Henrique Marinhos

Black Panther: The Album, trilha sonora de Pantera Negra, é composto por 14 faixas e foi produzido pela Top Dawg Entertainment, mesma gravadora de Kendrick Lamar. A obra se consolidou como um dos aspectos mais elogiados do filme lançado cinco anos atrás, apresentando uma fusão de influências africanas e afro-americanas que resulta em uma sonoridade autêntica e independente da produção audiovisual. 

O compositor Ludwig Göransson é quem assina a trilha e recebe seus prêmios, destacando como a música tradicional africana, o pop moderno e elementos orquestrais foram as fontes primárias de inspiração para as composições e para o projeto como um todo. Enriquecido também pela participação de artistas como Kendrick Lamar, SZA, Travis Scott e Anderson Paak.

O hip-hop do trabalho assume um papel proeminente no conjunto de faixas, assim como Lamar, o produtor e protagonista do disco. Ainda assim, felizmente, mantém espaço para a diversidade de gêneros que conversam entre si. Além do rap, há influências de R&B, soul e funk, mesmo que em frações do que poderia ser. All The Stars, destaque e single do álbum que marca a colaboração de Kendrick Lamar e SZA, recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original e um processo por plágio.

A trilha sonora é habilmente utilizada em diversas cenas do filme, amplificando as emoções e criando uma atmosfera única para passagens específicas – o que estranhamente não se traduz em toda obra audiovisual. All The Stars acompanha uma luta no cassino em Busan, na Coreia do Sul, enquanto Pray for Me preenche o fundo na invasão de Wakanda por Killmonger (Michael B. Jordan). Black Panther: The Album intensifica as emoções no retorno de T’Challa (Chadwick Boseman) ao país após a morte de seu pai, mas, de certa forma, todas parecem desconexas de uma narrativa única.

Apesar disso, é notável que Lamar não apenas produziu a soundtrack, mas também se inspirou nos personagens e nas temáticas do longa. Em várias faixas, ele se personifica como T’Challa e Killmonger, protagonistas e rivais da trama, explorando suas visões de mundo, conflitos e motivações. Ao menos, é o que ele tenta, o que nem todos os artistas convidados aparentam fazer, como no verso de PARAMEDIC!: “Eu sou um assassino / Ninguém é perfeito / Mas todos tem seu valor / Nós não merecemos tudo que o céu e a Terra são”.

Mesmo  que haja predominância de vários artistas do continente africano, como da África do Sul e da Nigéria, por exemplo, a mistura de elementos tradicionais africanos com batidas modernas soam sempre mais afro-americanas e ocidentais que as originárias. Em contrapartida a minoria de nomes consagrados do rap e do R&B estadunidense, como 2 Chainz, Schoolboy Q, Vince Staples e The Weeknd.

Esse conjunto de fatores propõe a plena validade da discussão sobre autenticidade quando os Estados Unidos premiam a trilha sonora de um filme estadunidense sobre um herói africano criado por eles mesmos. O que reflete na predominância de seus elementos em detrimento dos africanos, que são fragmentados, seja por não serem tão cativantes ao público alvo ou até estereotipados, em tempo que boa parte das faixas poderia tranquilamente ser confundida com alguma de DAMN. 

Essa observação suscita questionamentos sobre a representação autêntica da cultura africana no Cinema, além de pontuar o quão intrigante é o destaque do personagem de Michael B. Jordan como o antagonista Wakandiano – criado nos EUA – em defesa de sua cultura originária. Isso acontece em oposição ao herói da realeza, que segue uma trama não tão complexa e habitual de valores e narrativas culturais americanizada, mesmo sequer tendo conhecido a fundo o país de primeiro mundo pelo qual luta.

Em suma, Black Panther: The Album é uma obra musical impressionante que combina influências africanas e afro-americanas, de forma agradável e se mostrando um álbum completo. No entanto, sua conexão com o filme e a representação da cultura no audiovisual levantam questões interessantes sobre autenticidade e identidade.

