Gustavo Capellari

Em 2020, a cantora Jessie Ware, já consolidada na época no mercado fonográfico britânico com três álbuns lançados, entrava em uma empreitada importante para sua carreira: o lançamento do seu quarto disco, intitulado What’s Your Pleasure?, que trouxe uma sonoridade diferente da que a artista vinha explorando anteriormente. Naquele ano, Ware explorava a pergunta “qual é o seu prazer?”. Já em 2023, That! Feels! Good! é lançado e faz uma afirmação na qual o prazer é celebrado. Esse pequeno detalhe, embora pareça pouco importante, nos ajuda a entender as transformações nos estilos explorados pela cantora.

O que os dois álbuns mais têm em comum talvez seja a presença da Música disco, juntamente com as letras e melodias cativantes que compõem a trajetória da diva. Investindo em ritmos dançantes e com um apelo comercial maior do que seus primogênitos – Devotion (2012) e Tough Love (2014) –, ela passa a ganhar cada vez mais espaço nos charts e admiração da crítica.

A Música tem a capacidade de nos transportar para lugares de conforto, sejam eles utópicos ou não. Jessie Ware se coloca na posição de alguém que precisava de um escape da realidade e a criação de seus dois últimos álbuns a prestou esse papel, especialmente considerando que o mais recente foi gravado e produzido inteiramente durante a pandemia da covid-19.

Isso também não quer dizer que ela já não tivesse conquistado posições de destaque anteriormente. A artista foi nomeada múltiplas vezes em diversas premiações, dentre elas o Brit Awards, o MOBO Awards (voltado para a Música originária das comunidades negras) e o Mercury Prize, tendo sido indicada para Álbum do Ano pelo seu debut em 2012 e pelo seu lançamento de 2023.

Talvez um dos diferenciais mais marcantes de Ware seja a sua capacidade de performar e compor música pop de forma eclética e elegante, trazendo múltiplas influências e utilizando-as de uma maneira que faça sentido para um projeto específico. Enquanto seus primeiros três álbuns têm uma sonoridade mais voltada para o R&B e o soul, What’s Your Pleasure? e That! Feels! Good! abraçam o estilo disco.

Embora mais voltado para os clubes de dança (antigamente chamados de discotecas), o disco tem uma origem comum aos gêneros anteriores: as comunidades afro-americanas. O desenvolvimento dessa subcultura na década de 1970 provocou diversas transformações na sociedade e na cultura, e foi essencial para a construção das bases da Música eletrônica como a conhecemos hoje, inclusive o nu-disco.

Para além da Música em si, as comunidades que frequentavam as discotecas nos Estados Unidos também incluíam, além da comunidade negra, pessoas de outros grupos subalternos da sociedade norte-americana, como latinos e LGBTs. Jessie Ware e James Ford, seu produtor de longa data, evidentemente conhecem e prestam homenagem à influência histórica do disco.

Ware também explora outros gêneros, como o diva house, o soul e o funk estadunidense. A produção afiada de Ford e de Stuart Price serve como uma luva para os vocais e arranjos das faixas, que marcam a transição de um disco um pouco mais melancólico do lançamento predecessor para uma atmosfera mais enérgica e animadora. Talvez, Remember Where You Are, que finaliza o What’s Your Pleasure, delimite o início dessa transição, pois, na época, a artista ficou em dúvida se a música deveria estar mesmo no álbum por ser mais exultante do que a maioria das outras.

A música negra é uma das grandes fontes de influências artísticas de Jessie Ware, que cita sua admiração a figuras como Donna Summer, Minnie Riperton e Evelyn “Champagne” King. Ela também já colaborou com outras mulheres que constroem o que poderíamos chamar de pop sofisticado contemporâneo, notadamente Kylie Minogue e Róisín Murphy. Porém, diferentemente de Ware, elas já construíam suas carreiras musicais há mais tempo, em especial Minogue, que começou em 1988. Ambas emprestam seus vocais na faixa-título, que dá início ao álbum.

Nessa faixa, um lema é repetido algumas vezes: “o prazer é um direito”. Trata-se de uma mensagem que se encaixa perfeitamente no conceito hedonista do disco, que celebra o prazer de viver, estar e ser quem se é. O amor e a sexualidade também aparecem como temas recorrentes. Além disso, ao tratar o prazer como direito de todos, Jessie Ware reitera sua consciência social perante as diversidades e opressões perpetradas contra mulheres, negros, imigrantes e pessoas queer.

A segunda canção, Free Yourself, fala sobre liberdade, empoderamento e volúpia. Ela sente que os seus dois últimos discos, mais do que reinvenções drásticas de sua Arte, seriam em grande parte retornos a questões passadas, e também caminhos para ela se libertar de pressões aprisionadoras masculinas e firmar sua independência artística.

That! Feels! Good! não se limita apenas a composições energéticas ou bombásticas. As faixas Hello Love, Begin Again e Lightning são mais plácidas do que o restante, o que promove um equilíbrio interessante que não torna o conjunto da obra cansativo e nem entediante demais. Seja para quem quer uma Música mais animada, ou para quem prefere uma sonoridade mais calma e atmosférica, há o que se aproveitar em um dos álbuns mais aclamados de 2023.

A ecleticidade, aqui, não é um problema, pois não há uma salada de estilos que não conversam entre si. É, pelo contrário, um projeto com uma segmentação coerente e que já apresenta, logo de início, o tipo de conteúdo que será passado ao ouvinte. A própria identidade visual do projeto também exala opulência e autodeterminação, combinadas a uma estética vibrante e, por vezes, kitsch, característica das décadas de 1970 e 1980.

Embora Ware enxergue seus últimos esforços artísticos mais como retornos a influências anteriores do que uma ‘reinvenção da roda’, é inegável que o seu trabalho apresenta originalidade, carisma e expressão própria que não soa como uma mera repetição de fórmulas prontas do pop. Em meio às suas próprias extravagâncias, That! Feels! Good! soa bem, como o título revela, também pela sua produção sóbria e letras que, embora sem uma grande complexidade, cumprem excelentemente seus objetivos.

“Pensem nesse disco e em What’s Your Pleasure? como o Bert e Ernie do revivalismo moderno do Studio 54, ou um par de hits de dopamina queer-codificados que realmente não podem ser imaginados existindo separadamente.” – Jessie Ware em entrevista para o jornal Independent

Afinal, seja para ouvir em uma festa, em uma reunião de amigos ou sozinho em casa com um bom par de fones de ouvido, Jessie Ware é capaz de encantar uma gama variada de públicos. Ela pode externalizar melodias doces ou sentimentos melancólicos; cantar como um golfinho ou como uma diva pop oitentista. Para o ícone da música alternativa – e, porque não, da música pop no geral –, podemos dizer: “estamos nos sentindo bem”.

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Vitor Evangelista

No ano em que a franquia Drag Race não tira nem uma mísera semana de folga, o número exorbitante de temporadas pode enfraquecer a marca, ou simplesmente levá-la à exaustão do público. Entre as corridas “mais importantes” (a americana e o All Stars), estreou Drag Race España, a primeira leva de capítulos em espanhol de DR. No fim das contas, o que a season teve de baixo orçamento, ela compensou no fator divertimento.

Era uma patifaria atrás da outra, cada perrengue causava mais riso que o anterior e na contramão de coroar uma vencedora paspalhona, España deu o título de Super Estrela Drag Espanhola para a contundente Carmen Farala, uma das drag queens mais completas a se montar no Ateliê (e que, sem dúvidas, colocaria uma porrada de competidora estadunidense para comer poeira).

Como virou costume das temporadas internacionais, 10 rainhas entraram na competição rosa-choque e azul-bebê na Espanha, prontas para ganhar, além do título, da Coroa e do Cetro, um cheque de 30 mil euros. Explorando sem dificuldades o carisma das drags, a produção desse spin-off não esbanjou nem de longe o orçamento avantajado que suas irmãs europeias, como o UK e o Holland o fizeram no passado. A saída foi abraçar o precário e não se estressar muito com isso.

Supremme de Luxe, uma drag conceituada no país, assumiu o posto de apresentadora, mas sua falta de preparo transpareceu nas muitas vezes que olhava para a câmera, aguardando direções dos produtores nos bastidores. A Mother desta edição conduziu sua Corrida das Loucas da melhor maneira que pôde, brincando e se emocionando pelo caminho. Entre os momentos marcantes de Supremme, vale a menção do embate com Inti no Ateliê e o chororô no episódio final, quando as competidoras agradeceram seu tato e cuidado sensível.

Além disso, a tradução das milhares de frases de efeito do programa de RuPaul tornaram a experiência de acompanhar Drag Race España um verdadeiro deleite. Era hora de desligar o cérebro e gargalhar com o “don’t fuck it up” transformado em “no la cagueis”, e com o afeto final de RuPaul sobre amor próprio se transmutar em um breve poema, gritado com emoção pelas queens restantes no episódio. Entre safras de temporadas mais potentes, como a de Symone e o All Stars 6, os nove episódios do España limparam o paladar de quem acompanha Drag Race desde o primeiro dia do ano.

A zona começou com a chegada das drags e a eliminação de The Macarena, uma das quatro participantes que se identificam com o não-binarismo. A queen era carismática, mas não impressionou o suficiente, perdendo a Dublagem para Dovima Nurmi, uma chata de galocha, que, infelizmente, durou muito. Drag Vulcano, natural das Ilhas Canárias, foi a segunda a dar adeus. No fim, nos lembraremos dela por seu salto plataforma, que transformava sua silhueta em um andaime de peruca. Além de mostrar a vibe local, os capítulos iniciais revelaram ao mundo que a Espanha preza muito mais por uma drag de ilusão feminina do que por uma assinatura artística.

