Entender a si mesmo como uma pessoa LGBTQIA+ é, muitas vezes, uma tarefa difícil. Isso pode ser ainda mais intenso na adolescência, quando a pressão externa para ser igual a todo mundo – ou até melhor – te empurra a ser exatamente como esperam que você seja. Nesse contexto, coisas simples podem ganhar um significado imenso. Mas afinal, como a representatividade na mídia importa?

Em um momento de descoberta, dar de cara com um livro, filme, clipe ou até comercial que te faça sentir inteiro pode mudar muito sua jornada de auto aceitação. Encontrar casais sáficos, gays, pessoas trans e demais letras da comunidade existindo e sendo de verdade – mesmo que na ficção – nas linhas de algum produto é o tipo de coisa que te mostra que está tudo bem ser assim, não é um desvio de caráter e, muito menos, uma exclusividade azarada. 

Fechando mais um Mês do Orgulho, alguns membros da nossa Editoria compartilham como o contato com produções queer na adolescência fez diferença e, de certa forma, acompanha suas vidas até hoje. Levantando a bandeira de um jornalismo cultural que preza pelo respeito e acolhimento da diversidade, o Persona agradece por mais essa cobertura. Amar e existir são atos de resistência lindos. 

Jovens Titãs Renascimento: A Ascensão de Aqualad

Aos 15 anos, em 2017, ser gay não parecia grande coisa no ensino médio. Então, o mundo exterior com meus colegas e amigos foi a parte fácil. Desde a série animada dos Jovens Titãs, que marcou gerações com uma gótica, um ciborgue, o emburrado filho do Batman, uma alienígena e um vegano, as histórias de heróis sempre me fascinaram, não pelos poderes, mas pelos arranjos de equipes e aceitação no mundo, como em X-Men.

No quadrinho Jovens Titãs Renascimento: A Ascensão de Aqualad (2017), o herói filho do Arraia Negra – vilão dos filmes de Aquaman acusado de assassinato, roubo, conspiração e terrorismo – enfrenta um inimigo diferente dessa vez, seu relacionamento com seus pais e o medo da rejeição. Por ser um garoto que consegue controlar a água e criar objetos a partir dela, tem tatuagens brilhantes e não querer seguir o caminho maléfico do pai? Não. Por ser gay e descolorir o cabelo.

“Você já nasceu com uma marca em você, a que todos chamam de tatuagem, agora você acrescentou esse cabelo branqueado. E garotos. Por que está tentando tanto ser diferente?”                                                           

“Não estou tentando, mãe. Eu sou.”

Não é novidade que o universo de HQs e animações da DC está, politicamente, anos-luz à frente da Marvel. E fez muito mais em duas edições de quadrinhos que uma saga inteira de Vingadores no que diz respeito a representatividade queer, quando uma mãe amorosa o questiona de uma forma tão ríspida e um pai ausente como o Arraia Negra o trata como se isso sequer fizesse diferença, o desenvolvimento de sua identidade e lore nas próximas edições da HQ me guiou por um caminho mais leve e acolhedor. – Henrique Marinhos

Hoje Eu Quero Voltar Sozinho

Desde a minha infância, tinha consciência de que não era igual aos outros meninos. Por conta disso, ser gay nunca foi uma questão de crise de identidade, além de ter tido o privilégio de conviver em uma escola onde podia expressar minha sexualidade abertamente sem preconceitos. A virada de chave aconteceu quando me apaixonei pela primeira vez aos 14 anos – pelo meu melhor amigo hétero, quem nunca? – e percebi como aquilo era real e iria me acompanhar pelo resto da minha vida. 

Foi então que assisti o filme Hoje Eu Quero Voltar Sozinho, que me mostrou da forma mais doce possível que meninos como eu poderiam ter histórias felizes de amor. Ao contrário das versões caricatas de homossexuais representadas em outras produções, eu conseguia me relacionar com os traços introvertidos de Leonardo. Ao mesmo tempo que a figura de Gabriel me dava esperança de que um dia encontraria alguém tão extrovertido e livre como ele. 

A maneira como o longa representa de forma tão inocente a adolescência, as relações de amizade, o autodescobrimento e como é se apaixonar sem perceber por alguém pela primeira vez foi muito importante para mim, e acredito que para muitas outras pessoas. Hoje Eu Quero Voltar Sozinho é uma pérola do Cinema nacional e definitivamente entra no panteão de obras LGBTQIAPN+ que marcaram uma geração. – Arthur Caires

Girls Like Girls – Hayley Kiyoko

Ao subir o clipe de Girls Like Girls no Youtube em meados de 2015, Hayley Kiyoko mudou os caminhos de muitas garotinhas que navegavam pelo site em busca de hits do pop. Em um momento que se entender diferente fazia as cores de um mundo particular parecerem absolutamente acinzentadas, encontrar a imagem doce de duas garotas se beijando fez tudo ter tanto sentido, que os monstros definitivamente ficaram menores.

O retrato suave, delicado e completamente encantador traduziu em imagens os anseios de quem era apaixonada pela melhor amiga sem sequer entender o que aquilo significava. Nas linhas de uma narrativa em que as personagens parecem tão confusas quanto quem está assistindo pela primeira vez, o misto de sentimentos chegava a uma única conclusão: você não está quebrada! 

Sendo sincera, se naquela época os apps fizessem algum tipo de retrospectiva, aquele clipe com certeza seria o mais ouvido do meu ano e com uma quantidade de visualizações questionável – em minha defesa, era parte de um trabalho investigativo sobre quem eu sou.  Brincadeiras à parte, cantar “girls like girls like boys do, nothing new” em alto e bom som, fez uma adolescente de 14 anos se sentir abraçada quando tudo parecia prestes a desmoronar.  – Jamily Rigonatto 

O post Persona Especial – Representatividade LGTBQIA+ apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Moraes

Em Má Educação, o diretor Pedro Almodóvar evidencia os maus-tratos que alguns garotos sofrem na Igreja e, nesse quesito, fala com propriedade. A fita deixa clara a hipocrisia dentro de um lugar que se vende como mantenedor dos ‘bons costumes’, mas que, às escondidas, casos de pedofilia já foram registrados. No entanto, apesar do filme prometer ser uma denúncia, ele se torna muito mais do que isso ao longo da trama, adentrando em um conto investigativo ‘hitchcockiano‘ que explora o efeito dos abusos e da marginalização em certos grupos sociais.

Na obra, o cineasta Enrique (Fele Martínez) recebe a visita de Ignacio (Gael García Bernal), seu antigo amigo e primeiro amor que, para ele, aparenta estar muito diferente. O personagem de Bernal aparece com um conto sobre a infância dos dois, interessante na visão do diretor, que decide transformá-lo em longa-metragem. A partir do momento em que o sujeito interpretado por Martínez lê o script, a realidade se mistura com a ficção dentro do próprio filme e a vida de Ignacio começa a ser contada.

Almodóvar ainda utiliza a metalinguagem para explorar mais algumas questões ligadas à narrativa ‘hitchcockiana’. Uma das características de Alfred Hitchcock é a maneira como ele dirige o olhar que será mostrado e, assim. conduz o espectador à onde quiser. Nesse sentido, o espanhol alterna o olhar entre Enrique e Ignacio, presente e passado, confundindo o público entre o que é a realidade e o que não é, e, mesmo dentro da película, não é possível saber o que é fato e o que é ficcional.