Toda a complexidade dos personagens personificados no conjunto musical, especialmente o antagonista interpretado por Jordan, destaca a dualidade entre as duas narrativas ideológicas. Mais uma vez, o disco consolida a reflexão, ainda que não proposital, de que a representação da cultura para além do entretenimento ainda tem um longo caminho a percorrer.

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Ma Ferreira

“Um distintivo assusta mais que uma arma”. Na Chicago de 1968, conhecemos um futuro Messias que, se apoiando em ombros de gigantes, sabe bem qual seu real inimigo e como atingi-lo. Enquanto esse Messias organiza seu rebanho, ele cresce como alvo principal do FBI, que angaria um ladrão de carros para ser seu delator e algoz. Essa é a premissa de Judas e o Messias Negro, longa que expõe problemáticas raciais da sociedade norte-americana, e que é protagonizado por Daniel Kaluuya e Lakeith Stanfield com a direção de Shaka King.

O roteiro é baseado em uma história real de traição. William (Bill) O’Neal serviu como um agente infiltrado dentro dos Panteras Negras para delação dos passos de Fred Hampton, culminando no assassinato deste. O filme é uma excelente proposta de reflexão sobre a moral, preconceito racial e estruturas de poder, sendo tanto um verdadeiro guia de militância, quanto de análise das posturas, atitudes e investimentos realizados por Hampton. Não à toa, Judas e o Messias Negro já rendeu algumas indicações e prêmiosa Daniel Kaluuya como Melhor Ator Codjuvante (vencedor do Globo de Ouro e do Critics Choice Awards e indicado ao Oscar 2021).

A direção de Shaka King acerta ao mesclar imagens reais junto às dramatizadas, conseguindo que o espectador se envolva, entendendo o quão dolorosa é a luta e trajetória de Hampton. Os recortes das imagens da entrevista de Bill, as mudanças nas posturas de Fred que afetam as atuações do Panteras, e os momentos de conflitos internos dos protagonistas sempre são precedidos por um estridente som musical que os demarca, como se fossem capítulos na evolução da narrativa e se tornando mais fortes perto do desfecho da mesma. 

“Eu sou a revolução!”. Um dos presentes na vida de Hampton é a sua camarada Deborah Johnson, interpretada por Dominique Fishback (atriz de Project Power, da Netflix). É com a personagem que Hampton repensa seu discurso de mais radical para algo mais acolhedor. Deborah trás leveza, emoção, uma visão mais humana da narrativa. Sua gravidez também nos faz questionar o quanto os corpos são políticos, eles são armas, mas também são, em essência, pessoas. Ela carrega em si a esperança de outros dias de luta, não só por gestar o filho do Messias, mas por continuar engajada nos Panteras Negras mesmo depois do assassinato de seu companheiro.

Kaluuya cresce com este personagem. Ele é intenso, doloroso, revoltado, de fato um revolucionário, de fato uma ameaça ao FBI quando consegue unir gangues, até mesmo de extremistas brancos sulistas, contra as repressões policiais. O ator que se consagrou com Corra! e fez o mais recente soco no estômago Queen & Slim, tem o ápice de suas atuações neste papel, merecendo destaque suas cenas pós-prisão, onde a vontade de lutar, as características de pertencimento e de crença nas pessoas se fazem maiores do que qualquer medo de repressão/opressão policial e sistêmica. 

Lakeith Stanfield também brilha em seu papel, ele traz um alívio cômico às situações que se coloca, mas ao mesmo tempo é um personagem que se vê em constante conflito. Seu papel tinha tudo para transformar o filme em mais um longa de agente infiltrado envolto em questões raciais, como Infiltrado na Klan, mas foge disso ao ser questionador em suas conversas com o agente Roy Mitchell (Jesse Plemons) e sofrer com suas próprias atitudes. 

“Está virando um Pantera”. Bill, o selvagem, infelizmente é corrompido por um sistema e é usado apenas como mais um peão para aniquilar o Rei. A todo momento vemos o personagem de Lakeith, um dos principais atores da série de Atlanta, oscilar. O conflito vem da sensação de pertencimento que encontra nos Panteras e seus discursos e o seguimento dos planos do FBI. Destacam-se aqui as cenas de reconstituição da sede dos Panteras, o questionamento de Bill a Roy quanto a necessidade da morte de Hampton e a última bebida que Judas oferece ao Messias. 

