Lara Ignezli e Maria Carolina Gonzalez

Se em 1994 o Oasis conquistou o mundo, no ano seguinte o quinteto de Manchester o tinha na palma da mão. Depois de ganharem a atenção do público e da mídia inglesa com o sucesso do álbum de estreia Definitely Maybe, os irmãos Gallaghers e companhia estavam mais que preparados para o perigoso teste do segundo álbum. E o resultado não poderia ser diferente. (What’s the Story) Morning Glory?, lançado no dia 2 de outubro de 1995, é uma das jóias mais preciosas da coroa britânica que ocupa um lugar sagrado juntamente com Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), dos Beatles, e a coletânea Greatest Hits (1981), do Queen, como terceiro álbum mais vendido na história da Inglaterra.

“It’s never gonna be the same”

A prova de fogo começou alguns meses antes. Desde antes do lançamento do primeiro álbum, o Oasis dividiu os holofotes do britpop com o já consagrado Blur. Mas foi no dia 14 de agosto de 1995 que as duas bandas disputaram a chamada Batalha do Britpop. A trupe de Damon Albarn levou a melhor dessa vez com o single “Country House”, que vendeu 274 mil cópias contra 216 mil de “Roll with It”, teaser de Morning Glory?. 

Mas claro que esse não foi o golpe final, pois Liam e Noel Gallagher são bons de briga. A escolha de “Roll With It” foi equivocada, afinal, o som e a letra simples não combinavam a personalidade presunçosa e os anseios tão presentes no primeiro disco. Mesmo assim, toda a arrogância dessa banda nada humilde se tornou confiança para construir o segundo álbum que vendeu facilmente bem mais que o contemporâneo The Great Escape, do Blur. Oasis era dono do mundo em meados dos anos 90, mas (What’s the Story) Morning Glory? mostra justamente quais são as consequência depois que se chega ao topo. 

Era até difícil imaginar que a banda ainda poderia chegar mais longe, mas não impossível, e claro que Liam e a mente criativa de Noel sabiam disso. Este não fez nenhuma questão de esconder seu conhecimento nas referências de peso para construção do álbum. Noel abusou dos clássicos equilibrando o glam rock setentista do T. Rex com o folk do The Kinks, mas foi nos Beatles que ele tomou, sem nenhuma discrição, letra, melodia e até nome para batizar a faixa mais famosa do álbum. E tudo isso ainda foi somado ao jeitão Oasis de fazer música. 

A diferença do Definitivamente talvez para o definitivamente

O primeiro álbum da banda, Definitely Maybe, gritava a vontade de ser um rock star. Sem nenhuma enrolação, sem usar palavras difíceis, o Oasis falou de cara que queria ter o sucesso que achava que merecia. O objetivo não foi atingido no primeiro álbum, mas a promessa para o futuro foi feita.  

Com os olhos do mundo voltados para eles, eles lançaram o segundo álbum de estúdio, (What’s the Story) Morning Glory? — produzido por Owen Morris, responsável também pela produção do primeiro. A expectativa era de que as músicas falassem como foi maravilhoso conseguir o que queriam, um álbum falando “Viu? A gente avisou”. Mas não foi nada disso. As letras antes explosivas se tornaram reflexivas, e o tema principal das composições era uma contemplação triste do abstrato.  

Essa contradição condiz com a premissa histórica da banda de fazer só o que eles querem. Naquele momento, ser triste foi totalmente rock n’ roll, foi espontâneo e foi o que eternizou a banda na música mundial, porque ficou claro que eles só traduziam o que sentiam em melodia, como tinham dito desde o começo, sem qualquer plano maior que isso. Mais uma vez, eles não seguiram nenhuma tendência, só apostaram no próprio taco, sentaram, relaxaram e esperaram o sucesso chegar. 

E o que c****** é uma “Wonderwall”?

É nesse álbum que estão as músicas mais icônicas da banda, a atemporal, imortal, infinitamente consagrada “Wonderwall”, “Don’t Look Back in Anger” e “Champagne Supernova”. Ok, a segunda dá até para traduzir. Mas o que é um “wonderwall”? E o que tem a ver a palavra “champagne” com a palavra “supernova”? 

O maior sucesso da banda leva no título uma palavra inventada por Noel, nem ele mesmo sabe dizer exatamente o significado. Ao longo dos anos, essa se tornou uma pergunta recorrente nas entrevistas com o compositor, que só dava respostas que, na verdade, não respondiam muita coisa. O ultimato é que qualquer coisa boa pode ser uma “wonderwall”. E é isso. 

Sobre “Champagne Supernova”, nada melhor que deixar o Noel explicar com as próprias palavras o que a música quer dizer — porque, sinceramente, não tem como explicar de nenhuma outra maneira. 

Analisar a linha de composição do Morning Glory? usando a razão é algo bem difícil, mas (ainda bem!) desnecessário. Vinte e cinco anos depois, as letras dessas músicas ainda são cantadas de cabo a rabo, por quem quer que esteja ouvindo, aonde quer que estejam tocando, e isso é o que de mais incrível e honrável existe para se dizer do álbum. Não tem como confundir, nem como esquecer. 

Do nada, o Noel Gallagher: “Tá vendo aquela lua, que brilha lá no céu?”

Como já foi dito, ninguém entendeu quando o Oasis lançou um álbum triste. Eles cantaram e cantaram no Definitely Maybe sobre alcançar a fama e quando alcançaram não falaram sobre como era estar vivendo o sonho. Ou, se falaram, disseram que era algo bem ruim e melancólico.  

A banda que ficou conhecida por músicas sobre cigarros e álcool, que era mundialmente conhecida por dois irmãos que quebravam guitarras na cabeça um do outro, voltou falando para deixar a raiva para trás. Essa exaltação de sentimentos contemplativos, calmos e reflexivos é um desvio de conduta da banda mais briguenta do rock n’ roll. 

É por isso que nunca mais um álbum como o (What’s the Story) Morning Glory? foi feito pelo Oasis, nem por ninguém mais. O Noel não sabia de onde tinha tirado o sentimento para fazer as letras, e as outras pessoas não tinham a genialidade do Noel para escrever, apesar de entenderem o sentimento.

Segundo ele, ser um rock star e estar vivendo tudo aquilo era maravilhoso durante seis dias da semana, mas ele escolheu o sétimo dia para servir de inspiração para as composições de maior sucesso da carreira da banda. Dá para ver que, até aí, ele resolveu ser “do contra”. 

Resta agradecer por esse milagre ter acontecido, e pelo mundo ter tido a oportunidade de conhecer o lado sentimental de Noel Gallagher. Apesar de ter sido algo que aconteceu uma única vez, rendeu músicas para toda a eternidade. É, com certeza, motivo de comemoração. 

“And after all…”

Oasis voou alto com o (What’s the Story) Morning Glory?, mas chegou perto do sol. O tom das canções melódicas e reflexivas previu qual seria o destino da banda depois daquele momento. O lançamento do terceiro álbum, o tímido Be Here Now (1997), foi o começo do fim de um grupo que já tinha deixado seu legado no mundo. 

Qualquer resquício das ambições de Liam, Noel, Bonehead, Guigsy e Alan foi ofuscado pela crise interna e todas as desavenças características do Oasis. O resto da história todo mundo já sabe. 

O (What’s the Story) Morning Glory? é grande. Talvez até maior que o próprio Oasis. O álbum deixou sua marca e o nome de seus criadores na história do rock ao lado dos maiores e mesmo 25 anos depois, seu legado ainda não terminou.

O post Today is gonna be the day: 25 anos do (What’s the Story) Morning Glory? e o legado do Oasis apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Lara Ignezli

Fine Line nos convida a assistir a uma história de amor protagonizada por seu criador, através de uma ótica melancólica e, principalmente, nostálgica. As músicas carregadas de influências do pop, do rock clássico e do marcante R&B psicodélico transparecem em suas letras a vontade desesperadora que Harry Styles tem de estabelecer uma comunicação com o “sentir”. 

Em seu primeiro álbum de estúdio autointitulado, em 2017, o ex-membro da One Direction parecia prestar uma homenagem aos grandes nomes do rock clássico. Não era uma afirmação de como seria o futuro, mas uma contemplação de tudo que o levou até aquele momento.

E é importante frisar que suas referências não ficam para trás nesse novo álbum. Cherry é uma faixa que descende diretamente de Fleetwood Mac, enquanto She poderia ter sido lançada pelo Pink Floyd. 

Mas é interessante perceber como o cantor se entrega nos novos versos. Para quem ouve, ficam claros os conflitos amorosos vividos com sua ex-namorada, a modelo Camille Rowe. A música Lights Up, em contrapartida, é o desabafo metafórico de alguém que acabou de se resolver com sua bissexualidade — e não coincidentemente foi lançada no “Dia de Sair do Armário”, uma data criada pela comunidade LGBT+.