No momento em que Enrique volta a ser detentor do olhar, ele busca saber mais sobre o que aconteceu com seu amigo durante esse tempo em que estiveram afastados. É nesse momento que acontece a grande reviravolta, pois, nos é revelado que Ignacio estava morto e que seu irmão Juan havia roubado sua identidade. Essa passagem poderia ser considerada de maneira negativa como típica de uma ‘novela mexicana’ por muitas pessoas, mas, na verdade, revela uma de suas facetas mais ‘hitchcockianas’, se assimilando muito a Um Corpo que Cai (1858).

A dicotomia entre Ignácio  – que passa a ser interpretado por Francisco Boira  – ,e Enrique escancara a diferença entre quem foi traumatizado pelos abusos e marginalizado por ser quem é, e quem não foi. O primeiro sofreu assédio constante do Padre Manolo (Daniel Giménez), se assumiu uma pessoa trans após sair da Igreja e teve como destino a vida de viciado, dançarino de boate nos lugares mais podres da Espanha e morre sozinho como indigente. Por outro lado, Enrique seguiu sua vida, se tornando um cineasta com uma casa luxuosa e muito dinheiro guardado. Apesar de ser declaradamente homossexual, ele não sofre o mesmo que seu velho amigo, pois o preconceito é maior com quem é trans e pobre, afinal, na época em que o filme se passa, já existia o chamado dinheiro rosa, o que o coloca em uma situação muito mais favorável socialmente do que Ignácio.

Falando sobre a maneira como Pedro Almodóvar trabalha o sexo, é muito interessante que ele não tem pudor algum de mostrar o desejo e a nudez. Há duas cenas que evidenciam o estilo ‘almodovariano’: na primeira, Juan, irmão de Ignácio, interpretando Zahara  – persona que assume como dançarino de boate  –, dá em cima de Enrique, agora, interpretado por Alberto Ferreiro, de maneira despudorada; na segunda, o cineasta e o ator encaram os corpos um do outro enquanto estão na piscina, e o diretor faz planos muito explícitos desse desejo, fazendo com que a câmera se alterne entre rosto e corpo. Mas além disso, o espanhol faz do sexo e do tesão uma relação de poder. Nesse aspecto, é possível enxergar o padre que explora sua posição e proteção para abusar de Ignacio, no entanto, também é possível ver como o personagem cineasta aproveita a ânsia de Juan de protagonizar o filme, para transar com ele.

Algo muito rico da filmografia de Almodóvar é que ele não torna seus personagens ‘reféns’ de sua sexualidade, ou seja, a sua história, função narrativa e desenvolvimento não se baseiam apenas no fato deles fazerem parte do grupo LGBTQIAPN+ – o que não quer dizer que esse fato é ignorado. Ele entende como as questões histórico-sociais relacionadas à sexualidade dos seus personagens o moldam e influenciam suas escolhas e atitudes. Se olharmos para o Cinema contemporâneo, principalmente o norte-americano, é perceptível como são raros casos de filmes que exploram tão bem a forma como as questões de gênero modelam seus personagens. 

Má Educação entrega aquilo que sempre esperamos de Pedro Almodóvar: uma obra irreverente, cheia de desejo, sexualidade, sensualidade e capaz de incomodar. Em certos aspectos, o diretor chega até mesmo a parecer com a Madonna, mas sem toda a genialidade da cantora. É irônico que, pouco tempo após o lançamento do longa, a Arte tornara-se cada vez mais puritana e higienizada, principalmente se olharmos para os blockbusters atuais. No entanto, é sempre bom poder voltar a esses artistas e ver que, apesar do amadurecimento de suas obras, sua veia rebelde continua a mesma.

O post Em Má Educação, Almodóvar alude a Hitchcock em um conto sobre sexualidade e denúncia apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Luana Brusiano

Imagine receber um recado da Central da Morte informando que, a qualquer momento nas próximas 24 horas, você irá morrer e não há nada que possa ser feito para reverter essa situação. Essa é exatamente a premissa de Os dois morrem no final. Escrita por Adam Silvera, a obra narra o último dia de vida de Mateo Torrez e Rufus Emeterio que, em 5 de Setembro, recebem a infeliz ligação: aquele será o último dia de vida deles. Na tentativa de aproveitar ao máximo seus últimos momentos vivos, os caminhos de Mateo e Rufus se cruzam, levando-os a embarcar em uma jornada para viver uma vida inteira em um único dia.

Os dois jovens decidem criar perfis no aplicativo Último Amigo, com a finalidade de encontrarem um amigo para compartilhar os últimos momentos e, assim, se conhecem. Os dois morrem no final é uma obra que prende a atenção já pelo título. A ideia do autor ao nomear o livro com o final da história é genial e gera um impacto significativo no leitor, instigando a curiosidade e despertando certa ansiedade ao acompanhar o desenvolvimento da trama, tendo conhecimento do que vai acontecer com os protagonistas no futuro, mas sem saber como. 

No decorrer do livro, Mateo Torrez e Rufus Emeterio passam por inúmeras experiências, enfrentando medos, inseguranças e desejos que nunca tiveram a oportunidade de realizar. Mateo, que é um garoto tímido e reservado, viveu toda a sua vida temendo as consequências de suas atitudes e, por esse mesmo motivo, se manteve recluso. Já Rufus, é caracterizado por sua personalidade impulsiva e sede por vivenciar experiências novas, mesmo após o trauma de ter perdido sua família em um acidente. Durante suas últimas vivências, os protagonistas criam um forte vínculo e passam a se apoiar e enfrentar tudo juntos.

Apesar de ser uma ficção, os pontos-chave para o entendimento do livro são as questões existenciais. A analogia com a vida real remete à única certeza que existe: a morte. Desse modo, é óbvio que a intenção do autor é abordar o que significa estar vivo, enfatizando a efemeridade da vida e mostrando como cada segundo de existência importa. Contendo trechos e falas que levam a reflexões profundas, a história trata a morte com uma sensibilidade que pode, até mesmo, ser considerada poética. 

A complexidade das personalidades de Mateo Torrez e Rufus Emeterio, e suas camadas mais profundas também são tratadas na obra, uma vez que são completamente opostas e, ainda assim, conseguem fortalecer sua conexão diante do desespero causado pela inevitabilidade da morte e pelo fato de que as decisões que tomarem podem afetar o tempo que lhes resta. Com uma amizade que resulta em momentos emocionantes entre os jovens, é gradativamente desenvolvido um sentimento romântico entre os dois, que surge de maneira sútil e muito natural. 

O medo da morte é o cerne para o desenvolvimento do livro. A incerteza do desconhecido e, até mesmo, a faísca de esperança de que a ligação efetuada pela Central da Morte poderia ser um engano, aflige os protagonistas e se manifesta ao longo de toda a narrativa. A busca pela aceitação da morte e a coragem de confrontar a imortalidade unem esses personagens em sua luta contra o tempo. Adam Silvera explora o medo e as profundezas do psicológico humano, oferecendo uma perspectiva sensível e emocionante acerca da vulnerabilidade humana.

“Passei anos vivendo com segurança para garantir uma vida mais longa e veja onde isso me levou. Estou na linha de chegada, mas nunca participei da corrida.”

