Giovanna Freisinger

“Eu tenho 76 anos e eu nunca aprendi uma lição em toda a minha vida”. Essa é uma fala de Larry David no último episódio da décima segunda temporada de Segura a Onda (Curb Your Enthusiasm, no original). Quando a série começou a passar na TV, em 2000, o cenário cultural dos Estados Unidos e do mundo era bem diferente. Desde então, os tempos mudaram, mas Larry não. A comédia concorre pela última vez ao Emmy 2024, em quatro categorias, inclusive a de Melhor Série de Comédia. Ela aparece consistentemente nas indicações da premiação desde o seu início, acumulando ao todo 55 indicações e – inexplicavelmente – apenas duas vitórias.

Após o hiatus de seis anos entre 2011 e 2017, a série voltou tão forte quanto era em suas primeiras temporadas, se provando atemporal e consolidando o criador Larry David como o melhor no que faz e, talvez, o único capaz de fazê-lo. É quase inacreditável uma obra como essa sobreviver ao teste do tempo. David conseguiu sustentar, por todos os anos que se manteve no ar, a prerrogativa de tocar em absolutamente qualquer assunto e tirar sarro de qualquer um. O humor ácido e satírico de ‘Curb’ atinge todos, não importa o quão sensível o tópico, nada está fora dos limites. Com isso, ele te obriga a enxergar o mundo com o mesmo cinismo do personagem, e a rir de tudo que é mais absurdo e terrível na existência humana. Somos ‘mesquinhos’ e cruéis, e a humanidade é hilária. 

O criador, roteirista e protagonista consegue fazer isso e sair ileso por uma razão simples: não há nenhuma classe mais ridicularizada em Curb Your Enthusiasm do que os judeus estadunidenses da elite do desconexo mundo do showbusiness, ou seja, ele mesmo. A piada central da série é o personagem do Larry David, uma versão exagerada da pessoa real por trás da sua criação. Ainda que essa abordagem satírica não tenha se perdido na cultura, executar algo assim com a mesma audácia e sucesso hoje é raro. Com o fim da série, a Televisão se despede de uma grande figura da Comédia autêntica, uma das últimas de sua geração.

A premissa da série é, se você olhar além do cinismo, essencialmente humana. No fim, somos todos iguais… E péssimos. Nós nos conectamos por nossa inerente corrupção humana e David nos obriga a encarar isso através de cada um dos personagens da série. A crueldade, egoísmo e vaidade por trás dos pequenos momentos constrangedores do cotidiano é familiar até demais. Foi com essa sacada que ele construiu a sua carreira de mais de cinco décadas. Como co-criador da sitcom de sucesso Seinfeld, colocou um espelho diante de George Constanza: o personagem mais sem noção e difícil de conviver do grupo. O autor já disse em diversas ocasiões, inclusive, em episódios de ‘Curb’, que colocou muitas de suas próprias experiências no roteiro.

Larry David se recusa a se render à performance das interações sociais. Estamos tão acostumados a performar o tempo todo em nome da boa convivência e pelo desespero de evitar momentos constrangedores e desconfortáveis, que assistir alguém fazer exatamente o oposto disso nos pega desprevenidos. Ao quebrar todos os protocolos implícitos ao bom senso geral, David nos faz questioná-los. O personagem vê o mundo através das suas regras absurdas, expondo o quão submetidos estamos a outras regras tão arbitrárias quanto. Ora, o que resta de concreto quando tudo é levado ao ápice do ridículo? 

A série é quase totalmente improvisada, com apenas um esqueleto de roteiro que leva cada episódio do início ao fim, criando uma estrutura básica para a trama da temporada. Como eles vão de um ponto a outro fica na mão dos atores e nenhum sabe o que cada um vai fazer em cena. É esse elemento que torna as interações da série tão autênticas e diferentes de tudo que vemos por aí. Mas, algo assim só funciona por conta do elenco. Todos os intérpretes que David reuniu são mestres em improvisação, treinados para construir e expandir a história sobre o que a outra pessoa te dá. Esse ano, Segura a Onda concorre ao troféu do Emmy de Melhor Direção de Elenco em Série de Comédia e Melhor Ator em Comédia para David, sua sétima indicação na categoria. Além do cast fixo, algumas das melhores cenas são interpretações de convidados. 

