Raquel Dutra

“Quando todos dormimos, para onde vamos?”, questionava Billie Eilish em março de 2019. Na época, a artista californiana vislumbrava a realização de um sonho, depois da popularidade de seu single de estreia em 2016, sucedida pela recepção positiva de seu primeiro EP em 2017. Mas assim como todos nós, a jovem promissora na música pop ainda era vulnerável àqueles instantes que precedem o momento em que existimos sob a orientação dos nossos desejos mais profundos. Assim, o sonhar de Billie estava sujeito à influência da aflição que ela sentia por diversos aspectos do mundo que se encantou por aqueles olhos de oceano.

O conflito entre sonho e realidade pode ser interpretado como um dos desencadeadores da primeira narrativa de Billie Eilish, conhecida hoje como WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?. Diferente do que a artista havia mostrado de sua identidade musical até então (através da branda primeira canção ocean eyes e no colorido extended play dont smile at me), o álbum de estreia de Billie traz elementos sombrios encontrados numa investigação profunda da dimensão psicológica da juventude contemporânea. E quanto às questões que a trouxeram até a concepção estética do disco, ela avisa logo no primeiro single do álbum: “eu não sonho”.

Assim, o objeto de WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? não é perdido quando Billie Eilish mergulha no inconsciente, sendo também encontrado no consciente. De olhos bem abertos é que a artista compreende o que se passa quando está de olhos fechados, e desta forma, não há o que temer. A estreia de Billie não tem medo dela mesma, nem dos seus desejos, nem de suas maldições, muito menos de seus fantasmas. 

Então, ela é ousada ao dar o primeiro passo em direção ao disco. Afiando o seu lirismo e sua sonoridade no corte de uma faca ao lado de seu ouvinte, Billie Eilish profetizou uma jura de poder que passou a ressoar nas rádios pelo mundo a partir de 18 de julho de 2018. Nada mais, nada menos do que a essência de WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? preenche you should see me in a crown.

Honesta e audaciosa, ela assume sua leitura da sociedade e a utopia da juventude do século XXI. “Eles são muito ruins em aprender” e “Cometem os mesmos erros, culpam as circunstâncias”, identifica Billie como uma legítima filha da geração Z antes de desejar a reverência de cada um desses seres errantes. Curiosamente, a futura dona das paradas não estava preocupada em criar uma música democrática. Ela assume sua tirania, mais uma vez, de forma direta (“Seu silêncio é o meu som favorito”), e acredita na sua forma de governar (“Espero até que o mundo seja meu”).

Como prova da sua capacidade profética, foi mais ou menos o descrito acima que aconteceu quando ela apresentou bad guy ao mundo. Como single de divulgação para o álbum, a canção foi certeira. Não havia lugar de 2019 onde você pudesse estar a salvo da melodia paradoxalmente obscura e charmosa que colocava a alma cínica de Billie Eilish dentro de sua cabeça. Para finalizar a possessão, ela ainda assoprava a obviedade sobre si mesma: “eu sou a vilã, dã”.

O fenômeno da música alavancou o sucesso do álbum, que foi o momento no Grammy 2020. No palco da Música ocidental, bad guy foi eleita a Gravação do Ano e a Canção do Ano, e Billie Eilish saiu vencedora como Melhor Artista Revelação, Álbum do Ano, Melhor Álbum Vocal Pop e acompanhada do título de artista mais jovem ao ser reconhecida com as principais categorias da premiação. A parceria com seu irmão também foi bem-sucedida, e Finneas saiu daquela noite de 26 de janeiro de 2020 eleito o Produtor do Ano no âmbito da Música Não-Clássica assinando um clássico contemporâneo.

Se não há medo, tudo é legítimo. Assim, a liberdade criativa também é um ponto fundamental de WHEN WE ALL FALL ASLEEP. Fazendo uso de memes, confusões emocionais e manipulações sonoras, Billie Eilish e Finneas O’Connell não deixam nenhum sentimento ser considerado indigno de ser verbalizado, analisado e musicado. Nos desejos mais profundos de sua experiência noturna, vale tudo: desde desejar que um menino que a rejeitou seja gay até ironias em modulações de voz e canções de ninar bizarras. 

Irreverente mas nunca ignorante e sempre honesta, essa característica de WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? é outra coisa que Billie deixa combinado logo de cara. “Eu tirei meu aparelho e esse é o álbum”, ela brinca de forma a espantar qualquer ouvinte conservador na faixa de abertura do álbum. E é exatamente assim !!!!!!! que ficamos quando a promessa do pop inicia seu primeiro disco dessa maneira.