– Os dois morrem no final (2017)

Os dois morrem no final é uma poderosa viagem através da exploração dos limites de Mateo e Rufus. Com uma narrativa melancólica e impactante que ressoa para além das páginas, o livro desperta a atenção dos leitores para a importância de cultuar a vida e colecionar momentos, bem como o laço da amizade e os desejos nunca antes atendidos. Adam Silvera não apenas traz uma reflexão sobre a efemeridade da existência, mas também aborda com grande sensibilidade  a descoberta da sexualidade dos personagens da comunidade queer, através de uma jornada de autoconhecimento e aceitação. 

O post Os dois morrem no final é uma jornada pela linha tênue entre a celebração da vida e aceitação da morte apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Marina Iwashita Canelas

Imagine a sua adolescência, todos os mil sentimentos juntos e bagunçados, desde ‘Será que eu sou bonito?’ ou ‘Será que ela gosta de mim?’, até os comentários e palpites sobre aquela pessoa que está ‘ficando’ com quem você gosta. O início da vida adulta, junto ao amadurecimento e as descobertas sobre si mesmo, não são períodos fáceis. É nessa fase que muitas pessoas passam a experimentar coisas novas, como alguma aventura com amigos ou ser rebelde em casa. Para Leonardo (Ghilherme Lobo) – protagonista do premiado curta-metragem Eu Não Quero Voltar Sozinho, que, com seus infames 17 minutos de duração, encantou muita gente –, essa realidade nunca foi fácil. 

Léo é um adolescente cego que descobre a sua sexualidade com a chegada de um novo aluno no colégio. Quatro anos depois, em 2014, o longa-metragem Hoje Eu Quero Voltar Sozinho foi lançado ao mundo por Daniel Ribeiro, diretor de ambas as obras. Sem perder a leveza da primeira obra, o filme pôde aumentar sua riqueza de detalhes, dando mais foco às personagens e suas particularidades. Ribeiro traz mais discussões referentes ao dia a dia do personagem para a trama, tornando-a muito mais do que apenas um filme com temática LGBTQIA+.

Podemos conhecer melhor o protagonista à medida que entendemos a sua rotina e como a criação que tem o sufoca. Sua mãe, superprotetora, muitas vezes impede Léo de viver coisas normais de um adolescente. Giovana (Tess Amorim) é a sua melhor amiga desde a infância, e Amorim consegue dar voz ao papel da sua personagem de forma muito clara e fluida. Por vezes ficamos estressados com ela por ter a mesma ideia de que a deficiência visual, de alguma forma, define-o. 

Isso, porém, muda com a chegada de Gabriel, interpretado por Fabio Audi, um aluno novo de outra cidade e que, por estar alheio à bolha, desperta mais a curiosidade do garoto, além de apoiá-lo em decisões que o mesmo gostaria de tomar. Audi consegue trazer para o seu papel uma alma viva, ele interpreta um jovem livre e cheio de desejos, que conhece bem a si mesmo e também deseja que o protagonista se conheça mais.

A relação dos personagens é construída aos poucos, sendo possível acompanhar os melhores amigos se afastarem por ciúmes, devido a sensação de liberdade que Léo tem com Gabriel. Nesse período, é possível observar alguém, que não tinha contato algum com pessoas com deficiência visual, sendo a chave principal para dar mais confiança ao protagonista e entendê-lo como apenas um garoto querendo viver a vida de um jovem.

Pensando nisso, em alguns momentos, podemos ver a Fotografia de Pierre de Kerchove voltada para a perspectiva do Léo, ou seja, muito sensorial. Temos cenas desfocadas com apenas o barulho de conversas e risos, momentos de liberdade e tensão, além de momentos íntimos, à exemplo, os beijos no vidro do box. No quesito tensão, com o decorrer da narrativa, vemos o quão difícil é para o protagonista viver os múltiplos aspectos de seu cotidiano. 

Para além da sua família e amiga mais próxima, têm os meninos da sala que fazem bullying com ele, tirando sarro e planejando algo sacana. Essas infames brincadeiras são muito mais voltadas à cegueira do protagonista do que ao fato dele estar se descobrindo sexualmente. O longa traz consigo uma visão muito leve e delicada sobre a vida, mas principalmente sobre o amor, então, por mais que fiquemos com raiva das falas e gestos errados, isso não pesa na narrativa.

É incrível como o filme consegue criar um cenário de cotidiano muito forte. Acompanhamos toda rotina do Léo, sabemos da dinâmica da casa dele, as suas frustrações e algo interessante é a naturalidade com que a personagem trata a sua cegueira com Gabriel. Apesar de o recém chegado na escola, às vezes, fazer comentários indesejados como “já viu aquele vídeo famoso?“, o protagonista ainda assim se sente confortável perto dele, por vezes, o ‘zomba’, mas existe a vontade de ter experiências novas junto a ele, como ir ao cinema,  sair de casa no meio da madrugada sem avisar ou andar de bicicleta.

A criação desse cenário de intimidade que temos com as personagens se dá também pelos seus estilos musicais, que compõem a trilha sonora (Arthur Decloedt). Para diferenciar quem está ligando, o celular do protagonista conta com um toque diferente para cada pessoa. A única semelhança entre todos é o estilo musical que ele consome: clássico. Fazendo um paralelo a isso, Gabriel chega na sua vida com There ‘s Too Much Love, de Belle and Sebastian. Chega a ser engraçado como ambos, por mais diferentes que sejam, se completam. 

Enquanto Léo segue uma vida regrada, porém, cheia de desejos e vontades a serem realizadas, Gabriel é o tipo do adolescente ‘livre’, com pais tranquilos, e poderia ser considerado o ‘alternativo’ da turma, que vira DJ nas festas. O longa trata todas essas questões de uma forma muito leve e delicada. Percebemos, no final, que o amor sentido pelo casal é um misto de sentimentos; a mistura de algo novo, romântico, sensível e carregado de muito companheirismo.

Hoje Eu Quero Voltar Sozinho é sobre como o amor não encontra barreiras para existir. Em momento algum precisamos ver para sentir ou saber que aquela pessoa é realmente a destinada para você. A obra não é tratada a partir da aceitação dos jovens no mundo LGBTQIA+, na verdade, ela retrata uma visão muito romântica e ingênua sobre esse aspecto, o que pode frustrar parte da audiência. Mas, ver a evolução da amizade das personagens, se imaginar no lugar do Léo e refletir sobre as questões trazidas na produção fazem dele um lindo filme de romance.

O post Em busca da liberdade, Hoje Eu Quero Voltar Sozinho alcança o amor apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Letícia Hara 

Em todo o mês de Junho, o amor paira pelo ar junto à celebração das conquistas da comunidade LGBTQIAP+, por isso, é sempre importante relembrar a representatividade cada vez mais presente nos desenhos animados, em especial nos desenhos do Cartoon Network. Criado como um especial de Hora de Aventura em 2020, Terras Distantes foi lançado no Max dois anos após o encerramento da série original, dividido em quatro episódios, que narram aventuras dos personagens do desenho em um formato maior e mais aprofundado do que os capítulos de apenas 11 minutos cada da obra anterior. 