O enredo da última temporada coloca um laço sobre tudo que foi construído até aqui. Larry David, de repente, é tido como um herói nacional após violar uma lei eleitoral, sem saber o que estava fazendo. Ele deixa a situação se estender para além do seu controle para não perder a admiração que vem com o status de ativista. Essa mesma superficialidade o levou a lugares estranhíssimos por todas as outras temporadas. E, claro, ao final, o protagonista consegue estragar todo o prestígio que conquistou por não conseguir ‘ir na onda’.

O encerramento da série não tenta ser algo grandioso, é apenas um ponto final, uma despedida. Com flashbacks de outros episódios, da vontade de imediatamente assistir tudo de novo desde o começo. Enquanto a fórmula poderia ter se tornado cansativa e maçante com o tempo, a comédia se manteve atual, engraçada e sempre muito afiada, assumindo novos riscos e melhorando as suas piadas. Após 24 anos, esse é o fim de uma era perfeita. Larry pode não acertar uma, mas Curb Your Enthusiasm acertou todas.

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Guilherme Veiga

Pensar na revolta das máquinas é naturalmente evocar elementos da Skynet, passando pelos andróides da saga Alien, a destruição estroboscópica da Família Mitchell e chegando nas ficções de Interstellar e 2001 – Uma Odisséia no Espaço. Por mais que essas produções de certa forma tratem também da condição humana, comum de toda boa ficção científica, muitas vezes a vilania da história está voltada aos seres formados por compostos eletrônicos. Em Love, Death + Robots, a carcaça metálica e (às vezes não tão) bem polida, reflete uma humanidade vilã, que, por falta de disputa na cadeia alimentar do poder, arranja um jeito de se voltar contra si própria.

Chegando a Netflix a princípio como uma prima animada de Black Mirror, a obra entrou de mansinho e bagunçou a ordem das coisas, a começar pela sua estrutura. Fora da fórmula de 8 a 13 episódios da empresa, o primeiro volume nos entregava 18, e muito antes da Quibi fracassar, a leva de histórias oferecia algo que não passava dos 20 minutos. O formato de antologia para animação também inovou, por mais que isso já existisse, só que menos difundido. Graças a ela, produtos como Star Wars: Visions, The Boys: Diabolical, e What If… puderam sonhar com um futuro.

Porém, logo a ideia se consolidou e virou uma jóia da locadora vermelha, ultrapassando e muito – tanto em aceitação como em qualidade – o espelho preto da Tudum. Criada por Tim Miller (Deadpool) em parceria com David Fincher (Seven, Garota Exemplar) a antologia partiu da premissa de adaptar os quadrinhos da Heavy Metal ao mesmo tempo que funcionava como portfólio para vários estúdios de animação (Miller, por exemplo, tem o seu próprio, o Blur Studios). A ideia deu tão certo que a série foi renovada para a segunda temporada, que apesar de não manter a obra à altura, é satisfatória e também garantiu mais um ano. Por isso, nessa terceira leva de episódios, assim como os três robôs que deram início a essa jornada recheada de amor, mortes e robôs, foi preciso revisitar a obra para entender sua caminhada, acertos e erros.

Isso já pode ser percebido logo nos primeiros minutos do novo ano de Amor, Morte & Robôs. Os mais desavisados e que tem em mente o conceito de antologia certamente estranham ao ver os três simpáticos robôs de personalidades excêntricas, os responsáveis pelo início de tudo, novamente em tela. Comparadas a primeira temporada, as novas andanças dos robôs não deixam de ser mais do mesmo. Sua versão inicial talvez ainda seja melhor, porém isso mostra que o bom filho, depois de desviar de sua essência no segundo ano, está voltando para casa. 

O trio de robôs se prova uma ótima solução de roteiro, assinado por John Scalzi, pois mesmo com histórias desconexas, é através deles que o tom da temporada é dado. Mesmo que não se leve nem um pouco a sério (o que rende piadas ótimas, principalmente envolvendo os gatos), ver aqueles pedaços de lata extremamente sarcásticos caçoando da nossa espécie e tentando entender o que aconteceu nos coloca com essa mesma dúvida. Fica a cargo do restante dos episódios não de dar as respostas mastigadas, mas sim de soltar pequenas fagulhas que estimulem os questionamentos do espectador.