Enquanto a personalidade destemida do disco vai além na exploração dos temas, o senso musical de Billie se resguarda às execuções que a artista conhece muito bem. A combinação não poderia ser mais impactante: nos vocais sussurrados e instrumentais tétricos, é como se a Billie encarnasse seus fantasmas para ecoar a voz deles. Quando em si novamente, ela usa a mesma estratégia para respondê-los à altura. 

A utopia do Terror se concretiza em bury a friend. Atingindo o auge da perturbação mental, Billie se manifesta de forma teatral: em quatro estrofes, a artista leva seus questionamentos para uma voz que chama pelo nome dela: “O que você quer de mim? Por que não foge de mim?/O que está querendo saber? O que você sabe?/Por que não está com medo de mim? Por que você se importa comigo?”. Por fim, ela não perde a chance de sanar sua fatídica dúvida: “Quando todos dormimos, para onde vamos?”.

Não espere respostas ou salvação. Antes, em all the good girls go to hell, Billie já nos lembrou do destino de uma geração que encontrará o temido sofrimento profundo de uma forma ou de outra, em vida ou depois da morte, no Céu, na Terra ou debaixo dela. A jovem se transforma na profetisa do fim do mundo e veste a sua coroa como ser espiritualmente superior (ou seria inferior?): “O homem é tão tolo, por que estamos salvando ele?”.

O espectro de WHEN WE ALL FALL ASLEEP é amplo. Assim, era de se esperar que depois de visitar as posições mais altas da existência, Billie Elish enfrentaria os lugares mais profundos da sobrevivência. A festa acabou – como já diria Carlos Drummond de Andrade -, e a artista reflete sobre o “e agora?” em when the party’s over. Aqui, o conceito de lírica da jovem é o mais amplo possível: da sonorização e composição musical até a letra e produção da mensagem, a canção se esbalda na finesse de Billie e Finneas, numa faixa que provavelmente seria a favorita dos ouvintes espantados pela abertura irreverente.  

Se até aqui Billie Eilish não te desencadeou uma crise emocional, passar impune por listen before i go é um atestado de óbito que só deveria ser assinado ao final da música, como as sirenes sugerem. Chegando ao fim do álbum, a artista encara o imediatismo legítimo de uma geração que vive dez anos em um e tem muito mais experiências do que alguém com o dobro da idade deles. Afinal, “é isso que uma dor de cabeça de um ano faz com você”, e na impossibilidade de seguir adiante com o sofrimento, ela avisa: “Se você precisa de mim/Quer me ver/É melhor se apressar/Porque em breve irei embora”.

Por fim, o refinamento de i love you não contém o medo que o ser humano pode ter de ouvir um eu te amo. Antes de ceder à declaração, os vocais suaves de Billie e Finneas criam uma progressão musical que quase comete um “aleluia” de Leonard Cohen. Na penúltima faixa, WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? finalmente encontra seu lugar: entre o clamor e o Terror, o sonho e o pesadelo, longe o bastante da realidade mas não o suficiente para atingir o que existe além dela. É lá que estamos quando todos nós caímos no sono.

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Andrezza Marques

O sexto álbum do multiartista Tyler, The Creator, lançado em 25 de junho de 2021, coroa a sua melhor fase, escalada a cada lançamento, tanto em técnica e produção, como na autenticidade da execução. Em CALL ME IF YOU GET LOST, o rapper protagoniza uma odisseia de dor e glória compilada em 16 faixas, diferentes de tudo o que já ouvimos – mais uma vez. “Me chame de Sr. sempre em alguma merda que você nunca viu” e “Encontre outro mano como eu, porque eu não vi nenhum”, ele canta ácido na efervescente CORSO, e prova seu ponto.

No novo projeto, o músico retorna às suas raízes para se reinventar, e surpreende, como se esse movimento fosse fácil. Novamente na composição, produção e arranjo de todas as faixas – além da direção artística nos clipes e visuais à moda Wes Anderson, que reproduzem a obsessão por hóteis retrô, magnatas e tons pastéis -, Tyler mescla sucesso e paixão à avareza e amargura. Na nova roupagem, apesar de mais madura, o artista ainda sofre do mesmo mal que se dedica a musicar desde trabalhos anteriores: seu coração partido. 

 Ao entregar a trilogia Flower Boy (2017), IGOR (2019) e CALL ME IF YOU GET LOST, Onkonma expõe, sem pudor, a sua má-sorte no amor, que apesar de alguns momentos apaixonados, nunca parece lhe agraciar com um final feliz. Assim como no penúltimo, o eu-lírico mais recente de Tyler é vítima de uma fortuna obscena, que reflete o seu histórico de aventuras e permanência em triângulos amorosos – obviamente mal sucedidos.