O episódio Obsidiana pode ser dito como o mais esperado pelos fãs desde o fim de Hora de Aventura, isso porque ele tem quase uma hora e é completamente focado em Marceline e Jujuba, casal que foi oficializado somente no final da série e contou com pouquíssimos frames que canonizaram as duas como namoradas. Durante todo o decorrer do seriado, fica implícito qual seria o motivo de, a todo momento, elas terem algum conflito mal resolvido. Afinal, até então, a dupla era apenas vista como ‘melhores amigas’ e seu relacionamento ficava apenas como uma teoria confirmada pela dubladora original de Marceline, Olivia Olson, uma vez que ainda era proibido deixar explícito o relacionamento. 

O casal ter sido o ‘endgame’ de Hora de Aventura faz com que a expectativa do herói e protagonista (Finn) ficar com a princesa Jujuba seja quebrada, abrindo possibilidades para novas formas de narrativa e paradigmas de se pensar romances em séries. Além disso, são poucos os episódios da produção original que mostram algo do relacionamento de tantas centenas de anos, o que faz com que Terras Distantes desenvolva melhor e traga mais cenas protagonizando a dupla. Com certeza, é um prato cheio para aqueles que queriam que o seriado original mostrasse mais delas. 

Não devemos deixar de citar a importância de Rebecca Sugar para o mundo dos desenhos animados. Ela é ativista LGBTQIAP+ e criadora de Steven Universo, outro desenho importantíssimo para a representatividade da comunidade, que trouxe temas e reflexões a respeito tanto para crianças, quanto adolescentes e adultos. Sugar foi extremamente importante para o desenvolvimento das canções de Marceline para a série, como também ajudou a produção a fazer o casal ‘Jujubline’ acontecer. 

Durante o especial, Marceline e Jujuba enfrentam um monstro enjaulado que já havia aparecido em um passado distante, passado esse que envolvia tanto o começo do relacionamento das duas quanto o motivo do fim da relação. No episódio, elas já estão juntas novamente no presente, porém, precisam enfrentar as razões que levaram ao término. Vale ressaltar que, após o fim da relação, no decorrer do desenho, elas tiveram outros relacionamentos com diferentes pessoas, o que amplia as possibilidades de amor presente na série. 

Obsidiana é repleto de emoções e narrativas novas que fizeram o fandom do casal conhecer mais sobre as personagens por sair da narrativa que só focava nos protagonistas Finn e Jake. O episódio entrega momentos de romance e de conflitos entre Marceline e Jujuba, fazendo com que, não somente as cenas de amor sejam especiais, como também as de desentendimentos e necessidade de retorno ao passado para poder valorizar o que existe no presente. Por fim, é necessário ressaltar que as personagens não têm orientação sexual definida oficialmente, o que permite aos fãs teorizarem, usarem a imaginação e se identificarem com elas. 

Para quem aprecia narrativas como essa, vale a pena ‘tirar um tempinho’ na semana e assistir o especial Fionna e Cake, lançado em 2023, que narra uma realidade alternativa dos personagens em que o casal aparece como Marshall Lee e Gary, assim como mostra frames da dupla original e de outras realidades em que as duas sempre acabam se encontrando. Já para quem gosta mais de se aventurar pelas HQ’s oficiais, Hora de Aventura: Marceline e as Rainhas do Grito é uma boa escolha de leitura para se aprofundar no romance delas. 

O casal mais amado de Hora de Aventura ainda faz o fandom esperar mais cenas apaixonadas das garotas e os criadores do seriado sabem que conseguem entregar aquilo que se espera deles. Os fãs aguardam ansiosos que elas retornem em breve em mais aventuras, porém, até lá, Terras Distantes fez o importante trabalho de fazer o inesperado acontecer.

O post O casal inesperado mais esperado de Hora de Aventura retorna apaixonado em Terras Distantes apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Borges

O Batidão Tropical Vol. 2 está entre nós e a drag queen mais amada do Brasil mais uma vez não nos decepciona. Trazendo suas raízes do forró do Nordeste e Norte do país, Pabllo Vittar faz a releitura de alguns clássicos que marcaram sua vida, além de cantar músicas inéditas. O projeto da artista dá continuidade ao Volume 1 do álbum homônimo, que também conta com regravações de hits,  como Zap Zum da Companhia Calypso.

Indo do pop ao funk com os aclamados Não Para Não (2018), After (2023) e, agora, o forró do Batidão Tropical, Vittar mostra, novamente, sua versatilidade artística, entregando um disco coeso e dançante. É facilmente possível atestar esse destaque da artista em cada faixa da obra, mostrando sua capacidade de interpretar e se conectar com diferentes ritmos, reinventando-se a cada trabalho.

Com batidas quentes e envolventes, a produção conta com 14 canções – três delas, posteriormente reveladas. Nas faixas ocultas, a  cantora faz uma quebra da quarta parede sonora ao falar diretamente com o ouvinte e indagar que logo elas seriam desbloqueadas. Já nas redes sociais, os fãs de Pabllo Vittar especularam que as músicas que ainda não haviam sido lançadas seriam novas regravações ou contariam com colaborações inéditas.

Reverenciando grandes nomes do forró e do tecnobrega, a obra possui participações de cantores do Norte e Nordeste do Brasil como Gaby Amarantos, Taty Girl, Will Love e Maderito. “Dessa vez, nosso objetivo principal era dar um passo à frente do que fizemos no Volume 1. Por isso, incluímos mais músicas do que no primeiro e também temos diversas colaborações no disco”, conta Rodrigo Gorky, produtor de Vittar.

Dentre as músicas escolhidas para serem relidas pelos produtores musicais de Pabllo Vittar, Pede Pra Eu Ficar é o carro-chefe da nova era da artista, sendo uma regravação da canção Listen To Your Heart, da banda sueca Roxette. Ai Ai Ai Mega Príncipe – um grande sucesso nortista da banda paraense Batidão – também foi refeito na voz de Vittar e se tornou segundo single do álbum. Ambas as composições possuem a presença marcante da estética musical da drag queen.

Ao dar play no álbum, já nos deparamos com o estilo único que Vittar tem de ‘dar sua cara’, aderindo seus icônicos vocais ao ritmo do forró e completando com seu clássico toque de cultura pop, como nas canções Me Usa e Nas Ondas do Rádio. Nelas, Pabllo Vittar diz: “Se estiver ouvindo essa minha canção/Pense em mim, eu fiz pra você”, fazendo com que seus fãs se sintam mais próximos dela, como se estivesse cantando a música especialmente para eles.

Ornando muito bem com a ‘pegada’ das faixas relidas, Idiota é a única canção de composição autoral presente no Batidão Tropical Vol. 2. O arranjo contagiante e cheio de detalhes excelentes de produção dão a cara à tapa, a deixando melodiosamente harmônica com os outros sons do álbum. Além disso, a música é considerada uma das favoritas entre o público.

A escolha seletiva de Vittar para criar a tracklist de regravações do álbum foi genial. As canções relidas pela artista contam com vocais impecáveis e assertivos, essenciais para dar o seu toque especial. As composições conversam com o ouvinte não só pela letra, mas também pela forma de cantar, que nos foi entregue algo incrível sem perder a sua originalidade. A faixa São Amores comprova esse ponto, sendo a mais carismática do disco com seu icônico “PEW PEW” dentre as frases do refrão que fixam, do início ao fim, a música na cabeça de qualquer um – o que só ajudou na visibilidade na plataforma TikTok.

