Mariana Nicastro e Nathan Sampaio

Há cinco anos, nos cinemas, Bill, Beverly, Ben, Eddie, Richie, Stanley e Mike deram as mãos em círculo e selaram a promessa de que voltariam a Derry se Pennywise também retornasse. O tal The Losers Club, Clube dos Perdedores ou Clube dos Otários ensinou valores como amizade, lealdade e coragem, e It – A Coisa marcou a cultura pop com um filme que equilibra medo e encanto com maestria. 

Baseado no livro de Horror do rei do gênero literário, Stephen King, autor de O Iluminado, Carrie, O Cemitério e outras obras famosíssimas que já tiveram suas adaptações para os cinemas, em setembro de 2017 foi o ano de It – A Coisa ganhar um novo longa, distribuído pela Warner Bros. Pictures. ‘Novo’, já que a obra foi adaptada algumas vezes no passado, como na série de televisão It (1990), protagonizada pelo palhaço assassino de Tim Curry.

Dividindo a história do livro em dois filmes, o longa-metragem estadunidense difere-se da adaptação noventista ao representar apenas a parcela da trama que se passa na juventude dos personagens. It – A Coisa se inicia com Bill Denbrough (Jaeden Martell) buscando Georgie, o irmão desaparecido, junto de seus amigos, enquanto um mal existente há séculos na cidadezinha de Derry, no Maine, retorna e assombra a região amaldiçoada. 

A direção de Andy Muschietti, responsável pelos longas Mama (2013) e o futuro – e incerto – The Flash, é habilidosa e fornece toneladas de nostalgia misturadas a um Terror sobrenatural. Isso porque It é eficaz ao desenvolver excepcionalmente seus protagonistas carismáticos, pertencentes ao final dos anos oitenta, em um misto de referências, parcerias e amores restritos à fase da pré-adolescência. Em um momento em que tudo é infinito, os amigos são eternos e há energia, pureza e criatividade suficientes para derrotar os mais tenebrosos monstros. 

Desses monstros, Derry carregava um dos piores, que sentia fome a cada vinte e sete anos e saía para caçar. Se alimentando de medo e carne humana, a Coisa é uma das criaturas mais assustadoras e interessantes escritas por King, maravilhosamente representada na Sétima Arte. Rondando principalmente crianças, presas mais fáceis, a entidade transmorfa cria cenários visíveis apenas para suas vítimas, transformados as naquilo que elas temem. Se os jovens têm medo de palhaços, a Coisa torna-se o mais macabro deles. 

E é nesse contexto de ataques e desaparecimentos de crianças que o Clube dos Otários se reúne para compartilhar experiências e decide investigar e impedir que mais ‘Georgies’ desapareçam, e mais famílias fiquem desamparadas. O filme embarca em uma aventura bizarra, com os membros do grupo sendo pessoalmente atacados e obrigados a enfrentarem seus medos enquanto lutam contra problemas pessoais e encontram refúgio uns nos outros. 

Com uma fórmula parcialmente retirada do livro, e parcialmente adequada para um filme de horror sobrenatural mais tradicional, o roteiro de Cary Fukunaga, Gary Dauberman e Chase Palmer segue uma sequência de ataques viscerais por Derry e encontros das crianças com a Coisa, encarnada no palhaço dançarino Pennywise (Bill Skarsgård). Se o grupo de atores mirins é a alma do filme, Skarsgård é o coração, que bombeia energia para cada cena montada pela direção, com sua atuação minuciosa e apavorante em cada detalhe, elogiada até mesmo pelo próprio Stephen King.

Seja em seus olhares alaranjados intensos e famintos, em seu modo de falar misterioso e excêntrico ou em suas expressões horripilantes que sobrevivem às camadas pesadas de maquiagem, a composição do vilão criada por Skarsgård é impressionante. A caracterização bizarra se destaca das versões anteriores da criatura, com mais traços monstruosos e deformados que as demais, reforçando a ideia de que Pennywise tem aspectos do que um dia foi um palhaço, mas está longe de ser algo próximo a um humano. E a violência e ferocidade da Coisa dão um toque gore à obra que, apesar de protagonizada por crianças, exige uma maturidade para ser assistida, evidenciada pelo plano sequência inicial, nada sutil.

