam despercebidas aos fanáticos pelo gênero. Mas ainda assim o artista nos oferece batidas experimentais, como a lembrança do reggae em As Sementes – canção colaborativa com Os Crias, espectadores que acompanharam assiduamente o processo do álbum pelas lives. 

O beat nova-iorquino dos anos 90 em É manhã (Vem), com a participação de Luiza Machado – esposa de D2 e responsável pela produção executiva do disco – é acompanhado pela frase eternizada de Darcy Ribeiro na introdução – “[…] o mais importante é inventar o Brasil que nós queremos”. No início, nos guia à uma jornada muito pessoal do rapper em direção ao encerramento do trabalho, que ainda conta com uma declaração de amor à sua esposa, com samples da canção Prelúdio, de Raul Seixas: “sonho que se sonha só é só um sonho que sonha só, mas sonho que se sonha junto é realidade”. 

Na faixa que encerra o xirê dos tambores de D2, ele viaja por sua história, repassa sua trajetória e traz seu filho Sain, o perfeito “cria”, que caminha junto ao pai na jornada do rap nacional em que Marcelo abriu caminho. Amigos são lembrados com carinho – como Yuka, Skank e Robson – e a vida ironizada na frase “dizem que cara feia é fome e disso nós não sofre mais”. A experiência do disco se torna ainda mais completa, viva e vibrante ao adicionar o filme à conta, dirigido por Ronaldo Land, transformando Assim tocam os MEUS TAMBORES em um álbum visual surpreendente, ou uma “obra transmídia”, como foi denominado por seu criador.

Muitíssimo bem costurado, produzido e finalizado, o álbum carrega uma história contada de maneira pessoal e condizente com o que conhecemos de Marcelo D2. E permitindo-se ser ousado em tempos de conservadorismo, Assim tocam os MEUS TAMBORES pode ser entendido como o álbum da carreira de D2, tão revolucionário, necessário e grandioso como seu dono.

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Gabriel Leite Ferreira

“S. C. A.”, novo disco do rapper FBC, saiu no fim de outubro. Esbarrei com ele por acaso no Spotify, 30 minutos em poucas faixas, tava indo dormir, mas por que não? Vários dos discos do ano tiveram essa mesma duração, afinal…

“S. C. A.”, por outro lado, é old school. Desde a genial capa, referência ao clássico supremo do black metal “INRI”, do Sarcófago, à produção e às letras, Fabrício FBC se deixa muito claro: ele é filho dos anos 80, não da farra trapper recente. Ele é Illmatic, não Culture.

Vide as incursões rápidas e dinâmicas de beats de trap no boom bap direto que guia as 10 faixas. O interlúdio “Rap Acústico” dá a ideia da maneira mais curta e mais grossa: uma letra melosa a la Delacruz – que causou polêmica no Twitter recentemente (o tweet foi excluído, risos) – seguido de um sonoro “COLOCA UM BEAT DE TRAP AÍ, PORRA!!!”.

“Eu tenho um plano e eu vou ficar rico/Deixar a família bem, emprego pros amigo”, diz sereno na “Frank & Tikão”, potente abertura. Afeto e desgraça familiares colidindo sem massagem: “Tirar da tranca meus manos garrados/Pagar o custo dos advogados/Fumar um atrás do outro, eu amo meu trabalho/ ‘Não se preocupa, fuma mais, pra nóiz maconha é mato’.”

Claro, drogas e materialismo também, como sempre. Mas na mesma faixa ele vocifera “Vocês queriam um show de trap/Isso é um assalto” que, mais que uma baita punchline, é tentativa de puxar o trap de volta pras biqueiras, seu lugar de origem (trap em inglês é biqueira). Reacionarismo? Não; consciência de classe.

A ascensão do trap não foi meteórica — foi o astronauta de “2001: Uma Odisseia no Espaço” controlando, depois de décadas de lições opressivas, o maligno HAL9000. Migos e Future penaram, mas aprenderam a jogar o jogo da megaindústria branca e racista; todo o mérito a eles. Mas, uma coisa é certa: o embranquecimento veio a toque de caixa e, se em 2016 “Bad and Boujee” virou hit, em 2018 “Motorsport” não passou de uma boa canção que, diluída com o feat manjado de Nicki Minaj (e vídeoclipe mais limpo que uma lavadora Eletrolux na caixa), perdeu toda a força que eles tinham no começo.

Quando ouvi “Bad and Boujee” tomei um soco: eu só conhecia o creme do hip hop old school, não a cobertura da nova geração. Sei o verso de Offset de cor e nem precisei ouvi-la muitas vezes. É certo que Quavo e sua autoestima Drakeniana (rá!) não era necessário e Takeoff é ofuscado por si só, mas Lil Uzi Vert dá o brilho do primeiro hit transcontinental do trap, junto do Migo mais carismático. Eles são punks — o cabelo rosa de Uzi, as tranças estilosamente amarradas de Offset, o flow rápido e certeiro.