Com faixas viciantes e insaciáveis, a cantora combina muito bem o tecnobrega com o hyperpop, e seus vocais abusam de efeitos e aparelhos eletrizantes de instrumentação eletrônica, criando uma vibe muito próxima a After, seu trabalho anterior. Em Não Vou Te Deixar (I Don’t Want to Get Hurt), colaboração com Gaby Amarantos, as artistas souberam justamente sintonizar as batidas do techno com os sons do teclado. A faixa, inclusive, integra o disco TecnoShow (2022), o álbum mais recente de Amarantos.

Infelizmente, a obra carece muito de canções inéditas, trazendo somente Idiota como de autoria própria. Num geral, as faixas do Batidão Tropical Vol. 2 parecem bem fundamentadas e injetam uma gama muito diversa de releituras pop. A coletânea presente no álbum mostra que ainda existe muito potencial a ser explorado e frutos a serem colhidos. 

O disco em si, deságua sobre amores e paixões em suas mais diversas densidades. Os vocais da drag queen, ornados com as canções melosas de término de relacionamento, brilham por cima de sintetizadores que refletem as sonoridades regionais do Norte e Nordeste do país. Mais uma vez, a união entre Pabllo Vittar e a Brabo Music trouxe canções absurdamente divertidas e de som arrebatador.

E não para por aí: os visuais do projeto também são muito bem coesos e significativos. A cantora soube usar e abusar de elementos como reggaeton e o hyperpop, alinhados às vertentes do forró eletrônico e tecnobrega. Vittar soube captar impecavelmente o sentimento dos projetos que foram relidos e o furacão envolvente causado pelos sons dos aparelhos, provocando um misto de emoções no ouvinte.

Pabllo Vittar é tão esperta que, dias depois do lançamento do álbum novo, já fez sua primeira apresentação ao vivo com o trabalho inédito. Como headliner do festival Hopi Pride, que celebra o orgulho LGBTQIAP+, a artista cantou seus maiores hits, além do Batidão Tropical Vol. 2. Após uma performance estrondosa, a drag queen viu que o disco foi muito bem aceito entre seus fãs e que todos já estavam com as letras na ponta da língua. Ela inclusive agradeceu aos admiradores pela repercussão do projeto dentro das plataformas de streaming.

View this post on Instagram

A post shared by Pabllo Vittar (@pabllovittar)

Apesar das poucas músicas autorais no projeto, ouvir o sucessor do estrondoso Batidão Tropical é, de longe, muito prazeroso. Ver a intérprete de Triste com T nos apresentar o ‘seu lado’ do Brasil só mostra a força e a paixão da música popular no Norte e Nordeste do país. “As músicas e letras que aqui serão mostradas podem soar inédito para muitos, enquanto que para outros vai transmitir uma nostalgia de um tempo bom”, disse a artista em uma publicação no Instagram.

Por fim, Batidão Tropical Vol.2 é considerado um dos melhores álbuns de Pabllo Vittar. Sua versatilidade e habilidade de referenciar alguns dos nomes mais importantes da Música nortista e nordestina do país, dão significado muito importante em sua composição. Com a sua mistura única de melodias e mensagens instigantes, o disco não apenas diverte, mas também desafia as convenções do tecnobrega e, até mesmo, do pop chiclete cantado pela drag queen. É uma obra que alia alegria e carisma, reforçando a excelente qualidade artística de Vittar e reafirmando o fato dela ser referência no que faz.

O post Meu amor, isso é Batidão Tropical Vol. 2! apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Fábio Gabriel Souza

A Arte precisa sempre ser inovadora? Essa pergunta guiou a discussão de muitos fãs, especialistas e entusiastas de cultura pop ao escutarem Something To Give Each Other. Troye Sivan, em seu terceiro álbum de estúdio lançado em Outubro de 2023, nos leva a uma viagem dançante, eletrizante e intimista, que celebra a liberdade de expressão queer. Longe de ser inovador e revolucionário, o álbum é o que se propõe a ser: pop. 

Em uma melancólica estreia de 2015, com Blue Neighbourhood, Sivan cantou sobre descobertas e emocionou milhares de ouvintes com uma profunda identificação da comunidade LGBTQIA+. Depois, em Bloom (2018), o australiano, já um pouco mais maduro, versou sobre a vida adulta e suas primeiras experiências amorosas sexuais. Enquanto, nesses álbuns, ele procura seu lugar no mundo com inúmeras descobertas e ‘primeiras vezes’, no atual projeto, o cantor desenvolve uma persona madura e vivida, cantando sobre a sua independência e liberdade, embalado por ritmos que remontam ao pop disco e à Música eletrônica da década de 1980.

“Este álbum é o meu presente para você – um beijo na pista de dança, um encontro que se transformou em um fim de semana, uma paixão, um inverno, um verão. Festa após festa, após festa, após festa. Desilusão, liberdade. Comunidade, irmandade, amizade. Tudo isso <3” 

– Troye Sivan via X

Em Rush, música escolhida como lead single, somos levados a uma noite de ‘curtição’. Com batidas eletrizantes e dançantes, a canção indicada ao Grammy de 2024 canta sobre a cultura LGBTQIA+. Partindo de um estilo sensual e homoerótico, vemos um artista seguro de si e da sua sexualidade, livre para, enfim, celebrar a sua liberdade. Tudo isso é notável em versos como “Tão bom quando desaceleramos a gravidade, tão bom/É tão bom, é tão bom/Respire uma, duas, três vezes, pegue tudo de mim, tão bom”, em que a sexualidade é celebrada. Com um ritmo enérgico, Troye Sivan ainda canta sobre a falta que sente de um amor que está distante e como ele próprio está se sentindo. Segundo o website Pitchfork, o músico trata as festas e o sexo como um ato quase religioso.

Começando tão agitado, o álbum logo entra em um segundo ato e sofre uma queda de ritmo. Ao diminuir o flow em One of Your Girls, Sivan conta um segredo com um vocal sussurrado; a música é sobre a atração do eu lírico por um homem hétero. A canção constrói uma atmosfera sexy em volta de uma narrativa do proibido ser mais gostoso. Sendo fiel aos seus vocais, a composição propõe leveza e sensualidade. Em um videoclipe ainda mais polêmico, o artista performa vestido de drag queen e denuncia a submissão imposta com grande frequência aos homens gays. Refletindo seus pensamentos e dando continuidade, ele traz um desabafo em um ritmo desacelerado, com uma batida expansiva e taciturna, que transforma em beat e poesia caótica os sentimentos de uma pessoa apaixonada e obcecada.

Ao compor sobre sentimentos, é impossível não tratar da saudade e Troye Sivan sabe disso. Em alguns momentos, o artista retrata momentos perdidos e a falta de um amor do passado que ele não pode voltar a ter com um lirismo triste e profundo. É nítida a dificuldade de seguir em frente, mas com uma certa maturidade, o eu lírico entende que é um processo necessário, porém, dolorido, como o amor pode ser. O final da faixa entrega batidas distorcidas que provocam confusão, como um curto-circuito de tanto pensar. Com a mesma calmaria, Can’t Go Back, Baby é embalada por uma sonoridade com batidas constantes, que não traz surpresas, característica que reflete monotonia. Com referências do pop alternativo, Sivan se força a seguir em frente mesmo sentido dor e tenta se convencer sobre como é impossível voltar atrás ao cantar “Eu queria, mas não posso voltar (não posso voltar no tempo, querido)/Para os dias em que eu achava que te conhecia”.