Outros que retornam para o Volume 3 são os estúdios de animação. Sem deixar de lado seu caráter experimental, a obra usa dos anos anteriores para filtrar quais estúdios melhor desempenharam seu trabalho. Para esse ano, a Blur, empresa que mais assina capítulos, como A Era do Gelo, no primeiro volume, e O Gigante Afogado, do segundo, volta para o excelente Viagem Ruim. Já os espanhóis da Pinkman.TV, depois de entregarem o frenético e ótimo A Testemunha, retornam para criar Jibaro, a maior obra-prima da antologia.

Viagem Ruim, aliás, é quando Fincher arregaça as mangas e sai da cadeira de produtor para dirigir o conto, e é aqui que fica muito claro a diferença que os anos ímpares têm para o segundo. A série provou que sabe entregar Animação de encher os olhos, logo no primeiro segundo de cada play. Agora, é em como tratar essas histórias que está a alma de LD+R, e o diretor, como um ótimo contador de narrativas, dá ao conto de Neal Asher um toque próprio para a já difundida mitologia de monstros marinhos, ao mesmo tempo que crava a ganância e ambição humana com discussão central dos episódios.

A terceira leva de capítulos configura uma temporada que prefere atenuar o amor e os robôs para focar na morte. Claro que a tecnologia ainda é muito presente, mas a série se mostra extremamente inteligente ao desmistificar a ideia pseudo-romantizada de que a derrocada humana só se dará através de inovações. Nós somos nossa principal ameaça por natureza, e a série, prolongando a batida afirmação de Einstein, frisa que não importa se tal ameaça será com bombas nucleares ou paus e pedras, enquanto existirmos, ela sempre existirá.

Essa discussão consegue passear de forma extremamente competente pela miscelânea de gêneros e formatos já característicos da obra. Desde a história com toques lovecraftianos de Sepultados na Caverna, passando pelo resultado da fusão entre Exterminador do Futuro e Stuart Little que é Os Ratos de Mason, todas as narrativas, mesmo que com seus antagonistas bem estabelecidos, sabem conduzir o texto para escancarar ao espectador como, mesmo com tais perigos, é preciso redobrar o cuidado com nós mesmos.

Por mais que a produção tenha dado um passo para trás para replicar elementos que funcionaram ou são difíceis de fugir, a originalidade ainda dita o show. O fato de manter a média de episódios do segundo ano, contando com apenas um conto a mais que o volume anterior e tendo a metade do primeiro, é possível perceber uma curadoria mais cuidadosa por parte dos criadores. Não sendo contínua, a obra tem alguns episódios abaixo que precisam se calcar única e exclusivamente no gosto pessoal de quem assiste, como Matança em Grupo e Enxame. Em um panorama geral, a régua ainda está bem alta.

Entre os pontos altos, é possível citar a jornada psicodélica e minimalista por uma das luas de Júpiter em O Mesmo Pulso da Máquina, as histórias de pescador recontadas por Fincher, em Viagem Ruim, e a curiosa e divertida aventura de 7 minutos ininterruptos de destruição de um planeta Terra, confeccionada em diorama e que entrega um apocalipse zumbi de botar muitas obras do gênero no chinelo, em Noite dos Minimortos. 

O terceiro ano de Love, Death + Robots carrega 6 Emmys Criativos conquistados nos últimos volumes, o que já a desponta como favorita em suas categorias. Na 74ª edição da premiação, uma das mais importantes da TV estadunidense, a antologia figura nas categorias de Melhor Programa Curto de Animação, pelo episódio O Fazendeiro, em que disputa com as novatas Star Wars: Visions e The Boys Presents: Diabolical, e Melhor Mixagem de Som em Série de Comédia ou Drama (Meia-Hora) e Animação, por Sepultados na Caverna e disputa com nomes como Arcane e Ted Lasso. Além de já ter presenteado a categoria de Realização Individual Excepcional em Animação para o diretor Alberto Mielgo, a mente por trás do já vencedor do Emmy, A Testemunha, após ele ser responsável pela maior obra-prima da antologia, O Fazendeiro.

