Depois de acompanhar os relatos cruéis de Carolina Maria de Jesus e seu Quarto de despejo, o Clube de Leitura do Persona chegou em Março inspirado pela quase onipresente cerimônia do Oscar 2022, e decidiu reunir-se para debater a coletânea de contos Homens sem mulheres, do escritor japonês Haruki Murakami. 

Drive My Car, história que abre Homens sem mulheres, foi incrivelmente adaptada para o Cinema pelo diretor Ryûsuke Hamaguchi, em um filme de quase três horas com trechos inspirados em mais dois contos da mesma obra, Sherazade e Kino. Após suas quatro indicações no Oscar, vencendo na categoria de Melhor Filme Internacional, o tão aguardado longa chegou ao Brasil no dia 1º de abril, através da plataforma MUBI. 

No único encontro do mês, os membros do Clube do Livro debateram as nuances da obra, observando sua melancolia – que perpassa as sete histórias do livro –, a maneira a qual o autor reproduz homens quebrados e falidos em seus textos, e, principalmente, a forma como Murakami retrata o gênero feminino em seus contos. 

Além do escritor japonês, outro nome que se destacou no meio literário em Março foi o de Abdulrazak Gurnah. Ao final do mês, a Companhia das Letras lançou Sobrevidas, a primeira obra lançada no Brasil do tanzaniano vencedor do Prêmio Nobel de Literatura em 2021. A publicação dá início a uma série de quatro lançamentos do autor que a editora deve entregar futuramente. Entre eles, além de Sobrevidas, estão Paradise (finalista do Booker Prize de 1994), By the Sea e Desertion. 

A editora também montou uma campanha de arrecadação de fundos, junto ao Comitê Internacional da Cruz Vermelha (CICV), para as vítimas na Guerra da Ucrânia; por esse motivo, o livro Contos de Odessa, do ucraniano Isaac Bábel, passou a ser vendido no site da editora com mais de 65% de desconto, sem a cobrança de frete, cujo valor integral das vendas será entregue ao CICV. A obra clássica do autor captura o dia a dia na Ucrânia do século XX.

Como uma despedida de viagem – mas com o retorno breve e já agendado –, você fica agora com as dicas de leitura que os membros do Clube do Livro deixaram no Estante do Persona, as quais se pode ler no carro, deitado, no smartphone, ou como bem entender.

Livro do Mês

Haruki Murakami – Homens sem mulheres (240 páginas, Alfaguara)

Lançado em 2014, Homens sem mulheres, do japonês Haruki Murakami, tem seu título inspirado em um conto de Ernest Hemingway, e é composto por sete narrativas que mesclam elementos oníricos e melancólicos, sempre deixando em aberto a dimensão sentimental dos personagens. A coletânea se abre com Drive My Car, conto que inspirou o laureado filme homônimo de Ryûsuke Hamaguchi, e conta a história de um ator e diretor de teatro que contrata uma mulher para dirigir seu carro. Esse mesmo personagem está adaptando Tio Vânia, de Tchékhov, em uma peça, e as questões levantadas ao longo da história – por que ele não dirige? O que aconteceu com a sua esposa? – são respondidas de forma lenta, como uma uma viagem tranquila de carro.

No conto Sherazade, Murakami narra uma história com evidentes referências ao Livro das Mil e uma noites, mas a subverte e transpõe seu ar fantástico na banal vida cotidiana. Kino, o mais longo conto da coletânea, tem semelhanças com outras de suas obras – principalmente Kafka à beira-mar (2002) –, e retrata um episódio no qual o protagonista homônimo encontra sua esposa dormindo com o melhor amigo. Depois desse evento, abandona sua vida pregressa e decide abrir um bar; no entanto, os clientes estranhos que passam a frequentar o lugar forçam com que Kino desobedeça as regras estabelecidas por ele próprio, e sua jornada solitária de reclusão se transforma.

