Davi Marcelgo 

Natal Amargo (2026) e Socorro! (2026), de Pedro Almodóvar e Sam Raimi, respectivamente, representam fases diferentes desses autores. Enquanto o espanhol demonstra uma nova direção há pelo menos uma década, começando por Julieta (2016), se distanciando do humor histérico e das cores vibrantes, o entusiasta do Terror fez um filme sóbrio sem as características que o definem. Ambos os cineastas já possuem uma carreira extensa e essas produções dialogam com a atual etapa da vida em que estão. Almodóvar pensa os limites da autoria e os dilemas do século XXI, da morte à crise climática, e Raimi elimina a autoria em prol de uma história. Steven Spielberg, descontente com os Estados Unidos, abandona, até certo ponto, as marcas de seus longas para construir Dia D. 

O pai dos blockbusters já se aventurou por vários gêneros, e suas duas últimas obras, Amor, Sublime Amor (2021), uma releitura do clássico musical, e Os Fabelmans (2022), drama semiautobiográfico, apontavam para uma diferente e intimista fase do cineasta, o que não muda com seu novo filme, que regressa à familiar temática de alienígenas em nosso planeta, já vista anteriormente, mas de uma forma diferente quando comparada com Contatos Imediatos do Terceiro Grau (1977) e E.T. O Extraterrestre (1982). Na trama, Daniel Kellner (Josh O’Connor) foge de uma organização secreta enquanto tenta revelar a verdade sobre aliens para a população mundial. 

Para contar a narrativa, Spielberg se apoia na linguagem do Cinema de ação e, por vezes, Dia D parece uma sequência de Missão: Impossível ou de um filme da Marvel, onde John Williams está possuído por Alan Silvestri em Vingadores: Guerra Infinita ao utilizar trompas e percussão nas composições. Alinhada a isso, a abertura de paletas azuladas compostas por reflexos de lente da câmera, filmada à noite, com uma história iniciada pela metade, se assemelha ao confronto de Thanos e Hulk em 2018. Assim, há um distanciamento entre o encenado aqui e o feito no século passado, quando a relação entre humanidade e ‘homens de marte’ era mais simples, uma fábula urbana protagonizada por crianças e ambientada em pequenos lares norte-americanos.

Spielberg opta por uma abordagem diferente, pois sua história – e seus personagens – ainda não haviam alcançado a fé necessária para crer no que está para ser revelado. Isto é percebido quando aqueles que não acreditam, ou são esquecidos pelo filme, como Jackson (Wyatt Russell), ou se resignam, como Jane (Eve Hewson) e Noah (Colin Firth) e, a partir disso, o diretor desabrocha a fantasia. Nesse momento, há uma emulação ao fazer Cinema de Shyamalan, da fabulação que envolve animais, de A Dama na Água (2006), aos agroglifos de Sinais (2002) – algo encantador, visto que Shy foi comparado ao veterano no início da carreira. 

Regressar aos contos de fadas é a forma como o cineasta retoma a crença infantil e tece seus comentários sobre o cenário da política estadunidense. Dia D não é o único a ser influenciado por essas narrativas, Contatos Imediatos do Terceiro Grau e A.I. – Inteligência Artificial (2001), por exemplo, executam intertextualidade com Pinóquio. O clássico escolhido aqui é O Mágico de Oz, porém mais alinhado com o longa de 1939 do que propriamente ao romance de L. Frank Baum, pela localidade escolhida: Kansas City. Se Kansas representava uma âncora para Dorothy (Judy Garland) em meio à Grande Depressão, no texto de David Koepp, o lugar surge como Têmis, onde a verdade deve prevalecer e ser divulgada. Dorothy atravessa a estrada de tijolinhos amarelos para regressar a Kansas, enquanto Margaret (Emily Blunt) e Kellner enfrentam seus próprios percalços na tentativa de voltar para lá.

Os dois personagens funcionam como panteões da verdade e da esperança. Kellner, desde o início, tem como plano divulgar para o mundo os dados obtidos. Em meio aos arquivos do Caso Epstein e a tentativa de abafar o escândalo pelo governo de Donald Trump, ao divulgar material sobre OVNI, o abandono das marcas de autoria de Spielberg e seu retorno a partir do surgimento de uma verdade que expõe crimes cometidos pelos Estados Unidos, é um manifesto da visão do diretor sobre seu país. Inclusive, um jornal televisivo ser o epicentro da difusão dessas informações se opõe ao tratamento que a imprensa recebe pela gestão Trump e aos ataques que adjetivam os profissionais do jornalismo como “mentirosos”. 