Agora Styles possui a própria assinatura e (por que não?) o próprio universo. Adore You, o terceiro single lançado, ganhou um lugar fictício para seu videoclipe, uma ilha chamada Eroda (ao contrário, “adore”). 

O single estabelece uma conexão entre aquilo que é platônico e o mundo real. Em todos os sentidos. O videoclipe nada tem a ver com letra da música; é uma nova narrativa cheia de simbolismos e efeitos especiais.

 A história, narrada pela cantora Rosalía, conta a vida de um menino que foi isolado pela população nativa e encontrou em um peixe suicida seu único amigo. Sim, isso mesmo. Em um peixe suicida.

Quanto à letra, também é possível apontar fatores fantásticos, porém muito mais ligados ao romantismo. Expressões como  “I get so lost inside your eyes” e “I’d walk through fire for you”, descrevem uma relação em que a pessoa amada é quase uma entidade, distante e perfeita. Uma forma de amor irreal.

A linha tênue entre o único e o universal

Talvez essa a linha tênue (tradução livre da expressão “Fine Line”)  sintetize o álbum: o que reside entre o único e o universal. São sentimentos intransferíveis, que apresentam as vivências particulares de Harry Styles ao público, maravilhosamente traduzidos em palavras universais. As melodias, envolventes, dão um quê contemplativo às músicas e tornam tudo mais gostoso de ser ouvido.

Fine Line arrebatou as principais paradas de sucesso norte americanas. Conquistou o topo da Rolling Stones 200, o topo da Billboard 200, emplacou sete músicas na Billboard Hot 100 e já é considerado o terceiro maior lançamento do ano nos Estados Unidos, também pela Billboard.

São doze faixas que, não é cedo para afirmar, se tornaram atemporais, co-produzidas por Kid Harpoon – conhecido por trabalhar com Florence + The Machine – e Tyler Johnson – que já trabalhou com grandes nomes do pop, como Taylor Swift.

O mundo aplaude enquanto Harry Styles se afasta cada vez mais da imagem da One Direction e da sombra de suas referências. A promessa feita no primeiro álbum, de que coisa boa ainda estava por vir, foi cumprida com Fine Line. E, como sempre, fica o gostinho de quero mais.

O post Fine Line finalmente entrega o que Harry Styles prometeu com seu primeiro álbum apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Lara Ignezli e Maria Carolina Gonzalez

1994 foi um ano de altos e baixos para a música. O maior baque foi com certeza a morte de Kurt Cobain, no dia 5 de abril, com apenas 27 anos. O líder do Nirvana não tirou apenas a própria vida após apertar o gatilho daquela espingarda, mas levou consigo toda a glória e entusiasmo que o grunge prometia para os anos 90. Mas claro que o show deve continuar. Enquanto a música americana ainda sentia a perda de Cobain, do outro lado do oceano, cinco desgraçados de Manchester berravam que seriam estrelas do rock ‘n’ roll. 

Dizem que tudo tem um lugar certo e uma hora exata, e para o Oasis o melhor momento foi em 29 de agosto de 1994. O álbum de estreia da banda, Definitely Maybe, chegava como um furacão para consagrar Liam e Noel Gallagher – sem exageros – como salvadores do rock. 

Os irmãos Gallagher, juntamente com Paul “Bonehead” Arthurs, Paul “Guigsy” McGuigan e Tony McCarroll conseguiram um terreno fértil na terra da rainha, onde as guitarras estavam em falta desde o final dos anos 1970. O tom melancólico e letras introspectivas eram garantia de sucesso para quem se arriscasse no rock americano e o Oasis enfrentou esse cenário com músicas cativantes, dando a força que o Britpop precisava. 

Três décadas do melhor da música britânica foram essenciais para o Definitely Maybe vingar e trazer de volta a soberania que o grunge ainda gozava. A primeira prova ocorreu em abril de 94, alguns meses antes do álbum sair, quando “Supersonic” foi lançada para explodir nas rádios e mostrar que o rock inglês ainda era potente e incendiário. 

A promessa de Definitely Maybe

O Definitely Maybe soa como um aquecimento, como uma leve introdução para a grandiosidade atingida no segundo álbum gravado pela banda no ano seguinte, o (What’s the story) Morning Glory?. Apesar disso, é um ótimo primeiro álbum. 

As faixas desorganizadas transparecem a personalidade explosiva que vai ser, eternamente, o traço marcante das composições da banda. É uma concretização do ego inflado dos integrantes do Oasis, que diz “Olha, se você der uma guitarra e um microfone pra gente, a gente vai mostrar como é que faz música.”. 

É seguro dizer que “Live Forever” se tornou uma premonição do futuro. Foi o seu lançamento que alcançou o 10º lugar no UK single charts no ano de estreia (1994), o 2º lugar na categoria Alternative songs e o 10º  na categoria Mainstream Rock Tracks da Billboard no ano seguinte (1995). Foi com o single que o grupo entrou na história para viver para sempre.

Durante a produção do Definitely Maybe muito obstáculos foram encontrados, sendo o maior deles a teimosia da Noel Gallagher. Noel queria que a obra soasse exatamente como o som ao vivo que eles faziam, e por isso a primeira versão sem sal do álbum foi descartada e eles tiveram que regravar tudo do zero. 

Na segunda versão, todos os músicos tocavam seus instrumentos juntos no estúdio, sem as comuns gravações separadas. Dando um toque final, Noel adicionou vários overdubs às músicas. E ainda não tinha ficado satisfatório. Foi só na terceira tentativa desesperada que o engenheiro de som Owen Morris fez um trabalho de mixagem maestral (e tirou todos os overdubs de Noel) e o álbum finalmente saiu, transmitindo a energia esperada pelos integrantes da banda.

Com o álbum de estreia, o Oasis se apresentava para o mundo como uma aposta para o futuro. Grandes músicas como “Supersonic”, “Cigarettes and Alcohol” e “Rock ‘n’ Roll Star” não atingiram o topo das paradas, mas deixaram o ouvido do público atento para o que vinha pela frente.

Durante mais de uma década, o Definitely Maybe foi o álbum de estreia detentor do recorde de vendas mais rápidas do Reino Unido, sendo desbancado em 2006 pelo Whatever People Say I am, That’s What I’m Not do Arctic Monkeys.

A rivalidade com o Blur (quem são esses, mesmo?)

Os irmãos Gallagher tiveram que dividir o protagonismo do renascimento do rock inglês com a banda (então já consagrada) Blur. Em 94, quando o Oasis estreava com o Definitely Maybe, Blur já lançava seu terceiro álbum de estúdio, o Parklife. Ambos atingiram as paradas de sucesso britânica, mas o público internacional aclamou e consagrou, definitivamente, o primeiro. 

A imprensa começou então a fomentar uma rivalidade que nem era tão verdadeira nessa época, e os irmãos mais encrenqueiros do cenário da música não perderam a oportunidade de unir forças para derrotar o inimigo em comum, e vocalista da banda rival, Damon Albarn. 

Apesar de dividirem o gênero musical, os contextos em que as duas bandas foram criadas eram completamente antagonistas. Isso influenciou muito na produção das músicas de cada um. 

Oasis nasceu na garagem de dois irmãos da classe operária. Noel e Liam sofreram consequências severas do divórcio dos pais enquanto ainda eram jovens. Falta de dinheiro, uso de drogas e abusos verbais eram coisas comuns na vida dos irmãos, que nunca foram devidamente apresentados ao conceito de regras.

Noel escrevia músicas como catarse para fugir da realidade problemática, enquanto Liam apostou todas as fichas como vocalista para alcançar a tão sonhada fama. Eles viviam de música porque era tudo que lhes restava. Por isso, o Oasis é a verdade nua e crua de seus integrantes, suas personalidades instrumentalizadas. E só isso. E tudo isso.

Por outro lado, Blur se apoiava na bagagem artística acadêmica de seus integrantes, que faziam parte da classe média britânica. Damon Albarn nasceu em uma família envolvida com o mundo da arte, começou uma faculdade de teatro e trabalhou como assistente em um estúdio musical. 

Ainda na escola Damon conheceu Graham Coxon, com quem formou outras duas bandas que fracassaram antes do Blur. Entre as tentativas, os membros se dedicaram a outros projetos e a outras profissões, até que conseguiram assinar um contrato com uma gravadora. A música para o Blur era algo estudado, embasado e conceituado por um background escolarizado.

Os caminhos das duas bandas se encontraram definitivamente em 95, quando Blur antecipou o lançamento do single “Country House” para coincidir com a estreia do single “Roll With It” do Oasis, além de vender a música pela metade do preço. A estratégia deu certo e “Country House” vendeu 58.000 cópias a mais.