O conto que dá título ao livro fecha a coletânea, e tem seu início com um telefonema, no qual o homem que a recebe ouve de outro indivíduo que “a mulher dele” se suicidou, e por esse motivo entrou em contato para informá-lo. A mulher em questão era sua amante, e o homem que ligou era o real marido da mulher. A partir desse momento, o protagonista começa a rememorar como a conheceu. O mais interessante é a forma como todos os contos do livro se interligam pelo sentimento de solidão, transposto inclusive na forma lenta de narrar. “Um dia, de repente, você vai ser um dos homens sem mulheres”.

Dicas do Mês

André Aciman – Me Chame Pelo Seu Nome (288 páginas, Intrínseca)

Em uma Itália fumegante em clima e desejo, o jovem Elio é encantado por Oliver, um estudante que vem passar as férias na casa de sua família. O homem será instruído pelo pai do jovem, um acadêmico de renome que, sazonalmente, recebe novas mentes para auxiliá-lo com os livros e sua pesquisa. De supetão, o franzino e contemplativo adolescente acaba se entregando a uma troca intensa com o recém-chegado, que chega para chacoalhar sua visão de mundo e seus sentimentos em efervescência.

Pelas palavras do egípcio André Aciman, ficamos tão enamorados e em transe quanto os protagonistas dessa combustão de verão. A adaptação cinematográfica, que tem em seu miolo o envolvimento de Luca Guadagnino, Timothée Chalamet e Armie Hammer, resgata o máximo que consegue da obra, mas quem se aventura pelas menos de trezentas páginas, embrenhadas em luxúria, encontra uma visão pouco esmiuçada do que significa o ato de estar apaixonado, de se ver entregue de corpo, alma e pêssego. – Vitor Evangelista

Louisa May Alcott – Mulherzinhas  (592 páginas, Companhia das Letras)

Em 1868, Louisa May Alcott lançou uma das obras mais influentes e queridas da história da Literatura mundial, com uma roupagem que pressupunha exatamente o contrário para o contexto da época: um romance escrito por uma mulher, apresentando uma narrativa sobre mulheres, e intitulado Mulherzinhas (Little Women, no original em inglês). Para superar as expectativas e preconceitos, o livro mergulha no carisma de Meg, Jo, Beth e Amy, as irmãs March. Elas vivem, cada uma à sua própria maneira, entre os delicados anos de 1861 e 1865, marcados pela Guerra Civil Americana, que requisitou a presença de seu pai, precisando, assim, equilibrar as responsabilidades junto da mãe, Marmee, para manter a família e a casa em ordem. 

O cenário caoticamente familiar é o lugar que Alcott encontra para provocar reflexões sobre os padrões sociais que interferem na vida e liberdade das mulheres. Assim, através da observação de Meg, a obstinação de Jo, a mansidão de Beth e confiança de Amy, a autora desenhou – com contornos autobiográficos – uma analogia atemporal da vastidão feminina em eterno conflito com o mundo que tenta domá-la. De tão rica, a história de Mulherzinhas transcende a manifestação artística em que nasceu, destacando, entre diversas adaptações das mais variadas naturezas, o filme de Gillian Armstrong (Adoráveis Mulheres, de 1994) e, mais recentemente e principalmente, o de Greta Gerwig (mesmo título, de 2019), que foi indicado a seis Oscars em 2020, incluindo o de Melhor Filme e Melhor Roteiro Adaptado. – Raquel Dutra

Caio Fernando Abreu – Pequenas Epifanias (240 páginas, Nova Fronteira)

Pequenas Epifanias é, antes de tudo, uma seleção de crônicas publicadas pelo escritor Caio Fernando Abreu entre as décadas de 1980 e 1990, nos jornais O Estado de São Paulo e Zero Hora. Afastando-se, no entanto, das coletâneas literárias mais convencionais, a primeira edição desse livro só foi desenvolvida em 1996, poucos meses após a morte do excepcional contista brasileiro. Mais do que uma publicação póstuma, a obra em questão é a escolha perfeita para quem quer ter um primeiro contato com os textos de Caio, já que ela compila elementos muito agradáveis aos mais diversos tipos de amantes dos livros, tais como a proximidade com o leitor, um constante tom de confissão, pessoalidade e subjetividade intensas, além de uma perceptível diversidade temática. 