Por essa razão, fica fácil entender o motivo da saída prematura de Inti, drag boliviana e residente da Bélgica, não-binária e super avançada em seus conceitos. Fosse essa qualquer outra temporada de Drag Race, Inti seria finalista e provavelmente coroada, mas as incessantes críticas injustas dos jurados (em especial da rata Ana Locking) fizeram-na desistir logo no episódio 3. Adendo a isso, a represália que a latina recebeu pelo visual de sua terra natal retorna a franquia à questão de racismo e do preconceito à qualquer manifestação fora do padrão europeu.

Além do didatismo pragmático na hora de julgar a arte drag, a precariedade da produção do show ficava clara de diversas maneiras. Supremme vira e mexe ajudava as competidoras em trabalhos técnicos, a trilha musical oscilava na edição e elementos novos eram inseridos ao longo da temporada (como gags sonoros), sem qualquer padronização na hora da montagem. Ademais, as Dublagens se estendiam pela canção completa, dando uma canseira do diabo nas queens e no espectador, obrigado a assistir mais de 1 hora semanal de episódio. 

A brilhante Arantxa Castilla-La Mancha foi a quarta eliminada, deixando o Ateliê mais triste e menos barulhento. A autodenominada Hannah Montana espanhola patinou na competição, mas seu carisma valeu mais que qualquer vitória nos desafios. O look usado na Final, em referência a Pânico, apenas reafirmou a mente avançada de Arantxa, umas das pérolas de Drag Race em 2021. Depois dela, o roubo do século mandou Hugáceo Crujiente embora.

Hugáceo, a drag queen com assinatura mais valorosa e destemida do ano, construiu uma narrativa de cansaço ao redor de sua jornada na Corrida. Depois de vencer o primeiro desafio (e esquecer desse fato, em uma cena digna da NBC), a artista foi tropeçando nas injustas avaliações dos jurados, pouco interessados em louvar um estilo drag que se localizava muito mais no campo da Arte abstrata do que na seção de lingerie da C&A. Hugáceo saiu exausta, mas sabendo que sua impressão, a là Sasha Velour, ficará por um bom tempo na cabeça de quem torrou o saco assistindo Sagittaria aparecer igual toda semana na passarela sem ouvir um ‘a’ à respeito.

Outro elemento que encheu o pacová do espectador foi a aspereza de Dovima Nurmi. Nada engraçada ou carismática, ela se recusava a sorrir e entrar na bobeira que foi o España. Seus visuais sustentavam um senso estético interessante, mas com uma personalidade daquela, era mais interessante colocar vestido em um manequim e assisti-lo desfilar. Dovima marcou a competição ao Dublar sozinha após a desistência de Inti, e, mais tarde, se recusar a Dublar contra sua amiga e ex-colega de casa, Sagittaria, em uma trama sem conclusão que os produtores aparentemente esqueceram de narrativizar. 

A última eliminada antes da final foi uma das maiores estrelas que a franquia Drag Race, começada lá em 2009, já apreciou: Pupi Poisson. Carismática, doida da cabeça, incapaz de segurar o riso e uma mocatriz completa. Pupi navegou semanas sendo elogiada e elevada, mas teimou em conseguir sua primeira e merecidíssima vitória. Infelizmente, a partir daí, a espanhola passou a desapontar com vestidos mal acabados, um rombo criativo em sua personalidade estática e apaixonante.

Pupi Poisson representou uma drag distinta da que o público domesticado com as acrobacias e as cinturas milimétricas dos EUA está acostumado. Palhaça de tudo, Pupi era o equivalente a um “tio de perucas”, primorosa em entreter, nem que para isso fizesse papel de tonta. Na verdade, ela adorava desempenhá-lo, fosse derrubando uma escova de cabelo diante de um momento tenso pré-Snatch Game, fosse afinando a voz no Jogo das Imitações ou pisando em uvas ao lado de Carmen no Mini-Desafio mais legal da história do programa.

Sua despedida, na semifinal, foi a mais dolorosa da temporada. Dublando contra Sagittaria e Killer Queen, o histórico positivo pouco importou, mandando Pupi embora, tristonha mas realizada. Sua narrativa só findou, entretanto, no reencontro das queens, quando recebeu o título e a faixa de Miss Simpatia. Afinal de contas, Pupi não poderia sair de Drag Race España sem algo único para chamar de seu.

Quem chegou à Final, ao lado de Carmen, foram duas drag queens competentes e estilosas. Killer Queen começou a temporada tímida e só brilhou para valer no Snatch Game, imitando uma política local que a levou ao pódio da semana e sacramentou sua vaga na finaleira. Em Drag Race España, o Jogo de Imitações, de maneira surpreendente, não foi um completo desastre.

Performances bem incorporadas e visuais certeiros fizeram do desafio um destaque morno da temporada. O grande problema para esse apagamento do Snatch foi justamente a distribuição logística da season, que, pela primeira vez na franquia, abriu um capítulo com o Desafio de Leitura, prosseguiu com o Jogo dos Pontinhos e finalizou com um Ball, mas sem o fator de construção das vestimentas. 

Sem narrativa, trama de superação ou qualquer êxito que a catapultasse para o olho do furação, Sagittaria passou semanas repetindo peruca loira e olhão preto, desinteressada em diversificar. Além disso, o fato de Carmen levantar a questão da falta de vulnerabilidade da colega, às vésperas do Desafio Final, acabou com qualquer hipotética chance de triunfar naquele cômodo lotado de 2 personalidades maiores e 2 tramas mais apetitosas do que a garota espanhola que se inspirou em Aquaria e parecia emular cada respirada da vencedora estadunidense.

Em uma temporada aparentemente aberta, Carmen Farala engrenou em uma subida invejável, acumulando 3 vitórias, além de ter exibido dotes na comédia, na atuação e na costura (quando deixou a convidada Envy Peru de queixo no chão). Sinto que, para sempre, serei acompanhado pela figura de Farala meio-zumbi comendo banana com cara de nojo (e digo isso de maneira positiva). Ela também se deliciou nas passarelas temáticas, com destaque para a homenagem à Veneno, a Noite de 1000 Rosalías e o Makeover de Sherlock Holmes. A parte mais engraçada dessa avalanche de talento? Carmen Farala revelou que nunca assistiu à Drag Race antes de ser escalada para o elenco do España.

Entre Desafios mal bolados, julgamentos idiotas (a imparcial e nada profissional Ana Locking merecia a represália sofrida por Jeffrey Bowyer-Chapman, e até pior), um elenco que babava carisma e uma vencedora inigualável, Drag Race España apresentou o mundo para uma fração da arte europeia ainda não explorada na franquia de RuPaul, além de nos matar de rir toda semana, no melhor estilo programa da Rede TV!. Obrigado Pupi, Hugáceo e Inti, obrigado Carmen, obrigado a todos.

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Vitor Evangelista

Os meios podem até justificar os fins, mas a primeira temporada de RuPaul’s Drag Race Down Under demorou a sedimentar sua narrativa. O spin-off do show americano foi filmado na Nova Zelândia durante a pandemia, colocando australianas e kiwis na Corrida pelo título de Super Estrela Drag e por trinta mil dólares. O custo foram oito enfadonhos e alongados capítulos, um elenco nada cativante e uma porção de polêmicas racistas, tanto dentro do Ateliê quanto fora dele.

Começando pela chamada das queens, pela primeira vez não submetendo suas próprias fitas de inscrição, e sendo escaladas à dedo. O resultado demonstrou a falta de preocupação da produção, que colocou na competição apenas 2 artistas não-brancas, nenhuma maori e outras 2 com histórico de racismo e blackface na carreira. Jojo Zaho, drag de ascendência aborígene, foi a primeira eliminada, depois de ouvir críticas ao senso estético da passarela inaugural, representada por sua origem e terra natal.

A merda fedeu mais quando Art Simone, franca favorita ao título, levou a bota no pior Snatch Game da história, mas foi trazida de volta dois capítulos depois, sem mais nem menos. O histórico de RuPaul com queens que retornam não é bom, mas o status de Art com a produtora World of Wonder pareceu pesar na decisão, visto que ela já era contratada da casa e se manteve até a Final. 

A outra drag não-branca era Coco Jumbo, também parte da leva inicial de eliminadas mas, diferente de Art Simone, Jumbo e Zaho não foram nem consideradas para receber o ato de redenção e a chance de competir mais um pouco em Down Under. Quando outras favoritas estrangeiras foram mal, como Asttina Mandela no Reino Unido e Tynomi Banks no Canadá, não houveram botes salva-vidas, segundas chances, ou algo do tipo. É de suma importância relembrar que tanto Mandela quanto Banks são negras, ao contrário de Art Simone, mas que, no fim das contas, não teve culpa nenhuma da supérflua decisão de RuPaul.

De fato, as deliberações de Mama Ru na Oceania foram para lá de questionáveis. Scarlet Adams acumulou 3 vitórias, mas foi chamada atenção na passarela do quinto episódio, a respeito dos casos de black e brownface, em shows onde a drag pintou o rosto para satirizar outras raças e lucrar em cima disso. A dona do império foi enfática no discurso de condenação aos atos de Adams, mas pareceu insegura do que fazer a respeito do assunto, reiterando que não era seu o papel de ‘cancelar’ alguém.

Os sinais mistos se mantiveram ao longo dos outros episódios. O pior Snatch Game da história viu em Anita Wig’lit sua vencedora inquestionável, em uma imitação caricata mas eficaz e segura da Rainha Elizabeth II. Pela primeira vez em mais de dez anos, RuPaul enfatizou a vantagem de Anita sob suas competidoras (“você é, sem dúvidas, a vencedora dessa semana”) para, dois episódios depois, mandá-la embora em uma Batalha contra Karen From Finance (outra queen envolvida em casos de racismo, mas ignorados pelo programa). Onde é que faz o mínimo sentido a “hands down, winner” do Snatch sequer chegar ao top 5 da temporada?

