Leonardo Oliveira

Que o Rio de Janeiro ficou pequeno demais para a Anitta, já se sabe faz tempo. A morena de Honório Gurgel agora quer a terra do Tio Sam para si e tem se dedicado de forma ferrenha para alcançar seus novos objetivos. Talvez o maior deles seja se tornar uma estrela mundial e nisso Versions of Me é apenas mais um passo em uma longa jornada. O quinto álbum de estúdio traz uma boa mistura sonora e algumas ideias requentadas para introduzir o fenômeno brasileiro em um dos maiores mercados fonográficos do mundo. A artista sabe o que quer e não tem medo de encarar os desafios, o que se materializa nesse seu novo projeto.

Já há uns bons seis anos que a cantora decidiu ir além das fronteiras de Terra brasilis para buscar algo a mais para sua carreira. Depois de se tornar um fenômeno por aqui, a garota viu que podia muito mais e lá em 2016 foi dando os primeiros passos para sua internacionalização. Parcerias com J Balvin no remix de Ginza e com Maluma em Sim ou Não foram o começo dessa nova etapa que, mesmo tendo seus percalços, vem sendo exitosa.

Nesse meio tempo, a Garota do Rio baseou sua estratégia de lançamentos musicais em singles e muitas parcerias com artistas nacionais e estrangeiros com relevância internacional. Dois projetos se destacam, sendo eles o CheckMate, que consistiu no lançamento de singles mensais por quatro meses em 2017, o que rendeu duas das melhores músicas de sua carreira: Downtown com J Balvin e Vai Malandra com MC Zaac e o rapper estadunidense Maejor. O segundo projeto foi seu álbum visual Kisses, de 2019, que tinha como intenção ser uma espécie de “carta de apresentação” da artista para o público internacional. Todas as dez faixas do trabalho ganharam videoclipes com temáticas e estéticas variadas e o projeto trilíngue passeava pelo português, inglês e o espanhol, sendo a língua dos nossos hermanos a predominante, dado o foco no mercado latino naquele momento.

Três anos depois, chega o lançamento do quinto álbum de estúdio de Anitta, Versions of Me, a obra musical que tem como objetivo maior introduzir a cantora no mercado musical dos Estados Unidos da América. O que veio a público no dia 12 de abril tem sido desenvolvido desde 2019 e já teve outra cara e outro nome. O CD, que a princípio seria chamado Girl From Rio, estava sendo divulgado por meio dos singles Me Gusta e Girl From Rio como algo que, mesmo em espanhol e inglês, tinha elementos da cultura brasileira bem acentuados e que pareciam dar a tônica do projeto. O que já estava pronto em 2020 precisou passar por uma reformulação de seu conteúdo, mais gente se juntou a equipe, mais sessões de estúdio ocorreram até que, na primeira quinzena de março de 2022, o produto foi finalizado contendo mudanças significativas. 

O quinto álbum acaba por reciclar o conceito de mostrar as versões e personas da artista que também foi trabalhado lá em 2019. A utilização aqui, assim como em Kisses, intenciona mostrar versatilidade e o potencial artístico da cantora para o novo público. Essa estratégia faz sentido uma vez que ela está iniciando no mercado estadunidense, mas tendo em perspectivas sua carreira de mais de dez anos, é decepcionante não ver uma nova ideia sendo trabalhada por alguém com tanto potencial e que está junto de profissionais bem-sucedidos como Rami, Ryan Tedder, StarGate, entre outros que já trabalharam com Katy Perry, Rihanna e Britney Spears em sua equipe.

O álbum é uma mistura sonora de pop, reggaeton, trap, funk e R&B, que, mesmo parecendo megalomaníaco, é organizado de uma forma que flui bem e talvez seja na confluência de ritmos que esse trabalho realmente se destaque. A produção, que é feita por uma penca de profissionais, entre eles latinos, estadunidenses, europeus e brasileiros, dá vida a sons que de fato torna o conjunto único no meio de trabalhos extremamente pasteurizados que se encontram aos montes por aí. Versions of Me está livre dessa pasteurização? Jamais! Ela acontece de forma bem pronunciada na parte lírica do produto. A temática do álbum são as relações sexuais, românticas e afetivas da artista e cada faixa trabalha quase que isoladamente cada uma dessas situações e de maneira muito simplista na maior parte do trabalho e algumas vezes beirando o apelativo.

O álbum conta com cinco singles que foram lançados previamente. Me Gusta com participação de Cardi B e Myke Towers foi o primeiro desta empreitada e trouxe uma abundância de elementos no conjunto audiovisual, sendo um destaque no vídeo a inserção da rapper por meio de computação gráfica. O resultado é fenomenal e mostra que a produção realmente abriu o bolso para ter essa presença de peso. A música traz elementos do pagodão baiano que enche de personalidade a canção. 

Em seguida veio Girl From Rio, definitivamente a melhor composição do álbum. Aqui se tem uma síntese do que é a artista, sua história, sua personalidade e o lugar de onde ela vem. É uma letra que, em comparação com as demais, é rica em ideias e a sacada de usar o sample de Garota de Ipanema é sensacional, em uma subversão maravilhosa e surpreendente dentro do corpo do CD. Mesmo trabalhando com uma sonoridade que pode soar genérica, Anitta e sua equipe foram muito criativos e conseguiram entregar muita autenticidade. O clipe dirigido por Giovanni Bianco é um show à parte e traduz visualmente de forma magistral a canção. Essa faixa é uma maravilha e se junta inevitavelmente a Vai Malandra e Downtown como as melhores obras da artista.

Na sequência, Faking Love trouxe uma pegada mais funk e abusou de uma visualidade obscura e urbana, mas não brilhou muito. Por mais que tenha se tornado um sucesso global em 2022, Envolver foi lançada quase que despretensiosamente no fim de 2021 e seu vídeo é dirigido pela própria cantora, sendo bem minimalista e dando uma atenção especial para a coreografia. Inclusive, parte dela foi viralizada como o desafio “El Paso de Anitta” nas redes sociais.

Com a canção viral do momento no Instagram e principalmente no TikTok, Anitta foi escalando os charts mundiais e de forma histórica se tornou a primeira brasileira a chegar ao posto mais alto das paradas globais de plataformas como Spotify e Deezer com Envolver, além de também ter chegado ao primeiríssimo lugar na Billboard Global Excluding U.S., ranking que não conta os dados dos Estados Unidos, e em segundo no Global 200 que os contabiliza.

Boys Don’t Cry é a cartada mais “americanizada” da artista e abusa de referências cinematográficas em seu vídeo, além de apresentar uma sonoridade com uma dose de anos 80. É uma música que poderia ser interpretada por outras cantoras, mas aqui ela dialoga bem com o que é conhecido da vida amorosa da artista e com a ideia de estar no controle da própria vida, que é uma característica associada a Anitta. O clipe, dirigido pela cantora em parceria com Christian Breslauer, é digno de Cinema e o resultado é divertido e está a nível de artistas já consagrados, como The Weeknd e Doja Cat.