De modo geral, a Literatura de Caio F. não é homogênea e, exatamente por causa disso, ela não assume um tom único, fugindo com maestria da mesmice. Em sintonia com essa constatação, Pequenas Epifanias consegue captar muito bem as nuances de uma escrita intensa, devota, artisticamente honesta, precisamente lapidada e, às vezes, até mesmo provocativa. Não é de se espantar, portanto, que algumas das crônicas presentes neste livro se aproximem demasiadamente daquilo que, por convenção, conhecemos como conto. Afinal, mesmo estampando páginas de jornais, Abreu pertencia de fato às artes literárias – e as minúcias do cotidiano nunca mais serão as mesmas para quem se apaixonar por essa figura artística tão encantadora. – Eduardo Rota Hilário

Thomas Harris – O Silêncio dos Inocentes (318 páginas, Record)

Poucos são os filmes que se consagraram Big Five na cerimônia de premiação do Oscar, mais incomum ainda é uma produção de Terror sair com a estatueta do maior prêmio da noite. O Silêncio dos Inocentes conseguiu o duplo feito se baseando na obra homônima de Thomas Harris. O livro de 1988 é o segundo na trilogia protagonizada por Lecter e responsável por introduzir a ávida Clarice Starling, uma das melhores alunas da turma do FBI. Explorando o processo de investigação e suas burocracias, a leitura fluida é um auxílio para entender toda glorificação da obra. 

Diferente de seu antecessor, Dragão Vermelho, a obra foca menos na mentalidade doentia de seu assassino e mais na sádica perspicácia de Hannibal e em sua relação com Clarice. Ela, por sua vez, é peça chave para os momentos de maior deleite de O Silêncio dos Inocentes. A construção da personagem abarca o machismo e o sexismo da área pericial e toda força de Starling no desafio de se encontrar com Lecter, mesmo que para isso precise passar pelos imundos corredores da cadeia, causando as cenas de maior desconforto no leitor. A maior responsabilidade de Harris nessa publicação foi esclarecer que Buffalo Bill não é um personagem transsexual, livrando o produto de um beco de problemáticas, principalmente pela época na qual foi escrita. – Ana Júlia Trevisan

Javier Marías – Coração tão branco (272 páginas, Companhia das Letras)

A sequência de eventos que compõem nossas vidas e se sucedem ao longo dos dias parece ser uma causalidade esquisita. Essa é uma das obsessões de Javier Marías, que de alguma forma suspeita não existirem causalidades, pois tudo depende de nossa forma arbitrária de recortar o presente e transformá-lo em alguma mensagem oculta. Em Coração tão branco (1992), o escritor espanhol traça uma história através do fluxo da consciência de seu protagonista, Juan, um tradutor e intérprete que, desde o dia de seu casamento, começa a sentir “pressentimentos de desastre” – sem ter conhecimento que essa sensação é um tipo infortúnio de herança –, agravados durante a viagem de núpcias com Luisa, em Havana. Até então, ele ainda não sabia que sua tia, Teresa, havia se suicidado assim que regressou de sua própria lua de mel (o suicídio é, literalmente, a abertura do romance).