A complexidade e perfeição de Jibaro

Se Love, Death + Robots se destaca quando sabe contar uma história, o último episódio do terceiro ano, Jibaro, que garantiu uma das passagens da série para o Emmy, é uma verdadeira aula no assunto. Antes mesmo do capítulo em questão, Mielgo já provara sua competência ao integrar o departamento de animação de Homem-Aranha no Aranhaverso e, recentemente, pelo Oscar de Melhor Curta de Animação por The Windshield Wiper. A tradução do curioso termo que dá nome ao episódio varia dependendo da localidade, indo desde “selvagem”, em Cuba, até “fazendeiro”, em Porto Rico. A última opção é a mais aceitável, pois a ambientação indica uma floresta porto-riquenha e até mesmo a adaptação do título para o Brasil ficou como Fazendeiro.

Usando de um plot simples, porém extremamente inventivo, o curta, bebendo principalmente do mito grego de Ulisses e as sereias, conta a história de um colonizador espanhol surdo, que, após o encontro com uma criatura mitológica que enlouquece quem escuta seu canto, desperta a paixão dela, justamente por não ser afetado. Ao adaptar esse conceito, a produção consegue exaltar seu maior trunfo: as entrelinhas de seu subtexto.

Sem nenhuma palavra, o segmento, assim como as sereias, hipnotiza através de sua beleza e traz para a trama discussões que vão desde o genocídio de povos originários pelos espanhóis, na época de colonização, até relacionamentos tóxicos. O próprio idealizador diz que a obra se trata de uma relação entre dois predadores. Mais uma vez, assim como na maioria dos outros episódios, a mensagem está em torno da ambição e ganância humana. Aqui, porém, a série consegue subvertê-la em uma história poeticamente melancólica e, ao mesmo tempo, maravilhosa.

O design artístico de Jibaro precisou de 117 pessoas para suprir a complexidade que as técnicas de animação exigiam. Por conta disso, Mielgo exala um domínio no que está fazendo e dirige o segmento se aproveitando de elementos, como uma câmera mais subjetiva, montagem frenética e mesclada com uma música acelerada. Driblando os empecilhos que o método escolhido pode trazer, a produção consegue montar um gigantesco espetáculo sensorial e entregar o melhor episódio de toda a série.

Após uma ótima estreia e um segundo ano que não supriu expectativas, o terceiro volume da coletânea soube analisar sua própria jornada para, mesmo não abandonando sua originalidade e caráter experimental, entender quais são suas fundações. Em função disso, aqui, Love, Death + Robots entrega seu ano mais maduro e regular. Longe disso ser no sentido pejorativo, pois, em uma obra tão grandiosa em qualidade, buscar a estabilidade e fugir dos altos e baixos é uma ótima estratégia. E nesse melhor de três, todos ganhamos.

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Ana Júlia Trevisan

Personagens absolutamente opostos, com realidades diferentes que têm seus cotidianos se entrelaçando por conta da premissa da série. Essa breve descrição poderia ser de Two and a Half Men, The Big Bang Theory ou qualquer outra produção com dedo do Chuck Lorre envolvido. Mais especificamente, B Positive é o trabalho da vez do dono de metade das sitcoms dos Estados Unidos. Indicada a duas categorias do Emmy, infelizmente, nenhuma delas é para Annaleigh Ashford como Melhor Atriz, mas felizmente, o asqueroso Thomas Middleditch foi ignorado.

B Positive se inicia nos apresentando Drew (Thomas Middleditch): um terapeuta recém divorciado, pai de adolescente, que descobre ter insuficiência renal e por conta disso precisará de um transplante. Como se tudo não fosse problema suficiente para o protagonista, ele não conta com um doador viável que possa o ajudar, e não pretende envolver a ex-esposa no problema.

A salvação de Drew está no último lugar onde ele poderia imaginar encontrar a luz no fim do túnel. É sozinho em um casamento, que ele encontra Gina (Annaleigh Ashford), uma colega de Ensino Médio que era uma verdadeira bagunça na época de escola, e agora, sem muitas mudanças, usa de seu alter ego Becca para exagerar no álcool e nos comprimidos. Desde suas primeiras cenas, Gina mostra que será o pilar cômico, que sustenta a comédia da sitcom com mais suavidade, para além da acidez de piadas mórbidas.