Para além dos singles, mais dez faixas compõem o corpo desse projeto. Algumas se sobressaem, como Gata em parceria com Chencho Corleone, que é super energética e mistura reggaeton com elementos de funk tendo cara de viral das redes sociais. Maria Elegante, em parceria com Afro B, traz elementos do afrobeat e é despretensiosa, mas carismática dentro do todo.

A faixa-título, Versions of Me, é o ápice pop do álbum, tem uma letra divertida, mas não muito original. Ela é fundamental para a consolidação do conceito da obra como um todo além de ter grande potencial para ser trabalhada como single. O funk puro-sangue é a faixa Que Rabão em parceria com Mr. Catra, YG, Papatinho e MC Kevin O Chris. A canção é uma homenagem de Anitta para o eterno Catra, que deixou alguns versos gravados antes de seu falecimento; mesmo sendo curtíssimos, a construção da faixa dá destaque a voz inigualável do cantor.

Canções como Love You e Love Me, Love Me fazem o papel de mostrar mais os vocais e trazer à tona essa faceta romântica da cantora, entretanto passam facilmente despercebidas dentro do todo. Ambas não são ruins, porém não tem algo que as destaquem em sonoridade ou liricamente. Já Turn It Up não parece ter uma razão clara para estar ali. É liricamente fraca e a sonoridade temperada com funk não tem personalidade alguma, sendo possivelmente a pior música do álbum.

A estética visual do projeto não tem unidade, cada single tem sua própria cara e isso fortalece o lançamento individual, mas ao mesmo tempo acaba por não permitir que o álbum como um todo tenha uma identidade imagética própria. O público possivelmente se lembrará de Girl From Rio, Envolver e Boys Don’t Cry mas talvez não se recorde que fazem parte do mesmo produto. A capa do álbum veio na intenção de transpor em uma imagem as versões da cantora e o resultado foi horroroso. Trazendo vários bustos com diferentes expressões, cabelos e maquiagens, peca em ser literal demais e surpreende por ser algo tão ruim em um projeto que possui visuais muito bons e justamente o que dá a cara para a obra ser tão genérica e de execução pavorosa.

Muito possivelmente o público nunca saberá o que já foi a ou as outras versões do álbum, essa aqui talvez não brilhe tanto como o esperado pelos fãs brasileiros, que a priori, não é para quem se endereça esse projeto. É para o mercado estadunidense que esse trabalho existe e é sob os ditames de uma gravadora de lá que ele vê a luz do dia.

O conjunto final de Versions of Me mostra que a pretensa versatilidade que tenta ser mostrada desde Kisses se tornou uma virtude da artista, mas aqui isso significa juntar algo incrível como Girl From Rio com algo descartável como a faixa Turn It Up. O álbum é dinâmico, energético e sua sonoridade é de longe seu ponto forte. As misturas com o funk é o que tem de mais marcante e o que irá destacá-lo dentre os trabalhos de outros artistas naquele mercado.

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Leonardo Oliveira

Já faz um tempinho que a cantora de Honório Gurgel não sai de cena, desde seu estouro entre 2012 e 2013 Anitta vem atuando no cenário cultural brasileiro com muito afinco. Para além da música, com menos de 10 anos de carreira, Anitta já atuou como apresentadora, produziu uma animação, fez pontas como atriz e já agencia outros artista. Neste ano essa trajetória é levada a outro nível com a chegada de Kisses, o primeiro álbum visual trilíngue da cantora.

Álbuns visuais já não são uma novidade. Nessa década Beyoncé lançou em 2013 seu álbum homônimo com vídeos para todas as músicas, assim restabeleceu um grande interesse por lançamentos audiovisuais, principalmente dentro do mercado pop. No mercado brasileiro e talvez até no latino-americano, esse tipo de produção é algo inédito, principalmente tendo uma proposta que trabalha os três grandes idiomas do continente americano (português, espanhol e inglês) em sonoridades muito populares.

Kisses é a grande cartada de Anitta no mercado internacional. Apesar de já ter dito que não tinha a intenção de fazer outro álbum e que preferia a dinâmica de lançamento de singles, a cantora teve que mudar seus planos por conta do mercado internacional que “exigia” dela um material mais completo. De seu último grande empreendimento musical, CheckMate, até seu primeiro álbum declaradamente internacional, Anitta fez parcerias com deus e o mundo, se manteve constante na mídia entre polêmicas e lançamentos até chegar o dia da grande estreia.

O álbum conta com dez faixas e não economizou em parcerias, seja em vocais, produção ou composição, esse trabalho tem um grande número de colaboradores. Por mais que esse lançamento não surpreenda liricamente, nem mesmo em sonoridade, é de grande ousadia e pretensão um álbum que vislumbra alcançar um grande público em diferentes mercados musicais.

No álbum tem trap, rap, hip-hop, mpb, reggaeton, funk, a lembrança de um sertanejo chato mas é essencialmente um álbum pop, apesar de todas influências a sonoridade que dá liga a tudo isso é sem dúvidas um bom pop latino. Esse trabalho é muito preocupado em agradar gregos e troianos, mas deixa claro seu grande objetivo que é se fazer relevante entre o público de língua espanhola.

Um álbum trilíngue é no mínimo curioso, e aqui essa miscelânea é feita sem nenhum intenção de ser equilibrada, pois sem dúvidas o espanhol é a língua principal desse projeto. Além das músicas inteiramente em um só idioma, composições que misturam as línguas em versos e estrofes também são utilizadas. A faixa que faz a melhor utilização disso é Tu y Yo, nessa alguns ouvidos desatentos podem não notar a mistura idiomática, principalmente por conta do sotaque de Chris Marshall que divide os vocais com Anitta, mas sentirão de longe a vibe praiana.

Por conta de toda mistura de influências, Kisses tem uma coesão questionável, porém entrega muita versatilidade e uma produção visual e sonora de alto nível, que não perde em nada para projetos de artistas de maiores proporções. A possibilidade de trabalhar cada música como um single faz parte da estratégia de Anitta e cada faixa parece ter sido cuidadosamente pensada para isso. É inegável que músicas como Banana com a Becky G e Onda Diferente com Ludmilla e Snoop Dogg tenham sido pensadas para serem virais. Elas carregam muita energia, sendo a primeira um pop de batidas intensas e a outra o único funk do disco (porra, Anitta) e sem dúvidas são as que muito possivelmente serão as mais ouvidas entre o público latino e brasileiro. Já por outro lado as duas últimas músicas Juego e Você Mentiu com participação de Caetano Veloso são de cara as que precisarão de mais empenho na divulgação por conta de serem as mais destoantes do todo.