O que chama atenção na obra é a maneira a qual Marías reproduz as incertezas dos segredos, os mesmos que, apesar de longínquos, guardam reações explosivas quando revelados. Cada personagem em Coração tão branco reage de forma diferente às confissões descobertas, e o mote das histórias fica evidente desde o início: o título é uma referência a Macbeth, de Shakespeare, e é proferido na obra clássica quando Lady Macbeth apunhala o já morto rei Duncan – para dividir o peso do assassinato –, mas se envergonha por agora possuir um “coração tão branco”. A forma envolvente que Javier Marías desenvolve a história vale todo o esforço de leitura; ao terminar o livro, é muito difícil esquecer todas as revelações que nos foram confiadas. – Bruno Andrade

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Caroline Campos

Aconteceu Naquela Noite (1934), de Frank Capra, Um Estranho no Ninho (1975), de Milos Forman e O Silêncio dos Inocentes (1991), de Jonathan Demme, são o trio de ouro do Oscar. Os três integram o seleto grupo Big Five, dedicado aos filmes que levaram para casa as principais estatuetas da premiação – Melhor Filme, Ator, Atriz, Direção e Roteiro. No entanto, quando Elizabeth Taylor anunciou o último prêmio daquela noite de 1992 para a obra de Demme, ela também consagrou o primeiro Oscar de Melhor Filme para um longa de terror na história da cerimônia até então. Passados 30 anos, o impacto de O Silêncio dos Inocentes na cultura cinematográfica continua incontestável e não há nada que apague a reputação de Hannibal Lecter e Clarice Starling do imaginário popular.

Se há quem tenha se incomodado com a indicação de Viola Davis na categoria de atuação principal do Oscar 2021 por seu tempo de tela em A Voz Suprema do Blues, imagine para quem acompanhou, três décadas antes, a magnífica consagração de Anthony Hopkins por um personagem que aparece em cerca de 24 minutos durante o filme. Não há como argumentar: O Silêncio dos Inocentes é um clássico irrefutável. A caçada do FBI pelo serial killer Buffalo Bill somada à relação esquisita e complexa entre a jovem agente Clarice Starling e o psiquiatra canibal Dr. Hannibal Lecter ainda suscita discussões, análises e problemáticas por cada escolha narrativa da direção de Jonathan Demme e do roteiro de Ted Tally, baseado na obra homônima de Thomas Harris lançada em 1988.

Inicialmente, nem Hopkins nem Jodie Foster foram idealizados por Demme. Gene Hackman desistiu do papel de canibal e passou a bola para Sean Connery, que também pulou fora e caracterizou o roteiro como revoltante. O papel de Clarice transitou entre Michelle Pfeiffer e Meg Ryan, mas ambas recusaram por conta do teor da trama. Enfim, a dupla principal foi escolhida. Na época, Anthony estava com seus 53 anos e acreditou, pelo título, que se tratava de um filme infantil. Foster, no entanto, vinha de um Oscar de Melhor Atriz pela sua interpretação no filme Acusados. Não demorou muito para Jonathan Demme se tornar o diretor mais feliz do mundo com a sua decisão.

Nos anos 90, ter uma mulher à frente de um longa de suspense não era muito comum. O Silêncio dos Inocentes é filmado inteiramente sob o ponto de vista da personagem de Foster, que desafia a soberania masculina do seu ambiente de trabalho e treinamento e precisa provar sua competência em toda bendita cena. Eu me formei na UVA, doutor. Isso não é uma escola de beleza. Demme é sutil em nos colocar na pele de Clarice Starling. Os personagens masculinos estão sempre conversando diretamente com a câmera ou a encarando desconfortavelmente, enquanto é a agente que sustenta, lateralmente, seus olhares e provocações. Essa troca de posições coloca o espectador intimamente ligado aos sentimentos da protagonista, refletindo seu incômodo enjoativo e tornando-nos seus aliados.