Elas mostram de maneira sensível, crítica e fulminante os conflitos internos de um personagem extremamente intrigante no histórico interno dos Panteras Negras. As imagens inseridas no longa, de uma entrevista real com William O’Neal mostram o quanto a atuação de Lakeith é grandiosa por se aproximar das posturas de uma personalidade verdadeira. Judas and the Black Messiah também mostra como o ator é versátil ao ser muitas vezes lembrado por produções em que ataca o racismo de forma ácida, irônica e até debochada, mas que neste longa apresenta uma face, na maior parte das vezes, séria e dramática.

O filme com toda a certeza merece as nomeações e prêmios que vem recebendo, incluindo as do Oscar como Melhor Filme, Ator Coadjuvante (indicação dupla para Daniel Kaluuya e Lakeith Stanfield), Roteiro Original, dos irmãos Kenny Lucas e Keith Lucas junto a Shaka King e Will Berson, e a Fotografia, de Sean Bobbit, vencedor do Spirit Awards por seu trabalho em 12 Anos de Escravidão. 

É um dos concorrentes que já atende às propostas de acolhimento à diversidade nas produções para que estas possam concorrer à premiação. Sua produção é essencialmente composta de pessoas negras (Ryan Coogler, diretor de Pantera Negra, Charles D. King, de Sorry to Bother You e Shaka King) e o seu elenco é repleto de atores engajados em produções que mostram da melhor e mais pungente forma as opressões e os absurdos do racismo. 

Mesmo que ele não leve nenhuma estatueta, Judas e o Messias Negro já é uma ótima indicação de longa que retrata de forma densa e bem colocada as questões raciais e de direitos humanos, bem como expõe as atuais problemáticas do racismo no país. É de fato um filme sobre um agente infiltrado, que desenvolve em real complexidade os processos pelos quais Hampton e O’Neal passam para serem quem são e demonstra de maneira formidável o seu principal personagem e vilão, o racismo estrutural.

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Juliana Silveira Pollato 

Às vésperas do Super Bowl LV, The Weeknd lançou o álbum The Highlights. Esse trabalho, como o próprio nome diz, relança ao público as músicas que marcaram a sua brilhante carreira musical. Abel – nome de batismo do canadense – compilou sucessos desde sua mixtape House of Balloons até seu último álbum After Hours, ainda contando com músicas de parcerias grandiosas com Ariana Grande e Kendrick Lamar.

Se há uma coisa que o cantor e sua equipe entendem é marketing. O show do intervalo do Super Bowl promove uma projeção gigantesca do artista devido a sua grande audiência, tanto nos Estados Unidos, quanto mundialmente. Para quem teve sede do cantor de Blinding Lights após o evento e procurou pelos últimos lançamentos dele, encontrou canções selecionadas de todas as suas eras em um único álbum.

The Weeknd se mantém fiel aos conceitos de cada trabalho. Mesmo trazendo músicas de anteriores ao After Hours, a capa deste novo álbum é composta por sua figura vestindo o icônico terno vermelho utilizado no clipe de Save Your Tears e na própria apresentação no intervalo do Super Bowl.

Abel pode até criar um curso de marketing para a colega de apresentação da passarela da Victoria ‘s Secret, Lady Gaga. Apesar de ser fã número 1 da cantora, entender toda sua relevância na indústria e admirar profundamente toda sua carreira, é importante reconhecer os pontos fracos existentes em suas estratégias de marketing.

Gaga, em menos de um ano do lançamento do primeiro single do Chromatica, já parece ter abandonado seu aclamado trabalho. Enquanto isso, o reizinho do Super Bowl LV está fazendo o impecável After Hours render desde novembro de 2019, quando lançou Heartless e dois dias depois, o maior sucesso do álbum: Blinding Lights.