Suas aparições são sempre marcantes, mesmo que a regra usada para assustar se torne batida ao longo de It: A Coisa, quando usada repetidas vezes. Em uma investigação à la Scooby-Doo, as crianças perseguem o sequestrador de Georgie por casas assombradas e esgotos, com uma coragem incitada pela união do grupo. Aproveitando-se da audácia infantil, Pennywise manipula a realidade de cada uma com seus truques para atraí-las até sua teia de aranha e fisgar suas presas. 

Ainda que o método de ataque da Coisa siga uma ideia comum e termine – quase – sempre com os protagonistas escapando, os eventos são inventivos e envolventes. Muito disso se deve ao caráter sobrenatural do vilão, que faz cada aparição sua ser diferente da anterior. Somados à preocupação do público para com os membros do Clube dos Otários, decorrente de uma boa introdução e apresentação de cada um deles, e a atuação impecavelmente medonha de Skarsgård, as cenas são cativantes, angustiantes e movem o terror. 

Para que o palhaço se tornasse icônico, não bastaria apenas a atuação, seria necessário também um visual marcante. Sarah Craig e Linda Dowds, responsáveis pela maquiagem do filme, fizeram um trabalho fenomenal ao construir a estética de Pennywise. Em seu design une-se o infantil com o macabro, tornando-o uma das figuras mais conhecidas do Horror. 

O mistério sobre a natureza do vilão o torna mais assustador para o espectador, afinal não sabemos quando, onde e como ele pode atacar os protagonistas, deixando um clima de perigos constante no ar. Pennywise é uma incógnita para os protagonistas, e, consequentemente, para o público. Só com o caminhar da jornada vamos descobrindo pequenas pistas sobre suas intenções e origem. Mas Fukunaga, Dauberman e Palmer, de maneira assertiva, escolhem não contar tudo sobre a Coisa, deixando várias perguntas em nossa cabeça, que fazem o filme se prolongar durante dias na nossa mente.

Personagens atrativos como os de It são essenciais para uma história que se usa muito da empatia e nostalgia como carros-chefes. Cada um deles tem algo a oferecer que desencadeia a identificação da audiência. O protagonista Bill-gago é um líder gentil, que carrega a dor da perda do irmão mais novo e o fardo da vingança contra uma criatura aparentemente imbatível. Já Ben (Jeremy Ray Taylor) é um garoto doce e apaixonado, novato na escola e encantado com um grupo de amigos acolhedor e aventureiro.

Richie (Finn Wolfhard) é sarcástico, zombeteiro e proporciona grande parte do alívio cômico da obra ao lado do pequeno e hipocondríaco Eddie (Jack Dylan Grazer), tão cheio de inseguranças e medos quanto sua mãe o faz acreditar que é. Stanley (Wyatt Oleff) é a parcela mais cética e reclusa dos sete, o que lhe rende um destino sombrio no livro de King.

Mike (Chosen Jacobs) é corajoso, determinado e o único que criaria um laço eterno com o que viveriam ali. Por sua vez, Beverly Marsh (Sophia Lillis), com seus cabelos de fogo como brasas no inverno, é a única garota do grupo. Ousada, mas amorosa e afeiçoada por Bill, ela aproveita, no clube, a oportunidade de ter a liberdade e carinho que seu pai agressivo e abusivo impediu que ela tivesse na família. 

Juntos, eles criam um laço forte o suficiente para desafiar a personificação da maldade e do medo e, além de funcionarem bem individualmente, unidos, o grupo tem uma essência e espírito próprio. Assim, eles são capazes de enfrentar não só a maldição sobrenatural de Derry, mas também a humana. Já que Stephen King adora criar em suas obras humanos tão perversos quanto monstros, como é o caso do bully psicopata Henry Bowers (Nicholas Hamilton), seus capangas ou Alvin Marsh (Stephen Bogaert). Seus atos são ainda intensificados diante da maldição da cidade, dominada pela Coisa. Ou, afinal, seria o mal sobrenatural intensificado pela crueldade humana local?