E, de fato, a força da heroína só tomou a proporção merecida por conta da interpretação dura e resistente de Jodie Foster. Dentro de um elevador cercado por homens, Clarice mantém o olhar erguido. Em uma sala cheia de policiais, ela levanta a voz e pede para que todos saiam. Não há como competir com seu protagonismo. Seus vilões estão longe de se limitar apenas aos psicopatas – é Dr. Chilton a reduzindo a sua beleza, é Jack Crawford a isolando de uma discussão com a polícia local, é cada olhar desconfiado de um parceiro de trabalho. Mesmo assim, a personagem não permite que isso afete seu desempenho perfeito na carreira; ela se impõe e os faz se desculpar.

Curiosamente, é Hannibal que a entende e a ajuda em sua busca por aceitação própria. O psiquiatra a trata como uma de suas pacientes, exigindo relatos pessoais em troca de sua ajuda para descobrir o paradeiro de Bill. Quid pro quo. Desde o primeiro encontro da dupla, fica claro quem é o principal parceiro de Clarice, por mais mórbida que a situação seja, e Jonathan Demme espreme o talento de seus atores até o talo para concretizar que cada interação entre os personagens fosse espetacular. Não que fosse uma tarefa difícil – Hopkins, por exemplo, improvisou a cena que zomba do sotaque sulista de Starling, o que gerou uma reação genuína de ofensa por parte da atriz.

Na investigação contra Buffalo Bill, a estrela do show é o Departamento de Ciências Comportamentais do FBI. A inspiração para O Silêncio dos Inocentes veio da mesma fonte que a base para Mindhunter: as entrevistas com serial killers realizadas por John Douglas. O agente foi a referência direta para a criação de Jack Crawford, mesmo que o personagem de Scott Glenn não o agrade tanto assim. Thomas Harris, autor do livro e ex-repórter policial, acompanhou de perto a rotina da agência para desenvolver perfis psicológicos de criminosos e chegar a seu Hannibal Lecter, o ponto de partida para a representação de assassinos em série como figuras contidas e frias, mas extremamente inteligentes.

Anthony Hopkins não se contentou em apenas interpretar. Ele investigou personalidades reais, visitou prisões e sugeriu mudanças no figurino de Collen Atwood para o personagem parecer mais espiritual. Toda a precisão e dedicação do ator gerou resultado: Hannibal, the Cannibal é hoje um dos vilões mais marcantes do Cinema – há quem diga o mais marcante. Sua figura hipnotizante deixou a produção assustada desde o primeiro take, que ficou assinalado por sussurros mais parecidos com sibilos, um olhar vidrado de réptil com um número mínimo de piscadas e aquela postura controlada e taciturna.

Não à toa, sua figura é a mais comentada quando se pensa em O Silêncio dos Inocentes. Mesmo que Hannibal funcione como uma ferramenta para a trajetória de Clarice, sua influência e sobriedade a embalam de cara, já que, pelas descrições de terceiros, a agente esperava algum tipo de maluco descontrolado como o próprio Miggs da cela vizinha. Gélido e sem demonstrar arrependimentos – Hopkins admitiu que a inspiração direta para sua interpretação de Lecter foi o computador HAL 9000, de 2001: Uma Odisseia no Espaço -, Clarice arranca alguma simpatia do psicopata, o instigando a ajudá-la enquanto a analisa e brinca com seus cordeiros. Então, Clarice, os cordeiros pararam de gritar? 

Em parceria com a direção de arte de Kristin Zea e a montagem singular de Craig McKay, Hannibal protagoniza a cena que legitima a inserção do filme no gênero terror. McKay dá pequenas dicas do que vai acontecer: a caneta, o cassetete, o spray, as algemas. Esperamos ansiosos pelo desastre. Preso em uma gaiola, como um pássaro abatido, Dr. Lecter dá o seu golpe. Minucioso, sádico e compenetrado, Hannibal se diverte, como se jogasse um jogo em que os adversários já começam perdendo. Sua declaração é teatral – o pobre policial Boyle é estripado como se preparasse um vôo; os holofotes o posicionando contra-luz para marcar a exibição. Fabulosamente cruel.