Voltando ao primoroso The Highlights, entre as faixas há 5 músicas da era  After Hours, disco que traz referências dos anos 80, construindo assim a vibe R&B alternativa de Abel, a combinação perfeita que aquece o coração. Ao mesmo tempo que as canções passeiam por aspectos oitentistas por seus sintetizadores e efeitos, elas também tratam sobre dor, solidão, angústia e sofrimento amoroso. E o trabalho audiovisual, lapidado, serviu videoclipes com muito conceito, mostrando que The Weeknd não traz mais um álbum que resgata a estética dos anos 80, mas sim o  melhor do ano dentro dessa proposta, é incontestável!

Pray For Me e Love Me Harder apresentam uma versão um pouco diferente do cantor. A primeira é impossível de ser dissociada de Pantera Negra, até por essa parceria de peso com Kendrick Lamar fazer parte da trilha do filme e culminar de todas as formas, tanto em letra, vocal e instrumental às temáticas de perda, lealdade, sacrifício e redenção. Já a segunda se trata de uma colaboração de The Weeknd no álbum My Everything da cantora Ariana Grande . Essa parceria de grande sucesso trouxe à humanidade a harmonização perfeita de duas das maiores vozes da indústria musical.

Abel dá frescor às estéticas retrôs muito antes de After Hours. Em Can’t Feel My Face há um resgate do pop dos anos 90, e o cantor ainda teve seus vocais neste trabalho comparados aos de Michael Jackson. Além dessa canção, a coletânea de hits conta com mais 4 elegantes faixas do álbum Beauty Behind The Madness, 4 do sensacional Starboy, 1 do EP My Dear Melancholy, e 2 da mixtape House of Balloons.

“Estou com medo de sentir sua falta

Acontece toda vez

Eu não quero esse sentimento

Eu não consigo lidar com o amor

Tento encontrar razões para nos separar

Mas não está funcionando porque você é perfeita”

The Weeknd em Die For You

É espetacular a forma que The Weeknd imprime verdade em seus trabalhos.  Desde a escolha de seu nome artístico até o resultado final de seu álbum, incluindo até a forma que se expõe nas redes sociais. The Highlights traz uma diversidade de músicas que possuem a mais pura essência de Abel: um cara misterioso que nos dá material suficiente para criar 1001 teorias acerca de suas canções e vida, mas ao mesmo tempo, sensível às dores e melancolia da vida. Essa coletânea é como um suco feito por diferentes frutas, que trazem muitas vitaminas e nutrem a alma.

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Pedro Fonseca E. Silva

Há 10 anos, a Marvel Studios iniciou um projeto ousado que renderia bilhões nas bilheterias mundiais com o filme Homem de Ferro (2008). Desde então, a empresa já conta com mais de uma dezena de filmes sobre super-heróis, conquistando um espaço único para si com sua famosa “Fórmula Marvel”. Enquanto muitos esperam a consagração de toda essa jornada com Vingadores: Guerra Infinita, recebemos um presente antecipado com a estreia de Pantera Negra, que traz consigo um ar revigorante para as adaptações de quadrinhos.

Após a morte do rei de Wakanda, T’Chaka, o príncipe T’Challa deve voltar ao seu país e assumir oficialmente o trono como Pantera Negra, defensor de Wakanda. O novo rei terá que batalhar para provar ao seu povo que é digno de liderar o país mais avançado da Terra, que há muito exilou-se do resto do mundo, ao mesmo tempo em que enfrenta algumas figuras do passado de Wakanda.

Pantera Negra não é o primeiro herói dos quadrinhos a atuar no continente africano. Antepassados como o Fantasma, personagem da década de 20, ou mesmo um nome mais conhecido como Tarzan são situados na África. Porém, T’Challa é um personagem genuinamente africano, e esse fato emblemático trouxe peso simbólico ao filme. Para realizar essa empreitada, a produção reuniu um elenco predominantemente negro com nomes como Chadwick Boseman, Michel B. Jordan, Lupita Nyong’o e Daniel Kaluuya. Com direção de Ryan Coogler (Creed (2015)), a obra possui também uma trilha sonora com faixas inéditas do rapper Kendrick Lamar que conferem um ritmo moderno e intenso à história.