Karen permaneceu na competição depois de vencer a estreia e navegar em mares seguros, sem apresentar visuais interessantes ou uma performance digna das 4 melhores do ano. Além disso, Karen se escondeu e não abriu a boca ao ver o racismo de Scarlet ser cobrado, provando sua covardia suprema. A Final de RuPaul’s Drag Race Down Under não é a pior do programa apenas por reunir duas artistas desinteressantes e indignas de tal posição, mas principalmente por ter racistas na briga pela Coroa. Se Adams seria cobrada por seu passado, por que então dar a ela 3 vitórias em uma temporada com apenas 7 desafios? Se Karen performou tão aquém do esperado para o histórico recente da série, por que então mantê-la em uma Dublagem quádrupla pelo prêmio?

A resposta, assim como sua justificativa, é simples: RuPaul não tinha saída. A escalação ciente do racismo de Adams e Karen eliminou-as da real disputa, mas impossibilitar a drag com o melhor histórico de Dublar seria um vexame e um chute no saco do próprio reality, que preza pela excelência semanal das competidoras. Deixar de fora a menina da firma, Art Simone, mesmo após seu calculado retorno, ofuscado pela ausência de uma mísera vitória, também não seria a saída mais acertada. Coube a Kita Mean não poupar o humor na hora de interpretar a Physical original, caminhando sem percalços até o título máximo de Drag Race na Oceania.

Kita Mean se junta ao ótimo escalão de winners estrangeiras (The Vivienne e Envy Peru), e também se coloca ao lado das formidáveis queens que triunfaram em 2021 (Lawrence Chaney e Symone). A melhor amiga de Anita Wig’lit vingou o legado neozelandês das competidoras, colocando no bolso uma porção de australianas convencidas, e o fez com humor, visuais camp renovados e muita honestidade nos confessionários. Seus desabafos sobre a perda de peso e a relação com o pai rechearam Down Under com drama e amor, lágrimas e suficiente material para que o público vibrasse com sua coroação.

É óbvio que Kita pode não ter sido a favorita de cara, mas considerando as opções que RuPaul selecionou para a Final, a queen foi a única boa escolha, encontrando a luz no fim do tenebroso túnel que a temporada se tornou. Mas nem tudo começou perdido, por mais que a falta de um ensaio promocional tenha sinalizado um atenção em letras garrafais para a qualidade do que estaríamos próximos de acompanhar. Na contramão das seasons regulares e seus conceitos de apresentação (como o pastel que rondou o ano 13, o arco-íris do UK e o laranja celofane do All Stars 6), Down Under reaproveitou os visuais de entradas no pôster de anúncio, que também usou um vestido repetido de RuPaul. Na Oceania, aparentemente, não há senso de originalidade por parte da produção.

A montagem do programa pareceu insegura do formato que gostaria de seguir, abusando de cortes rápidos e cenas emboladas, tornando a experiência de acompanhar Down Under um teste para cardíacos. Os jurados convidados foram poucos, dando espaço para convidados especiais, como Taika Waititi e Kylie Minogue, em aparições relâmpagos pelo Zoom, só para bater ponto na inauguração de Drag Race por lá. Rhys Nicholson assumiu a terceira cabeça fixa da bancada, mas o charme do comediante se dissipou antes da temporada chegar à metade, considerando que todo seu humor era baseado em pobres trocadilhos sexuais.

Os desafios e as passarelas não impressionaram, combinando com o arsenal de drags escaladas para competir. Jojo Zaho saiu rápido demais para deixar qualquer impressão. Art Simone trollou, mas o ar ranzinza acabou diluído e revelou uma persona resiliente e grata ao papel que a arte drag prestou à ela, e não é por acaso que Art leva o título de drag mais proeminente da cena da Oceania. Coco Jumbo não ouviu o conselho passado de queen para queen e inventou de imitar uma cantora pop no Snatch Game. O resultado foi uma Lizzo nada engraçada, que acarretou em duas Dublagens seguidas, e uma merecida eliminação.

A prematura saída de Anita Wig’lit ainda dói no coração, e não há qualquer justificativa para tal ação, senão o favorecimento descarado de Karen From Finance. Anita era uma clara candidata à Coroa, era destemida e maluca, exibia em seu olhar o grau correto de vulnerabilidade e talento para não apenas destruir a competição, mas ganhar o público, ansioso para torcer por alguém do bem e sem passado racista. Sua eliminação no quarto episódio denota o papel gigantesco que ela desempenhou na Corrida, deixando um vácuo de carisma e singularidade, não preenchido por qualquer uma das finalistas.

Chegando com a promessa da juventude, Etcetera Etcetera viu a falta de preparo tomar conta de seu lado artista. Em uma temporada inaugural e cheia de cães treinados na arte drag, Etcetera ousou em uma polêmica imitação de Linda Chamberlaim no Snatch Game mas depois murchou, se apequenou, e foi embora na virada da season, em uma inspirada Dublagem contra Maxi Shield, essa que sacou um microfone de dentro da roupa e, pela segunda vez na franquia, fez uso dele como apetrecho do Lip Sync.

Etcetera ainda discutiu os papéis de gênero no mundo das queens, denunciou preconceitos que sofreu quanto a sua identidade (desmontada, ela usa pronomes neutros, se considerando uma pessoa não-binária), reafirmando o caráter educacional que, à essa altura do campeonato, Drag Race carrega. No mesmo ano em que Bimini e Gottmik arrasaram tanto nas passarelas quanto em se tornarem ícones para a comunidade trans, o papel de Etcetera na Oceania é de grande impacto; também sentido em Drag Race España, nos ombros de queens como Inti e Hugaceo Crujiente. 

Chega a ser terrivelmente cômico que uma temporada recheada de discussões sociais tenha caído na defesa do racismo e na fuga de qualquer punição por tal crime. Karen From Finance teve seu passado revirado nas redes sociais, com fotos e declarações asquerosas, além de uma grotesca fascinação por bonecos Golliwog, representação pejorativa e preconceituosa do povo negro. Karen mantinha uma coleção deles, chegando até a marcar na pele essa ‘paixão’, em uma tatuagem atualmente coberta. Fato é que a produção de Down Under, ciente dos acontecimentos, manteve tanto Adams quanto Karen na competição até o último momento possível. 

Depois de Etcetera deixar o Ateliê, foi a vez de Maxi Shield dar seu adeus. A drag gorda e peituda entrou muda e saiu calada, aparentemente deslumbrada e até um pouco assustada para com o ecossistema de Drag Race. Seu visual final no Desafio do Makeover (quando as queens recriam alguém à sua imagem) pareceu uma desculpa esfarrapada, feito sem esmero ou qualquer dedicação. O episódio, todavia, teve como protagonistas um time gay de rugby do continente, rendendo bons momentos sobre a homofobia no esporte e como esses homens se portam diante dos demais. 

Uma das protagonistas de Down Under sequer chegou à Final, mas Elektra Shock merece todos os louros possíveis. A construção da narrativa da ‘excluída’ foi evidente quando ela se viu acuada em um Ateliê cheio de piranhas famintas por sangue fresco. Seu status de subordinação, por trabalhar no clube comandado por Kita e Anita, pareceu ter gritado mais alto que o talento da artista, por mais que os visuais e as maquiagens apresentados não vivessem à altura de sua entrega emocional e de carisma.

A imitação cartunesca de Catherine O’Hara no Snatch Game colocou Elektra injustamente numa posição baixa, mas a volta por cima, dada depois de Dublar 2 vezes em 3 episódios e ser feita de gato e sapato por Scarlet e cia, vingou em uma vitória merecida no Desafio dos Comerciais. Os olhos gentis de Shock assistiram queens racistas chegarem mais longe que ela, e também queens piores chegarem à Final. Quando, enfim, ouviu seu Sashay, Away, ela previu o futuro e a Coroa de Kita, dentre todas, a única que conseguiria eliminá-la depois de um Show de Talentos digno das noites do SBT.

RuPaul’s Drag Race Down Under não funciona como boa narrativa televisiva, tampouco se sustenta como um derivado decente da grande franquia norte-americana. Down Under também se afoga nas decisões ruins e ignora o bom senso e a moralidade na hora de julgar e ranquear suas competidoras. Vale a pena passar por 8 estafantes capítulos de uma hora de duração? Eu seria louco se dissesse que sim. 

Kita Mean ganhou o Cetro, a Coroa e o cheque, mas deve querer colocar para trás a experiência do público com sua temporada vitoriosa. A esperança é que Elektra, Anita, Art, Coco, Jojo, Maxi e Etcetera voltem em um hipotético All Stars International, e que RuPaul dê o ultimato na Oceania, relegando-a ao ostracismo e ao esquecimento, assim como deveria ter feito com as duas racistas que competiram na Corrida. 

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Enrico Souto

Rico Dalasam foi o primeiro rapper gay a ganhar grande projeção na cena do hip-hop nacional, e um dos principais expoentes do gênero queer rap no Brasil, que contudo hoje se mostra um termo limitado demais para o que ele representa. Em suas palavras, “depois que você lança uma música e vai existindo, as coisas tomam caminhos que uma tag não suporta”. E acredite, nenhuma tag suporta Dalasam. E caso ainda houvesse dúvidas, Dolores Dala Guardião do Alívio vem para cravar o artista como um dos nomes mais relevantes da música brasileira atual.