Mesmo que o saldo de O Silêncio dos Inocentes depois de 30 anos seja, em geral, positivo, a representação problemática de Buffalo Bill segue sendo uma pauta relevante. O assassino de Ted Levine, que entrega uma performance merecedora do sexto Oscar para o filme, mata e esfola mulheres para criar sua própria roupa de peles e, como a própria obra caracteriza, alterar sua identidade. No entanto, o uso da palavra transexual é citado no filme como uma dúvida acerca da condição de Bill, e, apesar de ser reforçado que o assassino não é uma pessoa trans, sua representação recebeu duras críticas da comunidade LGBTQIA+ – diversos ativistas do movimento protestaram nos arredores do Dorothy Chandler Pavilion na cerimônia do Oscar de 1992 contra essa problemática em Hollywood.

O problema não envolve o longa de Jonathan Demme individualmente, nem o fato de uma pessoa trans ser retratada como um serial killer, mas sim um sintoma, principalmente dentro do cinema de terror, de associar a comunidade trans à criminalidade. Por muito tempo, não existia um contraponto; eram mínimas, quase inexistentes, as representações positivas de travestis e transexuais no Cinema. Psicose, de Alfred Hitchcock, Vestida para Matar, de Brian de Palma, entre outros longas, denotam como a transfobia foi utilizada nas telas para criar uma visão assustadora da pessoa transexual. O documentário Revelação, disponível na Netflix, traz um panorama do tema na visão de artistas trans. O mundo mudou e, 30 anos depois, é ótimo estarmos discutindo sobre o assunto com obras singulares que merecem ser assistidas criticamente.

O personagem de Levine é delicadamente instável, uma confusão de sentimentos e expressões. Buffalo Bill, alter ego de Jame Gumb, tem sua história narrada no paralelo. Ele engana suas vítimas, como a jovem Catherine Martin, e, de forma caótica, as joga em seu porão para que suas peles fiquem flácidas. No entanto, o descontrole emocional do personagem o deixa fascinante, com a pompa e os gritos escandalosos de Levine, que denota a profundidade não explorada que seu assassino oferece. Gumb ansia por uma mudança que o faça sair do casulo como uma nova criatura, mais bela, mais livre. Ele não percebe Clarice no seu encalço até que seja tarde demais e, ironicamente, as suas lindas mariposas são a peça faltante do quebra-cabeça da agente.

Mérito novamente de Craig McKay, não há cena mais interessante do que os momentos antes do encontro entre Clarice e Jame. Jack Crawford garante: nós já o pegamos. Uma equipe preparada circunda a casa suspeita, policiais com armas apontadas esperam o sinal. A campainha toca. McKay e Demme brincam conosco, e quem espera na porta do psicopata não é a SWAT. A surpresa só é seguida por um riso de indignação. Os momentos finais do filme não perdem o ritmo e, depois de uma angustiante cena de visão noturna, o arco de Bill se encerra da forma quase-majestosa que o personagem gostaria.

O lançamento de O Silêncio dos Inocentes aconteceu no fatídico Valentine’s Day de 1991. Fatídico, de fato, pois Jonathan Demme havia libertado um monstro nunca antes visto. Pouco mais de três meses depois, Hannibal Lecter desembarcou em terras brasileiras – literalmente, já que, no final do livro de Thomas Harris, o psicopata chega ao Rio de Janeiro. O Cinema balançou, o Oscar se empolgou e muitos espectadores ficaram sem dormir com medo de um canibal estar esgueirando embaixo de suas camas. O filme rendeu algumas continuações, que nem de perto se igualaram a preciosidade do clássico – Hannibal, de 2001; Dragão Vermelho, de 2002; Hannibal – A Origem do Mal, de 2007; a excelente série Hannibal, de 2013, com Mads Mikkelsen no papel do psicopata e, recentemente, Clarice, da CBS.