Assim, o diretor de fotografia Janusz Kamiński enquadra os protagonistas em volta de luzes ou com elas acima de suas cabeças, como as pinturas de iconografias cristãs, afinal a luz deles removerá a humanidade de uma escuridão de mentiras. Alguns elementos da narrativa são eficientes para tatear a temática de crença que envolve o filme. Sejam as freiras e a presença de cruzes ou a profissão de Margaret, meteorologista, que apesar de trabalhar com previsões por meio da coleta de dados para adivinhar o clima, ainda se baseia no acreditar. É acreditar que a previsão está correta, que hoje vai chover. 

O que Steven Spielberg tem em comum com Almodóvar? Além de um filme semiautobiográfico no currículo, a necessidade de discutir questões de nosso tempo. Com Sam Raimi? A noção de que uma história às vezes pede o assassinato de suas marcas. Com Shyamalan? A inocência das crianças. Dia D é uma exploração das temáticas familiares para o diretor e para os americanos, mas vista de uma maneira diferente, imprimindo as dores do século XXI em um filme que não pode ser igual aos de outrora. Os tempos mudaram. 

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Guilherme Moraes

Dois anos após o lançamento de Harry Potter e a Câmara Secreta, o terceiro filme da saga chegava aos cinemas, dessa vez, mostrando a outra face desse mundo mágico. Se nos dois primeiros longas-metragens, em especial no primeiro,  Chris Columbus apresentou o lado fascinante e alegre desse universo, em Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban, Alfonso Cuarón introduz o lado sério e sombrio que irá tomar conta da saga a partir daqui.

Dando continuação ao seus antecessores, Harry (Daniel Radcliffe) descobre que um dos seguidores mais fiéis de Voldemort fugiu de Azkaban, com o objetivo de se vingar de Potter pela queda de seu Lorde. Os personagens Sirius Black (Gary Oldman) e Remo Lupin (David Thewlis) aparecem pela primeira vez na franquia, assim como outros elementos que irão se tornar essenciais nesse universo, como os dementadores, lobisomens, animagos e vira-tempos. Apesar disso, o que torna essa obra tão especial e marcante é a maneira como tudo é introduzido, preservando o lado fantástico, mas levando ele pro lado obscuro, tornando o mundo mais macabro.

Cuarón utiliza os elementos audiovisuais de maneira interessante ao explorar o lado sombrio dessas criaturas, trazendo uma Fotografia mais fria e desoladora, principalmente na aparição dos dementadores. O diretor flerta com o Terror ao mostrar detalhadamente os monstros, a partir de closes na boca e na mão ossada do dementador, e na cabeça do lobisomem, ao lado da lua cheia enquanto ele uiva – algo clássico de filmes do gênero. Tudo isso é potencializado pela trilha sonora do lendário John Williams, que parece ter saído diretamente de filmes de Halloween. Além disso, Alfonso Cuarón torna a figura de Sirius Black quase mítica até ele aparecer pela primeira vez, como se ele fosse uma assombração, podendo estar em qualquer lugar do castelo.

Para além da mudança de atmosfera em relação aos dois primeiros, esse também começa a se desapegar da fidelidade dos livros. Não que os antecessores fossem totalmente fiéis, mas eles claramente buscavam ao máximo trazer da obra original, enquanto o Prisioneiro de Azkaban entende que não irá conseguir transpor tudo, e se adequa a uma ideia fílmica. Nesse sentido, a fita é mais fiel ao tom do manuscrito ao fazer a transição do inocente e fascinante para o sério e perigoso, sem esquecer os momentos de ternura; porém, essas passagens são utilizadas para dramatizar seus personagens, como a cena de Harry e Lupin conversando sobre Tiago  e Lílian, e as brigas de Rony e Hermione.