Ainda assim, o álbum extrai o melhor da maturidade e de todos os projetos precursores do cantor. Em vários momentos de CALL ME IF YOU GET LOST, o ouvinte um pouco mais atento ao repertório se sente transportado para trabalhos como, Goblin (2011), Wolf (2013), Cherry Bomb (2015) e até para o próprio IGOR.

A atmosférica faixa de abertura, SIR BAUDELAIRE, nos introduz ao novo eu-lírico viajante e turista até em suas próprias relações, Tyler Baudelaire. Na música, o universo do personagem que ganha vida também começa a ser ambientado. Entre voos e viagens de trem, o destino final é Genebra, na Suíça. 

Além de todo o cenário, o sobrenome escolhido supostamente faz referência ao bon-vivant e poeta francês Charles Baudelaire, que com frequência abordava viagens e pessimismo em seus textos. Considerado um artista maldito e revolucionário, Baudelaire era muito introspectivo e sinestésico em seus versos, descrevendo-se sempre como deslocado e inapropriado. Somando o trio Bastard, Goblin e Wolf e passando por Flower Boy, seria essa referência simples coincidência?

Sob o homônimo, ironicamente, a nova era representa uma versão menos intimidadora e mais segura do criador. Ela também é intrinsecamente mais conectada e verdadeira consigo, talvez por ser vista do alto das suas três décadas de vida, com uma carreira já consistente e um Grammy em mãos, do Melhor Álbum de Rap de 2020 por IGOR.

Apesar do título, o projeto anterior repousa suave e etéreo no dilema ‘ser ou não ser’ um disco de rap (o que independe sua qualidade inegável), ao passo que CMIYGL escancara já no som pesado de LUMBERJACK, primeiro single divulgado, que veio para ser um clássico do gênero, ao mesmo passo em que se estabelece como uma profunda experimentação. 

 A canção que anunciou o álbum faz referência à era das mixtapes e a agressividade dos primeiros trabalhos do rapper. A sensação é reforçada pela presença marcada do icônico DJ Drama, que ‘locuta/grita’ – e incomoda, como sugerem as más línguas – em trechos de todas as canções com menções constantes à clássica tag “GANGSTA GRILLZ”. Sem contar nas participações de membros do coletivo Odd Future ou OFWGKTA, abreviação para Odd Future Wolf Gang Kill Them All. 

Para quem acompanha o trabalho do artista a partir das eras mais recentes, o contraste causa estranhamento, que era de praxe quando tabloides e fóruns on-line costumavam atribuir o rótulo de horrorcore às produções do cantor. Mesmo com faixas que narravam estupros, assassinatos e transtornos mentais, em entrevistas e declarações, ele sempre negou aproximação com o gênero: os universos e personagens macabros e transgressores revelam a sensibilidade peculiar e o poder satírico do artista.

Os sons intensos, como os de MANIFESTO, LUMBERJACK e LEMONHEAD, provocam essa nostalgia com maestria. O último remete, de algum modo, à debochada TRANSYLVANIA, em que Tyler performa sua versão distorcida e auto-tunada do Conde Drácula. De maneira muito inteligente, a inserção destacada de instrumentos de sopro, já existentes no sample do Rap do Minecraft, dão o tom impactante da faixa. 

Essas são algumas provas de que Tyler se equilibra entre batidas do trap e old school  em CMIYGL, sem tropeçar no óbvio. Ao mesmo tempo em que explora um pouco mais do soul e jazz. Tudo isso, só até que o disco de bossa nova, com guitarras e em espanhol seja lançado, talvez em 2023?

A sonoridade e sequência totalmente inesperadas atingem o ápice com a décima faixa do álbum e favorita do artista, o pout-pourri atmosférico de SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE. Precedido pelo refrão e outros trechos na voz de Brent Faiyaz, nome promissor do R&B, a primeira parte do medley narra o que parece ser o início de um romance. 

Já o dancehall, subgênero do reggae, presente na segunda parte da música, traz uma justaposição proposital do trágico fim, que harmoniza perfeito com o groove na voz de Fana Hues. Na faixa, Hues e Tyler vivem um ato de paixão descompassada, com erros de timing (e pseudo traição). Ao lado de WILSHIRE e CORSO, os sons mandam a letra de que a vítima é ninguém mais, ninguém menos, do que um grande amigo do cantor, seria karma, ou o desejo do oprimido?