É no desejo de ser a mudança na vida de alguém que Gina – já sem o efeito das drogas – mantém sua palavra de ser a doadora do novo rim de Drew. O maior empecilho? Dar adeus a Becca e se manter sóbria durante três meses. Essa necessidade combinada com as dívidas que Gina tem com um agiota, engatilham a trama que a série irá percorrer: Drew e sua doadora de personalidade oposta dividindo o mesmo teto.

Problemas renais, divorcio e agiotagem. É essa trinca de toda boa família que rege os 18 episódios da temporada. A primeira vista, o número pode parecer absurdo nessa época de streaming, mas os modos Chuck Lorre de produção fazem B Positive funcionar em capítulos que parecem mais um apêndice da própria história, entretanto não perdem comicidade, trazendo um respiro no enredo que necessita de delicadeza para retratar cenas que andam de mãos dadas com a iminência da morte.

Graças a essas tramas paralelas, B Positive ganha fôlego para prender a audiência.  Por conta da condição de saúde, Drew é submetido à diálise, introduzindo mais quatro personagens na história. É o grupo de tratamento que sustenta a sitcom enquanto o transplante não pode ser feito. Trazer o enfermeiro e mais três pacientes para a companhia é um maior acerto da série. A aproximação com as personagens acontece naturalmente, sem forçar a presença em todas as cenas.

Um ex-jogador de futebol americano, uma mulher de negócios marcada pelo sarcasmo, um dentista solidário e um enfermeiro gay. Personagens caricatos, cumprindo o estereótipos da comédia e sem complexidade se encaixam no formato dos 20 minutos de episódio. É na sala de diálise – e por momentos, fora dela – que o roteiro ganha brechas para explorar a excentricidade do protagonista, fazendo contraponto com o universo extrovertido de seus companheiros.

Além deles, tem a volúvel presença da ex-esposa de Drew, sua filha e os idosos que Gina carrega numa van para fazer exames. O plot de Julia (Sara Rue) rende aos poucos, deixando as câmeras mais voltadas à filha do casal que está no período de transição para a adolescência. Já os idosos são praticamente conselheiros de Gina, tendo uma presença ativa que quebra a monotonicidade de cenários. O ponto forte é que todos têm seu espaço dentro da série, delimitando o ambiente de cada e deixando as piadas mais funcionais com as personagens encaixadas na medida certa de seus espaços. 

As pontas soltas são justificadas por algo que B Positive nos faz esquecer: a pandemia. Com cortes no elenco – principalmente o mais velho – e suspensão das gravações, B Positive seguiu o roteiro de Marco Pennette, driblando as próprias limitações. Numa temporada onde os lançamentos foram adiados e a leva de séries não foi a mais produtiva, a sitcom fugiu das reuniões via Zoom e das máscaras, permitindo que a comédia seguisse seu caminho sem martelar as calamidades diárias do mundo real.

B Positive chegou ao Emmy 2021 por seu próprio mérito, mas sem fazer muito barulho. A obra recebeu a nomeação no nome de James Burrows em Melhor Direção em Série de Comédia por seu Piloto, que apesar de ser genérico e não estabelecer o rumo exato que a produção iria seguir, não se perde dentro do contexto proposto, direcionando os atores a darem o máximo de personalidade para seus papéis. O episódio High Risk Factor garantiu a indicação em Melhor Mixagem de Som em Série de Comédia ou Drama (Meia-Hora) e Animação, mas seu forte mesmo foi em moldar a figura centrista de Drew, que mesmo bem delimitado, não teve fôlego para chegar nas categorias de atuação.

Essa não é a única série de Chuck Lorre a ser listada no Oscar da TV em 2021. As respectivas últimas temporadas de O Método Kominsky e Mom somam mais sete indicações para produções do vencedor do Hall of Fame (2012). O nome de Chuck vem marcando presença na Academia desde o segundo ano de Two and a Half Men em 2004, mas apesar de ser um dos diretores estadunidenses mais bem sucedidos, a estatueta do Emmy ainda não integra sua prateleira, e provavelmente não vem aí esse ano.