O fato é que Derry é rodeada pelos piores males da humanidade. Assassinatos, desaparecimentos e massacres fazem parte da história local há séculos, mas aqui, diferentemente do livro, funcionam mais como pistas ou referências para quem leu a obra original, como na relação do incêndio com a família de Mike e o racismo por eles enfrentado. De qualquer modo, os mistérios são descobertos pelas crianças ao longo da jornada e servem para mostrar que a cidade reflete tudo o que há de pior em Pennywise, ou o contrário.

Ao contar esses eventos, Muschietti faz da cidade não só uma ambientação perigosa, misteriosa e encantadora, mas cria um personagem vivo, que tem um passado e um presente sangrento. E assim como os protagonistas, Derry tem uma intensa ligação com Pennywise, e conforme o Clube dos Otários desvenda essa conexão, mais macabra se torna a visão que o público tem de ambos. 

Isso deságua em um terceiro ato repleto de mistério, alguns sustos divertidos e um embate final impactante e condizente com a atmosfera desenvolvida pelos protagonistas, na qual a união lhes dá força e todos se descobrem mais valentes do que pensavam ser. Eles se vêem cara a cara com o que está mais próximo da real face da Coisa e dão um passo em direção a sua aniquilação – pelo menos pelos próximos vinte e sete anos. 

Por sua vez, o espírito oitentista é visível em It através de sua fotografia. Chung-hoon Chung, fotógrafo de Oldboy (2003) e Noite Passada em Soho, evoca magistralmente os elementos da época com seus ângulos de câmera e a composição de cena. Além disso, suas técnicas de filmagem buscam pontos de vista que deixam Pennywise ainda mais misterioso e ameaçador.

Embora o longa seja a adaptação de apenas metade do livro, jamais vemos a escassez ou adições desnecessárias. O Clube dos Perdedores se desenvolve durante a jornada, a criatura tem alguns de seus mistérios revelados – apenas o suficiente para que ainda haja segredos suficientes ao seu redor – e a aventura jamais perde o ritmo e a tensão, com um roteiro fechado em si, mas que também deixa um gancho para a sequência já prevista. It é uma obra completa, a qual podemos finalizar sem a sensação de que faltou algo ou que tem elementos sem propósito em sua duração, um problema presente em sua sequência. 

Retirando apenas o essencial da obra original e adaptando para uma trama dinâmica e aterrorizante, It – A Coisa se destaca como uma das melhores e mais completas adaptações de Stephen King. A produção traz o mistério e o medo de uma criatura medonha, juntamente com o desenvolvimento de um clube de protagonistas carismáticos em uma jornada intensa e cruel de amadurecimento e amizade. Mais do que uma história de terror, o longa nos conta como enfrentar os nossos próprios medos e traumas, ao mesmo tempo que reflete sobre a importância de termos o nosso próprio clube de amigos inseparáveis.

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A Pixar é muito conhecida por suas obras carregadas de mensagens profundas, e por sua tentativa de explicação de conceitos complexos para crianças. Durante os 35 anos de existência da empresa, eles trataram sobre depressão em Divertida Mente (2015), amadurecimento nos quatro filmes de Toy Story, o luto em Dois Irmãos (2020) e até o sentido da vida em Soul (2020). Parecia que a aventura era um bônus na história. Mas, eis que surge Luca, em junho de 2021, e os papéis se invertem. A mensagem está lá, mas não é o foco principal.

A história gira em torno de Luca Paguro (Jacob Tremblay é a voz original do personagem, e Rodrigo Cagiano dubla o garoto na dublagem brasileira), um monstro marinho de 13 anos que tem apreço pela superfície, mas que nunca chegou nem perto, pois seus pais o proíbem disso – lembra uma certa sereia bem famosa do estúdio parceiro. Então, rapidamente, somos apresentados a Alberto Scorfano (Jack Dylan Grazer/Pedro Miranda), outro ser da espécie de Luca, mas que vive em um farol na superfície. E, assim, começa uma história de amizade e aventuras que os dois passam, em busca de liberdade e aceitação.

O filme é dirigido pelo vencedor do Oscar 2012, na categoria Melhor Curta-Metragem de Animação, Enrico Casarosa, e traz uma aura infantil e desbravadora. O cineasta italiano utiliza de suas lembranças da infância para construir a cidade de Portorosso, e suas paisagens. Tudo é muito rico e, ao mesmo tempo, contido. Essa é uma das grandes diferenças do filme para os demais do estúdio: a criação de mundo. A Pixar sempre teve uma construção de cenários muito grandiosos, desde Monstrópoles até o minúsculo mundo dos insetos. Já em Luca, todo o universo dos personagens era em Portorosso, e, por poucos momentos, pode-se ver suas vidas no fundo do mar e suas peculiaridades.