Depois disso, a briga ficou bem ridícula, considerando o sucesso absoluto de Oasis. Em 2007, Noel participou de “We’ve Got The Power”, uma música da banda que Damon Albarn faz parte atualmente, Gorillaz. Nessa época, Liam fez questão de comentar a parceria em entrevistas, usando um palavreado não muito adequado para um texto de crítica cultural.

A melhor e a pior coisa sobre Oasis

Não é surpresa para ninguém que a relação dos irmãos Gallagher foi a maior benção que a banda recebeu, e também a pior maldição. Liam montou uma banda para mostrar ao irmão como ele também conseguia fazer música, enquanto implorava para que Noel fizesse parte do seu projeto. 

Como em todos os outros aspectos de suas vidas, no âmbito musical eles também são inversamente proporcionais. O irmão mais velho é tímido, introspectivo, um ótimo compositor e apaixonado completamente pelos seus instrumentos. O mais novo é expansivo, não mede quantidade de palavras, tem uma presença de palco marcante e só quer saber de ser famoso.

Juntos, eles não se cancelam. Eles se complementam. Noel entrega as palavras que Liam parece tão desesperado para cantar, enquanto Liam entrega a atitude que Noel nunca conseguiu encontrar para cantá-las ele mesmo. 

Desde o primeiro álbum cada um conseguiu exatamente o que queria do outro, com muitas brigas e muitas guitarras quebradas. Apesar de tornar a convivência impossível para o restante dos integrantes da banda, é inegável que a relação dos irmãos Gallagher foi o gás que levou Oasis para o topo. 

É absolutamente repugnante assistir à qualquer afirmação que Liam já fez sobre o Noel e vice-versa. Até hoje, sempre que aparece uma oportunidade, os dois se atacam com os xingamentos mais absurdos e chulos. O mistério é como a banda durou até 2009.

Por isso que o Definitely Maybe ainda carrega seu triunfo 25 anos depois. A energia excitante do álbum relembra um repertório que ainda não estava manchado pelo ego dos Gallaghers. O Oasis – como banda de verdade – durou só até 1997, com o lançamento do Be Here Now já que os outros álbuns foram descartados pela pirraça das duas maiores estrelas do grupo. Uma pena. Talvez o Oasis poderia ter vivido para sempre. Eu disse talvez.

O post 25 anos de Definitely Maybe e a estreia supersônica do Oasis apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Lara Ignezli

Big Little Lies, originalmente um livro de Liane Moriaty, ganhou uma adaptação em formato de minissérie no ano de 2017. A criação de David E. Kelley é televisionada pela HBO e produzida pela Hello Sunshine, empresa co-fundada por Reese Witherspoon — quem, inclusive, é uma das principais estrelas da produção. A produção pretendia ter apenas uma temporada com sete episódios e, através de uma narrativa misteriosa e carregada de suspense, utilizou o ano inicial para entrelaçar a vida de cinco mulheres residentes de uma comunidade (aparentemente pacata) em Monterey.

Antes de citar qualquer outra grandiosidade de Big Little Lies, é necessário exaltar seu elenco pesadíssimo. Além de Reese Witherspoon, que interpreta Madeline Mackenzie, a primeira temporada é protagonizada por Nicole Kidman (Celeste Wright), Shailene Woodley (Jane Chapman), Zoë Kravitz (Bonnie Carlson) e Laura Dern (Renata Klein).

 Uma reunião de talentos desse nível começou a intrigar o público e a construir expectativas estratosféricas. Expectativas, essas, que foram superadas quando o produto final foi lançado. As cinco atrizes interpretam mulheres complexas e extremamente interessantes, mas o destaque da temporada é, sem dúvidas, Nicole Kidman. A atuação impecável da australiana dá vida à Celeste, uma dona de casa extremamente rica, casada com o marido perfeito, Perry Wright (Alexander Skarsgård), e mãe de gêmeos. 

O que aconteceu na primeira temporada, mesmo?

Para relembrar o que tinha acontecido é necessário focar na história de três personagens: Celeste, Jane e Madeline. A vida de Celeste começa a chamar atenção quando sua privacidade começa a ser exposta. Perry Wright não é um marido tão perfeito assim, e casos de violência doméstica são frequentes na convivência do casal. Paralela à história da família Wright, a de Jane Chapman começa a se desenvolver. A jovem passa pelo processo de ser aceita na comunidade para a qual tinha acabado de se mudar, além de sofrer com a adaptação do filho Ziggy (Iain Artmitage) na nova escola. 

Mas o que torna o foco em Jane interessante são os flashes que a personagem tem constantemente, partes confusas de um acontecimento passado. Ao desenrolar da narrativa, fica claro que os flashes que atormentam Jane se tratam de um estupro do qual a personagem foi vítima. Foi desse abuso sexual, inclusive, que nasceu seu único filho. 

O último nome que recebe destaque na temporada é Madeline Mackenzie. Ela enfrenta os próprios erros do passado por ter traído o companheiro Ed Mackenzie (Adam Scott), o marido perfeito. Em compensação, o presente também a atormenta com conflitos quando ela descobre que seu ex-marido Nathan Carlson (James Tupper) se casou com Bonnie., a personagem de Kravitz.

As três tramas se cruzam definitivamente e aproximam Renata e Bonnie do resto do grupo no último episódio. Durante uma festa, Celeste decide finalmente se separar do marido e o deixa ciente de sua decisão, o que faz com que Perry fique absurdamente atormentado. Por conta disso, Celeste, muito abalada, resolve deixar o evento mais cedo. Seu comportamento alarma Madeline, Renata e Jane, que seguem a amiga. Perry, completamente alterado, também segue a esposa.  

Os cinco se encontram entre dois lances de escada, onde Perry começa a agredir Celeste fisicamente. Enquanto cada uma começa a entender o que estava acontecendo, Jane reconhece Perry como seu estuprador e pai de Ziggy. O caos reina em todos os aspectos. As agressões e lágrimas continuam freneticamente, até Bonnie entrar em cena e, finalmente, empurrar Perry. 

O homem cai alguns lances da escada e morre, deixando todas muito confusas e em completo choque. Foi genial a decisão de construir tensões psicológicas ao longo da temporada e enfim transformá-las em um conflito externo com um final satisfatório. A sensação que fica é de ciclo encerrado, com mistérios solucionados. 

O fenômeno Big Little Lies

Entre categorias de direção e atuação, a primeira temporada levou um total de 17 prêmios. Dentre esses, cinco Emmys e quatro Globos de Ouro. No Rotten Tomatoes, a aprovação chega a 93%. A aclamação da crítica foi tanta, e a recepção do público tamanha, que a produção optou por lançar uma segunda temporada. Como se não bastasse toda a expectativa para uma continuação, Meryl Streep foi confirmada como parte do elenco dos próximos episódios. Segundo a atriz, ela não precisou nem saber qual seria o seu papel para aceitar a proposta de casting. “Meus agentes me perguntaram: ‘Mas você não quer saber quem é sua personagem?’ e eu disse que não. A primeira temporada foi a melhor coisa que eu vi na televisão.”, afirmou.

A pré-produção se encontrou, então, diante de dois desafios muito familiares para séries já conhecidas e adoradas pelo público: ousar escrever uma temporada sem o apoio do romance que deu origem à história — visto que o livro de Liane Moriaty termina no fim da primeira temporada —, como foi o caso de The Handmaid’s Tale e corresponder à expectativas inalcançáveis, como foi o caso de Game of Thrones. No meio dessa encruzilhada, a liberdade criativa podia ser uma dádiva. Outras personagens poderiam ter segredos revelados com fins satisfatórios. Novas informações poderiam enriquecer ainda mais a história que já conhecíamos. Muitas facetas poderiam ser exploradas, mas a narrativa tomou um caminho pouco ousado.

A temporada que parecia apostar tudo na atuação de Meryl Streep

Desde o primeiro momento fica claro que a temporada vai se prender completamente aos acontecimentos da primeira. As cinco personagens principais começam dando seu depoimento para a polícia, mas uma versão que omitia o empurrão de Bonnie, para que ela não fosse incriminada. 

Foi a partir dessa mentira que a grande aposta da temporada se tornou Mary Louise. A personagem de Streep desenvendaria o que realmente aconteceu, e daria muita dor de cabeça para as protagonistas. Mas não foi isso o que aconteceu. A mulher se tornou alguém previsível e sem muita atitude. Foram muitas ameaças vazias e que nada contribuíram para o desenrolar da temporada, um completo mau uso da atuação da atriz três vezes oscarizada. É seguro dizer que a única contribuição efetiva de Mary Louise foi forçar o desenvolvimento pessoal de Celeste ao ameaçar tirar a guarda de seus filhos. 

Além de Mary Louise, Bonnie também se tornou uma promessa não cumprida. Durante toda a temporada, a personagem e sua mãe (também adicionada à trama sem nenhum objetivo) tiveram flashes de um suposto afogamento de Bonnie. Devido ao desenrolar da história de Jane na temporada anterior, parecia que eles fariam sentido em algum momento. Não fizeram. 