A divulgação se pautou na ideia de mostrar as diferentes personas da Anitta representadas em cada faixa. Dias antes do lançamento, pelo Instagram a cantora postou uma sequência de fotos mostrando a Anitta de cada clipe com uma breve descrição da personalidade de cada uma delas. O conteúdo visual disso parecia mostrar, a cada foto, uma stripper que não condizia com as descrições feitas na postagem.  Ao ver os clipes esse conceitinho não cola muito bem, um vídeo faz jus à descrição, outro à imagem e o que se nota na maioria das vezes é a personalidade já muito conhecida e batida: a Anitta super sensual.

Apesar de um grande time de compositores, as letras do álbum são majoritariamente bem simples e frívolas. A mensagem principal do álbum fica bem clara em 4 músicas, Atención, Sin Miedo, Get to Know Me e Juego. É dentro dos meandros dessas faixas que Anitta canta para o mundo quem ela é. É aqui que ela se auto afirma como uma mulher forte e muito consciente de si, se mostra destemida diante do julgamento dos outros, tem noção do seu valor e ainda mostra que tá no comando da própria vida. Esse é o sinal mais importante que a poderosa quer escancarar para os gringos.

Os objetivos de levar a própria música para fora de nossas fronteiras vira e mexe passa a ser cogitado por artistas que estão em alta, porém essa tentativa nunca foi algo fácil de se fazer. Wanessa Camargo e Claudia Leitte são grandes exemplos do fracasso nessa empreitada que vai muito além de fazer um copia e cola controverso do que é sucesso nos Estados Unidos. A sacada de mestre de Anitta e sua equipe foi entender o que está fazendo sucesso nos outros mercados e começar a trabalhar em novos ritmos e gêneros dentro do mercado nacional como forma de criar uma ponte com outros mercados. Só assim foi possível vislumbrar ter sucesso fora do Brasil, e é por conta de toda consistência galgada paulatinamente que Anitta  tem o potencial para se tornar memorável internacionalmente assim como Shakira já fez. De Snoop Dogg a Caetano veloso, Kisses não promete um grande hit, mas é uma grande obra audiovisual. Falha essencialmente ao propor um conceito e não entregá-lo, porém é ao mesmo tempo inovador e eloquente.

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Isabelle Tozzo e Leonardo Oliveira

Provavelmente 2009 foi um dos anos mais importantes para a música pop. Foi neste ano que ouvimos o álbum The Fame Monster da Gaga, em que Rihanna lançou o disco que viria a ser um dos mais significativos de sua carreira, Rated R; quando Black Eyed Peas nos apresentou a sonoridade eletrônica de The E.N.D. e que dançamos com a chiclete Tik Tok da Kesha. Grandes sucessos da época, depois de anos de saturação, hoje já nos traz um gostinho de nostalgia e até nos faz pensar “o pop era incrível e a gente não sabia”.

Neste mesmo ano, a crítica britânica só tinha olhares para uma pessoa: Lily Allen. E não à toa. Com It’s Not Me, It’s You, a inglesa nos mostrou como ser crítica, engraçada e única. Seu som conseguiu passar pelos anos sem tanto desgaste e isso o proporcionou a primazia de não ficar datado.

Lily tem a língua afiada como a espada de um samurai, e isso não fez o início de sua carreira mais fácil, porém foi e ainda é a pedra fundamental para seu sucesso como artista. Quando apenas era uma jovem adulta, trouxe ao mundo um álbum de estúdio que mesmo muito tempo tendo se passado, suas letras ainda se mostram pertinentes e muito atuais.

Antes de lançar seu segundo disco, Lily declarou que iria reinventar sua carreira. A afirmação foi controversa, já que, até então, a cantora possuía apenas um álbum. It’s Not Me, It’s You não modificou o que Allen fazia até então. Pelo contrário, trouxe uma continuação aguçada da temática de Alright, Still deixando apenas as influências do reggae de lado e trazendo um eletropop com pitadas de country. As letras de humor ácido permaneceram, o que viria a ser a característica mais marcante de seu trabalho até hoje.

Letras que refletiam uma garota de muita personalidade e que apesar de jovem já tinha vivido poucas e boas. As composições que em sua maioria é assinada por Allen e Greg Kurstin, não abusam de metáforas, mostrando que a cantora não faz questão de ficar floreando muito o que tem à dizer. Mesmo temas tão universais sendo abordados, It’s Not Me, It’s You é primeiramente um trabalho íntimo e pessoal. Tratar de drogas, relações familiares e românticas é sempre a máxima para trabalhos mais íntimos dentro do pop. Porém, Lily traz isso como característica de seu trabalho e sem a pretensão de chocar o mundo. Ela vem pra falar suas verdades e mostrar suas opiniões.

Falar do que ela vivia era (e ainda é) falar diretamente da sociedade, e o que impressiona é que a realidade pouco mudou. As relações tóxicas e machistas ainda continuam, a medicalização como solução para os problemas está a todo vapor e as pessoas de pensamento “medieval” parecem só aumentar. Fuck You, poderia estar em uma carta endereçada ao presidente da república sem parecer ter sido escrita a mais de 10 anos.

Sua fama de irônica é sem dúvidas mais que merecida. Quem é pego pela sonoridade, se desavisado ou pouco atento, pode vir a achar que as músicas da londrina são apenas divertidas e alegres, de batidas muitas vezes rápidas e enérgicas, porém nem de longe elas por si só são capazes de entregar claramente as intenções da artista que une a densidade lírica à leveza melódica para entregar a quem a escuta um produto cheio de nuances e muito inteligente.

Através desses anos, vimos muitos artistas do pop mainstream se politizarem e abordarem temas altamente relevante em seus trabalhos, porém Lily Allen já trilha esse caminho a quase duas décadas. E enquanto eles corriam atrás, ela já era atemporal. Sua forma sarcástica de fazer críticas sociais ou contar detalhes de seus relacionamentos em It’s Not Me, It’s You geram identificação com quem ouve. Lily encara a vida com ironia e deboche na medida certa. Algo como uma transa ruim que depois te proporciona muitas risadas entre amigos e a aceitação de que a vida é assim mesmo.

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O fim do ano está próximo e com ele chega nossa tradicional seleção do que foi feito de melhor na indústria musical nos últimos 12 meses. Nessa edição, fizemos diferente e perguntamos aos personas como foi o ano musical de cada um, e de quebra elencar o seus 5 melhores discos de 2018. Sem mais delongas, vamos aos comentários:

Carlos Botelho

Analisando tudo que consumi musicalmente este ano, fica evidente uma predominância feminina no que mais ouvi e destaquei como emblemático para o contexto de 2018. Seja com Mitski trazendo em Be The Cowboy o ápice do refinamento de seu trabalho, ou Kacey Musgraves com total controle da narrativa que entregou ao público em Golden Hour, ou ainda Ariana Grande dominando os charts com um single honesto e despretensioso em thank u, next; 2018 foi marcado pelas mulheres reafirmando seu papel essencial na indústria musical.