Emicida, em entrevista ao Roda Viva em julho de 2020, ao ser perguntado sobre o envolvimento da comunidade LGBTQ+ no movimento do hip-hop, citou Rico, que colaborou com o rapper em Mandume, como “um dos melhores letristas que nós temos hoje”. E de fato. Depois de alguns anos de hiato e polêmicas que reverberam até hoje, o cantor e compositor retorna com os dois pés na porta com um álbum extremamente conciso, maduro e de identidade visual marcante, acompanhando 11 faixas e um curto clipe de quase 2 minutos que introduz as temáticas abordadas no disco e sintetiza a mensagem proposta.

Anteriormente lançado como um EP de cinco faixas em maio de 2020, dessa vez sua premissa é elevada à décima potência, transformando-se em uma experiência imersiva e em uma viagem pelas emoções, vivências e pensamentos do autor, resultando no trabalho mais sensível e intimista de sua carreira, e com certeza um tiro acertado. O disco, de cerca de 26 minutos, pode até ser consideravelmente curto para a duração padrão de um LP hoje, mas, em compensação, ele não tem uma grama de gordura. Como um legítimo álbum conceitual, todas as faixas têm papel crucial e relevante para o resultado da obra final. Tanto sua estrutura narrativa quanto a forma com que as faixas são agrupadas não são por acaso. 

Com produções assinadas por Dinho, Mahal Pita, Moi Guimarães, Netto Galdino, Pedrowl, RDD e Chibatinha (ÀTTØØXXÁ), Dolores Dala Guardião do Alívio nos conduz à jornada emocional de Rico, através de uma fábula envolvida por versos poéticos e rimas instigantes, de alguém que incessantemente procura a calmaria em um mundo hostil. Enquanto Orgunga, álbum anterior do rapper, é “o orgulho que vem depois da vergonha”, aqui ele nos revela o alívio que vem depois da dor.

A música de abertura é a intro DDGA, faixa em spoken word que apresenta um eu-lírico absorto e contemplativo, olhando para trás depois de um longo caminho percorrido e refletindo sobre sua trajetória, essa que acompanharemos nas 10 faixas que virão a seguir. Entre todo o texto que é recitado, uma frase ecoa em destaque: “não falaria de alívio se não tivesse doído tanto”. Aqui, Rico evoca as duas máximas que irão ditar o curso que sua narrativa percorrerá: dor e alívio. Essa dualidade é exposta e será posta em constante conflito até que ela ache seu equilíbrio para, desse modo, abrir passagem para a cura. Afinal de contas, depois de tudo o que ele passou, simplesmente não há como continuar o mesmo.

Em contraponto à faixa anterior, voltamos à estaca zero e somos levados à Expresso Sudamericah. Dessa vez, ao invés de ouvirmos um discurso auspicioso e otimista, nos deparamos com o manifesto de um homem confuso, angustiado, largado sozinho na estação, procurando sentido em sua caminhada. Acompanhamos o seu raciocínio junto às batidas compassadas, de quem questiona sua posição no mundo e as responsabilidades que essa posição lhe infere. Como uma carta para o seu público, vinda direto de um período em que o próprio Rico, depois de sofrer constantes ataques por unicamente reivindicar um direito trabalhista, perguntava-se qual era o seu papel como músico em uma indústria tão opressiva e sufocante.

Mas ali ele encontra uma resposta. Ou, senão uma resposta, uma faísca de esperança. Dalasam usa a sua experiência individual como homem, negro, gay e latino para comentar todo o processo de henrança colonial da América do Sul, posicionando-se no centro desse cenário. Não é à toa que, durante o refrão, ele se dirija diretamente ao ouvinte: “Alô parceiro, passageiro”. Afinal, ele não caminha sozinho. E, no fim das contas, não adianta de nada produzir um hit de milhões se isso significar se render à ordem vigente e tornar-se ainda mais refém desses poderes. Ele, enfim, conclui que não importa o quanto tentem calá-lo, ele mesmo abrirá o seu caminho para o topo, traçando seu propósito: “Tô desenhando um coração onde todo dia apagam um monte”.

Esse artifício de utilizar vivências individuais para comentar um fenômeno social coletivo rege toda a estrutura de Dolores Dala Guardião do Alívio. Em Não é Comigo, é introduzido, através de um áudio de WhatsApp, um dos arcos centrais a serem abordados: um relacionamento interracial, homoafetivo, e as implicações disso para ele como homem negro. Rico então atravessa um importante tópico: a solidão do gay negro, constantemente hiperssexualizado e idealizado em fantasias e fetiches sexuais, porém nunca considerado digno de amor e afeto genuíno. O rapper decide enfrentar diretamente esse imagético e coloca o seu parceiro – evidentemente branco – contra a parede ao questionar o motivo dele não assumi-lo para seus familiares e amigos.

Tal temática continua se estendendo na faixa que sucede, Última Vez. Musicalmente, essa é a que mais se diferencia do resto do álbum: um afrobeat que abusa de 808’s e arranjos eletrônicos, predominantes no gênero do trap – o que se encaixa perfeitamente com a estética densa e soturna que a música quer transmitir –. No entanto, ela também opta por batidas mais orgânicas, somadas a suaves dedilhados de cavaco em segundo plano, fazendo com que sua sonoridade, ainda que destoante, continue soando familiar com o resto da tracklist. Além disso, com sua voz sustentada por um autotune modesto, porém marcante, e um flow melódico à la Beli Remour, Rico explora sua extensão vocal como nunca antes, expressando sentimentos que vão da agressividade à melancolia.

Por meio de rimas ríspidas, cruas e diretas, Rico se localiza e deixa claro: ele não será cativo de ninguém. Frases como “quer meter, mas não quer manter” o colocam em uma posição ativa e reforçam a sua ofensiva, de alguém que sofreu calado por tempo demais. De tônica semelhante, a faixa Mudou Como?, um afropop enérgico que cativa logo na primeira ouvida, relata o momento em que essa relação adquire um caráter abusivo, fatalmente repercutindo as dinâmicas de uma hierarquia colonial. Nos deparamos com um eu-lírico complexo e impotente, em conflito com a contradição de ainda desejar permanecer em uma condição que o faz tão mal. 

Com o intuito de realizar um mergulho mais íntimo sobre esse romance e seus efeitos tanto internos quanto externos, o primeiro single de Dolores Dala Guardião do Alívio e seu maior hit, Braille, é conduzido por um sample notável de Chanel, do Frank Ocean, acompanhado por um singelo pandeiro, culminando, no refrão, em um dos clímax mais memoráveis que o rapper já nos proporcionou. Seu talento como compositor se manifesta em versos intensos e frases icônicas que tratam da forma mais franca possível os infortúnios vivenciados com seu parceiro.

E então, finalmente, depois de tantos tormentos e anseios, Supstah é uma quebra que vem como um balde de água fria, um momento de respiro diante de tantas perturbações. Supstah é a utopia de Rico Dalasam, quando, nem que seja por um breve instante, ele se entrega aos seus sonhos e se permite descolar de sua existência material, idealizando um mundo diferente para si e para os seus. 

Talvez, exatamente por ser um momento mais brando e menos urgente, essa também seja uma das faixas de menor destaque de Dolores Dala Guardião do Alívio. Porém, independente do seu impacto dentro do panorama geral, esse ainda é um dos takes mais bonitos feitos no disco. Visto isso, faz sentido que, na faixa seguinte, o interlúdio Circular 3, protagonizado pela mãe de Rico, o vejamos comentando, através da metáfora de uma espera em um ponto de ônibus, sobre a cultura imediatista de uma geração superexposta, sedenta por controle, que recebe estímulos de todos os cantos e não consegue mais enxergar valor nas pequenas coisas.

Voltando à realidade, agora em busca de tornar essa utopia tangível, Vividir chega como uma revisita nostálgica a um local e tempo distantes. Dalasam inicia citando elementos importantes de um período longínquo de sua vida: “Um pedaço de colo/Um gole de café/Uma foto de um ano/Que eu não lembro qual é”, até que por fim ele tenha que confrontar o fato inevitável de que as coisas mudaram e, não importa o quanto ele queira, elas nunca voltarão a ser o que eram antes: “Onde era minha casa não é mais/Onde era minha escola não é mais/Onde era a minha vida não é mais/Cadê?”. Mas, afinal, já que não temos controle sobre o que acontece ao nosso redor, o que fazer a respeito?

É isso que Rico tenta responder no interlúdio Outros Finais, uma ponte para o final da grande odisseia de Dolores Dala Guardião do Alívio. O texto, declamado por Camilla Pellegrini, que transcende o concreto e sugere uma conexão etérea, divina e espiritual com sua ancestralidade, é introduzido ressoando a frase “Ninguém está mais no mesmo lugar”, como se contestasse diretamente as indagações feitas previamente em Vividir. Dalasam então, através de sua fé, encontra as respostas de que precisa, pavimentando o caminho para seu encontro consigo mesmo em Estrangeiro.

Essa música, mais do que uma reconciliação e um término pacífico – ainda que não menos crítico – para aquele romance tão atribulado, representa o Rico respeitando seu próprio tempo e, enfim, se chocando com a possibilidade da cura. Representa sua tomada de consciência de que aquele não é o seu lugar, e a retomada de sua busca por um espaço que é de seu direito. Estrangeiro não marca o fim de sua jornada, e sim o fechamento de um ciclo para a abertura de um novo. Libertando-se das correntes dessa relação tóxica, ele sai desse episódio amadurecido e em paz com sua decisão. Em virtude disso, não é por acaso que a frase que marque o desfecho dessa história seja: “Fui, porque acabou a fé/Não, porque acabou o amor”.

Uma coisa é certa: Dolores Dala Guardião do Alívio é rap – Rhythm and Poetry – em sua essência. Transbordando poesia, talvez essa faceta de Dalaboy nunca tenha estado tão escancarada antes, no melhor dos sentidos. Entretanto, o álbum não se restringe a isso. Construindo uma colcha de retalhos, ele bebe de diversos gêneros afrolatinos distintos – do dance hall ao samba e pagode –, pincelando doce e gentilmente sua obra por temas pesados como colonialismo, homossexualidade, afetos e negritude, elevando-a a uma experiência lúdica e acessível, sem diminuir o impacto, relevância e seriedade dessas questões.