O clipe da música, que conta com um show alucinado de T. Baudelaire em uma festa infantil, mostra certa aproximação sagaz do presente e passado, representada por garotos de bicicleta que observam sua performance ao vivo do lado externo, e retornam em clipes que parecem ser subsequentes. Mas nem só de decepções amorosas vive o disco, que tem espaço para sons motivacionais, temas como o cancelamento,  intercâmbio cultural, racismo, referência à Amy Winehouse e até um pedido de desculpas à Selena Gomez.

“Tentei roubar a mina de outro cara porque sou uma pessoa má/Não me arrependo de merda nenhuma porque valeu a pena (…)/Vou receber aquele textão quando esse som vier à tona” – Tyler, The Creator em CORSO. 

Fora o apelo ao perdão, a potente MANIFESTO, com o ex-colega do coletivo Domo Genesis, traz recortes de antigas colaborações entre os artistas. Muito mais madura, no entanto, em seus quase seus três minutos que sampleiam o clássico Nazareth Savage, do já consolidado rapper Nas, a track irrompe numa argumentação por vezes sarcástica, Tyler desabafa na abertura:“V*diazinhas brancas vão dizer/“Você precisa dizer algo sobre aquilo”/“Você precisa falar algo sobre negros”/V*dia, chupa o meu…”. 

Além da lírica hostil, o passeio pelo gangsta rap, até em melodias delicadas, é reforçado pelas participações de 42 Dugg, Lil Wayne, YoungBoy NBA e Lil Uzi Vert. E é em meio à samples de neosoul, como em HOT WIND BLOWS, a hipnotizante mudança de direção de JUGGERNAUT, ou o monólogo superprotetor da mãe do rapper – personagem à parte -, presente em toda sua vida e discografia, até na divulgação do álbum, com a faixa MOMMA TALK, que o disco se torna uma deliciosa armadilha sonora.

A melodiosa WUSYANAME e a dançante RUNITUP!, provocam um saudosismo instantâneo e involuntário, já que poderiam muito bem ter saído do Cherry Bomb, ou do Flower Boy, respectivamente. Por outro lado, faixas como SAFARI e BLESSED não se destacam e soam como produções feitas para ocupar espaços de finalização e transição na sequência, e acabam funcionando como tramas coadjuvantes, mas fundamentais para complementar o discurso motivacional e contrastante do bem-sucedido.

E é num ritmo sóbrio que escala para psicodelia e paranoia, bem marcadas por piano e bateria, que a versão mais íntima e honesta de Okonma fica exposta. Nos quase quatro minutos da confessional MASSA, o artista resume altos e baixos da sua trajetória, com habilidade que transcende qualquer personagem.

Magnética, e possivelmente a composição mais importante do disco e até da carreira, MASSA toca em pontos como sua sexualidade, (Tyler sugeriu pela primeira vez ser bissexual em 2017, no Scum Fuck Flower Boy), origem pobre e até a estadia da mãe de Tyler em uma casa de abrigo, situação nunca antes abordada. Segundo o cantor, o fato aconteceu durante a mesma época do lançamento do hit Yonkers – cujo clipe, de acordo com Kanye West, deveria ser considerado o vídeo do ano de 2011, enfatizando a incongruência das circunstâncias.

 Rompantes de distorções vocais que lembram diálogos do Goblin, com um de seus alter egos, o  analista Doctor TC, aparecem com certa frequência em CALL ME IF YOU GET LOST. Mas é nos momentos de pressão, como nos últimos versos da canção, em que estes elementos soam ainda mais desconcertantes:

“Você não se relaciona com essas coisas que eu digo nesses instrumentais/Seja sobre riqueza ou merdas que são dolorosas/Eu faço pinturas completas a partir da minha perspectiva nessas batidas/Só para você me dizer que isso não é bom para o seu intervalo de almoço”

Nos versos finais de MASSA – e em vários outros – , Tyler dá pistas claras de que ele sempre soube para o que, ou para quem se posicionou: “Se qualquer coisa acontecer, não venha me culpar, América branca”. Acontecimentos como ter sido banido do Reino Unido e da Nova Zelândia por quatro anos pelo suposto incentivo ao “terrorismo”, homofobia e violência, em letras como Radicals, ou a sua desconexão que não “representa o produto esteriotipado do seu meio”, são recursos catalizadores das mensagens do músico, que com exatidão prevê como e para quem irá se projetar, doa a quem doer. 