Ainda poderia citar Rosalía, Kali Uchis, SOPHIE, Robyn, Janelle Monaé, Snail Mail, dentre tantas outras artistas que mostraram que não é necessário anos de carreira e bons rendimentos as gravadoras para concretizar conceitualmente suas obras sem amarras. O grande ponto a ser citado é: apesar de todo sexismo que ainda assombra a indústria, 2018 foi um ano de grandes discos onde mulheres puderam colocar seus pontos de vista de forma integral e entregar trabalhos incríveis.

Discos favoritos: 1. Be the Cowboy – Mitski / 2. El Mal Querer – Rosalía / 3. Golden Hour – Kacey Musgraves / 4. Oil of Every Pearl’s Un-Insides – SOPHIE / 5. Isolation – Kali Uchis

Douglas Françoza

Os trechos de After de Storm foram palavras de conforto para um ano tão complicado como esse. O timing foi perfeito e, durante muito tempo, foi aquela canção que eu colocava para tocar logo no início do dia, para dar uma aquecida no coração. A Kali tem esse dom, né? O Isolation é um álbum que tem essa vibe de trazer os sentimentos a tona com uma doçura sinestésica. Outra coisa bacana sobre ele é a mistureba organizada de ritmos. Muita bossa nova, jazz e R&B.

Agora precisamos falar sobre Cardi B, que não é só polêmicas. Ela lançou um dos álbuns mais divertidos e agressivos do ano, Invasion of Privacy. Lembro que quando escutei I Like It pela primeira vez, quando ainda não tinha sido escolhida para single, pensei que aquilo precisava ser um hit (tipo, “escolhe essa, Cardi”). Tem muita coisa para se falar sobre esse álbum, mas concluo dizendo que Cardi fala o que precisa ser dito sem perder a graça e sem deixar a peteca cair.

E em 2018, tivemos a volta da Lilly Allen, que nos presenteou com o No Shame, álbum que escutei repetidas vezes. É sincero, triste e irônico. Ela colocou o dela na reta, fez críticas a mídia e falou sobre relacionamentos adultos, filhos e carreira. Passou tudinho a limpo de um jeito bem Lilly Allen, sabe? Gostosinho. Minhas preferidas são Family Man, Everything to Feel Something, What You Waiting For? e Lost My Mind.

Discos favoritos: 1. Isolation – Kali Uchis / 2. Dirty Computer – Janelle Monáe / 3. No Shame – Lily Allen / 4. Bloom – Troye Sivan / 5. Invasion of Privacy – Cardi B

Egberto Santana Nunes

Abri o caminho para o pop e conheci a já conhecida Ariana Grande, que mesmo com grandes perdas esse ano, não abalou a carreira e nos deu de presente thank u, next, com um clipe que homenageia grandes clássico da cultura pop. Um bônus para seu ótimo Sweetener, que não desagrada ao flertar com o trap.

Resolvi afundar ainda mais a cabecinha com o  pop experimental dançante do duo Let’s Eat Grandma em seu excelente I’m All Ears, cujo single Hot Pink foi produzido pela rainha do gênero.

SOPHIE nos apresentou esse ano um mundo que deixaria Aphex Twin instigado com Oil of Every Pearl’s Un-Insides. Menos divertido e mais assombroso, Tim Hecker nos deu Konoyo, apresentando um ambient, esse sim, sinistro e tenebroso.

No terreno do rap, Kanye West, que não satisfeito em entregar seu nono trabalho, nos deus mais 4 produções. Destaco duas: seu solo, ye, que não chega a ser um de seus melhores, mas marcou por conta de toda a questão de saúde embutida no encarte; e Daytona, responsável por fazer nascer a melhor diss desse ano. Menção honrosa para o ápice da parceria com Kid Cuid em Kids See Ghosts, sem desapontar novamente.

E como esquecer do talentosíssimo Earl Sweatshirt renascendo das cinzas do undergound com o clássico (?) Some Rap Songs, longe dos amigos do Odd Future, lançando seu projeto mais cru, triste e pessoal possível. Um desabafo e uma homenagem merecida à sua família.

Uma resolução para 2019? Manter a cabeça aberta e continuar conhecendo coisa nova e coisa boa, e focar mais no nacional, rs.

Discos favoritos: 1. Daytona  –  Pusha T / 2.  Kanye West – ye / 3. MC Igu – Subiminar  / 4. SOPHIE – Oil of Every Pearl’s Un-Insides / 5.  Tim Hecker –  Konoyo

Gabriel Leite Ferreira

Graças ao Spotify, este foi o ano em que ouvi mais lançamentos. Foram 100 discos ao todo, que culminaram em um top 30 de Aphex Twin a Kyary Pamyu Pamyu.

O top 5 pode ser menos eclético, mas é representativo o suficiente: 3 nomes em ascensão no rap brasileiro e norteamericano e 2 novatos no rock nacional e internacional.

Earl Sweatshirt e MC Igu surpreenderam em suas novas empreitadas, dois álbuns originais sem medo de homenagear suas inspirações (Madvillain e Wu-Tang Clan, respectivamente.) Mitski entregou em Be the Cowboy um dos álbuns mais coesos do rock atual (junto com Bark Your Head Off, Dog do Hop Along e Lush da Snail Mail), revelando-se concorrente à altura de St. Vincent e Car Seat Headrest.

A Lupe de Lupe sucedeu o polêmico Quarup com o polêmico Vocação, um novo pico na carreira ascendente, mais sério e complexo, assim como nosso pobre país. Por fim, S. C. A., do rapper mineiro FBC, foi a maior surpresa do ano (leiam mais aqui.)

Conclusões? Um baita ano que assegurou pelo menos duas coisas: a nova geração do rap brasileiro tá superando os gringos, e o rock é das mulheres. Cinco discos que levarei pra vida. Que venha 2019!

Discos favoritos: 1. Some Rap Songs – Earl Sweatshirt / 2. Be the Cowboy – Mitski / 3. Vocação – Lupe de Lupe / 4. Subliminar – MC Igu / 5. FBC – S. C. A.

Giovane Gabriel

Esse ano fiquei mais recluso no k-pop. Acho que, ao contrário do cenário estadunidense onde o pop está um pouco em baixa, na Coreia do Sul o gênero continua sendo bem trabalhado e se sobressaindo aos outros ritmos. Cada lançamento que escolhi tem sua identidade única, o que tornou mais divertido de acompanhar esse universo musical.

Poet | Artist é o segundo álbum de estúdio do cantor Jonghyun, lançado postumamente em janeiro. Ele já havia finalizado o álbum com todos os retoques antes de cometer suicídio em dezembro de 2017 e, assim como sua estreia, contém boas letras e arranjos, além do ótimo vocal pelo o qual era responsável no seu grupo  SHINee.