Retratando os altos e baixos da vida, o australiano traz um sopro de animação para o disco com músicas sensuais e envolventes, de sonoridade pulsante, cantadas de uma forma sexy. Got Me Started, por exemplo, é uma mistura de pop e R&B contemporâneo, tendo um sample de Shooting Star (2009) da dupla Bag Raiders. A faixa reflete uma intensa noite de paixão e culmina em uma catarse vibrante sobre honestidade sexual: um grito queer sobre amar e querer quem quiser. Essa narrativa é muito bem representada em um videoclipe que exalta diferentes corpos e sexualidades, enquanto as luzes da cidade de Bangkok, onde foi gravado, leva o artista em uma dança agitada e divertida  – bem diferente do cenário de Rush, que sofreu críticas pela falta de diversidade no elenco.

Em uma balada dançante, Silly retrata Troye Sivan perdido. O próprio ritmo da música demonstra a confusão na cabeça do eu lírico e a constante vontade de esquecer um amor do passado. Ao cantar que “Eu ainda te amo mais do que eu deveria dizer/Só estou tentando colocar toda essa porra de lado/Não preciso de ninguém aqui pra me consolar/Só estou tentando sair disso”, entendemos que a composição é sobre uma noite de festa para esquecer.

O albúm mostra que a Música é para além de letras e, muitas vezes, sobre o conjunto da obra, afinal, somos surpreendidos a todo momento por uma experiência sinestésica. Honey, por exemplo, é toda sobre excessos, muitos sons, instrumentos e toques distintos que provocam um jogo de emoções inexplicáveis. E a Música é isso, um êxtase provocado por um misto de desejos e sensações. A repetição de versos como “ao longo do tempo” e “em minha mente” demonstra a urgência sentida pelo artista que, em entrevista à revista Rolling Stone Austrália, revelou que a canção foi inspirada em um ‘caso de uma noite’ em West Hollywood e representa seu despertar emocional, que também culminou no desenvolvimento do disco.

A confusão se faz presente quando Sivan sente coisas lindas, mas vive um momento em que não sabe se existe possibilidade para dar continuidade. O saxofone, presente em vários minutos da canção final, por exemplo, adiciona uma melancolia na aura, que também está marcada em sua própria letra: “Querido, volte, me dê mais um beijo/Estou um pouco perdido sobre como ficar com você”. Além disso, a falta de intimidade que ele sente atualmente na relação também é motivo desse sentimento, como retratado em “Não tenho flores, mas o que vale é a intenção/Queria que você morasse um pouco mais perto”; retratando a desesperança no amor, diferentemente de outros trabalhos, como Angel Baby (2021), que retrata uma idealização amorosa.

Em resposta aos questionamentos que podem ser feitos quanto a qualidade artística do álbum, conclui-se que a Arte nem sempre precisa ser inovadora, mas sim, ser uma expressão do ‘ser’ e claro, deve ser boa, o que Troye Sivan entrega com maestria ao trazer uma sonoridade que se encaixa perfeitamente durante todo o disco – inclusive em momentos que o ritmo cai, mas não perde a identidade musical –, com letras envolventes e sinceras, que emanam emoções cruas, e visuais que representam, definitivamente, uma era. No auge da sua proposta artística, o australiano nos leva a um ‘rush’ no universo construído milimetricamente por ele, cheio de tesão, ternura, noites de boate e, até mesmo, glory holes.

Com uma nota sólida no contador de críticas Metacritic e ótimas avaliações da crítica especializada, Something To Give Each Other é sobre vivências queer, amores que deram certo e errado, e ser honesto consigo mesmo e com a confusão de se entender. Aos 28 anos (na época), Sivan finalmente canta sobre suas experiências LGBTQIA+’s abertamente, sem camuflá-las em metáforas. Claramente, é uma odisséia sobre os altos e baixos do coração, mas não só isso, é sobre vivê-los com intensidade. O álbum é uma jornada de autoconhecimento e uma ode a liberdade sexual, amorosa e queer, além de um lembrete de que nunca paramos de procurar algo para dar ao outro.

O post Em Something To Give Each Other, Troye Sivan celebra a liberdade apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Eloah Kaway

Felizes Juntos, dirigido por Wong Kar-Wai, é um retrato fascinante e complicado sobre relacionamentos e descoberta pessoal. O filme mostra a relação tumultuada entre Ho Po-Wing (Leslie Cheung) e Lai Yiu-Fai (Tony Leung), um casal gay de Hong Kong perdido na melancolia de Buenos Aires. Com suas cenas ambientadas nas ruas da cidade e nas impressionantes Cataratas do Iguaçu, Kar-Wai cria uma história visualmente incrível que nos faz pensar no amor em todas suas formas.

No longa, os protagonistas são retratados em um relacionamento tumultuado, marcado por intensas oscilações. Em uma tentativa desesperada de reviver o amor que compartilham, decidem viajar para a Argentina, buscando um afastamento radical de suas vidas anteriores. O objetivo deles é visitar as Cataratas do Iguaçu, uma jornada que adquire uma dimensão simbólica à medida que o longa avança e o vínculo entre eles se desfaz mais uma vez.

A escolha da música Cucurrucucu Paloma, de Caetano Veloso, como pano de fundo para a cena no Patrimônio Natural da Humanidade, não apenas complementa as imagens panorâmicas como também estabelece a abertura do filme de maneira poética. O uso das cores e da canção funciona como uma metáfora das emoções turbulentas dos protagonistas. Inicialmente imersa em cores saturadas que refletem a intensidade do amor entre Po-Wing e Yiu-Fai, a obra transita para tons mais sombrios de preto e branco à medida em que o relacionamento se desintegra, capturando habilmente os altos e baixos emocionais do casal.

Através das performances de Leslie Cheung e Tony Leung, Felizes Juntos oferece uma exploração crua e honesta da complexidade humana, tecendo um retrato comovente de um amor apaixonado, porém, turbulento, que desafia as definições convencionais. Cheung e Leung capturam com maestria a dinâmica destrutiva entre Ho Po-Wing, impulsivo e errático, e Lai Yiu-Fai, mais reservado e contemplativo.

A reflexão sobre o título do filme ganha mais sentido conforme a história se desenvolve. Chun Gwong Cha Sit (no original) vai além da relação complicada entre dois indivíduos que, claramente, não estão felizes, explorando também a reconciliação interior e a aceitação do passado de cada um. Essa jornada emocional ressoa profundamente, oferecendo uma nova visão sobre o que realmente significa amar e se separar. O futuro é incerto; pode haver mais noites solitárias e desesperadoras pela frente mas, agora, eles estão livres das amarras que os prendiam. É um novo começo, mesmo que não seja juntos lado a lado.