Spoilers à parte, não há como se manter lúcido durante a imprevisível espera de três meses que custa sua vida. O terapeuta segue o caminho oposto da calmaria que transmite a seus pacientes, sendo pessimista e superprotetor com Gina. A doadora, ao contrário de Drew que não entrega mais do que o esperado, tem a melhor evolução da série. Ao longo dos episódios acompanhamos Gina amadurecer, parando de pertencer ao meio da bebedeira que trouxe a benevolência. Em momento algum ela perde sua aura carismática e encantadora, pelo contrário, a sobriedade sem apagar seu histórico faz bom tom para a construção de um diferencial dentro de B Positive.

Sem um final dramático e renovada para sua segunda temporada, B Positive é uma agradável surpresa pela sua premissa que não parecia ter futuro. Seus episódios não dão motivos para continuar com a maratona, mas claramente também não dão nenhum motivo para abandonar a série. Sua única mediocridade é o protagonista, Thomas Middleditch, acusado de má conduta sexual por pelo menos uma dezena de mulheres. A série que finalizou sua primeira temporada com um perfeito gancho para matar o personagem, ditará seu caráter com as escolhas tomadas para seu futuro.

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Victória Rangel

Cobra Kai está de volta como um presente de ano novo para seus fãs! Lançada pela Netflix em janeiro de 2021, a terceira temporada da série baseada no filme Karatê Kid (1984) traz de volta importantes personagens do passado. E, se você, como eu, não se lembrou de alguns detalhes da série, não se preocupe! A gente tem um texto especial aqui no site e a Netflix também oferece um breve resumo da segunda temporada antes da próxima começar.

Tudo começa de onde parou: Miguel (Xolo Marieña) está no hospital, Johnny Lawrence (William Zabka) bebendo, desolado e à procura de encrenca (exatamente como no começo da primeira temporada). O esquema original da série permanece igual. Flashbacks com cenas originais das sequência Karatê Kid, referências divertidas sobre outros filmes e programas de TV e a finalização dos episódios com mensagens motivacionais, a fórmula de Cobra Kai é a mesma.

O que vem de novo é a história de sensei Kreese. Com cenas de sua experiência lutando pelos EUA na Guerra do Vietnã, tudo indica que existe um elemento motivador que transformou John Kreese (Martin Kove), um jovem soldado, no sensei vilão que ele é hoje. É nesse momento, também, que entendemos a razão de seu dojô se chamar Cobra Kai. Vale pontuar, ainda, que a guerra é representada pelo ponto de vista norte-americano, o que nos fornece a imagem parcial de vietnamitas como inimigos inescrupulosos.

Outro passado que ressaltamos é o de senhor Miyagi. Daniel (Ralph Macchio), para lidar com um grande problema de sua empresa (a concessionária LaRusso), vai ao Japão. Em Okinawa, terra natal de seu sensei, reencontra figuras importantes que conheceu quando visitou a ilha pela primeira vez, em 1985. Dentre elas, estão Kumiko, uma bailarina por quem se Daniel se apaixonou quando jovem, e Chozen, um inimigo carateca com quem lutou nos anos 80. Agora, LaRusso aprende com eles duas lições que serão imprescindíveis para entender a linha narrativa dessa temporada de Cobra Kai: que a defesa tem muitas formas, e que se espalhar o bem pelo mundo, “ele voltará para você”.

Johnny Lawrence, por sua vez, continua em sua busca para tentar se reerguer na vida. É importante lembrar que, nas primeiras temporadas, o sensei representou uma importante figura paterna para seu aluno Miguel e, agora, tenta ajudar a custear uma cirurgia necessária ao adolescente. Para isso, participa de entrevistas de empregos (daquelas famosas que começam bem e dão comicamente errado no final) e até recorre à família de seu padrasto, a quem detesta. Nessa empreitada, acaba deixando seu filho biológico, Robby (Tanner Buchanan), de lado, e o menino segue desaparecido desde o acidente na escola.