Pegando carona, o grupo masculino comemorou seus 10 anos com o lançamento do sexto álbum de estúdio The Story of Light, primeiro álbum também sem o integrante Jonghyun. É um trabalho bem diverso, indo do tropical house de I Want You até o R&B de Our Page. Boas letras, bons vocais, boas melodias e bons clipes, com certeza foi a minha era preferida do gênero esse ano.

As mulheres não ficaram para trás, Sunmi (ex-Wonder Girls) colocou na pista o seu segundo disco, Warning com o hit Heroine. Além de ter sido a k-idol solo de maior destaque em 2018, o trabalho foi um dos mais interessantes do ano.

O grupo feminino Red Velvet nunca repete seus conceitos e não foi diferente com o relançamento The Perfect Red Velvet. Lançando o single Bad Boy, o grupo reafirmou a maturidade musical que vem construindo desde o seu debut.

Outro grupo que mesmo novo mostrou ter uma sonoridade única foi o Loona. Debutou esse ano com o mini álbum [++] e já mostrou versatilidade musical transitando entre o som poderoso de favOriTe e pop chiclete Hi High.

Discos favoritos: 1. The Story of Light – SHINee / 2. WARNING – Sumni / 3. [++] – Loona / 4. Poet | Artist – Jonghyun / 5. The Perfect Red Velvet – Red Velvet

Guilherme Hansen

Que 2018 foi um ano de caos, isso ninguém precisa lembrar (as eleições que o digam). No entanto, a música foi uma daquelas coisas que nos trouxe mais esperança e gás para prosseguir nesses dias, principalmente pelo frescor trazido por novos artistas.

A britânica Fenne Lily, com seu álbum On Hold, foi o grande lançamento do ano. Lily une o poder de sua voz grave com letras melancólicas e cheias de negatividade com a vida, um prato cheio para quem gosta de músicas reflexivas.

Mas ela não é a única que vem com essa vibe. Também da Inglaterra, Blanco White traz um som folk com elementos da música flamenca. Seu EP, Nocturne também traz letras introspectivas, o contrário de Mt. Joy, que em seu álbum homônimo, traz um folk rock com uma pegada mais pop com canções que falam, entre outras coisas, dos desafios que a vida traz cedo (destaque para Silver Lining).

Ainda no cenário internacional, Florence and the Machine não decepcionou com High as Hope. Com batidas mais tranquilas, Florence Welch volta mais confessional do que nunca e fala sobre temas delicados como o transtorno alimentar e o alcoolismo que enfrentou em músicas como Hunger e June.

Por fim, Lenine volta mais afiado do que nunca em seu Em trânsito. Com músicas mais agitadas que o de costume, o cantor pernambucano traduz em suas letras um pouco do caos que estamos vivendo, tal qual como supracitado.

Os próximos anos podem não ser fáceis, mas estes e outros álbuns mostram que a arte resiste e assim continuará fazendo.

Discos favoritos: 1. On Hold – Fenne Lily / 2. Nocturne EP – Blanco White / 3. Mt. Joy – Mt. Joy / 4. High As Hope – Florence and the Machine / 5. Lenine em Trânsito – Lenine

Guilherme Luís

2018 foi um ano atípico para mim como fã de música pop. Isso porque, desde que consumo muita música, o pop sempre significou música internacional, e nesse ano terminei colocando 3 álbuns nacionais entre os meus favoritos do ano. Não só isso: os destaques de singles, clipes (e até turnês) ficaram totalmente com os cantores pop atuais do Brasil.

Meu álbum e single favoritos de 2018 são da IZA, grande revelação pop do ano. A melhor voz brasileira dos dias de hoje que, depois de uma série de singles soltos pouquíssimo inspirados e sem personalidade, lançou Pesadão, um grande hit de 2017. Quando seu primeiro disco, Dona de Mim, foi lançado, a surpresa foi grande: uma série de faixas com letras inspiradas, ritmos diversos, colaboradores bem escolhidos. Um álbum sem defeitos!

Pabllo Vittar lançou o Não Para Não, seu segundo álbum, e se consolidou como uma das artistas pop mais relevantes da atualidade. O clipe de Problema Seu é o melhor de sua videografia e as músicas não ficam para trás: as 10 faixas do disco fazem dele objetivo, conciso, mas não menos completo. Músicas como Disk Me e Seu Crime são grandes destaques para a carreira de Pabllo. A turnê é um espetáculo à parte: 1h15 de show com músicas dos dois álbuns, do EP, singles soltos e featurings com outros artistas estão no repertório com muita dança e fritação.

Lobos, álbum do cantor Jão, não é puro pop, mas navega entre gêneros de maneira orgânica. Outro grande destaque do ano, principalmente por conta das letras que contam lindas histórias e fazem do álbum quase um livro, de tão profundas. Os clipes também alavancaram o disco e fazem do Jão um grande destaque do ano e uma promessa para o futuro.

Discos favoritos: 1. Dona de Mim – IZA / 2. Não Para Não – Pabllo Vittar / 3. Sweetener – Ariana Grande / 4.  Lobos – Jão / 5. EVERYTHING IS LOVE – The Carters

Isabelle Tozzo

Em relação ao meu ano musical, em 2018 acompanhei poucos lançamentos. Digo, ouvi pouco os artistas que já conhecia. Dei preferência por conhecer novos cantores e me surpreendi positivamente com que ouvi. Duda Beat é uma delas.

Entre a ambiguidade de ser uma pessoa que sente demais e a mulher que se desculpa pelo que sente, Sinto Muito, seu álbum de estreia, traz a dor dos relacionamentos amorosos atuais. Bédi Beat, faixa que abre o disco, define bem o estilo da pernambucana que traz letras melodramáticas em uma mistura de pop e brega.

Este ano também fiquei feliz de acompanhar o crescimento de bandas que já acompanho há um tempo, como Carne Doce. A banda goiana lançou Tônus, o terceiro álbum, mais maduro e harmônico de todos. Com sonoridade mais melancólica que os outros dois anteriores, o disco apresenta nas letras diversos temas, mas sem perder a relação entre elas. É o melhor álbum da banda e também o melhor que ouvi no ano.

Por fim, no meu hall de favoritos também está God’s Favorite Customer do Father John Misty. O álbum é o quarto do cantor norte-americano e, dessa vez, com temas menos apocalípticos e questionadores que o anterior, o artista trouxe mais intimidade e pessoalidade ao trabalho. Mesmo assim, não deixa a ironia e o seu típico humor ácido de lado.

Discos favoritos: 1. Tônus – Carne Doce / 2. God’s Favorite Costumer – Father John Misty / 3. Sinto Muito – Duda Beat / 4. High as Hope – Florence and the Machine / 5. Isolation – Kali Uchis

Jho Brunhara

2018 foi um ano muito importante para a música pop brasileira: temos cada vez mais artistas comprometidos em sustentar o gênero, inovando nas produções e ajudando a consolidar o estilo em terras tupiniquins. Sem dúvidas, o pop br já tem suas próprias variações do gênero puro importado dos EUA e Europa. Podemos notar elementos nacionais, seja do forró, funk, sertanejo ou MPB, fundidos na música popular.