Mas a temporada não foi só composta por pontos negativos: Jane e Madeline conseguiram superar os conflitos internos que ainda tinham em aberto. A primeira evoluiu diante do seu trauma causado pelo abuso sexual e se envolveu romanticamente com uma nova pessoa, enquanto a segunda superou o adultério que havia cometido junto de seu marido, e os dois acabaram renovando os votos de casamento a fim de recomeçar. 

Entretanto, o holofote da segunda temporada é de Renata Klein. A personagem vai à falência por conta de decisões econômicas irresponsáveis de seu marido, e as circunstâncias acarretam frases verdadeiramente icônicas, como “I will not not be rich!” (Eu não não vou ser rica!).

Renata Klein ganha o destaque que não havia recebido antes e Laura Dern mostra de novo e de novo como é que se faz. Uma das cenas mais satisfatórias é Renata quebrando todos os itens de colecionador de seu marido com um taco de baseball, enquanto grita que ele tem que aprender a respeitar as mulheres. Outros momentos também tornaram a temporada especial, como Jane explicando para Ziggy que ele é fruto de um estupro. E, claro, Celeste e Jane conversando sobre os traumas que haviam vivenciado, dando o apoio de sobrevivente uma à outra.

Muitas storylines sem fundamento, nem objetivo tornaram a segunda temporada descartável. Seria mais seguro apostar em novas histórias, ao invés de fazer sete episódios parecerem um flashback da finale. Sem novas informações e sem um novo mistério. São muitas críticas à história em si, mas a forma como ela foi contada manteve completamente a qualidade. As atuações são impecáveis e a trilha sonora extremamente icônica. Serviu para matar a saudade de ver as personagens dirigindo seus carros na beira da praia. E só para isso. 

O post A descartável segunda temporada de Big Little Lies  apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Lara Ignezli e Maria Carolina Gonzalez

No primeiro dia de junho, o terceiro álbum do Blink-182, Enema of the State, completou 20 anos. O disco foi responsável por impulsionar a banda formada, até então, por Mark Hoppus, Tom DeLonge e Travis Barker e é, sem dúvidas, seu maior e o melhor trabalho. Mais do que um divisor de águas do pop-punk, Enema of the State é considerado uma bíblia para os adolescentes intrincados do final dos anos 90 e começo dos anos 2000.

Antes mesmo do Enema ser lançado, o Blink-182 já colhia os louros de “Dammit” – primeiro hit da banda presente no álbum Dude Ranch (1997), que marca sua estréia em uma grande gravadora. Mas claro que um single não vale por um álbum inteiro. Para ajudá-los na missão de fazer ‘músicas para as rádios’ e melhorar o som cru dos trabalhos anteriores, a banda contou com o produtor Jerry Finn, já conhecido pelo seu trabalho com o Green Day em Dookie (1994), considerado o álbum número 1 do pop-punk.

Para acompanhar o sucesso, o grupo ganhou um membro de peso e que ficaria marcado na sua formação clássica: Travis Barker. Substituindo Scott Raynor, o som inconfundível da bateria de Travis foi a inspiração que Mark Hoppus e Tom DeLonge precisavam e a força que faltava para o Enema of the State surgir. E foi assim que aconteceu. Três meses de estúdio que trouxeram para o mundo 12 faixas, 35 minutos e uma banda de rock memorável.

A virada de 1999 para 2000 foi um momento de agitação na música. A fórmula bem trabalhada do Enema garantiu um bom espaço para o blink em pleno período de explosão das boy bands e glória das divas pop. O resultado é visto nas 15 milhões de cópias vendidas pelo mundo todo e singles consagrados no melhor estilo MTV dos anos 90.

“Dammit” até carrega o título de primeiro hit da banda, mas foi com “What’s My Age Again?” que o blink se tornou mundial. O primeiro single do álbum é um hino à imaturidade adulta, mostrando que podemos sim ficar mais burros a cada ano que passa. “All the Small Things” é um single que também nasceu na onda de marmanjos idiotas. No videoclipe da música, Tom, Mark e Travis fazem paródias com artistas que estavam em alta, como os Backstreet Boys e Britney Spears, embora eles mesmo já podiam ser considerados ‘astros’.

Naquele momento, o Blink-182 se tornou cool. Antes de qualquer discussão desnecessária sobre bandas que se vendem por conta do sucesso, é importante lembrar sobre o quê os caras cantavam e para quem cantavam. As notas da crítica musical para o Enema foram medianas, algumas até bem baixas. Mas para aqueles que estavam na adolescência e se tinham a obrigação de amadurecer, o álbum foi fundamental. Não é um exagero dizer que ele salvou a vida de vários jovens que queriam e precisavam ser levados a sério.

Ser estranho nos anos 2000 era simplesmente d+

Ah, a adolescência! Hormônios explodindo descontrolados, adultos que não entendem, muitas coisas acontecendo pela primeira vez, mudanças internas e externas o tempo todo e o pior de tudo: ninguém que entenda pelo que você está passando. Até que você encontra uma banda que canta exatamente sobre o que você quer falar e não sabe como e nem com quem.

E foi aí que uma geração de adolescentes completamente frustrados encontrou o que procurava. Além de poder gritar o que estavam sentindo sem ter que assumir que eram as próprias palavras com Blink-182, My Chemical Romance, Panic! At the Disco, Paramore, The Killers e muitas outras bandas de pop punk que surgiram nessa época, eles podiam pertencer com orgulho a um grupo que não pertencia a lugar nenhum.

Isso porque a sociedade que queria ditar as regras era composta das pessoas que causavam os problemas, então porque obedecer? As instituições estavam todas falidas, começando pelos pais que de repente podiam se divorciar do nada. Tudo que era considerado certo estava desmoronando, então o legal era ser o errado.

O problema do divórcio dos pais, que ainda era um acontecimento raro e tema de inúmeros singles do pop punk, é explicitado em “Adam’s song”. Além de disso, a música ainda fala sobre depressão, solidão e pensamentos suicidas, tudo muito emo.

Na música, “I couldn’t wait ‘til I got home, to pass the time in my room alone” se tornou o trecho que resumiu toda a geração que consumia o gênero musical. Um geração de adolescentes frustrados e emocionais, que não podiam esperar para chegar em casa e ficarem sozinhos no quarto, digerindo tudo.  

E o que os adolescentes escutam hoje?

Não há um gênero que tenha substituído o emo atualmente. As músicas mais escutadas entre os adolescentes da classe média (que eram o público principal das bandas pop punks) são funks, quando consideramos a música nacional, e pop, quando falamos da estrangeira.

Mas a verdade é que não há produções específicas para os adolescentes, que tenham um recorte tão nítido quanto antes. Aparentemente, quando estão tristes, eles escutam o pop mainstream mesmo. Os públicos jovem, jovem/adulto e adulto se fundiram, e a frustração gerada pelo medo da vida adulta foi substituída por uma ânsia de crescer logo.

Qual é a idade do álbum de novo?

É difícil criticar o Enema por questões técnicas. Hoje é possível ver várias músicas problemáticas, como o Tom falando que queria uma garota que ele pudesse treinar em “Dumpweed” e basicamente a letra inteira de “Party Song”.

Se estivesse ouvindo o álbum pela primeira vez, provavelmente odiaríamos a banda e os condenaria pelo machismo explícito e inegável. Mas, infelizmente, não tem como.

Blink-182 é, pra nós, um amigo de infância. É verdade que crescemos e seguimos caminhos diferentes, mas não conseguimos não amá-los. Eles estiveram conosco quando ninguém mais conseguia entender, colocaram nossos sentimentos em palavras quando não conseguimos, formaram grande parte da nossa personalidade.

O Enema of the State é como nos sentíamos quando era adolescente, e isso nunca vai mudar. Não importa o quanto o que sentimos mude, quando escutamos esse álbum, lembramos como é bom ser EMOcional. E não, mãe, não é apenas uma fase.

O post 20 anos do Enema of the State, o álbum que atingiu a maioridade junto com a geração emo apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Lara Ignezli

No último longa lançado pela Marvel Studios antes da chegada do esperado Vingadores: Ultimato, somos apresentados à combate Vers, da raça alienígena  Kree. No enredo, acompanhamos sua transformação em Capitã Marvel, carregando o título do filme e o elo no Universo Cinematográfico do estúdio. A história começa quando a protagonista já adquiriu os super-poderes e durante o desenvolvimento do filme seu passado vai sendo revelado através de flashbacks sobre sua vida humana, como a pilota de avião Carol Danvers. Duas raças da Casa das Ideias estão em guerra, os Kree e os Skrull, e é em uma das missões para o povo Kree que Carol tem o primeiro contato com o planeta Terra e com agentes já conhecidos da S.H.I.E.L.D.