Vale destacar como o trio principal ganhou profundidade a partir dessas dinâmicas. O longa começa com Harry fugindo da casa de seus tios, com quem ele nunca sentiu parentesco algum, e ao decorrer da história, enquanto passa a saber de seu passado e do de seus pais, encontra verdadeiramente a sua família com Sirius e Remo e consegue encontrar a figura de seu pai, Tiago, em si mesmo quando invoca o feitiço do Patrono. Aliás, esse é outro ponto interessante, afinal ele só consegue conjurar a magia quando pensa em uma lembrança alegre com aqueles que considera família e, quando ele finalmente conhece o seu padrinho, a ligação deles é instantânea e se torna tão forte que ele conjura um Patrono tão reluzente que espanta centenas de dementadores.

A relação de Rony e Hermione, ainda que menos destacada que a de Harry com Lupin e Black, também começa a ganhar profundidade e a dar abertura para as brigas por ciúmes que viriam a ter na sequência. A primeira cena dos dois já dá a tônica do que esperar deles durante o resto do filme, pois, logo de cara, eles já estão brigando, contrastando com a relação de ambos com o Harry, que é bem mais amigável. Esses dois são o que mantém o filme em uma pegada infanto-juvenil e que melhor explora o seu lado coming-of-age, visto que, enquanto Daniel Radcliffe explora muito bem a psique de seu personagem, Rupert Grint e Emma Watson são ótimos nessas situações típicas adolescentes como as brigas infantis, o embaraçamento depois de darem as mãos, o contato físico constante e até o drama que Rony faz quando machuca a perna.

Não dá para falar da franquia sem citar a sua autora e as polêmicas que ela começou a se envolver. Desde o final de 2019, a escritora J.K. Rowling passou a ser ‘cancelada’ por suas falas e posicionamentos descaradamente transfóbicos, o que, obviamente, abalou toda a comunidade de fãs da saga; alguns conseguiram seguir com a adoração, mas outros abandonaram o barco, afinal era uma decepção muito grande ver a pessoa idealizadora de um universo que prega amor e família, propagando discursos de ódio na realidade.

Nesse contexto, algumas pessoas decidiram promover boicotes às suas obras e em especial a franquia Harry Potter. No entanto, apesar de ser um protesto legítimo, ele se mostra ineficiente, e além disso, vilaniza e culpabiliza aqueles fãs que continuam consumindo produtos da franquia, o que é um problema, pois coloca esse público e a saga no mesmo ‘balaio’ que a escritora, resumindo o debate e tornando raso. O que há de ser feito então? Ignorar? De forma alguma, mas analisar criticamente a relação entre o autor e a obra, e como ela se comporta no mundo.

A relação entre autor e obra é parecida com a relação de criador e criatura, pois existe um pouco do criador na criatura e vice-versa. No entanto, quando a obra é publicada, ela passa a ser maior do que seu próprio autor e se torna de todo mundo, possibilitando inúmeras interpretações e criando relações entre outras pessoas com aquela obra. Além disso, desconsiderá-la pelas problemáticas em relação ao seu autor, é também desconsiderar enquanto Arte, tornando-a um produto que pode ser descartado, sem levar em consideração o aspecto estético e também o trabalho de inúmeras outras pessoas que vivem desse universo, o que reafirma que, Harry Potter já é muito maior que sua autora.

Tudo isso não quer dizer que é preciso esquecer o que a J.K. Rowling tem propagado, pois a sua obra é carregada de sua ideologia. Porém, leva-la ao ostracismo, a isenta de debate crítico e ignora o problema, portanto, faz a manutenção de um mundo problemático. Além disso, seria idealista demais e, até mesmo, um pouco alienante dizer que precisa separar o artista da obra, afinal, se não podemos julgar aqueles que ainda são fãs da saga mesmo após a polêmica, também não podemos com aqueles que a abandonaram, já que, como dito anteriormente, cada um tem uma relação diferente. Ademais, é uma ideia desumanizadora por ver a criação como algo fora do mundo, quando, na verdade, ele é criado a partir de uma maneira como a autora enxerga a sua realidade e se integra e molda esse mundo.

Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban, lançado há 20 anos atrás, deu início ao lado sombrio da saga, mas que para a surpresa de todos os fãs, se tornou mais sombrio na vida real com os discursos de ódio da autora. No entanto, a própria escritora se mostrou não estar no mesmo patamar de suas obras, que criou uma legião de fãs ao redor do mundo que definem para si o que todo esse universo significa. Em resumo, apesar das problemáticas em relação à J.K. Rowling, o terceiro longa da franquia é um ótimo filme que faz a transição do mundo fascinante e divertido para uma roupagem mais soturna, sem perder de vista o lado mágico.