Como grandes exemplos desse ano tivemos o álbum Não Para Não, da cantora Pabllo Vittar; Sinto Muito, da DUDA BEAT (que considero o melhor álbum do ano, extremamente fresh na produção e conceito); Azul Moderno, da Luiza Lian; Dona de Mim, da IZA; jovens inseguros vivendo no futuro, do cantor GARBO; e claro, Lobos, do representante masculino do pop em ascensão, Jão. O mercado pop brasileiro só tem a crescer, e espero que o espaço para produções criativas e conceituadas seja cada vez maior.

Internacionalmente falando, o ano também foi muito positivo, por mais que os órfãos do pop de 2010 continuem em busca da volta daquele estilo (que talvez não retorne tão cedo, ou nem retorne), existem artistas se dedicando a trazer diferentes visões e produções para o estilo. Uma das forças de 2018 foram os artistas LGBT+, como Hayley Kiyoko com seu álbum Expectations, Troye Sivan com Bloom; SOPHIE com OIL OF PEARL’S UN-INSIDES; Years & Years com Palo Santo; e Kim Petras com sua mixtape TURN OFF THE LIGHTS, VOL. 1. Não dá para dizer que essas produções foram menos que pop perfection.

Outros destaques são o self-titled do The Neighbourhood; Lily Allen com No Shame; e ionnalee com EVERYONE AFRAID TO BE FORGOTTEN.

Quando me dizem que o pop morreu anos atrás, eu penso em todas as produções fantásticas e não genéricas que tivemos nos últimos anos e penso: bom, pelo jeito morreu para dar lugar a algo muito melhor.

Discos favoritos: 1. Sinto Muito – Duda Beat / 2. High as Hope – Florence and the Machine / 3. Azul Moderno – Luiza Lian / 4. Bloom – Troye Sivan / 5. The Neighbourhood – The Neighbourhood

Leandro Gonçalves

Num ano tão tempestuoso quanto este, pouco naveguei. Calma lá, eu explico… tanto no YouTube quanto no Spotify, não procurei por novos artistas, salvo um ou outro que me despertaram curiosidade. Definitivamente, não foi um ano de descobertas. Dentre as poucas novidades que me permiti conhecer, destaque para a inglesa Rina Sawayama e para a vizinha germânica Kim Petras.

Para flertar com o R&B, Rina utiliza de característicos vocais que, quando acompanhados de instrumentos como guitarras e sintetizadores, tornam a sonoridade das faixas algo que oscila entre o já conhecido e, talvez, futuras tendências. Ao lado de Charli XCX, Rina é uma das artistas da atual frente visionária inglesa, que promete resgatar a música pop do marasmo trazido pelo mercado americano.

Ainda na europa, Kim Petras é outro nome que agitou meu Last.fm. A artista me surpreendeu com os poderosos instrumentais da mixtape TURN OFF THE LIGHT, VOL. 1, principalmente os das faixas In The Next Life e Tell Me it’s a Nightmare. O trabalho, com temática de Halloween, conta com sonoridade pesada, para se acabar de dançar em um clube noturno ou na intimidade do quarto.

Além disso, funciona como uma bela introdução para aqueles que desejam explorar a PC Music, ainda que não seja tão característico do estilo. Todavia, nem tudo pode ser perfeito… Dr. Luke está por trás da produção. Por outro lado, como bem apontado por um amigo, a visibilidade que o trabalho trouxe para Kim, uma artista trans, se contrapõe a má impressão causada pela presença de um homem acusado de assédio sexual na produção.

Discos favoritos: 1. Caution – Mariah Carey / 2. TURN OFF THE LIGHT, VOL. 1 / 3. Joyride – Tinashe / 4. Isolation – Kali Uchis / 5. Não Para Não – Pabllo Vittar

Leonardo Oliveira

Kali Uchis e seu Isolation (também conhecido como o melhor do ano), foi um grande refresco para música latina que segue saturada de tanto reggaeton. Kali não esquece de tirar uma casquinha desta sonoridade e entrega uma jornada maravilhosa sobre suas vivências em ritmos como bossa nova, R&B, soul de forma muito coesa e bem feita.

Pabllo Vittar seguiu numa crescente em sua carreira, depois de fazer inúmeras parcerias com artistas nacionais e internacionais, lançou seu segundo álbum Não Para Não no comecinho de outubro. Se com a política a gente sofre, com a Pabllo a gente chora só um pouquinho pela dor de cotovelo mas sem parar de dançar, nesse trabalho ela não explorou muitas sonoridades como no primeiro mas nos deu a melhor síntese de Banda Calypso com Banda Djavú numa roupagem toda popzinha e impecável.

Sinto Muito foi a surpresa de 2018, com letras que batem fundo no peito. Duda Beat foi a revelação que precisávamos, um indie pop delicioso que te põe para sentir cada verso.

Da terra da Rainha tivemos Lily Allen menos afrontosa e mais sentimental com o maravilhoso No Shame; já da terra do Tio Sam, a voz da maior borboleta viva, Mariah Carey, nos presenteou cautelosamente com o Caution, que sem dúvidas é o melhor lançamento dela em anos.

Sem nenhuma dúvida, álbuns memoráveis e com alta qualidade da concepção à finalização. Que 2019 nos permita mais conteúdo assim.

Discos favoritos: 1. Isolation – Kali Uchis / 2. Não Para Não – Pabllo Vittar / 3. Sinto Muito – Duda Beat / 4. No Shame – Lilly Allen / 5. Caution – Mariah Carey

Leonardo Santana

Nas resoluções para 2018, prometi pra mim mesmo que ouviria mais música brasileira. E não deu outra: Gal Costa no topo das mais ouvidas e muito pop tupiniquim embalando o meu ano do karma. Os delírios holísticos da drag maranhense Potyguara Bardo deram o tom de um período bem doido. Além disso, nossa rainha Pabllo Vittar provou que dá pra rolar experimentações e misturas inusitadas em músicas feitas para a pista de dança (voto no kpop-forró-kizomba de Buzina para hino do Carnaval).

Em terras gringas, Janelle Monáe deu vazão a uma porrada de sentimentos sobre raça e sexualidade que eu nunca soube explicar direito. Robyn voltou depois de quase uma década e confirmou seu óbvio status de lenda, enquanto Kali Uchis me afogou em sua fantasia de decadência hollywoodiana.

E, apesar de algumas pisadas na bola, Azealia Banks foi a queridinha do ano com um presente forma de música: a maravilhosa Anna Wintour.