Wong Kar-Wai utiliza Buenos Aires como um contraponto ao seu habitual cenário em Hong Kong, explorando semelhanças e contrastes entre essas duas metrópoles. A cidade se torna um cenário simbólico para a desorientação e a busca por identidade dos personagens, evocando uma sensação de exílio emocional e físico. A transição gradual do filme, passando do preto e branco para cores vivas, reflete não apenas a evolução do relacionamento de Po-Wing e Yiu-Fai, como também o próprio processo de crescimento pessoal deles.

Um método notável do jogo de câmera é o deslocamento de foco entre os personagens, que é efetivamente utilizado pelo diretor de Fotografia, Christopher Doyle, para enfatizar a distância emocional e desconexão entre eles. Por exemplo, em uma cena em que Lai Yiu-Fai trabalha como porteiro e Ho Po-Wing ostenta seus novos relacionamentos, a lente se afasta de Yiu-Fai para focar em Po-Wing, o deixando desfocado e em segundo plano; à medida que ele se afasta da vida do parceiro tanto de forma literal quanto metaforicamente.

Outra técnica é o uso de movimentos circulares da câmera, que espelham a natureza cíclica do relacionamento dos personagens. Durante um passeio de táxi, que simboliza mais uma reconciliação, a máquina se move em padrões giratórios, ecoando o padrão repetitivo e vertiginoso de suas separações e retornos. Este movimento circular não apenas aprimora a experiência visual, mas também aprofunda a compreensão do espectador sobre os estados emocionais estagnados e repetitivos dos personagens.

Um dos aspectos notáveis em Felizes Juntos é Chang, interpretado por Chang Chen, que surge de maneira discreta e gradualmente se torna amigo de Lai Yiu-fai, que estava enfrentando a solidão. Ele é como uma luz radiante em meio às dificuldades e sua personalidade curiosa, às vezes, intrometida, traz um humor peculiar ao filme, ao mesmo tempo em que revela uma tristeza subjacente, como se houvesse um vazio difícil de preencher.

Chang aspira viajar por diversos lugares antes de retornar a Taiwan, sua terra natal. Em uma jornada em busca pela felicidade, revela-se um homem cujas motivações são desconhecidas, mas que a breve passagem pela vida de Yiu-fai é suficiente para conectar o público profundamente a esse indivíduo simples, acolhedor e repleto de histórias por descobrir.

Nas cenas finais, Lai Yiu-fai finalmente consegue sair de Buenos Aires e viaja não para Hong Kong, mas para Taipei. Ele vai ao mercado noturno onde a família de Chang Chen tem uma barraca de comida. Contudo, ele não está lá por viajar pelo mundo. “Finalmente entendi como ele poderia ser feliz correndo livre assim“, diz Yiu-fai em seu tom de voz narrativo, baixo e triste. “É porque ele tem um lugar para onde sempre pode voltar“. É um momento de introspecção, onde Yiu-fai reconhece a dificuldade de encontrar um sentido de pertencimento e liberdade verdadeiros, mesmo em meio às descobertas pessoais e às mudanças de cenário.

A crítica internacional elogia Felizes Juntos como uma obra-prima do Cinema contemporâneo. O filme recebeu aclamação em importantes festivais ao redor do mundo, incluindo uma indicação à Palma de Ouro e o prêmio de Melhor Diretor no Festival de Cannes de 1997. Esse reconhecimento não só celebra a habilidade de Wong Kar-Wai como um cineasta inovador, mas também destaca como o longa continua relevante ao explorar profundamente temas de identidade e busca por conexão humana.

Um ponto forte do filme é como ele trata a sexualidade e a identidade de seus personagens sem clichês ou simplificações. Kar-Wai mostra um grande respeito pela complexidade e singularidade das jornadas pessoais de Ho Po-Wing e Lai Yiu-Fai, retratando suas lutas e vitórias de maneira genuína e humana. Felizes Juntos é uma obra em que o cineasta ressoa além das fronteiras culturais e sexuais. É um lembrete de que, em de todas as lutas e triunfos, está a busca incansável pela felicidade e pela compreensão de nós mesmos e dos outros.

O post Até que ponto Po-Wing e Lai Yiu-Fai estão Felizes Juntos? apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Davi Marcelgo

Os apartamentos de um subúrbio londrino são palco de opressão e violência. Dentro das paredes de um quarto azul, habita a tranquilidade e doçura de um romance púbere entre dois garotos: Ste (Scott Neal) e Jamie (Glen Berry). No mundo confortável de ambos, dedos passeiam através da pele e a câmera do longa de estreia da diretora Hettie MacDonald (Normal People) revela muito mais do que palavras conseguem. Delicada Atração (Beautiful Thing, no original) é um retrato cru de vivências homoafetivas, mas que não abandona o otimismo. 

Ste é agredido constantemente pelo pai e o irmão, até que Sandra Gangel (Linda Henry), mãe de Jamie, sensibiliza-se com a situação e acolhe o garoto em sua casa. O resultado é a aproximação de Jamie e o amigo, que começam um romance e desfrutam da juventude gay em Londres. A cineasta consegue transmitir emoções antagônicas pela lente da filmadora com a maestria que poucos iniciantes – e até veteranos –, realizaram em suas obras debutantes. 

Os enquadramentos de MacDonald são precisos para oprimir as personagens, seja com planos plongée em Ste ou que impedem a visão do rosto de seu pai, filmando apenas o corpo, potencializando a presença física e afastando a conexão do público com o agressor. Mas esses também transmitem ansiedade e desejo. Ao estar com Jamie, a câmera altera sua postura e cria uma narrativa visual em uma escalada de plano médio, primeiro plano e detalhe cada vez que o clima entre os dois personagens fica mais quente. Já quando os deixam separados em quadros diferentes para juntá-los em um único, os enquadramentos narram o distanciamento e aproximação. 

O azul vivo do quarto de Jamie contrasta com as cores sóbrias do apartamento de Ste, que possui imagens de Jesus Cristo, símbolo geralmente usado por fiéis a fim de propagar ódio à pessoas LGBTQIA+. A cor ligada ao masculino é quente, confortável e banha a primeira noite de amor desses meninos. Com a câmera, a diretora fecha a visão nos corpos: dedos e costas, e lábios e rostos. As escolhas de enquadramentos, ângulos, planos, cenografia, tudo narra a história de opressão e amor envolvendo os dois. Em várias cenas, a câmera e diálogos conseguem trazer o convívio dos dois sentimentos como uma experiência de vida queer. 

No lugar de cenas e diálogos quentes, o roteiro de Jonathan Harvey utiliza uma linguagem ambígua. Ste não quer virar-se para Jamie para não mostrar que está excitado pelo amigo e usa como desculpa as dores causadas pelas agressões do pai. Neste trecho, fica subentendido as vulnerabilidades de Ste; admitir os  sentimentos que tem por Jamie é confirmar o lugar de fraqueza, de “marica” que o pai e o irmão sempre o colocaram. É ficar em ‘pé de igualdade’ com um garoto que também é vítima de violência – Jamie sofre bullying na escola –, além de passar a se enxergar como um rapaz que ama outros rapazes. 

-Posso te tocar?

-Estou um pouco dolorido.

– Delicada Atração (1996)

Delicada Atração é otimista em relação aos corpos LGBTQIA+ e às pessoas marginalizadas. Produzido no contexto da epidemia de HIV com o estigma sobre homens gays, o filme frisa que o destino desses personagens não é ficar doente ou morrer. Para os jovens da comunidade, ver dois garotos se amando dentro de casa, tendo um romance e contato físico íntimo e doce, foi e é incrível.