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Gabriel Gatti

Há 20 anos, um menino comum recebeu a sonhada carta de Hogwarts e passou a viver uma jornada que mobilizou o mundo todo. Após duas décadas, os telespectadores são convidados a seguir os mesmos passos do bruxinho, em uma reunião especial junto ao elenco e a equipe técnica de Harry Potter através da plataforma 9 ¾. Para isso, a Comemoração de 20 anos de Harry Potter: De Volta a Hogwarts insere os atores novamente na antiga Escola de Magia e Bruxaria. O formato funcionou quase como um nono filme da franquia e ainda garantiu a indicação nas categorias Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado)  e Melhor Montagem em Programa de Variedades  no Primetime Emmy Awards 2022.

O documentário foi disponibilizado na plataforma do HBO Max logo no primeiro dia de Janeiro, para dar início ao ano relembrando esse passado encantado. Desse modo, os atores foram levados aos sets de gravação, que hoje funcionam como Harry Potter Studio Tour. Além disso, o enquadramento das câmeras foi pensado de modo a remeter aos demais longas da série. A partir da caracterização impecável, o especial mostra trechos de produtos da imprensa da época, cenas do parque temático em Orlando e a apresentação de depoimentos de diversos artistas responsáveis pela construção de uma das maiores franquias de filmes já produzida.

Sendo assim, Harry Potter 20th Anniversary: Return To Hogwarts, o nome original do especial, conta sua história por meio de capítulos, sendo que cada um deles trata sobre dois filmes da saga. Em cada um desses blocos, há depoimentos dos atores e diretores, cenas dos longas e trechos retirados dos livros para imergir o público no universo de Hogwarts. A partir desse cenário, somos levados a três amigos, Harry (Daniel Radcliffe), Hermione (Emma Watson) e Rony (Rupert Grint) sentados no salão comunal da Grifinória, assim como eles fizeram tantas vezes. Porém, agora se reúnem para relembrar os momentos mais marcantes dos 20 anos do lançamento de Harry Potter e a Pedra Filosofal.

Para manter o clima de celebração, Harry Potter 20th Anniversary: Return To Hogwarts não chega a mencionar os eventos polêmicos que mancham o legado da série,  como é o caso das falas transfóbicas de J.K. Rowling. Por diversas vezes, a autora disseminou ódio às pessoas transgênero e, para evitar mal-estar, não participou da reunião juntamente com o elenco. A orientação por recusar o convite de se juntar no reencontro partiu de sua equipe, o que levou a produção do documentário a resgatar falas de Rowling gravadas em 2019.

Apesar de certas controvérsias, a equipe de produção do especial de 20 anos conseguiu driblar as críticas e entregar um trabalho emocionante. Sob direção de Casey Patterson, Joe Pearlman, Eran Creevy e Giorgio Testi, o longa ouviu o relato de Chris Columbus, Alfonso Cuarón, Mike Newell e David Yates, os diretores dos filmes da franquia Harry Potter. Todos foram acompanhados pela emocionante trilha sonora composta por John Williams, que acompanhou o crescimento de Harry ao longo dos oito longas.

O documentário faz uso de recursos nostálgicos e consegue atingir o lado emocional dos fãs do bruxinho. A cada momento somos apresentados a elementos singulares da saga, como cenários, fotografia, figurinos e trilha sonora, que tornam a experiência de assistir ao reencontro tão mágica quanto acompanhar um episódio regular da franquia. O formato em capítulos também contribuiu para que o fluxo narrativo comovesse o público, passando desde a seleção do elenco de Harry Potter e a Pedra Filosofal até a batalha épica em Hogwarts, que culminou na morte do Lord Voldemort. Além disso, o filme arrancou lágrimas com os eventos externos da saga, como a morte de atores que brilharam na série, como Alan Rickman, Richard Griffiths e Helen McCrory.