Se a Capitã Marvel fosse Capitão, ou se o mundo fosse perfeito e este não fosse o primeiro filme protagonizado por uma mulher que o Marvel Studios produziu em uma década, eu poderia limitar o texto à questões técnicas, escolha de trilha sonora e atuação. Mas não tem como. Ter um filme protagonizado por uma ativista na causa é um diferencial gigantesco. Brie Larson (que deu vida à protagonista) não abaixou a cabeça para a multidão de homens que resolveu atacá-la simplesmente por ser mulher. Deixando bem claro que é feminista, Larson não escondendo seu posicionamento em momento algum.

Antes mesmo da estreia, os sites de crítica estavam lotados de ataques por parte do público masculino, que acusou o filme de fazer “propaganda” para o movimento feminista por conta da escolha da atriz principal. Após a estreia, o filme ficou com 79% de aprovação da crítica no Rotten Tomatoes, mas dentre o público geral podemos ver comentários do tipo “a posição anti-homem dela me desanimou no filme.” ou “muito político”, sempre feitos por homens, obviamente. O público deixou o produto em si em segundo plano, para poder criticar a produção.

O que causou reboliço

Brie Larson se destacou em 2015 com o filme O Quarto de Jack, que lhe rendeu o Oscar, o Globo de Ouro e o BAFTA na categoria Melhor Atriz, além do SAG de Melhor Atriz Principal. E, incontestavelmente, ela trouxe a atuação marcante para o MCU (Universo Cinematográfico Marvel), junto com uma mensagem — mesmo que um tanto genérica — de feminismo. Se comparado com Pantera Negra (2018), que trouxe a luta da comunidade negra para as telonas de uma maneira bem explícita e lotada de referências, Capitã Marvel retratou sim o feminismo, mas sem dar nome aos bois.

Carol luta contra a manipulação de um homem, que tenta diminuir os seus poderes e controlá-los, é condenada por seus sentimentos e é constantemente subestimada em suas missões por conta de seu gênero; traços clássicos do machismo. Ela enfrenta situações que um super-herói homem não enfrentaria, e como qualquer outra mulher precisa provar o dobro de sua capacidade.

A verdade é que durante dez anos, nós mulheres fomos obrigadas a assistir aos homens salvando o mundo. Eram histórias escritas, dirigidas, produzidas e estreladas por eles. Às vésperas do Dia Internacional da Mulher, papéis foram invertidos, e foi a vez dos homens ficarem na plateia.

Carol Danvers é um excelente primeiro passo

A Capitã é uma ótima primeira protagonista para as super-heroínas. O filme manteve o ar debochado das histórias em quadrinhos, refinando seu humor sarcástico; nada de piadinhas bobas. A construção da personagem foi esmagando estereótipo a torto e à direito. Sua postura quanto à filha da melhor amiga Maria Rambeau (Lashana Lynch), Monica Rambeau (Akira Akbar) era a oportunidade perfeita para enfiar um instinto maternal goela abaixo, mas isso não acontece. Monica admira sua amiga como a mulher poderosa que é, bem longe de qualquer ligação à maternidade, elas se tratam como amigas, de igual para igual.  

A escolha dos figurinos também é algo que discretamente muda muita coisa. Quando não está usando seu uniforme (muito bem desenhado) Vers abusa dos looks dos anos 90, década na qual o filme se passa, porém sempre livre da hiperssexualização. Finalmente roupas apropriadas para cenas de lutas: nada de correr de salto alto, planos fechados nas jeans apertadas ou uma cena em que a personagem deve ser sensual por nenhum motivo aparente. Além disso, Carol também se livra de romances clichês entre companheiros de trabalho; a dinâmica da amizade com Nick Fury (Samuel L. Jackson) é um dos pontos altos do filme.

A trilha sonora conta com R.E.M, TLC, Nirvana e muitos outros nomes de peso foi a principal ferramenta para contextualizar os acontecimentos dentro da história, que também pode ser notada na juventude dos agentes da S.H.I.E.L.D. É possível perceber o cuidado com a ambientação na cena em que nossa heroína cai em uma locadora Blockbuster (um trocadilho muito bem colocado pelo fato do filme ser um blockbuster) e na icônica referência  a Um Maluco no Pedaço.

As questões em que o filme se mostrou fraco são comuns entre diversos outros filmes do MCU, como por exemplo o CGI (em português Imagens Geradas pelo Computador) exagerado em algumas cenas que aconteceram na galáxia. Nada que comprometa a estreia feminina no Universo Marvel, até porque, nas cenas com a gata Goose, a computação gráfica é quase imperceptível.

Mas os diretores Anna Boden e Ryan Fleck capricharam mesmo quando o assunto são as cenas de machismo. Eles fizeram cenas marcantes, muitas vezes engraçadas, que ridicularizavam os idiotas que se mostravam inconvenientes, sem diminuir nenhuma vez a própria Carol. Também fizeram história com a cena de luta entre a Capitã e uma idosa no metrô. Uma das melhores momentos, sem dúvidas, porque não é todo dia que se vê uma super-heroína enfrentando uma senhorinha fofinha. Engraçada e genial.

MY NAME IS CAROL!!!

A presença da Capitã no Universo amarrou todas as histórias contadas até hoje, principalmente porque ela foi o primeiro contato que Nick Fury teve com super-heróis. E foi nesse filme que descobrimos coisas que o MCU sempre deixou no ar, como por exemplo o motivo de Fury perder o olho e começar a usar o tão característico tapa-olho. Descobrimos também como começou a Iniciativa Vingadores, em uma cena muito bem escrita e marcante, e consequentemente como nasce todo esse universo — se considerarmos a ordem cronológica. E tudo está ligado à história de Carol Danvers.

Não restam dúvidas da importância da Capitã para os dois Universos que habita. No fictício, ela serviu de inspiração para Nick, se mostrou um dos personagens mais poderosos e lutou por mais de uma década para acabar com uma guerra intergaláctica. Na nossa realidade, ela serve de espelho para toda uma nova geração de meninas que se procuram nas telonas. Uma inspiração que eu, por exemplo, sempre procurei na Marvel e nunca encontrei.

É exaustivo ter que ficar provando que o filme é verdadeiramente bom, enquanto outras produções protagonizadas por homens são inferiores em vários sentidos e mesmo assim continuam sendo aclamadas. Homem de Ferro (2008) foi um sucesso de bilheteria e por isso ganhou imediatamente uma continuação, mas Homem de Ferro 2 (2010) é um dos piores filmes já feitos pelo MCU e mesmo assim o estúdio resolveu insistir e lançar Homem de ferro 3 (2013), igualmente um desastre.

Se estivéssemos falando da Viúva Negra (com zero filmes solo) protagonizando uma produção que foi bem abaixo das produções da Marvel, como foi o caso da segunda aventura de Tony Stark, será que ela ganharia, ainda assim, uma continuação? Óbvio que não. O último filme protagonizado por uma mulher que leva o nome do estúdio, Elektra (2005), foi um fracasso e só foram tentar de novo 14 anos depois. Além, é claro, da Vespa, que dividiu os holofotes com o Homem Formiga em 2018.

O que uma super-heroína tem que fazer para ser respeitada? Ser um ser humano incrível antes mesmo de ter poderes? Depois de consegui-los, aprender a lidar com isso sozinha enquanto é manipulada e usada como uma arma? Ser a origem de um Universo de super-heróis que já dura dez anos? Pois bem. Capitã Marvel é tudo isso. E Carol Danvers também.

O post Capitã Marvel é muita areia pro caminhãozinho dos fãs de filmes de herói apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Maria Carolina Gonzales e Lara Ignezli

No dia 8 de fevereiro, a Netflix finalmente lançou no seu catálogo a terceira temporada de One Day at a Time, após uma intensa mobilização dos fãs e dos produtores nas redes sociais para que a série fosse renovada. A trama se concentra na rotina dos Alvarez, uma família americana de origem cubana que vive em Los Angeles. É protagonizada por Justina Machado no papel de Penelope, uma veterana do exército que vive com seus dois filhos adolescentes e sua mãe, algumas vezes até com o intrometido senhorio do prédio onde moram.

O produtor Norman Lear (conhecido por trabalhos como All in the Family e The Jeffersons) desenvolveu a série original e está no comando do remake junto com Mike Royce e Gloria Calderón Kellett. A série é inspirada na produção homônima de 1975. O que poderia ser apenas mais uma comédia entre família assinada pela Netflix, se mostra um show de extrema importância nos tempos atuais.

Imigração, feminismo, religião, homofobia, saúde mental, alcoolismo e porte de arma dariam um belo plot de um drama pesado. Acredite ou não, esta série apresenta tudo isso de forma que as vezes o público nem perceba que está aprendendo, sempre com muito humor e sensibilidade. Enquanto alguns ainda insistem de que o mundo está chato porque não dá para fazer piada sem ofender alguém, One Day at a Time agora tem três temporadas para provar o contrário.