Todo esse esforço para montar um grupo de peso provou-se digno logo nos primeiros minutos de filme. Como esperado, todos foram capazes de executar perfeitamente seus papéis e, assim, criar o vínculo necessário com o público. Em meio a todas essas grandes personalidades, o jovem astro Michael B. Jordan e seu personagem, Killmonger, toma para si o destaque.

O ator está acostumado com o universo dos super-heróis: ele já atuou como Tocha Humana no remake Quarteto Fantástico (2015) e emprestou a voz para o herói Cyborg na animação Justice League: The Flashpoint Paradox (2013). Mas é como antagonista que ele finalmente alcança seu ápice e consegue construir o vilão mais completo do universo Marvel. Killmonger atua como o contraponto de T’Challa, representando a visão  de quem teve que conviver com todo o preconceito do mundo sem nenhuma proteção e agora deseja alterar essa realidade da maneira que puder. O ator consegue equilibrar muito bem o desejo inocente de um jovem com a visão de um homem corrompido. É através da disputa de visões entre Killmonger e T’Challa que se dá o maior embate do filme.

A produção é a segunda da Marvel a apresentar um super-herói negro como protagonista – a primeira foi a trilogia Blade, o Caçador de Vampiros (1998-2004) . Tal empreitada traz consigo uma enorme responsabilidade por representar a cultura de um povo que sofreu por séculos com um processo de escravização e preconceito que permanece enraizado até hoje na sociedade. Em tempos nos quais visões preconceituosas marcham nas ruas protestando por um mundo desigual e grandes líderes mostram-se complacentes a todo esse absurdo também é justo que se faça uma alusão ao papel da política nesse cenário.

Essa alusão vem representada no papel de Chadwick Boseman, o rei T’Challa. Recém-empossado como monarca de Wakanda, o país mais desenvolvido do mundo, ele deve decidir entre manter-se preso a uma visão isolacionista e conservadora ou lutar pelo desejo de um mundo integrado e pacífico.

Com esse debate em pauta é preciso novamente elogiar a tomada de escolha do elenco, pois através dela foi possível abrir uma brecha para tocar em outro ponto fundamental: a força da mulher na sociedade. A escolha de um elenco repleto de grandes atrizes tornou possível representar um núcleo de personagens femininas que cercam o trono de Wakanda e que por vezes trazem pautas e tomadas de decisões mais importantes do que o próprio protagonista. Elas atuam como líderes, rainhas, cientistas e guerreiras.

Um ótimo exemplo são as personagens de Nakia (Lupita Nyong’o), amiga de infância de T’Challa, e Okoye (Danai Gurira), a líder das defensoras do rei, as Dora Milaje. Em um conflito semelhante ao de T’Challa e Killmonger, as duas mulheres representam pontos de vista distintos: Nakia anseia pela mudança em um país cercado pelo conservadorismo enquanto Okoye luta para se manter fiel à postura que sempre guiou e protegeu seu reino.

Mesmo com tantos pontos positivos, o filme peca ao executar algumas de suas principais promessas. Em parte, o roteiro do filme se mostra clichê na clássica “jornada do rei” que muito lembra a trama de O Rei Leão (1994). Além disso, a publicidade do filme apontava um maior destaque para a cultura africana em cenas com os habitantes de Wakanda, representados por uma variedade de vestimentas e cores. Porém, a falta de segurança do diretor com os efeitos de computação gráfica e a necessidade de contar parte da história com ambientação em outros países impediram que ele explorasse ao máximo o país fictício e fez com que se limitasse ao arco da família real.

Imperfeito, porém único – essa é a melhor maneira para descrever o novo longa da Marvel Studios. A obra de Ryan Coogler pode não ter conseguido explorar todo o potencial do personagem, mas foi a primeira a apresentar um tom mais sério e fugir da velha “Fórmula Marvel”. Abordando temas sintonizados à atualidade, o filme construiu uma figura de herói para aqueles que mais precisavam e uma nova base para filmes desse nicho.

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