E, ao fazer isso, ele passa a destoar ainda mais dos seus trabalhos anteriores e das tendências musicais do pop atual. Mas, apesar disso, continua soando aconchegante e convidativo para quem acompanha o artista desde Modo Diverso. É um retrato tão pessoal e tão singular, mas que, ao mesmo tempo, de alguma forma, consegue soar completamente abrangente. Tal qual o próprio Rico pontua, alguns dos contos e versos apresentados poderiam muito bem serem cantados pela Marília Mendonça, porque amor, desilusão e rompimento são conceitos universais e identificáveis para qualquer um. No entanto, calhou por serem cantados por ele, o que é potente e político por si só.

Por fim, bem como a sua capa sugere, esse álbum é um abraço acolhedor. É a proposta de um alívio para um período tão doloroso quanto o que estamos passando ao, como ele mesmo define, “desenhar um coração dentro de um corpo preto sul-americano”. Coração esse que, não importa o quanto seja golpeado, continuará pulsando e resistindo obstinadamente. Assim sendo, me parece que a rosa é o signo perfeito para a sua fábula: algo tão bonito, ao mesmo tempo que potencialmente perigoso – Rico Dalasam consegue encontrar beleza em uma realidade espinhosa, e não poderia haver posição mais revolucionária do que essa.

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Ana Laura Ferreira

Ser uma amante de musicais é um caminho perigoso que proporciona altos estratosféricos e quedas dolorosas. Não é todo dia que temos a oportunidade de aproveitar um Mamma Mia (2008) e por vezes nos deparamos com alguns Cats (2019) pela frente. E por mais que A Festa de Formatura (The Prom) tivesse absolutamente tudo para entregar uma história recheada de carisma, atos de dança deslumbrantes e atuações dignas de Oscar, o filme se torna apenas mais um entre as inúmeras produções de Ryan Murphy. Nem a pior, nem a melhor, apenas a mais esquecível.

O longa foi inspirado em uma peça de teatro musical de mesmo nome que conta a história de Emma, uma estudante do Ensino Médio que deseja ir ao baile de formatura com sua namorada, mas é impedida pelo conselho escolar. Indignados com a proibição e buscando por uma manchete que possa trazer seus nomes de volta ao estrelato, quatro atores da Broadway rumam em direção a Indiana para ajudar a mudar os pensamentos conservadores. E é através dessa narrativa que todo o glitter e purpurina teatral é acrescentado ao longa.

Esse parece um pontapé inicial digno de uma obra a ser aclamada pela crítica e conquistar a unanimidade do público, mas The Prom não chega nem próximo a isso. Seguindo por caminhos tortuosos e por vezes megalomaníacos demais, nem mesmo seu cast repleto de estrelas consegue resgatar esse navio que naufraga aos poucos. Meryl Streep, Nicole Kidman e Kerry Washington são apenas alguns dos grandes nomes que vemos correr pela tela, mas ainda com todo seu talento e buscando fazer magia com nada, o roteiro e a direção diluem seus dons e não usufrui o quanto poderia de suas oportunidades.

Esse chamariz de nomes conhecidos funciona como uma forma de encobrir o limite da linha tênue entre a sátira e o mal gosto pela qual Ryan Murphy, que assina a direção e produção de A Festa de Formatura, caminha. O criador de Glee e Hollywood tem uma marca e isso é inegável. A facilidade que temos em enxergar toda sua personalidade logo nos primeiros minutos de filme é impressionante, mas o problema aqui é que The Prom se resume a ser Murphy demais. Chamativo, forçado, bagunçado, com muitas histórias, personagens, desperdícios e tentativas demais de nos empurrar um carisma exagerado e difícil de comprar, haja visto algumas atuações. 

É claro que em sua maioria os atores entregam performances impecáveis dentro do possível do roteiro, como é o caso de Meryl e Nicole, mas por outro lado James Corden nos faz pensar o porquê dele ter sido escalado. O comediante e apresentador do The Late Late Show é engraçado e carismático, e isso é inegável, mas como ator o buraco é mais embaixo. Mesmo apresentando uma performance mil vezes melhor do que seu personagem em Cats, Corden se prende em maneirismos que funcionam bem na programação da TV, mas que no cinema o tornam caricato e sem expressão própria.

Ainda assim, o filme traz um produção técnica primorosa, com jogos de luz inspirados nos grandes palcos da Broadway e que trazem um ar teatral ao longa. Assim como os figurinos, fotografia e cenografia, pensados com um cuidado tão grande que vemos todo o esforço que foi dedicado aos detalhes, buscando torná-los parte integral da narrativa e nos fazer crer que apesar dos spots de luz colorida que surgem do nada, A Festa de Formatura poderia unir o crível ao fantasioso. Essa estratégia parte até para o roteiro que por vezes deixa de lado o fictício para abordar assuntos sérios e que merecem discussão, o que dói são esses momentos serem ofuscados por todo o exagero da narrativa.

O que mais pesa em The Prom é ele ser o tipo de filme que nós gostaríamos de amar e panfletar para o mundo, mostrando como musicais podem ser divertidos, deslumbrantes e ainda trazerem uma história completa. Infelizmente, aqui a trama é só mais uma desculpa para produzir grandes números musicais em sequência. E isso porque Murphy não soube aproveitar as pedras preciosas que tinha em mãos. Talvez o maior exemplo de desperdício que podemos encontrar é a personagem de Nicole Kidman, que é descartável e não interfere na trama, usando o nome da atriz apenas como uma forma de chamar atenção do público. 

Entretanto, nos poucos momentos que são dados, Nicole brilha tão intensamente que sentimos vontade de ver uma produção totalmente dedicada a ela. E enquanto alguns são desperdiçados, outros são usados de forma desgastante, como é o caso das personagens Emma e Alyssa. As supostas protagonistas do longa se perdem em meio ao seu romance água com açúcar que não tem sequer uma pitada de química, tornando o plot das atrizes irrelevante e sem emoção.

A estrutura episódica de A Festa de Formatura também não contribui para a narrativa que se torna quebrada e segmentada. Essa fórmula funciona perfeitamente em séries de TV e no teatro, com atos bem demarcados que nos dão uma amostra a cada nova parte. Mas quando pensamos em cinema é essencial ter uma história bem amarrada e que se construa de forma sólida, sem deixar pontas soltas, porque não precisamos de uma nova narrativa a cada cinco minutos se já tivermos comprado a principal.

É tudo exagerado, Ryan Murphy e cintilante demais, na conotação ruim das palavras. A Festa de Formatura é uma diamante que não soube ser lapidado e se perdeu em meio às tentativas megalomaníacas de seu diretor. Talvez em outras mãos, como a de Adam Shankman de HairSpray (2007) e Rock of Ages (2012), pudéssemos ter uma versão de The Prom tão magnífica quanto a sua peça de inspiração, mas por enquanto nos contentamos em fingir que suas longas dua horas de duração não serão rapidamente esquecidas. 

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Nathalia Franqlin

2021 chegou trazendo a renovação de várias séries nas plataformas de streaming e (Des)encanto foi uma delas. A obra do cartunista Matt Groening – criador de Os Simpsons e de Futurama – está na sua terceira parte e é exclusiva da Netflix. Para o desespero dos fãs, houve atraso na produção em decorrência da pandemia e a estreia da terceira parte foi adiada de setembro de 2020 para janeiro de 2021. Essa foi uma espera particularmente difícil considerando os acontecimentos finais da segunda temporada, como o suspense para sabermos se o Rei Zörg (John DiMaggio) iria sobreviver ao tiro e o que aconteceria com a Princesa Bean (Abbi Jacobson) após ser condenada à fogueira.

No tocante ao desempenho técnico da temporada, a qualidade se mantém. A assinatura visual de Matt Groening é realmente marcante, personagens com olhos esbugalhados e redondos e boca grande são o seu diferencial e isso não é diferente em (Des)encanto. Além disso, visualmente, a série tem um charme a mais se compararmos com as outras obras mais famosas do criador, justamente por investir em cenários e fundos de cenas 3D, colocar personagens esteticamente simples com figuração caricatas de cartoons, mas com fundos bem elaborados na ornamentação e no jogo de luzes gera um resultado interessante e que trabalha bem com a proposta da obra de caminhar entre elementos do dia-dia, blasé, e o fantástico, fantasioso.

Aqui temos as melhores desconstruções de arquétipos para representar isto: uma princesa de um reino encantado com magia, elfos, demônios e fadas, mas que bebe igual a qualquer beberão de boteco mal humorado e que é igual a qualquer adolescente com problemas de relacionamento com os pais. A personalidade de Bean é um ponto chave na série, ela é uma personagem extremamente identificável para outras garotas mais grosseiras e que fogem aos estereótipos de comportamento de gênero, isso se torna, a priori, um chamariz de audiência.

Com respeito a qualidade do enredo esse ano a série deu uma decaída. Com o aparecimento da Terra das Máquinas na segunda temporada, (Des)encanto teve a oportunidade de expandir seu universo para além da Terra dos Sonhos, entretanto, desperdiçou essa chance na terceira parte fazendo o movimento contrário ao que tendenciava o final da obra no ano anterior e restringindo o enredo, novamente, à terra natal de Bean. Outro problema com o roteiro desta temporada é a tentativa de introduzir vários novos personagens de uma só vez, e o resultado disso foram problemas no desenvolvimento de cada um deles, coisa que deixou os primeiros episódios, principalmente, cansativos de se assistir.