A partir da magnitude de um especial de 20 anos da saga Harry Potter, era de se esperar que houvesse uma grande repercussão a respeito do lançamento do especial. A ausência de depoimentos inéditos de J.K., por exemplo, causou revolta em determinados fãs, já que ela é a autora da série. Apesar dos eventos contraditórios, o documentário foi muito aclamado tanto pelo público quanto pela crítica especializada, chegando a atingir uma aprovação de 93% no Rotten Tomatoes.

Desse modo, as duas décadas que nos separam do momento em que o jovem Harry recebeu sua carta e descobriu que era bruxo se consagram no especial Comemoração de 20 anos de Harry Potter: De Volta a Hogwarts. Não é atoa que o longa garantiu duas indicações no Emmy 2022. E, assim, o trabalho desenvolvido meticulosamente para arrancar lágrimas dos fãs da franquia cinematográfica funcionou, resultando em uma viagem fantástica ao passado em que toda a magia começou.

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Nathan Nunes

Vinte anos distanciam o atual estado da sociedade do lançamento de Minority Report: A Nova Lei no longínquo ano de 2002. Já em comparação com o futuro retratado no filme de Steven Spielberg, são trinta e dois anos de separação. Seja olhando para frente ou para trás na linha do tempo, é interessante notar que essa obra, como toda boa ficção científica, é cada vez mais parecida com a realidade, em níveis bastante alarmantes e assustadores. 

Baseado no conto de mesmo nome escrito pelo renomado autor Philip K. Dick, o longa se passa em 2054, em que um protótipo de polícia chamado Pré-Crime está em vigor. Esse programa se sustenta com base nos Pré-Cogs, três irmãos capazes de visualizar previamente os crimes, o que permite que os policiais prendam os supostos criminosos antes que eles cheguem a cometê-los. Nesse contexto, acompanhamos o oficial de comando John Anderton (Tom Cruise), um homem amargurado pelo desaparecimento de seu filho anos antes. Quando um assassinato é visualizado envolvendo Anderton como o responsável, ele se torna um alvo e parte para fuga na intenção de sobreviver e desvendar o mistério que cerca seu destino. 

Há diversos paralelos a serem feitos entre Minority Report e a sociedade atual, mas os principais seguem uma mesma linha: a crítica às instituições. De início, temos evidentemente o retrato crítico da polícia enquanto uma instituição que atua como juiz, júri e executor, como comprovam os constantes casos de violência policial no Brasil e no mundo. Além disso, existe também a noção da tecnologia aliada ao serviço policial em si, como podemos ver no recente exemplo do uso de câmeras nos uniformes policiais adotado no estado de São Paulo. 

Outra instituição que não sai passível de críticas no filme, mesmo que de forma mais metafórica, é a religião. Na realidade mostrada aqui, os Pré-Cogs são endeusados como seres divinos que vieram ao mundo para nos libertar da violência, algo que é realçado na maneira como as pessoas se ajoelham e fazem sinal de cruz diante de uma deles em determinado momento da trama.

Porém, no seguimento do filme, como apontado pelo personagem Danny Witwer (Colin Farrell), quem realmente detém e controla o poder de figuras endeusadas são os sacerdotes. Nesse sentido, os policiais do Pré-Crime operam quase como os padres de uma igreja, mantendo as engrenagens da instituição em movimento, independente dos valores éticos e morais.

Contudo, pensando de um ponto de vista mais material, Minority Report também se assemelha ao presente no seu retrato da tecnologia customizada. Vemos isso nos anúncios de roupas, serviços, produtos personalizados e na necessidade que os personagens têm de se identificarem virtualmente através do escaneamento das íris de seus olhos.

Esse retrato é complementado pelo design de produção de Alex McDowell (O Homem de Aço, A Fantástica Fábrica de Chocolate) e os figurinos de Deborah L. Scott (Avatar, Titanic), que não se distanciam tanto da realidade: a Washington de 2054 parece realmente a cidade de Washington daqui 30 anos. Seguindo a proposta do filme, o trabalho de ambos não se esquece da inventividade característica da ficção científica, como máquinas de extração ocular, robôs que parecem baratas, cassetetes que estimulam o vômito e por aí vai. 