Ainda falando sobre as questões técnicas do filme, Luca se destoa um pouco da forma convencional do estúdio em sua animação. E isso é extremamente benéfico. Mesmo que as texturas e riquezas de detalhes sejam uma marca registrada da Pixar, o longa traz uma diferença no desenho. Os personagens são mais cartunescos e arredondados, com cores vivas e performances como se estivessem em uma pintura. A transição dos protagonistas quando estão em sua forma humana e acabam se molhando, tomando sua verdadeira feição, parece como quando uma tinta aquarela encosta na água. 

Luca é um personagem fácil de se apaixonar. Ele é ingênuo, afetuoso e extremamente curioso. É lindo ver sua alegria ao conhecer aquele novo mundo, e depois sua vontade de aprender mais sobre o universo e tudo além de Portorosso. Já Alberto vai na contramão. Ele é excessivamente confiante e impulsivo, mas com um coração imenso. Com o passar do tempo, as feridas de Alberto são expostas ao público, e a conexão com ele é imediata, e se entende o real motivo pelo qual a Vespa é a solução dos seus problemas. 

O roteiro de Mike Jones e Jesse Andrews consegue construir uma amizade verdadeira entre os dois, e cresce com a chegada de Giulia Marcovaldo (Emma Berman/Beatriz Singer). A garota italiana é uma personagem encantadora, com sua audácia e vontade de ganhar o grande torneio de Portorosso. Sua aparição marca o ponto de partida do crescimento dos personagens.

A habilidade de transformar o pequeno em majestoso é o grande mérito do longa. A “Nova Iorque” do filme é uma vila italiana de duas ruas. O grande desafio é um triathlon: com os desafios de uma competição de natação, quem come mais rápido uma massa e um caminho de pedalada. O grande vilão, um adolescente chato – e bota chato nisso – que quer vencer as crianças. E o grande sonho, que vai mudar a vida deles, é comprar uma Vespa. Na simplicidade, Luca ganha sua forma, e encanta quem o vê. 

O filme ser simples não é um defeito. Não quer dizer que não há um desenvolvimento de personagens, ou que a narrativa é irrelevante, pelo contrário, a todo momento ele está em constante evolução. O crescimento de Luca, as feridas de Alberto – momento em que a Pixar consegue retirar as lágrimas do seu público –, a motivação pela qual os pais do protagonista não queriam o deixar ir para a superfície. No fim, o que temos é uma linda história para assistir no Disney+.

Porém, a produção desliza em um aspecto: ela acaba se apressando na construção. Em sua uma hora e trinta e seis minutos, algumas questões são corridas demais. Nos primeiros minutos do filme, nós conhecemos a família de Luca, sua casa e o Alberto, já o convidando para ir para a superfície, sem uma maior interação e exploração do mundo aquático. Mas isso não é algo que estrague completamente a experiência, só deixa com uma pontinha de que poderia nos dar um pouco mais.

Mesmo sendo simples em sua narrativa, Luca traz uma mensagem importante: a de se desprender de seus preconceitos, e crescer junto aos outros. É uma obra sobre proteção, aceitação e compreensão das diferenças entre as pessoas. Os criadores flertam disso com o público, ao inserir o pai de Giulia, Massimo (Marco Barricelli/Dláigelles Riba), como um homem truculento, sendo um dos personagens mais queridos e amáveis da história – além de ir contra o discurso capacitista ao colocá-lo como um PCD que nasceu sem um braço, e demonstrando sua força e autonomia. 