A dinâmica entre os outros dois protagonistas da série, além de Bean, Luci (Eric André) – um demônio enviado diretamente do inferno para atormentar a princesa, mas que acaba se identificando com ela e se tornando um de seus melhores amigos – e Elfo (Nat Faxon) – literalmente um elfo bonzinho de uma terra encantada, mas meio sarcástico às vezes – foi quebrada nesta temporada, isto, sem dúvidas, foi deficitário para a série. Esse foi mais um problema gerado pelo bolo de personagens neste ano, já que, com tantos outros para desenvolver, os protagonistas ficaram quase como figurantes, principalmente Luci. 

Em relação ao desdobramento da história, a terceira parte também deixou a desejar em alguns pontos. Esse desenvolvimento foi afetado pela falta de expansão do universo, isso é fato; algumas coisas que já estavam na expectativa para essa temporada acabaram por não acontecer como, por exemplo, a revelação de quem é a mãe do Elfo ou o desenvolvimento dos poderes da Bean. Apenas um foi revelado e depois simplesmente ignorado pelo resto dos episódios, isso foi muito decepcionante para qualquer fã da série. 

Mas, nem tudo são só frustrações e decepções. Houve uma evolução no texto dublado para o português brasileiro, nesta parte os memes e a linguagem de internet estão mais moderados em relação às temporadas anteriores. Eles ainda estão presentes, é claro, mas de forma mais espontânea, não parecem mais forçação para que o público jovem se identifique com a trama. (Des)encanto sempre deixou claro a sua linha de humor, que é basicamente sarcasmo e ironia com uma piada por atrás da outra, mas, agora, a série finalmente encontrou um ritmo nesse sentido, as tiradas aparecem naturalmente entre as cenas e a linguagem agora está mais adulta, com mais palavrões do que bordões em si.

Apesar de toda a confusão inicial ficou claro que o tema circundante dos primeiros episódios dessa nova parte era relacionamentos. E para a felicidade do fandom LGBTQ+, Bean foi confirmada como uma personagem bissexual após se apaixonar por Mora, uma sereia. É interessante como a homofobia foi criticada durante as cenas das duas, principalmente no episódio Uma sereia em minha vida. Esse preconceito não foi questionado e nem exposto de maneira explícita durante a série, apenas houveram analogias e os roteiristas aproveitaram para brincar com a liberdade desse universo. Mora foi realmente carismática, apesar de que infelizmente não é aparente que ela vá retornar à trama futuramente.

Nos episódios finais, (Des)encanto conseguiu embalar novamente o espectador e dar ritmo à série. Os últimos acontecimentos retomam um ocorrido lá da primeira temporada, um conflito entre o Elfo e os ogros, e a crise no reinado de Bean apenas piora tudo. Algo que essa obra sempre acerta é na finalização de temporadas, o e de encerramento traz o ápice do lançamento inteiro, o retorno de Dagmar (Sharon Horgan), mãe da Bean, a morte de Luci, o Elfo levado pelos ogros é novamente uma tortura para os fãs da série, já que a quarta temporada está programada para daqui um ano, entre fevereiro e março de 2022.

(Des)encanto terá uma próxima temporada animada, conflito é o que não faltará, essa será, sem dúvidas, uma chance para consertar os erros da terceira parte. Espera-se apenas que não haja, de novo, confusão no roteiro ou então os produtores poderão estar jogando fora quase quatro anos de trabalho em uma série com tanto potencial. Desde 2018, ano de seu lançamento, esse vem sendo um título que promete mais do que cumpre, com nomes tão relevantes na sua produção, como o próprio Matt Groening e Josh Weinstein, espera-se que esse não se torne uma obra a nível de armadores.

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Jho Brunhara

Quando eu era adolescente, tinha medo de me expressar por ser gay. Tinha medo ir em festas, ficar bêbado com meus amigos e revelar acidentalmente que não era hétero. Pela necessidade de esconder minha sexualidade por proteção, tinha medo de vestir as roupas que gostava, de dizer o que que pensava, de colocar um “nós” antes de “pessoas LGBTQ+”.

Eram, de certa forma, problemas banais, mas ao mesmo tempo questões muito importantes no ecossistema do colégio e na mente de alguém com 15 anos. Não me sentia verdadeiramente seguro em casa, nem na escola, nem em nenhum lugar. Me assumi nos últimos meses do Ensino Médio, um pouco antes de completar 18 anos. Enquanto a maioria das pessoas da minha idade que eu conhecia já tinham vivido suas próprias aventuras, eu pude, pela primeira vez, me sentir livre, e experimentar a adolescência que idealizava na minha cabeça.

A juventude tardia se concretizou ao estudar em uma universidade longe de casa, e eu não estava sozinho: nas festas, aulas, projetos e eventos eu me juntava à centenas de meninos, meninas e menines LGBTQ+ que brilhavam os olhos em enxergar uma virada de mundo que nossos amigos héteros não conseguiam entender. Blue Neighbourhood de Troye Sivan, que completou meia década em dezembro desse ano, captura um pouco do sentimento do que é ser adolescente não aos 14, mas aos 18, 20 ou mais tarde. E enquanto caminhamos para um futuro onde crianças queer possam ser elas mesmas e crescer em paz, muitos de nós ainda sonham com a liberdade de apenas viver a juventude, com todos seus tropeços e glórias.

Troye também se assumiu tarde para o mundo. Com 18 anos, em 2013, ele postou um vídeo em seu canal do YouTube, que hoje acumula quase 9 milhões de visualizações. Dois anos depois, aos 20, seu debut Blue Neighbourhood foi lançado. Desde muito cedo em sua carreira, Sivan já era tratado como ‘cantor gay’, título que, para uma estrela pop em ascensão, poderia custar absolutamente tudo. Mas o efeito foi o oposto. A Vizinhança Azul do sul-africano naturalizado australiano foi um marco para o pop ‘adolescente’, e por mais que o artista não seja pioneiro em erguer a bandeira LGBTQ+ no gênero, foi um espelho para a geração de jovens crescendo na internet, e um sinal verde para as grandes gravadoras investirem em artistas assumidamente queer. 

A jornada de Blue Neighbourhood se inicia onde muitos de nós também partimos: lidar com sentimentos proibidos. Antes de se assumir para os outros é necessário se entender e se assumir para si mesmo. É mais difícil ainda quando internalizamos a homofobia projetada do mundo exterior, e condenamos nossos desejos e vontades. Mas não há como resistir quando esses impulsos são verdadeiros, e a autoaceitação é sem retorno. Tudo que vem depois são grandes exclamações e interrogações por um mundo que pouco protege seus jovens, e muito menos tenta entendê-los. 

Para Troye, e para muitos de nós, a vontade mais parece uma prisão. “Me beije na boca e me liberte”: BITE canta sobre as primeiras vezes e como se entregar ao desejo é agoniante e ao mesmo tempo um alívio. O primeiro amor, o primeiro beijo, a primeira vez. Blue Neighbourhood é uma ode ao novo, uma celebração ao renascimento e à juventude tardia, mas ainda extremamente genuína. A paixão, aqui, é a linha que costura todo o disco. Do início ao fim, as letras parecem ter saído diretamente de um diário, em que lemos e nos identificamos com todas as confissões.

No ápice das primeiras paixões, o artista dessexualiza o desejo, e a honestidade só implora por afeto e carinho. TALK ME DOWN é um dos pontos mais altos da Vizinhança Azul. Em uma composição meio Lorde com violino, Sivan entregou uma das melhores canções de sua carreira. Sufjan Stevens também já cantava há muito tempo sobre amar tanto alguém ao ponto de sentir como um irmão, e aqui a vulnerabilidade emocional encontra uma relação em comum quando se é LGBTQ+. Não que seja regra, mas quando se passa tanto tempo da vida depositando sentimentos verdadeiros em uma caixinha interna fechada a sete chaves, a carência é um dos efeitos rebote.

Ainda sobre Lorde, é impossível falar sobre juventude na Música depois de 2013 sem citar seu nome. A gigantesca Ribs abriu portas e inspirou para sempre a nova geração do indie pop, Troye incluso. Essas letras sobre um mundo pequeno, quase escondido, de hábitos mundanos mas que representam as verdadeiras sensações do que é se sentir jovem estão em todos os tijolos de Blue Neighbourhood. Aqui, a inocência de sentir que tudo deve ser deixado para trás se junta à euforia e ao medo. Não um medo ruim, mas um frio na barriga, de que nada vai ser como antes. 

E tudo é diferente. Mas essa não é a primeira adolescência, é a segunda, que carrega bagagem. Mesmo que se fuja para longe do passado, ele ainda é parte inerente da alma. “Não posso substituir meu sangue”, canta em SUBURBIA. Mas BN não fala aqui de memórias ruins, traumas e o sentimento anterior de estar preso em uma realidade imutável. Essa nostalgia é da inocência intocada, de momentos em que as angústias podiam ser deixadas de lado. Do cheiro que o ar tem quando se é criança, da forma com que o tempo passa diferente, dos gostos e sensações puras, de descobrir como o mundo funciona. 

O novo mundo que vem com o amadurecimento é árduo, ainda mais quando se é queer. Sivan vem de uma família judaica, e ainda que tenham aceitado sua sexualidade, foi um processo complicado, como é para a maioria de nós. Se Bloom pôde ser lançada anos depois, é porque HEAVEN abriu caminho antes. A balada, produzida por Jack Antonoff, co-escrita por Grimes e cantada também por Betty Who, ecoa: “Todo meu tempo perdido sentindo que meu coração estava errado/Se eu estiver perdendo uma parte de mim, talvez eu não queira o Céu”.