Enquanto Cinema, Minority Report nos mostra um Spielberg soberbo e excepcional em sua mise-en-scene, como de costume. Trabalhando pela primeira – e por enquanto única – vez com o gênero noir, o diretor consegue transmitir toda a angústia e mistério da narrativa em sua câmera tradicionalmente dinâmica e inquieta. Esse efeito é potencializado pela espetacular direção de fotografia de Janusz Kaminski, que retrata esse mundo misturando tons azulados e esbranquiçados, etéreos com as sombras mais fortes e granuladas da película, num sentimento de pessimismo e anestesia muito condizente com os dos personagens aqui. 

No que tange à ação, o filme nos brinda com sequências espetaculares que se utilizam dos aspectos técnicos em seu nível máximo de qualidade. São momentos como os da fuga de Anderton em meio ao trânsito magnetizado de Washington ou o da perseguição ao protagonista que começa em um beco e termina em uma fábrica de carros (com direito a uma pistola de pulsos magnéticos no meio). Ou até mesmo o da excepcional primeira operação dos policiais, em que percebemos o empenho dos dublês, a pegada pulsante da trilha de John Williams, a intensidade da montagem de Michael Kahn, a inventividade do design de som indicado ao Oscar de Gary Rydstrom e Richard Hymns e, claro, a excelência dos efeitos visuais da empresa ILM. 

Já no elenco, temos um dos melhores e mais subestimados papéis da carreira de Tom Cruise – que poderia cair facilmente na mesma pegada de todos os seus outros protagonistas de ação, se não fosse a sua profundidade. Aqui, Cruise trabalha balanceando brutalidade, desorientação, descontrole e, acima de tudo, melancolia, de forma brilhante, chegando ao clímax emocionalmente chocante e catártico para Anderton, em que o herói se depara com o suposto assassino de seu filho e é forçado a escolher entre cumprir a premonição dos Pré-Cogs ou tomar um rumo diferente por vontade própria. 

O nêmesis de Anderton, Witwer, é interpretado com uma ambiguidade moral muito interessante por parte de Colin Farrell, enquanto seu mentor Lamar Burgess é agraciado com um ótimo desempenho do saudoso Max Von Sydow, envolto em uma rigidez e uma fala passivo-agressiva muito condizentes com a sua natureza surpreendente. Já Samantha Morton, mesmo com pouco tempo de tela comparada aos outros coadjuvantes, chama atenção na composição frágil e enigmática de Agatha, uma das três Pré-Cogs responsável pela premonição que incrimina John. 

No final das contas, Minority Report representa o melhor que a ficção científica tem a oferecer: reflexões sobre a nossa condição contemporânea enquanto sociedade a partir da especulação do futuro. K. Dick, o homem que ousou sonhar com ovelhas elétricas, deu origem a base de discussões éticas que os roteiristas Scott Frank e Jon Cohen aprofundaram na adaptação do texto para o cinema. O trabalho no qual Spielberg, Cruise e todos os outros profissionais envolvidos maximizaram através de seus níveis ímpares de competência. O resultado final foi um filme que, vinte anos depois de seu lançamento original, continua muito relevante, além de uma grande, pura e simples experiência cinematográfica. 

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Gabriel Gatti 

Foi durante uma noite tempestuosa que Harry Potter ouviu de Rúbeo Hagrid a frase: “Você é um bruxo, Harry”. A cena marcante do filme Harry Potter e a Pedra Filosofal, lançado há 20 anos, abriu espaço para uma saga de oito longas registrando a história do bruxo órfão que luta contra o vil Lorde Voldemort. Como protagonista da trama, o jovem foi muito bem caracterizado de acordo com as descrições apresentadas por J. K. Rowling no  livro homônimo de 1997 que baseou o filme, como um garoto de 11 anos, magro, de cabelos pretos, olhos claros, óculos redondos e uma misteriosa cicatriz em formato de raio na testa.

Harry Potter e a Pedra Filosofal foi a primeira narrativa da autora e, logo, se tornou um grande fenômeno da Literatura. Por se tornar um best-seller muito rapidamente, não tardou para que a obra ganhasse uma adaptação para as telonas. O filme, produzido pela Warner Bros., estreou no ano de 2001 e consagrou Rowling como a criadora de uma das narrativas mais marcantes da atualidade.