E é interessante observar como esse conteúdo pesado não condiz com o formato do produto. Como uma sitcom, escrita para toda a família assistir junta, consegue abordar temas tão controversos? A produção é o que torna a obra tão genuína.

A própria criadora é uma mulher latina que viveu na pele grande parte dos problemas que a protagonista enfrenta, e por isso busca sempre trazer para a sala de roteiristas representantes das minorias que quer retratar. Além de toda a impecabilidade na frente das câmeras, One Day at a Time é genuinamente especial por ser escrita e produzida por seus próprios personagens da vida real.

Atenção: o texto abaixo contém spoilers da série, leia por sua conta e risco!

A maior estrela de Cuba

Lydia Margarita del Carmen Inclan Maribona Leytevidal de Riera. Mãe de Penelope e avó (abuelita) de Elena e Alex. É o coração da família Alvarez, até mesmo para aqueles que não são de sangue, como Schneider e Dr. Berkowitz. Dona das melhores tiradas da série e também dos grandes momentos de drama, essa cubana fervorosa é interpretada pelo maior nome do elenco de One Day at a Time: Rita Moreno. A lendária estrela até dispensa algumas apresentações, mas claro que não vamos deixá-la passar em branco.

Lydia foi levada para os Estados Unidos com outras crianças para fugir do regime de Fidel Castro em Cuba. Ainda na adolescência, teve que abandonar seus pais e sua irmã mais velha, além de se tornar responsável pelos irmãos mais novos. Lydia chegou sem falar inglês e sentiu na pele o que é ser uma mulher latina em solo americano. Mesmo com todas as dificuldades, ela fez dos EUA sua nova casa e construiu uma família com seu falecido marido Berto, também cubano. Ela jamais considerou esconder suas raízes cubanas e sempre fala com muito carinho e nostalgia do país, até quando precisou se tornar uma cidadã americana de forma legal.

Lydia e Berto criaram seus filhos nos padrões de uma família tradicional latina. Ela é uma católica devota (a ponto de espalhar fotos do Papa pela casa) e tenta passar essa fé para a família, principalmente para Penelope, ainda que houvesse discordâncias sobre o assunto. Quando se mudou para o apartamento da filha, Lydia ajudou a criar os netos Elena e Alex e até acabou fazendo mais pela casa, como ser responsável pelas compras e preparar as refeições.

Essa convivência é extremamente saudável, mas em alguns momentos é inevitável que ocorra conflitos entre essas três gerações que dividem o mesmo espaço. Lydia é firme na ideia de que Penelope precisa de um homem para estar completa (se baseando no próprio casamento com Berto, por quem ela ainda é apaixonada), mas também faz questão protegê-la de qualquer relacionamento perigoso, como foi com seu ex-genro Victor.

O coração gigante da abuelita a torna uma personagem apaixonante, talvez até pela identificação com nossas próprias avós na cultura latina. Toda vez que abre as cortinas do seu quarto, a personagem de Rita Moreno recebe aplausos e gritos calorosos da plateia, e a gente entende o porquê.

A vida de Lydia Riera poderia ser facilmente confundida com a de Rita Moreno. Uma das condições para que a atriz fizesse o papel da abuelita era manter a sua sensualidade, que foi uma marca durante a carreira. Ambas são grandes estrelas latinas que fizeram sua fama nos Estados Unidos, em tempos ainda mais conservadores que atualmente, e carregam uma história de sucesso que vem com algumas dores do passado.

Porto Rico, 1931

Nasce uma estrela. Apesar da queridíssima Lydia ser cubana, Rita Moreno é na verdade porto riquenha. A atriz é natural de Humacao, cidade da costa leste de Porto Rico, onde nasceu na década de 30 com o nome Rosita Dolores Alverío. A estadia no país de origem durou pouco, e Rosita se mudou para Nova York com a mãe quando tinha apenas cinco anos. E foi aí, em 1936, que a terra do tio Sam abria as portas para um legado latino — mesmo sem saber ainda.

A carreira de Rita se iniciou aos 11 anos, quando começou a dublar filmes estadunidenses em espanhol. Aos 13 estreou nos palcos da Broadway. Aos 21 fez uma participação em nada mais, nada menos que Singin’ in the rain.

Mas foi exatamente aos 30 que se consolidou, quando deu vida à Anita em West Side Story. O musical lhe rendeu o Oscar de melhor atriz coadjuvante e foi o primeiro passo para completar os quatro prêmios mais importantes da indústria: Rita ganhou um Oscar por West Side Story (1961), um Grammy por Electric Company (1973) um Tony por The Ritz (1975) e dois Emmys por The Rockford Files (1974) e por The Muppet Show (1976).

Nossa querida abuelita foi a terceira pessoa da História a ganhar um Oscar, um Grammy, um Emmy e um Tony (até hoje só 6 mulheres conseguiram o feito). E assim, muito antes do governo estadunidense sequer sonhar em construir muros, a cultura latina era enraizada na história do país, tendo como principal representante uma mulher: Rita Moreno.

Enquanto abria portas no ramo profissional e inovava todas as áreas possíveis e imagináveis, Rita levava uma vida pessoal bastante conturbada. O grande amor da vida de Rita, segundo a mesma, foi Marlon Brando — sim, o ator que estuprou Maria Schneider enquanto filmavam uma cena para O último tango em Paris (1972) — com quem manteve um relacionamento abusivo por oito anos.

O casal passou por brigas mais leves, como a vez que Rita saiu com Elvis Presley para deixá-lo com ciúmes (o que fez com que o ator arremessasse cadeiras durante a briga), e por situações extremamente pesadas que só foram reveladas recentemente.

Em sua autobiografia Rita Moreno: a memoir (2014) a atriz conta que Brando a obrigou a realizar um aborto, o que acarretou uma depressão profunda. Um dia, durante esse período sombrio, Moreno encontrou os remédios usados pelo namorado para dormir e realizou uma tentativa de suicídio. A assistente de Marlon a encontrou no chão do banheiro e lhe salvou a vida.

Quem poderia imaginar que a abuelita tinha na bagagem uma carreira tão sólida, que já dura 76 anos, e episódios pessoais como usar o Elvis Presley pra fazer ciúme pra alguém? É, é isso mesmo que você entendeu. A Rita é mais uma coisa que eles introduzem ao público de forma corriqueira e natural, mas na verdade é importantíssima. Um easter egg de 87 anos, que se reinventa artisticamente há 7 décadas para abordar assuntos contemporâneos de maneira magistral.

Total badass

Penelope Alvarez (ou Lupita) é a chefe da família. Mãe solteira de dois adolescentes, veterana do Exército dos Estados Unidos, trabalhando como enfermeira em um consultório médico enquanto estuda para se tornar uma Enfermeira Clínica. Tudo isso ainda é pouco para descrever Penelope.

Recentemente, a ficção vem trazendo uma leva de super mães, aquelas que não ficam apenas no plano de uma figura materna estereotipada (como Lorelai Gilmore, personagem de Lauren Graham em Gilmore Girls). Penelope é uma personagem que tem sua história aprofundada e também busca uma vida pessoal e romântica, que não se limita às paredes de sua casa. E é aí que a gente entende o porquê ela é a protagonista.

No começo da série, conhecemos uma mãe super protetora, sempre colocando os problemas dos filhos a frente dos seus, buscando provar para si mesma – e também para a sua mãe, Lydia – que consegue criá-los sozinha sem a ajuda de seu ex-marido, Victor. Porém, a medida em que a série vai evoluíndo, a personagem vai crescendo junto, e ela mostra que ser mãe é apenas uma das suas diversas camadas.

A partir da segunda temporada, Lupita entra naquela que seria sua maior batalha: o Transtorno de Estresse Pós-Traumático (quadro muito comum em veteranos de guerra), levando a um quadro de ansiedade e depressão. Nesse momento, esta série de comédia nos faz chorar (se já não choramos antes), e até se identificar com uma pessoa no seu maior momento de vulnerabilidade. Ouso até dizer que One Day at a Time conseguiu retratar o que é a depressão e o que é a ansiedade com uma sensibilidade que nenhuma outra série fez.

Latinx

Elena Alvarez é a filha mais velha de Penelope e Victor. Ela é um clichê adolescente das séries atuais: feminista, engajada socialmente, atenta às questões de gênero e forte ativista. A personagem de Isabella Gomez é um ponto forte nessa trama de conflitos geracionais, principalmente na relação com sua avó, Lydia. Enquanto Elena tem fácil acesso a qualquer informação, possibilitando seu questionamento sobre tudo, Lydia reproduz o costumes conservadores que foram ensinados para ela antigamente – e a gente compreende totalmente, a ponto de achar que a garota implica demais com a abuelita.