Não é à toa que muitos internautas ligaram o filme com a descoberta da sexualidade. Realmente, a situação passada pelos personagens é vivida pela comunidade LGBTQIA+, e frases ouvidas por eles são comuns em suas vidas. Uma cena em especial foi muito compartilhada, da avó de Luca dizendo: “Algumas pessoas nunca vão aceitá-lo. Mas algumas vão. E parece que ele sabe encontrar as pessoas boas”. Mas, isso pode ser amarrado a outras diferenças sociais, dependendo de suas vivências. Independente disso, a mensagem continua a mesma, de que é necessário exercitar o ato do respeito. E, se caso tentarem te menosprezar, dizendo que você não consegue algo, ou se você se sentir inseguro de algo, grite “Silenzio, Bruno”, e siga em frente. 

É difícil de ver um filme da Pixar contido, sendo que o último lançado por eles literalmente tentou explicar o sentido da vida. Então, Luca chega com essa visão mais ingênua, sem grandes conceitos, acessível a todas as idades. É o que chamariam de ‘filme Sessão da Tarde’, que agrada a família toda, perfeito para assistir em um domingo depois do almoço. Não acho que seja a melhor animação do estúdio, e tão pouco penso que essa era a pretensão dos criadores. Mas o selo da luminária saltitante pode atrapalhar nas expectativas. Se fosse um longa da DreamWorks, teria sido um dos melhores filmes do ano. Ainda assim, Luca é cativante e gostoso de assistir. Ele está disponível no Disney+, sem custo adicional, para apreciar com a família toda.

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Vitor Evangelista

Para alguém que sempre odiou a própria expressão de gênero e a maneira com que se comporta, assistir We Are Who We Are foi um alívio. Quase um fardo sendo descarregado, eu respirava aliviado pelo menos uma hora na semana, momento em que os longos episódios da criação de Luca Guadagnino tomavam parte. Junto dos jovens habitantes de uma base militar italiana, revisitei o Ensino Médio, os julgamentos e as cobranças da adolescência e os corações partidos. Acima de tudo, enxerguei em Fraser (Jack Dylan Grazer) um espelho do que sempre quis ser, ou melhor, assistir.

Minha adolescência não foi privada de liberdade, muito pelo contrário. Sinto que vivi muito do que a série retrata, as celebrações e medos, as festas e choros. Em momento algum me senti encarcerado pelo mundo enquanto crescia e me formava, mas o ó do borogodó de WAWWA (e o que me deixava mais sensível que o comum) foi a maneira como a arte transferiu o material ‘bruto’ da vida real para dentro da televisão. Foi uma releitura, auto imposta, reveladora e pungente.

Ao fim de Right Here Right Now VIII and Last, Luca Guadagnino exprime seu desejo para com a produção: ‘quero que as pessoas amem e queiram ser amadas’, é o que revela no vídeo que sucede o capítulo, mostrando os bastidores com pequenos depoimentos dos atores. Amar e ser amado, experienciar a liberdade na mesma moeda do desejo. Amar e ser amado, conceitos aparentemente simples, que o diretor e roteirista fixa na mente quando constrói e desconstrói os preceitos comuns desse tipo de produção ‘adolescente’.

Escrevo adolescente entre aspas simples por um único e solitário motivo: não acredito que We Are Who We Are seja uma série necessariamente feita para esse público alvo. A produção trata da juventude, isso é óbvio, mas o conjunto de sua abordagem e tato narrativo se aproxima do agrado da audiência adulta. Mais acostumada com o paladar amargo da série, que ama lacunas temporais não preenchidas e deixa muito nas entrelinhas. Até o dia de exibição da série, nas segundas da HBO, abre mão do formato mais palatável das produções de domingo da emissora, em sua maioria digeríveis e cronologicamente mais simples.

E olha que WAWWA não é nenhum bicho de sete cabeças. O drama é consciente da história que quer contar desde o primeiro minuto do piloto, Right Here Right Now I. Situada numa base militar estadunidense na Itália, a série foca nas descobertas do jovem Fraser, um magrelo bicudo e ligado no 220, que vive uma Guerra Fria unilateral com a mãe Sarah (Chloe Sevigny). Ela é a nova comandante da base, e já chega chegando. Com a promessa de se diferenciar do antecessor, a soldado cultiva uma relação constantemente constrangedora de ser assistida com a esposa Maggie (a deslumbrante Alice Braga).