Quantas crianças e adolescentes LGBTQ+ já não rezaram pedindo à Deus para que se tornassem heterossexuais? Quantas foram dormir se perguntando se Deus realmente as odiava? Quantos adultos ainda lutam contra a verdadeira pessoa que são por medo imposto pelas religiões? É esse Céu que Troye não quer pertencer, e é esse Céu que muitos de nós também renegamos. Blue Neighbourhood se projeta como um álbum adolescente por alguns de seus temas ‘bobos’, mas todas essas questões ainda são consequências diretas da homofobia, de crianças que foram reprimidas e de adolescentes que não puderam ser verdadeiros por medo.

Cinco anos depois do lançamento do disco, esses jovens que ouviam as músicas do álbum sonhando com o futuro e o próprio cantor amadureceram. No processo, Troye se mostrou uma casa de máquinas queer em Bloom, e uma força maior ainda no EP In A Dream. Hoje, ele se junta aos artistas LGBTQ+ que cantam por nós e para nós, como Adam Lambert, Frank Ocean, Hayley Kiyoko, King Princess, Christine and the Queens, Rina Sawayama, Yves Tumor, Conan Gray, Lil Nas X e tantos outros.  

Blue Neighbourhood celebra as pequenas e grandes sensações de se sentir jovem, a angústia de se assumir e a ansiedade de enfrentar o mundo para se sentir livre. E, principalmente, cria uma atmosfera própria de um universo azul, onde podemos nos identificar ou sonhar. No fim do dia, ainda somos uma grande vizinhança, tentando entender sentimentos e alcançar a verdadeira igualdade, que vai muito além de direitos básicos e respeito mínimo.

O futuro, ainda pequeno, é esperançoso: graças à todos que lutaram por mudanças, já colhemos frutos. Como o talentosíssimo Isaac Dunbar, de quem podemos ouvir suas histórias já na primeira adolescência, e tantos outros jovens LGBTQ+ se assumindo tão novos e recebendo o transformador apoio da família e amigos. Porém, o caminho ainda é longo, e talvez para a maioria de nós ainda seja limitante antes de ser libertador. Blue Neighbourhood conta apenas uma versão de uma história singular com milhões de protagonistas, mas é uma forma de dizer para os mais jovens e mais velhos: estamos aqui, estávamos antes, e sempre estaremos. 

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Jho Brunhara

Alguns filmes são bons para se assistir e passar o tempo, outros para se emocionar e debulhar-se em lágrimas, outros para morrer de rir. Mas talvez um dos maiores problemas da velocidade em que consumimos arte audiovisual na era da informação – ainda mais após a popularização da Internet – é que nem tudo é memorável. Muito do que assistimos é esquecível, ou é visto com um sentimento de indiferença, sendo só mais um para a lista. Retrato de uma Jovem em Chamas é o completo oposto disso. O longa da diretora francesa Céline Sciamma é como uma marca na alma, uma queimadura deixada por um rastro de fogo. Aquela cicatriz que ao se olhar remete à uma memória intensa, que por mais dolorida que tenha sido em um breve momento, carrega consigo algo muito maior – uma lembrança boa. 

Assim como o enredo – a ida da pintora Marianne (Noémie Merlant) até o castelo de Héloïse (Adèle Haenel), a pedido da mãe (Valeria Golino) da jovem herdeira para que pinte a filha em segredo -, a fotografia de tela inteira do longa revela de cara a intenção de Sciamma: que as cenas se apresentem como pinturas. E a direção passeia entre os cenários claros e escuros do casarão, apresentando grandes planos e pequenos detalhes, que às vezes acompanham a própria fala – redundantes em certos momentos, quase como se a diretora quisesse confirmá-los ao espectador. Retrato de uma Jovem em Chamas bebe da fonte dos clichês românticos e os transforma em uma história de amor homoafetiva entre duas mulheres em pleno século 18. E o maior diferencial do roteiro de Céline é o poder de contar uma paixão com suas provações e tribulações sem ter que se explicar do ponto de vista da sexualidade. Do enlace à primeira vista, a tensão, o faiscar dos olhares até o momento de entrega das personagens, tudo se constrói em volta do sentimento do amor em si, e não da dúvida ou do medo, mesmo estando em 1760. 

O sexo não é explícito em nenhum momento, e nenhuma cena parece ser desconfortável para as atrizes. Em comparação ao polêmico Azul é a Cor Mais Quente, o fato de Retrato ser dirigido por uma mulher lésbica e com uma equipe repleta de representatividade feminina – Céline é uma das fundadoras do movimento 50/50, que acredita em uma participação igualitária de mulheres no cinema – sem dúvidas torna a produção uma experiência diferente. A francesa atualmente está em um relacionamento com a atriz Adèle Haenel, o que dá bagagem à sua visão sobre o afeto lésbico.

Distante de uma militância explícita, o longa condena o patriarcado através de sutilezas presentes no roteiro e o principal ponto de sua história: um amor contracorrente incapaz de vencer o sistema. Não por falta de vontade das protagonistas, mas por um conhecimento de resiliência. Em uma condição de falência das moradoras do castelo, evidente em comentários de Marianne e da empregada Sophie (Luana Bajrami), além da ambientação – salões vazios, móveis cobertos de pano e nenhum outro funcionário -, a mãe de Héloïse precisa que ela se case para que ambas voltem a ter dinheiro. Em nenhum momento é deixado claro se a filha tem consciência dessa necessidade, mas a raiva não parece ser direcionada à sua mãe. Em uma cena preciosa, a Condessa pede para que Héloïse lhe dê um beijo “como fazia quando criança”. Talvez até mesmo ela não queria aquele destino, mas foi daquela forma que havia herdado o castelo em que moravam, e sabia que não existia outra escolha. 

“Ele chegou antes de mim. Estava me esperando”, relembrou a Condessa enquanto contava sobre seu retrato pendurado na parede para Marianne. É também através desses pequenos momentos que Céline parece explorar sua visão feminista, como a objetificação feminina a ponto que a imagem de uma mulher, na época, – praticamente vendida por uma herança à seu pretendente – chegava antes mesmo que a própria noiva. Em outra cena, Marianne denuncia que mulheres são proibidas de pintar homens nus, segundo ela, “para nos prevenir de fazer artes boas”. O maior medo dos homens é se sentirem inferiores perante à uma mulher. 

Enquanto o longa se desenrola e descobrimos mais sobre as protagonistas e a relação que se edifica, um dos ápices e uma das cenas mais importantes ocorre distante da trama principal. Uma gravidez indesejada resulta na decisão de realizar um aborto, e além da atenção ao mostrar os métodos abortivos do século 18, a direção e o roteiro seguros de Sciamma colocam o espectador diante de uma cena sensível, particular e extremamente consciente. Ao não retratar o aborto como uma angústia carregada de culpa, a mensagem é clara: não existe ódio ou uma moral. Existe somente uma escolha – “você quer uma criança?” -, e a resposta deve ser respeitada. 

A química entre Héloïse e Marianne é de tirar o fôlego desde o primeiro encontro das duas, em que a câmera desce as escadarias do castelo sem revelar o rosto da jovem, nem mesmo a cor de seus cabelos, cobertos por um capuz. Mas mesmo assim o olhar entregue por Noémie enquanto aguarda entre angústia e ansiedade pela revelação já convence do que as espera. A atuação de ambas as atrizes transita entre uma brutalidade tímida e uma aproximação tenra, ótimo trabalho tanto de Haenel quanto de Merlant.

Sciamma preza por frases bem ditas, o que é coerente à cordialidade superficial do século 18 – afinal, o filme ainda é um romance de época -, mas a diretora francesa o faz de uma forma poética e cúpida. Em dado momento de interação entre as duas protagonistas e a empregada Sophie – Luana também é excelente em sua personagem -, Héloïse lê o mito de Orfeu e Eurídice. Na história grega, Orfeu desce ao mundo dos mortos após a morte de sua esposa Eurídice, e pede à Hades que devolva a vida à sua amante. Hades aceita, mas com uma condição: que o mortal não olhe para sua esposa até retornarem à superfície. Orfeu olha para trás pela tentação de ver Eurídice e a condena à morte novamente. 

Esse mito sem dúvidas é uma das peças chaves para entender a genialidade da obra de Sciamma. Enquanto debatem sobre a decisão de Orfeu, Marianne sugere que ele escolheu possuir a memória da amada. Retrato de uma Jovem em Chamas é sobre se lembrar. Sem dúvidas também é um longa que retoma vontade de ser livre, feito de mulheres e sobre mulheres, mostrando a necessidade de imposição em um mundo que beneficia homens. Desde sua primeira cena em que Marianne quase perde seu material de pintura, que cai ao mar, e nenhum homem se oferece para buscá-lo, tendo de fazer o resgate sozinha. Mas é um filme principalmente sobre o poder da lembrança. Ao longo das quase duas horas de duração, e os poucos dias em que as personagens conviveram, o amor impossível se dissolve em sua própria realidade, e manter os pés no chão – ainda que cruel – é uma escolha que vem de dentro do peito, com muito amor e cuidado mútuo.

E os dois momentos finais, que não farei maiores comentários pois não devem ser explicados e sim assistidos – e gravados na memória -, provam que pouco nos esquecemos das paixões verdadeiras, mas que nem por isso devemos lembrá-las com um gosto amargo e nos condenar à uma dor infinita. Retrato não é só marcante e poético, é um dos filmes mais importantes que 2019 teve. Pela sua qualidade magistral, pela sua importância LGBT+, e por sua sinestesia de contraste, quente e gelada. Mais de dois mil anos e a humanidade continua escrevendo sobre o amor. “Todos os amantes sentem que estão inventando alguma coisa?” Ainda bem que sim, a arte agradece. 

Ne regrette pas, souviens-vous. 