Umextrapunkprumextrap: quem é Costa Gold na fila do flow???

Se Fabrício não for fã ou ao menos familiarizado com metal extremo, ficarei surpreso. “INRI”, apesar de aclamado pelos pais noruegueses do black metal, é um dos álbuns mais rápidos já feitos neste país e, claro, é underground. Tem que cavar muito para que se torne figurinha de capa no seu álbum. Caralho! Ele é mineiro, assim como a banda fundada por Wagner Lamounier!!! Ok, explicado — e genial do mesmo jeito.

Me lembrei agora do grande “Atrocity Exhibition” de Danny Brown, cujo título vem de uma música do Joy Division, e o tracklist tem ainda a pesadíssima “Downward Spiral” — avisa o Trent que ele também é rua!!!

Menos amor abusivo, mais amor próprio

Será mesmo? Nesse momento ouço a nona faixa, “Sexo, Cocaína e Assassinato”, e que puta refrão! Nem preciso prestar atenção na letra pra vibrar com esse refrão, mano…

“Mano” nada. Qualéquié, branquinho?! Eu sou universitário caucasiano, eu não sei o que um preto e uma preta passam na quebrada, na escola, na faculdade (particular, quando muito), no distrito policial…

Mas eu sei o que meu pai passa pra me dar a educação excelente que tive e tenho. As semanas que, se acumuladas, transformam-se em meses e anos fora de casa trabalhando. Rodando o país inteiro em busca de dinheiro pra me manter na escola particular e, agora, em faculdade pública (coisa que se repete da mesmíssima forma com meu irmão mais novo agora).

Trent Reznor deixou a bucólica Pensilvânia pra apanhar nos Estados Unidos até poder bater tudo e todos na música industrial. FBC, por sua vez, ainda está na luta para se fincar na cena. Na ótima “Não Duvide”, canta sobre o orgulho que sente em poder dizer com todas as letras: “meus tênis de marca vieram da caixa, não do tráfico.”

A citação não é literal (afina, estou na última faixa, “Poder, Pt. 2”) e nem precisa: a ideia saiu do Spotify, superou os pixels da tela do celular, condensou à luz e voltou pra mim pronta — como esse texto, agora.

Minto. O texto não veio pronto nem nunca vai estar. Eu escrevo, leio, edito, escrevo, leio, edito e não fico satisfeito (inútil ciclo vicioso). Do mesmo modo, “S. C. A.” soa um pouquinho inacabado após a excepcional “Itinerário de I.O.” em que Djonga, amigo de rap e da vida, declama uma verdadeira carta de amor em admitido improviso (o que só aumenta a pujança da faixa) – porra, Gabriel, FODA-SE VOCÊ (e a polícia, como na fantástica “Contradições”)!!!

Enfim, me empolguei. Mas “Itinerário” tem o mesmo espírito de “Playing Possum”, a extrema faixa no miolo do “Some Rap Songs” de Earl Sweatshirt — samples da voz do pai morto e da mãe ausente numa base onírica e infantil— e, não por acaso, a melhor canção do ano segundo este que vos escreve. Bom, pode ser só impressão errada minha, né?! Aliás, aguardem que logo menos eu e Egberto Santana Nunes, popular Egg, traremos mais esta pepita para as nobres leitoras e leitores do Persona!

(Uma das) música do ano!

É muito louco ter essas epifanias porque elas sempre vem em contextos nada sérios: a ideia do TCC me veio enquanto eu fazia nada na internet, “S. C. A.” me veio quando eu estava me preparando pra tomar banho e dormir (tá tarde!!!), esse texto me veio enquanto eu duvidava que “S. C. A.” pudesse me cativar mais que “Kids See Ghosts”,“Die Lit”, “ye” e “Daytona” (aka os principais discos do rap gringo de 2018) no final do segundo tempo do ano. Meu primeiro texto na VICE? Veremos — tomara que o editor me responda logo!

Opa, não foi dessa vez, hehe… maaaaaaaaaaas…

…pois é. Aconteceu. O disco terminou, o texto saiu. Eu vou me aprontar pra dormir que passou da hora. Mas amanhã ouço “S. C. A.” de novo; 30 minutos que equivalem a 30 discos. Fodam-se os discos, na verdade: “S. C. A.” e FBC equivalem a 30 vidas.

EDIT: Nem dormi. Mas tô aqui reouvindo esse clássico instantâneo. Ouçam!

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