Desse trio, nascem os melhores momentos do íntimo do seriado. Jack Dylan Grazer brilha muito no papel do adolescente mais encardido e insuportável da grade americana de televisão. É claro que Guadagnino e o time de roteiristas escrevem o loirinho propositalmente chatonildo e implicante, e é justamente prazeroso acompanhar os ataques de pelanca que o jovem ator encena semanas à dentro. Interessante também para Grazer cair de cabeça num personagem tão diferente de seu currículo recente, que figurava o papel de Eddie na franquia It e Freddy, o melhor amigo do Shazam.

O casal Sarah e Maggie recebe menos atenção do que deveria, mas as atrizes são sublimes nas nuances e em nos fazer acreditar que assistimos duas pessoas juntas e íntimas há tantos anos. Chloe Sevigny, a chiqueza em pessoa, é dura e fria, o que congela a doçura de Alice Braga. A personagem da brasileira guarda muito para si, e ocasionalmente assente, com um sorriso de canto de boca que diz muito sobre como a soldado sabe policiar as próprias ações e dizeres. É uma pena que vemos tão pouco de seus tons camuflados e dotes culinários. 

Caminhando pela pacata vizinhança, damos de cara com a família de Caitlin (Jordan Kristine Seamón). É esse o núcleo mais dolorido de WAWWA, e também o que mais parece deslocado da produção. Poucos sabemos dos temores da mãe Jenny, papel afetivo de Faith Alabi, uma personagem muito ressentida e silenciada. O irmãos mais velho Danny (Spence Moore II) flerta com a religiosidade da violência e promete mais do que o seriado se propõe a cumprir. O trabalho do rapper Kid Cudi interpretando Richard é uma grata surpresa, mas ele vira fantasma das próprias motivações lá pro meio da temporada.

É evidente a tara de Luca Guadagnino para se desprender de explicações exageradas, mas mesmo a mais livre de suas produções poderia respeitar a própria trama e desdobramentos. Os bonés de Richard, estampados com o lema de Trump aparecem no começo e logo somem de cena, tornando essa ‘crítica’ à direita americana vazia e por vezes gratuita, sem tentativa de aprofundar as motivações do personagem. Em 2020, quem muito bem ressignificou o escrutínio ao ex-presidente americano e seus apoiadores negros foi Spike Lee, no sadio Destacamento Blood.

Outro capricho de roteiro que fica à deriva é a relação entre Fraser e sua mãe. Os ataques violentos e o comportamento incomum do garoto levantaram debates sobre autismo ou alguma síndrome do tipo, mas a equipe de roteiristas optou por não tocar mais no assunto, levando Fraser apenas a comentar no último episódio que ressente Sarah por ela não ter envolvido o pai do garoto em sua vida. Não sabemos se Guadagnino preferiu guardar essa trama para uma eventual segunda temporada, mas que foi golpe baixo subir os créditos sem discutir diretamente o assunto, isso foi.

Luca Guadagnino acerta em cheio é no tratamento das descobertas de Cate, ou Harper, como preferir que nós chamemos. A personagem é quem mais cresce ao longo de We Are Who We Are, sentindo tudo que pôde sentir. A atriz conquista com o olhar, e sempre mantém suas reais intenções e reações escondidas do grande público. 

Ao passo que Fraser faz birra e bate o pé, Cate prefere ler o ambiente antes de se expressar. No fim das contas, a personagem era a única que não ‘precisava’ de uma conclusão em seu arco. Quando trabalhamos e assistimos questões de gênero e expressão, não existe resposta certa ou final. A jornada é muito mais importante que qualquer conclusão, que na vida real pode ser que nunca chegue.

E as jornadas dos personagens que rodeiam o duo convergem no quarto episódio, quando a série pisa no freio e captura com primazia uma festa afastada da narrativa principal. Sufocados pelos pais e pelo ambiente da vila militar, os adolescentes viajam até uma casa periférica, desabitada por hora. Right Here Right Now IV se certifica de celebrar os medos deles, que bebem e se beijam, deixando o amanhã o mais longe possível. É nesse agitado e importante capítulo, também, que We Are Who We Are assina um contrato implícito com sua audiência: a cláusula da morte.