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Eduarda Motta

Estreando no canal Logo em fevereiro de 2009, o programa RuPaul’s Drag Race surgiu na televisão americana com uma competição entre drag queens, cujo objetivo era mostrar o talento, personalidade, carisma e humor de cada participante que concorria pelo título de próxima superestrela drag dos Estados Unidos. O sucesso e singularidade do show lhe renderam 11 temporadas, além do spin-off All Stars, que chegou à sua quarta edição no ano passado.

Nesta versão, são selecionadas as mais implacáveis participantes das temporadas anteriores (que não conseguiram chegar à coroa) que competem entre si para fazer parte do hall da fama da franquia. Também composto por desfiles e desafios assim como o original, All Stars traz um diferencial: são as próprias queens que decidem a eliminação de quem está entre as piores, o que pode parecer interessante no início, porém não tarda a surgir injustiças que causam discórdia não só entre elas, mas também entre os fãs.

Entretanto, esta não é a única polêmica que ronda o mundo do reality.

No episódio 5, RuPaul, anfitrião do programa, revela que as regras do reality estarão suspensas até segunda ordem. Sendo assim não ocorre eliminação e as participantes voltam para a sala de trabalho, deparando-se com as queens eliminadas nos outros episódios.  Na semana seguinte, é revelado que essas teriam a chance de retornar ao show se vencessem as remanescentes num desafio de dublagem, clássico do programa.

Nesse momento já é suspeito que o reality seja combinado e que e o desafio seja apenas uma jogada para que a produção manipule e escolha as concorrentes e, consequentemente, a vencedora.

A teoria ficou mais forte quando Latrice Royale retornou ao programa depois de empatar com Monique Heart na dublagem, causando um raro (mas nem tanto) empate, mesmo que a apresentação não tenha sido a melhor já vista no programa. A performance de Naomi Smalls e Gia Gunn que, mesmo com passos inéditos, não conseguiu o mesmo reconhecimento dos jurados.

Latrice passou por RuPaul’s Drag Race em 2012, na quarta temporada do programa e em seguida competiu na primeira edição de All Stars, em dupla com a aclamada Manila Luzon. Depois de tantas aparições e sucesso em sua carreira, Latrice reuniu uma legião de fãs por todo o mundo, causando receio nas participantes do programa em eliminá-la.

Assim sendo, mesmo se destacando menos que as outras, a queen permaneceu no programa mais tempo do que deveria, arrastando-se até o episódio 9 de All Stars 4, em que a oponente Trinity The Tuck a eliminou de vez.

Sendo a vice campeã da terceira temporada da série original e em parceria com Latrice Royale em All Stars 1, Manila Luzon foi a participante que mais teve êxito em All Stars 4, acumulando três desafios ganhos e surpreendendo na passarela. Entretanto, com suas vitórias e a possibilidade de ter que eliminar uma das queens que ficaram entre as piores, Manila cogitou não ser justa em suas decisões mais de uma vez, priorizando sua estratégia de jogo.

Consequentemente, no oitavo episódio da temporada, Manila sentiu na pele o que pensou em fazer com suas concorrentes quando Naomi Smalls, insegura mediante a trajetória da adversária, a eliminou do programa causando espanto não só nas outras participantes, como também em RuPaul.

Naomi por sua vez brilhou em sua temporada de original, a oitava, chegando a ser uma das três finalistas. Porém sua trajetória em All Stars não foi tão surpreendente. Sendo “salva” na maioria dos episódios, ela passou despercebida até cerca da metade do programa, tanto na passarela e nos desafios quanto nos bastidores, onde a edição do reality não evidenciou a competidora. O ponto alto da participante foi seu lip sync contra Gia Gunn, que a permitiu permanecer no programa até chegar às finais.

Polêmica final

No episódio final, Monique Heart, Monét X Change e Trinity The Tuck acompanharam Naomi Smalls no top 4 do programa, onde tiveram de gravar uma versão da música Super Queen, de RuPaul e apresentar diante dos jurados. O desafio em questão já é tradição no programa, porém o que mobilizou os fãs foi a decisão final do anfitrião.

Tradicionalmente, apenas uma competidora vence a temporada, entretanto RuPaul premiou com 100 mil dólares duas das participantes: Monét e Trinity. Mesmo ambas tendo realizado uma boa trajetória no programa, a vitória dupla pareceu forjada, principalmente por conta da edição.

Já é de conhecimento público que todas as finalistas do programa gravam a final com o cetro e a coroa como se tivessem vencido, para evitar que vaze antes da hora quem de fato ganhou, entretanto, dessa vez, puseram tanto a gravação de Trinity quanto a de Monet na edição final. Além disso, a voz de RuPaul mudou ao decorrer da revelação e as duas vencedoras não apareceram juntas no palco, o que sustentou o argumento de quem diz que a vitória dupla foi decidida de última hora por conta das acusações de racismo que o programa vinha recebendo.

Não é de hoje que RuPaul’s Drag Race e suas variações causam polêmica quanto a sua veracidade, porém a série ainda conquista o público LGBT ao graças ao seu poder de representatividade, evidenciando a arte drag como algo além da comédia. Como uma expressão artística completa, que inspira e supera preconceitos ao redor do mundo.

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Guilherme Luis

Representatividade, diversidade, inclusão e aceitação são palavras que têm tomado a cultura pop por completo. “Call Me By Your Name” surgiu como o representante LGBT+ no último Oscar, sendo até bem cotado ao prêmio principal devido ao vencedor “Moonlight” do ano anterior, também com um protagonista gay. Esses dois exemplos, contudo, fazem parte de um nicho do cinema mais conceitual, o típico “filme de Oscar” que, no geral, não chega ao grande público. Nesse 5 de abril as coisas mudam drasticamente com a chegada aos cinemas brasileiros de “Com Amor, Simon”, uma rara grande produção de estúdio sobre um romance gay.

A história é sobre Simon Spier, um menino de 16 anos que guarda sua homossexualidade como um grande segredo. Bem no estilo “Gossip Girl”, Simon conhece pelo blog da escola outro menino gay que se esconde sob o nome de Blue e os dois passam a se corresponder por e-mails. As coisas mudam totalmente quando esses e-mails caem nas mãos de um chantageador da escola, que passa a ameaçar o vazamento do segredo de Simon no blog escolar.

O longa dirigido por Greg Berlanti é baseado no livro homônimo de Beck Albertalli, lançado em 2015 no Brasil pela Editora Intrínseca, e que fora recebido com empolgação pela comunidade de leitores que ansiavam por histórias adolescentes com protagonistas LGBT+. No livro, a angústia por querer saber a identidade do misterioso Blue, somada à leveza com que a história é narrada levam o leitor a ansiar e acabar rapidamente a leitura. Becky tinha a preocupação de contar uma história comum sobre um adolescente com uma característica não tão comum – para ela, falar desses assuntos (e escrever romances sobre) ajudam a normalizar os assuntos. É com essa ideologia que ela escreveu também um romance divertido sobre uma protagonista gorda, mas que também fala sério sobre gordofobia. Becky, portanto, é extremamente preocupada com a diversidade: quase que metade de seus personagens são não-brancos e isso, felizmente, foi transposto para a tela de cinema.

O desafio dos produtores e roteiristas do filme era adaptar a história do livro às telonas de forma que soasse relevante comercialmente para os estúdios Fox, sem deixar que isso afetasse a responsabilidade de passar as mensagens que o livro carregava. O resultado disso foi uma comédia romântica que parece qualquer outra que agrada ao grande público: personagens facilmente identificáveis, bem como uma estrutura de roteiro já conhecida – com boas doses de comédia, mas sem esquecer como pegar o expectador pelo choro. Identificar-se com os dramas de Simon, seja hétero, gay, adulto ou adolescente é inevitável, e boa parte disso se deve ao ótimo trabalho de Nick Robinson, que interpreta o protagonista e dificilmente perde o timing das cenas.

O filme, porém, não cai na pieguice de ser extremamente explicativo, emocional ou apelativo. Ele é didático enquanto diverte e fala sério enquanto faz rir. Simon depende muito do suporte das pessoas ao seu redor, que são em sua maioria personagens bem desenvolvidos e bem interpretados.

Os destaques ficam para Katherine Langford (13 Reasons Why), que interpreta a melhor amiga de Simon, e Jennifer Garner e Josh Duhamel, os respectivos pais do protagonista, que acertam no equilíbrio entre o cuidado, amor, desapontamento e crescimento. O arco de Simon desenvolve todos os personagens ao redor – que mudam e evoluem conforme as coisas na vida do menino mudam também.

“Com Amor, Simon” peca talvez em ser básico demais. Não há, num geral, aspectos técnicos incríveis: a trilha sonora não é um acerto tão grande quanto poderia ser e o roteiro pode parecer preguiçoso quando você chega ao final e recebe as revelações devidas. Pode soar também utópico demais. Ou seja, é importante dar esperança aos LGBT adolescentes e jovens, mas é necessário mostrar a eles que as coisas podem dar mais errado do que dão no filme. Não é errado ter pais que te compreendem rápida e completamente – mas soa estranho se numa cena anterior o pai tiver feito uma piada homofóbica e a mãe rido dela; são nessas incongruências que o roteiro derrapa.

É, no final das contas, um filme arroz com feijão. Mas o arroz com feijão mais importante dos últimos anos – um pontapé inicial para uma possível leva de filmes de gêneros diversos com protagonismo LGBT+. Nossa torcida é que esse filme mostre aos grandes estúdios que contar uma boa história já independe de características dos personagens – que ser branco, hétero e magro não é mais o padrão que o público quer ver (grande parte dele, pelo menos). Aos intolerantes, fica a esperança de que essas histórias venham pra educa-los e fazê-los entender mais sobre a vida – e sobre o amor que Simon e tantos outros personagens merecem ter.

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