Johnny é uma personagem engraçada e cheia de falhas que ajuda a dar certo dinamismo à série. Na terceira temporada, o sensei é introduzido ao mundo do flerte online – todos nos lembramos bem das dificuldades de Johnny com computadores e a internet. E ele permanece o mesmo, chegando a colocar uma pergunta típica de muitas avós internautas da nossa geração: “Quanto tempo demora para uma mensagem chegar no Facebook?”.

Lembram daquela jovem loira que ficava com Johnny e acabou namorando Daniel no fim do primeiro filme, em 1984? Ali (Elizabeth Shue), uma das motivações para a inimizade entre Lawrence e LaRusso, também reaparece. Sua presença, agora como uma mulher independente e recém-divorciada, nos faz imaginar como seria a vida de Johnny a seu lado, caso os dois ficassem juntos afinal.

Robby continua fugindo após ter sido responsável por empurrar Miguel na icônica luta que finalizou a segunda temporada – aquela iniciada por Tory, a namorada de Miguel e aluna de sensei Kreese, que via em Sam uma inimiga dos dojôs e da vida amorosa. Cabe aqui comentar que a personagem de Tory, interpretada por Peyton Roi List, é quase que afetada demais. Veja bem, a gente sabe que ela é uma das vilãs da produção, mas talvez isso poderia ser colocado em uma atuação mais sutil.

Falando em atuações, a de Jacob Bertrand, que interpreta Hawk, por outro lado, é de tirar o chapéu. O aluno do Cobra Kai vai se tornando um vilão inveterado, que até lidera um grupo de bullies que usam o caratê para intimidar seus alvos – e é curioso lembrar de quem era o jovem era no começo da produção, antes de assumir seu cabelo moicano e mudar de apelido.

Essa temporada de Cobra Kai tem de tudo, até perseguição de carro! Tem também muitas cenas de luta e cortes de cena bem precisos. Um exemplo desse último se dá quando Kreese insinua amputar o dedo de um oponente na guerra e, na sequência, Miguel aparece cortando uma salsicha, provocando certa inquietação em quem está do outro lado da tela. Outro detalhe que merece atenção é a clássica trilha sonora dos anos 80, que continua seguindo a linha da primeira e da segunda temporadas. Mötley Crüe, W.A.S.P. e The Moody Blues compõem a sonoplastia, junto a outros diversos artistas de rock, heavy metal e pop.

Um dos pontos que garantem o humor da série são suas referências a outros elementos do audiovisual norte-americano. Por conta da luta que colocou Miguel em coma, a escola organiza um conselho para sugerir a proibição da prática do caratê na cidade. É nessa hora que Daniel, um dos muitos pais presentes na reunião, se opõe e rebate a ideia, sugerindo que aquela situação se assemelhava a um Footloose do caratê. Outra menção divertida se dá quando os rivais reencontram sua namorada da juventude, e Johnny e Daniel são comparados a Friends e Seinfeld, duas sitcoms sobre um grupo de amigos de Nova York.

A ideia de gerações mais jovens ensinando às mais velhas que existe preconceito em palavras usadas corriqueiramente também continua presente. Como quando Lawrence chama um grupo de asiáticos de “os chinas” e é corrigido por um de seus alunos, que o ensina sobre o teor inapropriado do termo. Na hora de fazer bullying (uma prática recorrente em todos os episódios), contudo, muitas personagens ainda recorrem a velhas e inconvenientes piadas machistas.

Talvez porque a empolgação inicial já não é a mesma, ou porque é tanto alto e baixo ao longo da história, fica um pouco difícil de maratonar essa temporada. Afinal, agora surgem 3 dojôs rivais e as personagens são muitas. Em certos momentos, a gente até pensa “ué, cadê tal pessoa?”, e ela provavelmente voltará somente no próximo ou daqui a dois ou três episódios.

Mas não desanime, viu? Independente de qualquer crítica, os 10 episódios valem a pena só pelo final da temporada! Reviravoltas emocionantes de arrepiar nos fazem querer sair lutando caratê pela sala, e nós aprendemos que o inimigo do nosso inimigo é, na verdade, nosso amigo. Cobra Kai deixa a promessa de continuar e trazer, consigo, um possível grande torneio de karatê.

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