Manobra comum na TV, quando um personagem recebe muito destaque e louros antes de um momento decisivo, significa que ele vai morrer. The Walking Dead é mestre em fazer isso, brilhando seus sobreviventes antes de jogá-los do precipício. Em WAWWA, no segundo que Craig (Corey Knight) foi convocado, se casou e os amigos aproveitaram pra nadar pelados, a série tirou sua vida. Mas, sábio que só, Luca Guadagnino usa do silêncio para chocar o público e, inevitavelmente, entrar em concordância e paz com o que consentiu alguns episódios atrás.

O episódio sete é o luto da série. Britney (Francesca Scorsese) chora desolada, Danny reage com ódio e Valentina (Beatrice Barichella) perde o chão. A própria câmera perde o rumo, a população da vila sofre e reza, enquanto a montagem pisca quadros de cada indivíduo em sofrimento. A trilha sonora dorme, chuviscando a memória de Craig e o impacto de ausência para aqueles adolescentes de 17 anos que, sozinhos como só eles sabem ser, encontram nos amigos o laço familiar mais forte que existe.

Guadagnino guardou na montagem da série o congelamento de algumas cenas, o que no começo pareceu erro do arquivo do vídeo, depois passou por uma apurada explicação do criador. Foi a maneira que o italiano encontrou de parar o tempo dos personagens, registrar e apreciar pequenos acontecimentos nessa fase da vida que passa tão rápido. Quem dera se esse recurso fosse traduzível ao mundo real, quantos detalhes nós mesmos travaríamos, pra ver e rever. A princípio, ele imprimiu a técnica apenas no núcleo jovem, mas acabou espelhando numa cena entre Sarah e Maggie, expandindo o conceito de paralisar para aproveitar.

Fora os truques na sala de edição, a série enriqueceu a mensagem artística no figurino dos personagens. Fraser é dono de uma coleção de invejar as passarelas europeias, e suas roupas foram o elemento chave para expressar ideias e sua mente atormentada. Eram japonas enormes, coletes coloridos e peças incomuns de serem vista num ‘guarda-roupa masculino’. Aliado às unhas pintadas, os modelitos do garoto marcam o olho bom de Guadagnino para como a arte é expressa e difundida nos mínimos detalhes e no subentendido.

A trilha sonora, em parte composta por Blood Orange e também curada pelo artista, reúne o melhor do pop, rap e R&B. Blood Orange desempenha o papel que Sufjan Stevens teve em Me Chame Pelo Seu Nome, alastrar sua voz artística, assim passando a mensagem através das canções. Os álbuns, tanto de Trilha Sonora quanto de Trilha Original, são cheios de atitude e poder, além de apresentar para o grande público cantores não tão ouvidos. Um famoso que toca toda hora é Frank Ocean e sua bíblia Blonde, que no fim das contas, descreve com maestria as dores de Fraser, apaixonado por um amor proibido e errado.

O gelo fino de We Are Who We Are acaba sendo onde Luca Guadagnino desenvolve com mais perspicácia a persona do adolescente protagonista. Sua paixão unilateral por Jonathan (Tom Mercier) dita o tom da narrativa e movimenta a maioria das motivações do menino, mas a abordagem é calculada. Fraser tem 14 anos e o ator tem 17, enquanto tanto Jonathan quanto seu intérprete já estão na casa dos trinta. O diretor, indo na contramão do que desenvolveu em Me Chame Pelo Seu Nome, nunca nem cogita um enlace romântico entre as duas partes. 

Ele insinua, é claro, a tentação. Admirador das estátuas e esculturas greco romanas, Guadagnino usa Jonathan como a vitrine do belo, com sua primeira cena já sendo um nu frontal que revela o tato do diretor por representar o corpo masculino numa ótica de erotismo e desejo. A nudez em We Are Who We Are rima, concomitantemente, com força e vulnerabilidade, nunca fragilizando ou diminuindo a forma humana in natura. 

A série discute mais uma porção de assuntos e temas relevantes, o que por si só já dariam textos próprios. O importante, no fim das contas, é aquele pensamento que Luca expressou logo nos bastidores do final da temporada, e por enquanto, da produção. Ele queria amar e ser amado, brincando com as brisas italianas, os lagos escuros e os jovens que se beijam e choram sem saber o porquê. Sensorial como sempre e mais sensível que de costume, Luca Guadagnino imprime em We Are Who We Are sua marca maior: a de que o amor não é simples, mas ainda deve ser encarado de frente.

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