Discos favoritos: 1. Dirty Computer – Janelle Monáe / 2. Isolation – Kali Uchis / 3. Simulacre – Potyguara Bardo / 4. Honey – Robyn / 5. Oil of Every Pearl’s Un-Insides – SOPHIE

Maria Carolina Gonzalez

Lá em janeiro, eu já imaginava que 2018 tinha potencial para ser musicalmente emocionante. Talvez eu esperasse mais do mesmo, mas percebi que me enganei. Logo no começo do ano, o Little Dark Age mostrou que o MGMT ainda conseguia fazer música boa depois de muito tempo. Em maio, o Arctic Monkeys lançou seu sexto álbum e trouxe junto muito assunto pra ser discutido. Talvez o Tranquility Base Hotel & Casino tenha dado mais trabalho para os fãs do que para a própria banda. Alguns torcem o nariz e outros dizem entender um conceito que às vezes nem existe e poderia me aprofundar no assunto, mas acho que já consegui deixar minha opinião a respeito.

Como se não bastasse o Arctic Monkeys, o parceiro do Alex Turner, Miles Kane, lançou seu terceiro álbum: Coup De Grace. Acredito que esse seja mais do mesmo, porém não deixa de ser cativante e sincero. E por falar em disco cativante, um que infelizmente não ganhou texto, mas não poderia passar despercebido na minha lista foi o Egypt Station, de Paul McCartney (acho que esse nome dispensa apresentações) e mostrou mais uma vez que um ex-beatle não precisa provar nada para ninguém.

A maior surpresa nessa lista e no meu ano musical – que dificilmente sai da zona de conforto – foi conhecer o som da colombiana Kali Uchis e apreciar o suficiente para colocar o Isolation no meu top 5. A expectativa para 2019 é que os ritmos latinos tenham o mesmo destaque que tiveram em 2018. Este ano agitado e um tanto conturbado já está acabando, feliz ou infelizmente. Talvez tenha pouca expectativa na música para 2019, mas, como disse logo no início, espero estar enganada.

Discos favoritos: 1. Tranquility Base Hotel + Casino – Arctic Monkeys / 2. Egypt Station – Paul McCartney / 3. Little Dark Age – MGMT / 4. Coup de Grace – Miles Kane / 5. Isolation – Kali Uchis

Natália Schiavon

O que eu mais ouvi esse ano se resume em músicas com letras vulneráveis muito bem produzidas por artistas majoritariamente mulheres. Talvez o ápice dessa descrição seja a Mitski se comparando a um gêiser prestes a explodir na canção de abertura do Be the Cowboy, um álbum sobre uma personagem reprimida com uma erupção de sentimentos dentro de si. Talvez sejam as confissões da Snail Mail em Lush, um trabalho que soa como o diário de uma adolescente que observa do seu canto as pessoas ao redor numa festa. Talvez seja a Noname refletindo sobre religião e racismo com a mesma sagacidade que reflete sobre suas falhas e ex-namorados em Room 25.

No espectro brasileiro, Carne Doce veio com Tônus, o álbum mais melancólico da banda, que no meio de melodias dançantes revela a angústia e o medo de envelhecer. E aí vem Lupe de Lupe com Vocação, um disco intenso, que segue um fluxo tão caótico quanto sensível. Que a vulnerabilidade sem medo (ou com medo mesmo) continue sendo a maior força dos artistas em 2019.

Discos favoritos: 1. Be the Cowboy – Mitski / 2. Room 25 – Noname / 3. Tônus – Carne Doce / 4. Vocação – Lupe de Lupe / 5. Lush – Snail Mail

Rafaela Martuscelli

Confesso que em 2018 não estive tão a par do que aconteceu na indústria musical em geral. Me atentei, claro, aos meus estilos favoritos, e por isso os destaques para mim se mantiveram no estilo alternativo e indie.

O maior destaque para mim foi o Trench da banda Twenty One Pilots, e não só por ser minha banda favorita. Todo o conceito utilizado na produção do álbum, junto com o mundo que o vocalista Tyler Joseph criou através das músicas.

Um álbum que não entrou na minha lista mas chamou atenção foi o novo da Anavitória, O Tempo é Agora, que não ouvi com tanta atenção mas o que consegui dar uma olhada não deixou a desejar. Esse ano não foi musicalmente aproveitado por mim, mas prometo que 2019 eu melhoro!

Discos favoritos: 1. Trench – Twenty One Pilots / 2. My Dear Melancholy, – The Weeknd / 3. The Neighbourhood – The Neighbourhood / 4. M A N I A – Fall Out Boy / 5. High as Hope – Florence and the Machine

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Leandro Gonçalves e Leonardo Oliveira

De beleza estonteante e orgulho não comedido, Narciso encontrou sua ruína na admiração exagerada pela própria imagem. Ao ver a si mesmo refletido nas águas de um bosque, o jovem filho do deus Cefiso apaixonou-se pelo seu respectivo eu e, hipnotizado, definhou diante da representação de seu rosto.

Em Hard Candy (2008), Madonna encarna a figura narcisista exemplificada pela fábula grega. Porém, diferentemente do pobre menino que sequer conhecia a si próprio, a material girl comprova ter completo domínio sobre a personagem que construiu durante sua carreira. Não intimidada pelo próprio poder, Madonna canta sobre ainda ser a melhor.

Lançado em abril de 2008 e responsável por suceder o dançante e energético Confessions on a Dance Floor (2005), o décimo primeiro álbum da artista segue o ritmo ditado por suas confissões anteriores, dando continuidade à busca por conquistar as pistas de dança.  A estratégia bem sucedida adotada após o pretensioso American Life (2003) — este uma clara crítica ao comportamento de seu público consumidor — buscou reaver a popularidade de Madge entre os americanos, recorrendo às picapes dos clubes noturnos.

Se em Confessions Madonna nos mostrou seu potencial vanguardista e desenvoltura criativa, em Hard Candy o maior nome feminino da indústria fonográfica preferiu seguir tendências – e, deste modo, comprovou que ceder ao que lhe é contemporâneo pode ser uma escolha proveitosa. Seguir o ritmo daquilo que já era tocado não foi um ato despretensioso, pelo contrário.

Reunir Timbaland, Pharrell Williams, Danja, Kanye West (produtores que ditavam as tendências em sonoridade da época) e um Justin Timberlake em ascensão foi uma jogada ambiciosa, com riscos de tender ao genérico. Em outras palavras, uma aposta alta de uma jogadora que não costuma perder.

O disco, construído de maneira gradual desde meados de 2007, contém vocais adicionais de Timbaland e, principalmente, de Pharrell. Além disso, a tracklist mostra-se inegavelmente autoral, pois Madonna é creditada em todas as composições.

Ainda que autobiográfico até certo ponto, o disco é superficial se comparado a empreitadas mais orgânicas da artista, como o primoroso e profundo Ray Of Light (2008). Isso, no entanto, não desqualifica o trabalho, mas corrobora com seu propósito: aqui, Madge quer reafirmar seu papel de protagonista, reaver a figura de primadonna no cenário pop e mainstream, e não que a conheçamos sob a ilusória óptica dos “trabalhos pessoais”.