30 anos se passaram, mas poderiam ser 30 dias. O mundo não é o mesmo, mas a obra-prima de Jonathan Demme segue tinindo, com alguns arranhões muito bem fundamentados. Em 2021, Anthony Hopkins provou que seu talento não parou nas décadas passadas e foi agraciado com o Oscar de Melhor Ator por sua sensibilidade em Meu Pai, uma diferença quase cômica se comparado com o personagem de Lecter. Jodie Foster não fica para trás e também começou o ano levando um Globo de Ouro de Melhor Atriz Coadjuvante por sua performance em The Mauritanian. A dupla segue irretocável.

Ainda podemos ouvir os berros dos cordeiros de Clarice. Eles a assombraram por tempo o suficiente para que se transformassem em sua força-motriz. O Silêncio dos Inocentes pregou seus personagens na parede da história cinematográfica e, até hoje, não falha em surpreender quem o revisita ou quem o contata pela primeira vez. Jonathan Demme, que faleceu em 2017, ainda deve receber uma flor ou outra daqueles que não conseguem superar sua obra. E, claro, não há nada para superar. O filme precisa ser visto, revisto, discutido, problematizado e analisado em todas as áreas. Enquanto tudo isso é feito, que tal um prato de favas com um bom Chianti para acompanhar?

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A perda de memória a curto prazo, problemas cognitivos, esquecimento do local onde guardou objetos de valor, repetição da mesma frase ou pergunta, esquecer o nome de parentes, esses são alguns dos sintomas característicos das fases iniciais do mal de Alzheimer, doença que foi respeitosamente retratada em Meu Pai (The Father). Adaptação da premiada peça de teatro O Pai, o filme tem a direção brilhante de seu dramaturgo Florian Zeller, considerado pelo The Times: “o mais emocionante do nosso tempo.”

A trama se inicia com a sutileza de uma conversa entre pai e filha. Com a atuação de dois gênios, Anthony Hopkins e Olivia Colman entregam interpretações na medida certa e sem esforços. Ela, com suas expressões faciais acolhedoras, por vezes é o respiro que precisamos durante a agonia de acompanhar uma doença degenerativa. Já Hopkins, com uma das carreiras mais memoráveis do Cinema no papel do serial killer Hannibal Lecter, em O Silêncio dos Inocentes, entrega o trabalho da vida. Com naturalidade e destreza indescritível de performance, ele parece ser o único a não estar atuando no filme, cada segundo de cena exala verdade do ator em seu personagem homônimo.

É perceptível para quem convive com um paciente de Alzheimer que a pessoa cria uma própria realidade em sua mente, um mundo paralelo que por vezes pode servir de fuga. Em Meu Pai, estamos dentro da cabeça de Anthony, transitando sem GPS entre dois mundos. Essa transição nos ajuda a entender o grau da demência e se une à sutileza da troca de cenas que de início coloca em dúvida quem realmente está interpretando Anne, a filha, tornando a experiência de estar no consciente do protagonista ainda mais profunda. A trilha sonora vem pra reforçar tudo que foi dito, com música clássica tocando, só ouvimos quando Anthony está com o aparelho de rádio ligado.

Há, também, detalhes que passam despercebidos em produções dessa temática, e que se não fossem encaixados no roteiro talvez nem fizessem falta ou deixasse um furo, mas a inserção faz diferença no acabamento e mostra o trabalho cuidadoso dos roteiristas e da direção de cena. No caso de The Father é o uso de relógio. Parte das pessoas diagnosticadas com Alzheimer se apegam a objetos para garantir o próprio conforto nessa viagem ao novo mundo criado, o uso do relógio por Anthony, além de ser a cereja do bolo, deixa traços temporais na história que não conta com uma linearidade por causa da demência que já deixou pra trás a noção de tempo.