O ápice para Elena na série foi a descoberta e aceitação da sua sexualidade. Ela começa um breve relacionamento com um colega de classe que é seu par para a valsa da sua festa de 15 anos (quinceañera), mas ela percebe que não consegue  sentir atração por ele ou por qualquer outro homem. Assim que Elena se assume lésbica para a família Penelope se sente desconfortável e até um pouco decepcionada no começo. Logo ela entende que o amor pela filha é maior e que é fundamental protegê-la da intolerância que poderia sofrer. O problema mesmo seria se assumir para sua avó.

Mas sabemos que Lydia não é como qualquer outra abuela. A reação dela ao momento em que Elena se assume é de longe uma das cenas mais surpreendentes de One Day at a Time e merece todos os aplausos do público.

Apesar do apoio em casa, Elena sofreu muito com a rejeição de seu pai, Victor, que chegou a abandonar a filha durante a valsa em sua festa ao vê-la usando um terno em vez do vestido de debutante. Mesmo assim, ela e toda a família enfrenta o pai, abordando questões até mais profundas do que sua sexualidade, como o fato dele ter perdido a transição da infância para a adolescência da filha. Victor tenta ao máximo se aproximar da filha na nova temporada, e isso faz com que ele deixe de lado muitos preconceitos. Elena vai cedendo a aproximação e conseguiu a dança que merecia, mas ela ainda tem o desafio de lutar com as mágoas provocadas pelo pai.

Pobrecito men

Victor, o ex-marido de Penelope, é o mais próximo de vilão que nos é apresentado. Enquanto o caçula, Alex, é um exemplo de como a masculinidade tóxica deve ser tratada, Victor é escrito como o contrário. É agressivo e orgulhoso. Deixa as próprias convicções acabar com o relacionamento com a filha recentemente assumida.

Tudo começou quando o casal serviu os Estados Unidos na Guerra do Vietnã. Mas é como os dois reagem à experiência que faz com que ela assine o divórcio. Enquanto Penelope é uma pessoa forte e consciente, que busca apoio profissional para lidar com o Transtorno de Estresse Pós-Traumático, Victor se recusa a procurar ajuda e recorre à bebida, e revela-se (além de todo o resto) alcóolatra.

E é depois de causar muitos problemas ao longo das temporadas que Victor finalmente se redime.

Na última temporada, além de recobrar a sobriedade, também anuncia que está noivo de Nicole — quem, inclusive, é interpretada pela criadora da série, Gloria Calderón Kellett —, uma mulher absurdamente parecida com Penelope e no dia de seu casamento surpreende Elena convidando-a para uma dança de pai e filha, depois de contar para toda a família (com orgulho) que a filha é assumidamente lésbica.

Dale, papito, dale!

Alex Alvarez, interpretado por Marcel Ruiz, é o filho mais novo de Penelope e o queridinho da abuelita. Ao longo das três temporadas acompanhamos a transformação do caçula e vimos como a família tem que se esforçar, em diversas situações, para livrá-lo das amarras da masculinidade tóxica sob a qual os homens são submetidos quando chegam na adolescência.

Dentro da história, papito (como é chamado carinhosamente) é o modelo de como os homens deveriam ser criados. Além de vaidoso —  e sem medo de assumir que é —, Alex é sensível e se mostra disponível toda vez que alguém precisa de sua ajuda. Mas, na terceira temporada, suas qualidades começam a ser mascaradas pelas atitudes de adolescente rebelde.

Logo no começo da temporada, a família percebe um comportamento problemático quanto ao jeito de tratar a namorada, Chloe, quando Alex posta uma foto fazendo piadinha com os seios da menina. A bronca é dada por Elena e por algum tempo Alex parece mais maduro. E então, alguns episódios depois, Penelope descobre que o filho é usuário de maconha e o castiga durante praticamente toda a temporada.

O castigo termina no episódio que é o ápice do amadurecimento do (nem tão) pequeno Alvarez. Além de ajudar a irmã a se recuperar de uma crise de ansiedade, Alex encontra Schnider bêbado na lavanderia do prédio e tem que, sozinho, descobrir como lidar com a situação. Em uma cena extremamente emocionante, que inverte os papéis dos dois personagens, Alex evolui para alguém conscientizado e responsável, enquanto Schinder se torna frágil e dependente.  

O quase Alvarez

Desde literalmente o primeiro episódio é bem claro o quanto Schnider quer ser um Alvarez. O dono do prédio é tratado como um filho pela abuelita, como uma figura paterna por Alex e como melhor amigo por Penelope. Schnider permanece em constante busca por aceitação, apesar de ser querido por todos.

Ele desempenha também o papel de branco privilegiado para antagonizar a posição social da família latina, que constantemente tem que lidar com preconceitos. Mas, apesar de soltar seus comentários levemente problemáticos, Schnider está sempre disposto a escutar e a aprender, mantendo sua personalidade extremamente agradável. E é por causa dessa personalidade que é tão difícil ver os acontecimentos da terceira temporada.

Depois de 8 anos de sobriedade, Schnider tem uma recaída durante a visita do pai e mostra como é o fundo do poço para um dependente químico. Indo de encontro com a evolução do resto dos personagens, o quase Alvarez mostra seu lado sombrio e agressivo.

E é aí que percebemos como ele é, e sempre foi, um verdadeiro Alvarez. Além da cena marcante com Alex, Penelope o enfrenta com lágrimas nos olhos e exige que ele lide com a situação da forma correta. É emocionante assistir à família colocando de lado os próprios problemas para ter a certeza de sua recuperação, dando carinho e apoio incondicionais até que ele se reerga.

Um dia de cada vez… Até que a quarta temporada seja confirmada

Assim como aconteceu na segunda temporada, a terceira termina com um final aberto, que permite várias interpretações, mas sem certeza da sua continuação. Ficamos na esperança. Mesmo após o desabafo de Gloria Calderón Kellet no começo de 2018, a campanha para a renovação de One Day at a Time continua. As visualizações são importantes para a Netflix continuar com o seriado, e um show tão importante quanto como este nem deveria estar passando por isso.

Além de humor, drama, temas inteligentes e um cast pesadíssimo, One Day at a Time também traz um mistério: Por que a Netflix a odeia tanto? Enquanto a plataforma insiste em investir em séries que não tem nem um porquê — quanto mais treze — para continuar existindo, One Day at a Time é totalmente negligenciada e depende dos fãs para ganhar novas temporadas. E novas temporadas são necessárias.

Falando nisso, já viu One Day at a Time?

O post One Day at a Time: Duas culturas. Una familia. apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Lara Ignezli

Brooklyn Nine-Nine narra a rotina dos detetives da 99ª delegacia de polícia do Brooklyn e é protagonizada por Jake Peralta (Andy Samberg). A série ganhou reconhecimento pela forma como usa do humor inteligente para denunciar abusos e preconceitos — crédito de seus criadores, Dan Goor e Michael Schur (ambos famosos por Parks and Recreation).

O piloto foi ao ar em 2013, pela Fox. Com episódios curtos e roteiros perfeitamente escritos, Brooklyn Nine-Nine se tornou uma mistura de temáticas e gêneros distintos que poderia ter fracassado completamente, mas acabou se tornando algo realmente único.

Um dos fatores mais característicos da produção é a forma como cada personagem é descrito e explorado de maneira profunda, quase sempre simbolizando quebra de estereótipos.

Para começo de conversa, o capitão da delegacia, Raymond Holt (Andre Braugher), é uma figura perfeccionista. Com o desenrolar da história, o público descobre que essa foi a única maneira que Holt encontrou de conseguir respeito dentro da Academia, porque é negro e homossexual.

Por sua vez, o sargento Terry Jeffords (Terry Crews) possui uma personalidade completamente diferente. Com o mesmo tempo de Academia do chefe, ele também teve que lidar com o preconceito racial por ser negro, mas possui uma personalidade completamente diferente. Terry é o coração do grupo. Inclusive, começa a série passando por um período em que não conseguia usar armas de fogo, por ter se tornado pai.

As duas figuras de autoridade do ambiente conseguem, de maneiras diferentes, escapar da masculinidade tóxica que geralmente acompanha os personagens que detém algum poder. E isso é só o começo.

O policial mais badass e violento é uma mulher: Rosa Diaz (Stephanie Beatriz), possui um guarda-roupa exclusivamente composto por roupas pretas, nunca sorri, dirige uma moto e não sai de casa sem pelo menos uma arma. É a policial escolhida para os casos mais perigosos, e venceria qualquer um em uma luta.

Diaz enfrentou o desafio de se assumir bissexual durante a última temporada, processo que foi retratado de maneira magistral. A storyline foi diluída ao longo dos episódios sem descaracterizar a personagem ou ter suas relações deslegitimadas — o que é, sem dúvidas, inovador.

Ainda, Hitchcock (Dirk Blocker) e Scully (Joel McKinnon Miller) são os detetives mais antigos da delegacia, e simbolizam a velha guarda dos policiais estadunidenses. Quando surge alguma piada problemática, com certeza saiu da boca de algum desses dois. Além disso, como uma crítica discreta ao comportamento de policiais mais antigos, os personagens possuem fome e preguiça insaciáveis.