Os louros do sucesso deram as caras assim que o lead-single 4 Minutes foi lançado. A música tem a sonoridade mais forte e destoante do álbum, tendo possivelmente sido concebida já com a pretensão de se tornar o hit do trabalho. A letra é, de longe, a pior dentre as 12 composições do disco. Os versos genéricos preenchem uma construção lírica cujo único intuito é entreter através da criação de sentidos pautados em uma espécie de eufemismo para falar sobre sexo. A produção, por outro lado, é impecável. O instrumental bem estruturado deixa claro a intenção de conquistar pelo ritmo, e não pela mensagem.

Os quatro minutos da Rainha do Pop — produzidos por Timbaland, Danja e JT — foram uma jogada comercial bem sucedida: a faixa figurou como a mais tocada de Madonna desde Hung Up (2005) e, meio ao boom do mercado fonográfico digital, ainda foi um bom primeiro passo de Madonna no início da era dos downloads.  Mesmo tendo sofrido com vazamentos, 4 Minutes já em seu segundo dia de vida foi alçada da sexagésima oitava posição na Billboard Hot 100 à terceira colocação.

A pista de dança de Madonna é claramente nostálgica, já que até ouvidos menos atentos sentiriam a carga oitentista que permeia várias faixas do álbum. Mas, a cartada certeira é o minucioso trabalho que traz essa influência junto ao hip-hop tão popular à época, o que acabou levando o trabalho de M-Dolla (a persona boxeadora que a cantora adotou) a uma nova geração de fãs.

A sonoridade urbana protagonizada, na época, por artistas como Nelly Furtado e, curiosamente, Mariah Carey (nome surgido em oposição à material girl na década de noventa), foi adotada por Madonna, que mostrou sua versatilidade em explorar alternativas e artistas em destaque — capacidade esta que a acompanhou, também, em seus últimos trabalhos e influenciou sua recente relação com o EDM.

O segundo single, Give It 2 Me, possui letra e produção que conversam mais com o restante da obra. Aqui, Madonna lança-se ao desafio: sob sua própria experiência, mostra que não precisa se provar, mas mesmo assim encara com muita destreza o que vier. O videoclipe foi feito de forma a juntar o útil ao útil, pois foi gravado nos bastidores de uma sessão de fotos de Madonna para edição britânica da revista ELLE, mesclando fotos e takes de Madge dançando e posando para a câmera.

O amor à distância foi o tema sobre o qual o último single da era discorreu: Miles Away esconde na animação de sua sonoridade versos cheios de uma  melancolia proporcionada pelo afastamento da pessoa amada, além da dificuldade dessa relação insuficiente e defasada.

Apesar de seu lançamento nas rádios norte americanas em novembro de 2008, a música só ganhou um vídeo em meados de 2009 com a utilização das imagens da turnê, onde o clima intimista proposto pela canção se energizou com o fervor da multidão, proporcionando uma performance simples mas cheia de emoção.

Tanto auto centramento nas letras mostra o conhecimento da cantora sobre si mesma. O momento de Beat Goes On é, de maneira clara, uma grande autorreflexão. Em uma fase em que questões sobre a carreira, como o fim do longínquo contrato com a Warner Bros, e o desgaste de seu casamento com o diretor inglês Guy Ritchie podem ter posto Madonna para baixo, levando-a a fazer dessa música uma injeção de autoestima, estimulando a si mesma a superar os obstáculos. Nesta faixa, ela parece dialogar consigo mesma, como exemplificam os versos: “You know exactly who you are / The time is right now, you got to decide / Stand in the back, or be the star”.

O restante da tracklist mescla investidas ora açucaradas, ora rígidas. Na agressiva e provocativa She’s Not Me, a Rainha do Pop proclama ser única. Jamais superada, sequer igualada, seja por qualquer mulher em outros possíveis relacionamentos de seu  affair, ou, em um sentido ainda mais interessante, por qualquer artista do showbiz. Madonna ri da indústria ao dizer que nunca haverá outra de si dentre as invariáveis versões genéricas que o mercado produz, na tentativa de reproduzir seu potencial midiático.

Dado sentido fora usado magistralmente por Madonna durante sua turnê The MDNA Tour (2012) como um recado certeiro à Lady Gaga devido à semelhança entre Born This Way, single de trabalho de Gaga naquela época, e a clássica Express Yourself.

Seguindo a proposta conceitual do álbum, os shows da Sticky & Sweet Tour (2008-2009), oitava turnê da carreira de Madonna, expressam a última persona egocêntrica da intérprete. A série de apenas 85 apresentações, realizados em 32 países, incluindo o Brasil, arrecadou mais de 400 milhões de dólares, tornando-se a turnê feminina mais lucrativa da história, recorde mantido até hoje.

Ao todo, cerca de 3,5 milhões de pessoas pelo mundo assistiram aos shows da turnê, a qual marcou o retorno de Madonna à América Latina após 15 anos sem realizar shows na região. Somente na América do Sul, onde gravou o DVD da turnê, em Buenos Aires, a cantora vendeu mais de 600 mil ingressos.

Inegavelmente mais sóbria do que a identidade visual do disco, a turnê celebrou a memorável carreira de Madonna e a atestou como maior entertainer já conhecida pela indústria. Energética, a artista domina o grandioso palco sem apelar para recursos pirotécnicos, incessantes trocas de figurino ou dezenas de dançarinos durante o concerto. Acompanhada de alguns poucos acrobatas vez ou outra, Madge preenche todo e qualquer espaço da gigantesca estrutura sem grande esforço. Ela é o espetáculo.

Se, com o álbum, a cantora pretendeu retomar os holofotes argumentando ser a maior, a Sticky & Sweet foi o movimento preciso para relembrar o peso da coroa mantida por ela durante décadas. Além disso, a turnê nada mais é do que uma comprovação da visão visionária de Madonna: com a gradual queda do mercado fonográfico, indicado pelo decréscimo das vendas de CDs, os shows tornam-se a atividade mais lucrativa na música.

A visualidade proposta foi pouco trabalhada na produção e divulgação dos vídeos e infimamente em peças publicitárias. O único momento em que vemos o conceito mais explorado é durante as apresentações, que com sutileza expuseram uma sobriedade na cenografia do palco em contraponto com a dinâmica alegre e algumas vezes bem coloridas dos vídeos nos telões e também de alguns figurinos, além de M-Dolla estrelar a primeira interlude ao som de Die Another Day.

A doçura e dureza de Hard Candy tende a uma linearidade, sua sonoridade não tem pretensão alguma de ser inovadora, porém o poder criativo e muitas vezes egóico expostos nas letras de Madonna são apenas sinais de toda inteligência e perspicácia da não à toa denominada rainha do pop. O clima dance-pop se junta a todo know how em R&B e hip-hop dos produtores para dar vida a um álbum capaz de conquistar um novo público sem desapontar a fiel legião de fãs.

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