A direção de Florian Zeller é impecável e inovadora, sabendo escolher muito bem seu cast e colocando o telespectador no íntimo de seu protagonista. A transição da peça de teatro para o cinema é feita com maestria, encaixando a trama nos padrões da Sétima Arte. Não é atoa que Meu Pai é o grande nome para ganhar o Oscar de Melhor Roteiro Adaptado, a mesma categoria que lhe garantiu o BAFTA. The Father também está na corrida para a estatueta de Melhor Filme.

Apesar de todo tempo de tela e a importância de Olivia Colman no enredo, que consegue se destacar equilibrando as forças de atuação, é inegável que apenas Anthony Hopkins é protagonista, o olhar vazio predomina o filme que não existiria sem ele. Vencedor do BAFTA de Melhor Ator, ele é um dos favoritos do tapete vermelho. Olivia, que serve de fermento nesta receita, engrandecendo ainda mais a produção, também aparece na lista de indicadas, concorrendo a Melhor Atriz Coadjuvante, entretanto a jornada da atriz nesse papel até aqui, não deixa tantas esperanças.

Além das já citadas, Meu Pai também, merecidamente, deixa o nome em Montagem e Design de Produção, somando assim 6 indicações ao prêmio mais importante do Cinema. O filme que não vem sendo vitorioso nos termômetros do Oscar, tem suas chances de sair premiado nas mãos do roteiro e do Anthony Hopkins, de 83 anos, o ator mais velho a concorrer ao prêmio principal, que pode ser o segundo da filmografia do veterano. 

Conviver com um paciente de Alzheimer é um exercício diário de paciência. O retrato no filme está nos homens que passam por ele sendo companheiros da filha. A maneira mais fácil de lidar com os momentos de confusão era ligar para Anne e não ajudar Anthony. Explicando assim, a sobrecarga da filha, que sempre procura o melhor para zelar por aquele pai. 

Assim, o filme consegue fazer um ótimo proveito de seus personagens secundários. Representando o genro sempre incomodado, um ignorante, tratando o doente como um peso na vida, duvidando do mal e jogando isso na cara dele. Nesse momento a direção de cena se mostra de qualidade unânime, realizando a troca de personagens de maneira tão exata que consegue surpreender o telespectador tanto quanto espanta o Anthony, que tem em seu inconsciente a sensação de ser um estorvo.

Todas as dores vividas pelas personagens transpassam com maestria os momentos mais difíceis pra quem sente na pele o Alzheimer: os momentos de lucidez. É nesse instante que o distúrbio e a realidade se confundem, onde a pessoa entende a doença e entende que está doente. A impotência do momento, o esquecimento sobre coisas que parecem óbvias pra quem está ao lado e dançar conforme a música, fingindo que se lembra, se perturbar com uma memória irreal e essa lembrança entrar em repetição no cérebro do paciente quando a lucidez termina.

Meu Pai é um filme complexo e completo. Ele caminha do lapso de tarefas do dia a dia até o esquecimento de uma tragédia. Mostra que não há momento certo para as lembranças voarem. As possíveis cuidadoras que passam na vida de Anthony causam repúdio no idoso que não aceita ajuda para provar que pode se manter no controle, a cena do consultório médico é um choque de quão incompreensível o Alzheimer pode ser. O desfecho do filme reverbera por dias na mente de quem o assiste, e suas cenas são atentas a todos os detalhes que servem para amarrar a história.

As memórias escorrendo pelas mãos e não conseguir fazer nada em relação. Medo, insegurança, pavor, anseio de estar no lar descrevem Meu Pai, que apoia  seu enredo na construção do necessário vínculo pai e filha de cuidado. Envolvente e sentimental, a produção nos deixa em estado de êxtase, aflição e empatia se entrelaçam gerando uma dor que se remoe por ser real, pelo esquecimento machucar todos envolvidos. The Father é o mais respeitoso e fiel retrato do Alzheimer, e uma das melhores experiências cinematográficas da temporada de premiações. É essencial ficar de olhos bem abertos para os próximos trabalhos de Florian Zeller.

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