O filme termina com o casal dançando ‘coladinho’, à luz do dia, com a mãe e Leah (Tameka Empson) se juntando ao baile. Ainda que termine nessa bela utopia gay, celebrando o amor entre dois garotos, Delicada Atração não nega a presença do preconceito; alguns figurantes encaram os dois e não participam da dança. No entanto, ainda é um jeito otimista de finalizar um longa da década de 1990, com todas as sinas de morte e vida trágica decorrente da Aids rondando o imaginário popular. É, até mesmo, um paralelo com as tantas histórias de amores queer que só podem ser vividos em lugares noturnos e velados. 

Hettie MacDonald ressalta a presença da cultura de bares e drag queens na vida LGBTQIA+. Os meninos que foram ao pub na metade do longa, vão continuar indo. O filme não promove uma visão higienizada da dinâmica de casais homoafetivos , que, hoje, impera em Hollywood; em Delicada Atração, bebidas e sexo fazem parte da vivência. Acima disso, o contato com pessoas semelhantes, que compartilham experiências e formas de amar não heteronormativas, assim como a permanência nesses espaços criado pela e para a comunidade LGBTQIA+, é importante para o amadurecimento de um indivíduo queer, até mais do que uma aceitação da sociedade hétero. 

O post A câmera de Delicada Atração como testemunha de desejo e medo apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Borges

Desde sua estreia em 2004, The L Word estabeleceu-se como um marco na representação LBGTQIA+ na Televisão. A série, que durou até o ano de 2009, conta a história de um grupo de amigas lésbicas e bissexuais que vivem na cidade de Los Angeles. O seriado tem dramas quentes, provocativos e repleto de diálogos inteligentes e personagens ricamente desenhados.

Aclamada por alguns e odiada por outros, The L Word: Generation Q (no original) nasce como uma continuação do seriado icônico. A obra, lançada quase 15 anos após a primeira, retoma sua narrativa e retorna com personagens excepcionais como Bette Porter (Jennifer Beals), Alice Pieszecki (Leisha Hailey) e Shane McCutcheon (Katherine Moennig).

Apesar de focar na vida das três melhores amigas, a produção conta também com a participação de rostos novos, que contribuem como uma cápsula do tempo no desenvolvimento da trama. Além disso, as figuras familiares já conhecidas pelo público atuam como uma ponte entre a série original e a nova geração de personagens – assim como o famoso Quadro de Pieszecki –, proporcionando certa continuidade que agrada tanto os fãs antigos quanto os novos telespectadores do seriado.

Combinando com o enredo da série de 2004, em The L Word: Geração Q, a temática não é diferente. Amores e vivências do mundo sáfico são muito bem estruturadas e expostas durante as únicas três temporadas. Dessa vez, a produção da obra, comandada pela nova showrunner Marja-Lewis Ryan, também foca em questões que abordam conteúdos atuais e muito debatidos na comunidade LGBTQIA+.

A letra ‘Q’ do título da nova série se refere à palavra queer, presente na sigla ‘LGBTQIA+’ e que reflete a fluidez sexual da atual geração. A ampliação de personagens, com diferentes identidades de gênero e orientações sexuais, espelha um certo compromisso com a inclusão e legitimidade de todos os membros da comunidade. Além de promover novas perspectivas de mundo mais de uma década depois.

Durante a primeira temporada da produção, as figuras novas são apresentadas de maneira fluida e coesa: Dani (Arianne Mandi) e Sophia (Rosanny Zayas) são um casal de lésbicas que moram com Micah (Leo Sheng); Finley (Jacqueline Toboni) é melhor amiga de Sophia e trabalha na equipe do programa de TV de Alice; além disso, temos a mais nova namorada de Pieszecki, Nat (Stephanie Allyne) que, ‘de brinde’, vem com sua ex-esposa Gigi (Sepedih Moafi). Crises, sexo e muito álcool são a resposta para o desfeixo dessa temporada, que fisga a atenção do espectador do ínicio ao fim, deixando-o com um ‘gostinho’ de quero mais.

Entre brigas e intrigas, a segunda parte de The L Word: Geração Q gira em torno de dois ‘trisais’ diferentes. De um lado, encontramos Finley, Dani e Sophia e, do outro, Alice, Nat e Gigi. Abordando as reviravoltas e as consequências que suas ações podem acarretar, a temporada é movimentada por tomadas de decisões difíceis e complicações emocionais das personagens. Após fracassar em sua campanha eleitoral, Bette, por outro lado, lida com questões familiares e românticas, tentando encontrar um novo propósito para sua vida. Já Shane, lida com os desafios de administrar um bar e conciliar seu relacionamento com Quiara (Lex Scott Davis).

Outro assunto que também é muito bem discutido na segunda temporada do seriado está na relação de Angie (Jordan Hull), filha de Bette e Tina (Laurel Holloman), ao descobrir e perceber que tem sentimentos amorosos por sua melhor amiga Jordi – interpretada pela excelente Sophie Giannamore. Essa descoberta deixa o coração ‘quentinho’ pois se trata de um romance tão puro e natural que pode fazer o público se sentir amado ao perceber que está tudo bem ser LGBTQIA+, principalmente quando você se descobre durante a adolescência.

Cancelada em sua terceira temporada, a despedida repentina da série surpreendeu parte de seus admiradores. A trama, que nos deixou com diversos assuntos ainda em aberto, teve seu último episódio lançado em 2022. Durante a fase final da produção, antigos relacionamentos chegaram ao fim e novos amores também foram surgindo. O desfecho, que se passa um ano após a chegada da segunda temporada, mantém o famoso espírito inovador e inclusivo de The L Word: Geração Q, trazendo consigo a bagagem sobre os encontros, nuances e os desafios que permeiam a comunidade queer.

Apesar dos pesares, felizmente, temos um ponto positivo acerca da temporada final da trama: o relacionamento entre Bette e Tina, que cambaleou por anos com altos e baixos, e finalmente teve seu final feliz. Nas últimas cenas da produção, vemos as duas personagens se casando e vivendo seu romance da maneira mais bonita e harmoniosa possível, assim como deveria ter sido desde o início da primeira obra da franquia. 

Compreender que a clássica The L Word pavimentou o caminho para que futuras produções sáficas fossem ser realizadas é, de longe, impossível de negar. O revival que, agora, é produzido para a geração ‘Q’, proporciona uma plataforma muito poderosa para a comunidade queer. Celebrando a diversidade e a inclusão, a trama comprova a visibilidade autêntica da população LGBTQIA+ na mídia, destacando vozes, personalidades e histórias vivenciadas por pessoas do ‘vale’. 

De maneira geral, The L Word: Geração Q mantém o DNA da série original ao conseguir mesclar drama, romance e humor equilibrado. O reboot não é apenas a continuação de um seriado que marcou gerações, mas sim um projeto que aborda diversos assuntos presentes hoje em dia no ‘mundinho’ LGBTQIA+. Ao explorar essas temáticas, a obra mantém sua relevância cultural e social deixada pela antiga franquia e dá continuidade ao seu legado.

O post Entre encontros e reencontros, The L Word: Geração Q retoma o significado do amor entre mulheres apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.