A trama inicial se localiza na Rua dos Alfeneiros, Número 4, uma residência de trouxas, onde Harry Potter (Daniel Radcliffe) vive no armário debaixo da escada da casa de seus tios Dursley, que têm muito orgulho de serem perfeitamente normais. Essa realidade pavorosa vira de cabeça para baixo assim que o jovem recebe o convite do Guardião das Chaves, Rúbeo Hagrid (Robbie Coltrane), para ir estudar na Escola de Magia e Bruxaria de Hogwarts.

Mesmo confuso com a nova realidade, Harry encara o desafio de aprimorar suas habilidades mágicas. Ao chegar na escola, o bruxo conhece Hermione Granger (Emma Watson) e Rony Weasley (Rupert Grint), que logo se tornam seus amigos. Em pouco tempo, o jovem descobre sobre o assassinato de seus pais (James e Lilian Potter, vividos por Adrian Rawlins e Geraldine Somerville), cometido por Lorde Voldemort, e sobre a Pedra Filosofal, objeto desejado pelo vilão da trama para recuperar suas forças e, assim, poder matar Harry Potter. O desenrolar desta narrativa segue de forma eletrizante, seguido de um plot twist totalmente inusitado que torna o longa tão memorável.

A adaptação para o Cinema do já aclamado livro de J. K. Rowling, comandada por Chris Columbus, não decepcionou. O diretor foi fiel à obra literária para agradar os fãs e, com isso, conseguiu cativar o mundo inteiro para acompanhar a jornada fantástica de Harry Potter. Outro destaque positivo é a escolha e a caracterização dos atores, que parecem terem sido extraídos diretamente da mente de Rowling. Além disso, a trama segue um ritmo bom para acompanhar a história do jovem bruxo, com uma duração pertinente para os desdobramentos da narrativa.

O encanto do longa se estende a direção de arte, sob comando de Stuart Craig. Com um orçamento farto de 125 milhões de dólares, o céu era o limite para a construção do mundo mágico de Harry Potter. Tudo isso era acentuado pela trilha sonora impecável do famoso compositor John Williams. Os arranjos instrumentais traziam a dramaticidade e o tom epidítico necessários para as aventuras do jovem órfão em seu primeiro ano em Hogwarts. Nesse processo de criação, o único ponto negativo vai para os efeitos visuais artificiais, destacados principalmente durante o jogo de Quadribol, o que é compreensível ao levar em conta os efeitos especiais de outros filmes lançados no mesmo período, como Matrix Reloaded, 007 – Um Novo Dia Para Morrer e Star Wars I – A Ameaça Fantasma.

Apesar de alguns pontos fracos, Harry Potter and the Philosopher’s Stone ou Harry Potter and the Sorcerer’s Stone, nos Estados Unidos, foi um sucesso avassalador, contagiando uma legião de fãs e dando visibilidade a J. K. Rowling, que se tornou uma das autoras mais lidas do mundo. O longa se tornou um dos maiores sucessos de bilheteria da época e, ainda, foi bem avaliado pela crítica especializada. Além disso, a película chegou a ser indicada ao Oscar 2002 nas categorias de Melhor Direção de Arte, Melhor Figurino e Melhor Trilha Sonora, mas acabou não levando nenhuma estatueta para casa.

O ponto mais assertivo de Harry Potter é a questão humana presente na história. A saga aborda diversas vezes o preconceito contra aqueles bruxos que não vinham de uma família de “sangue puro”. Segundo um estudo realizado no Reino Unido e na Itália e publicado no Journal of Applied Social Psychology, essa discriminação, mesmo que fantasiosa, influenciou para que os jovens leitores fossem mais empáticos com as minorias sociais. Apesar dessa influência positiva, Harry Potter é repleto de discursos vazios de respeito às diferenças, visto que a própria autora não põe em prática esses ensinamentos.

Há algum tempo, J. K. Rowling passou a postar comentários polêmicos no Twitter sobre as pessoas trans. Os pensamentos absurdos sobre essa minoria movimentou diversos fãs e atores dos filmes da saga Harry Potter contra as afirmações levianas da autora. Essas falas errôneas mudaram a forma de analisar as obras da autora, como Harry Potter e a Pedra Filosofal, por exemplo. Desse modo, apesar de toda a herança nostalgia trazida por meio do universo bruxo criado por Rowling, é importante não separar o autor da obra. Desse modo, após 20 anos, o que poderia ter envelhecido como uma peça fantástica, tornou-se uma narrativa oca. 

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