Talvez dê para fazer humor sem ofender ninguém

Para quem pertence a alguma minoria e gosta de comédia, é impossível falar que uma série de humor é boa sem colocar um “mas” depois da afirmação. Algumas passam bem perto de escapar das piadas preconceituosas, outras são escrachadamente problemáticas.

Dos shows que aparentemente saem ilesas , é possível apontar Friends (1994-2004), com piadas surpreendentemente neutras e inofensivas, que por esse caráter nunca caíram no esquecimento. Apesar disso, ainda são encontrados momentos de machismo e transfobia aqui e ali.

Com problemas mais escancarados, temos How I Met Your Mother (2005-2014). É fácil apontar em absolutamente todos os episódios pelo menos uma piada machista, desde a primeira até a última temporada. É minimamente complicado para o público feminino manter-se feminista e continuar sendo fã da série.

Indo de encontro com esse fator, Brooklyn Nine-Nine mostra que talvez dê para fazer humor sem ofender ninguém. A série já abordou temas como abuso do poder policial, crise do sistema carcerário, racismo, LGBTfobia e machismo utilizando o humor como arma de denúncia, ao invés de reafirmar preconceitos já instaurados.

A leveza da comédia faz com que problemas sérios, e que precisam de atenção, cheguem até o público através de diálogos simples e situações cotidianas. É uma nova forma de estimular a reflexão sobre assuntos importantes. Outro fator que é beneficiado por esse tipo de abordagem é a discussão sobre a orientação sexual, principalmente sobre a bissexualidade.

Socialmente, a bissexualidade é negligenciada. Ter uma representação tão grande e significativa pode ser um jeito da comunidade bissexual começar a ser reconhecida, pelo menos por quem acompanha a série, justamente por estar sendo diluída da forma constante como foi feito nos últimos episódios.

Já são notáveis outras produções no mundo do humor que abordam a questão da representatividade e os problemas gerados  pelo preconceito. Dentre essas, Atlanta conta a história de Earnest Earn Marks (Donald Glover), um homem negro e desempregado vivendo no subúrbio da capital da Geórgia; e Chewing Gum, que é protagonizada por Michaela Coel e narra a história de Tracey, uma jovem cristã que decide perder a virgindade a qualquer custo.

É importante lembrar que Brooklyn Nine-Nine, apesar de muito aclamada por ser quase absolutamente livre de problemas relacionados a preconceitos, ainda é protagonizada por um homem branco.

Com o fim da quinta temporada, a Fox resolveu cancelar a série, mas o cancelamento durou apenas 24 horas. Depois de uma campanha massiva feita pelos fãs através das redes sociais, a NBC resolveu resgatar o programa do mundo dos mortos e confirmou novas temporadas. O retorno da série está marcado para 2019!

Enquanto o que resta é a espera, aqui vai uma das melhores cenas da última temporada.

O post Brooklyn Nine-Nine: a polícia do avesso apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Lara Ignezli

O MCU (Universo Cinematográfico Marvel, do inglês original Marvel Cinematic Universe) completa em 2018 dez anos de existência. Desde que nasceu, 28 (isso mesmo, vinte e oito) filmes foram lançados e 0 (isso mesmo, zero) tiveram como personagem principal uma mulher. A primeira fase se iniciou com Homem de Ferro (2008), a segunda em 2013 com o lançamento de Homem de Ferro 3 e a terceira — e atual — vem em 2016 com Capitão América: Guerra Civil.

Durante a primeira fase, no segundo filme da franquia de Tony Stark, Viúva Negra debuta como personagem secundária e se torna a única vingadora dois anos depois em Os Vingadores. Scarlett Johansson foi fortemente aclamada pelo público desempenhando o papel, mas a personagem não possui um filme solo — apesar de sua história de fundo extremamente complexa e bem escrita nas histórias em quadrinhos.

Natalia Romanova é natural da União Soviética e seu contexto histórico é a Segunda Guerra Mundial. Após a morte dos pais, ela é treinada com um grupo de órfãs de guerra para se tornar uma espiã mortal no Projeto Viúva Negra. Experimentos biotecnológicos são brutalmente realizados em seu corpo para que seu físico e psicológico se desenvolvam de forma sobre-humana e para que seu envelhecimento seja retardado. Após anos de tortura a fio, Natalia se torna a agente Natasha Romanoff.

Esse treinamento, retratado nas HQs, aparece brevemente em Os Vingadores: A Era de Ultron (2015), quando a personagem começa a se envolver romanticamente com Bruce Banner, o Hulk. Um dos procedimentos realizados no Projeto Viúva Negra foi a esterilização, considerada importante porque o lado racional de um espião deve sempre se sobrepor ao emocional, e ter um filho era equivalente a ter uma fraqueza.

Ao invés de trabalhar os danos psicológicos que esse plano de fundo acarretou em Natasha enquanto ser humano, o fato foi superficialmente abordado  para interferir no relacionamento amoroso da personagem. Ter sido torturada afeta não Natasha Romanoff, super-heroína, mas Natasha Romanoff, namorada de Bruce Banner.

Depois de oito anos sendo apenas um suporte para os personagens principais, a super-heroína recebeu a merecida atenção:  seu filme solo começou a ser produzido. Apesar de não ter uma data de estreia, Jac Schaeffer já foi confirmada como roteirista do longa. Parabéns, Marvel. Você não faz mais do que sua obrigação.

Dentre todos os filmes já produzidos pela marca, apenas um se encaixa na categoria de protagonismo feminino: Elektra (2005), o fracasso atemporal. O longa, concebido como um spin-off de Demolidor: O Homem Sem Medo (2003), foi dirigido por Rob Bowman e roteirizado por Raven Metzner, Zak Penn e Stu Zicherman; e brutalmente massacrado pela crítica.

O descaso já começa na ordem cronológica, considerando que Elektra teria morrido em Demolidor e ressuscitado apenas para viver a história de seu próprio filme. Além disso, a super-heroína é designada a realizar tarefas sem um motivo aparente  e é sucumbida ao — já previsível — instinto maternal. Completamente desprezando a lógica, os roteiristas de Elektra exploraram a personagem de forma rasa em uma produção que tinha como único objetivo aprofundá-la como pessoa.

A luz no fim do túnel?

A Marvel vem, aos poucos, cedendo espaço para as mulheres. Personagens secundárias estão sendo mais aprofundadas e produções vem sendo realizadas não só para o cinema como para plataformas de streaming, em formato de séries.

Para começar, as mulheres de Pantera Negra (2018) são o maior destaque da produção. O exército de Wakanda é comandado por Okoye (Danai Gurira), a melhor guerreira wakandense. A comandante é extremamente leal ao seu governo e estrela diversas cenas de luta da trama, além de ter uma personalidade forte por trás de suas poucas palavras.

Paralelamente à figura de soldado da personagem, ela também possui um relacionamento amoroso com um dos governantes, mas isso é perfeitamente deixado em segundo plano.

Além de Okoye, a Shuri (Letitia Wright), irmã do T’Challa, é responsável por absolutamente toda a tecnologia desenvolvida em Wakanda, inclusive o traje do Pantera Negra. Nas HQs ela já até tirou uma com a cara do Tony Stark por ter um conhecimento sobre gadgets (equipamentos tecnológicos criados para facilitar uma função útil do cotidiano) muito superior ao do gênio, bilionário, playboy, filantropo — e insuportável — Homem de Ferro.

Fechando a santíssima trindade com chave de ouro: Nakia (Lupita Nyong’o). Seria covardia condensar a personagem a apenas interesse amoroso de T’Challa. Nakia é uma rebelde que defende, durante todo o filme, o que acredita. Enquanto Okoye faz isso no corpo a corpo e Shuri através da criação de novas tecnologias, Nakia avança com os ideais. Não hesita em se posicionar politicamente em momento algum.

Junto à Netflix, a Marvel lançou Jessica Jones em 2015 e a série já teve sua terceira temporada confirmada. Apesar de não ser cinematográfica, a produção desempenha um papel extremamente importante quanto à representatividade feminina. Jessica corrompe estereótipos usando e abusando de whisky, sexo casual, palavrões, calças jeans e jaquetas de couro: seu toque feminino para o universo Marvel.

Além do protagonismo de Jones, em março do ano que vem, Capitã Marvel entrará para o catálogo das produções cinematográficas da marca. O longa é protagonizado por Brie Larson e dirigido por Anna Boden e Ryan Fleck e é uma esperança para toda uma geração de mulheres que, desde pequenas, pagam ingresso do cinema para assistir aos homens salvando o mundo de novo e de novo.

O post As super-heroínas da Marvel e o desgaste de ter que roubar a cena o tempo todo apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.