É com a perspicácia cada vez mais aguçada de quem conhece seu público, mas não se preocupa em agradar sempre, que Tyler trabalha numa equação inversamente proporcional,  atingindo novas audiências a cada lançamento. Assim como o antecessor IGOR, que em 27 de julho de 2021 ganhou o selo de platina, o novo álbum estreou em primeiro na Billboard 200, e esgotou versões Deluxe, que incluíam CD e fita cassete, em apenas um dia. Sem contar as altas avaliações atribuídas, por veículos tradicionais como o jornal The Guardian, do Reino Unido, e o portal nova-iorquino especializado em música alternativa, Pitchfork. 

Tudo indica que CALL ME IF YOU GET LOST é um marco para fãs e para o artista, e tem chances reais de levar novos prêmios para além das categorias nichadas, como em 2019. O álbum foi destrinchado e freneticamente divulgado pelo cantor em seu Twitter, creditado por Tyler como 100% verdadeiro: “Nenhuma história, ou sentimento foi produzido”. Quiçá, seja isso que faz o ouvinte aceitar o convite, e viver uma experiência real: para só ser encontrado, depois de se perder.

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Júlia Paes de Arruda

Medo, insegurança, tristeza, pressão estética, ansiedade, tensão. Todos esses sentimentos foram os combustíveis para que a bomba interna de Demi Lovato chegasse ao seu limite em 24 de julho de 2018. Três anos depois, a cantora abre seu coração de uma forma honesta, sensível, comovente e corajosa à respeito daquela noite que, milagrosamente, foi sobrevivente. 

O documentário Demi Lovato: Dancing With The Devil, disponível no YouTube, é dirigido por Michael D. Rather e conta a história do antes e depois da overdose pelo ponto de vista de Demi. Depoimentos de amigos, familiares e da equipe da artista são adicionados para construir arcos complementares à memória da cantora. Dessa forma, os relatos tornam-se mais verídicos e mais maleáveis de fazer o público entender o que aconteceu de fato. 

Cada episódio aborda um tópico específico e, além de um aviso de conteúdo delicado, a descrição de cada vídeo nos informa meios de pedir ajuda, ainda que seja em território estadunidense. A sacada de Demi, aqui, é extremamente importante e grandiosa. Disponibilizar seu documentário numa plataforma gratuita e de alcance imensurável é indefinidamente significativo, não só pela visão lucrativa (algo que, creio eu, Demi não se importe), mas que possibilita uma apreciação e uma ligação ainda maior com os sentimentos da cantora.

No primeiro episódio, pessoalmente o mais tocante, Demi convida o público a entender sua situação antes da quase fatídica noite. A princípio, ela comenta que sua ardilosa habilidade em mentir possibilitou que escondesse suas emoções das pessoas a sua volta e que, de alguma forma, isso se estourou no dia da sua overdose. Retomando seu passado, a cantora conta sobre o relacionamento com seu pai, algo que a afetou de diversas maneiras. Os problemas dele com a bipolaridade, alcoolismo e violência doméstica foram os pontos cruciais que a fizeram perceber que “fazia mais mal do que bem tê-lo na minha vida” e, por isso, cortou qualquer relação de parentesco.

Demi define a morte de seu pai como complicada, ainda mais porque ele acabou do modo que ela mais temia: sozinho. Em seu álbum Confident (2015), a artista compôs Father como forma de homenageá-lo e, até mesmo, declarou: “Eu espero que o céu tenha te dado uma segunda chance”. Aqui, vemos uma característica extremamente admirável em Demi: seu poder de perdão. Eu digo admirável, mas acho melhor definir como destemida. Creio que depois de toda a dor, conflito e angústia com a qual viveu por tanto tempo, perdoar é o ato de mais pura bravura, algo que, particularmente, seria difícil de engolir. 

O momento de mais tensão e, provavelmente, o mais enojante (e você sabe o porquê) de todo o documentário é quando Demi assume que foi estuprada naquela mesma noite. O traficante que havia ido à sua casa aproveitou da oportunidade dela estar alterada, praticamente desmaiada, e a abusou. Já no hospital, a artista afirma que havia sido consensual. Porém, depois de vários flashes daquele momento virem a sua memória, ela mesma começou a se dar conta de tudo o que aconteceu. Sua coragem não fica restrita apenas a essa declaração, mas também ao recriar aquela situação no clipe de Dancing With The Devil. Não tenho palavras suficientes que possam definir sua atitude como pessoa, mas principalmente, como mulher.

“Sinto que decisões foram tomadas por mim mais do que eu decidi por mim mesma”.

Demi nunca deixou de falar sobre seus transtornos alimentares, entre eles a compulsão e a bulimia. Grande parte desse trauma veio junto com suas participações em concursos que eram resumidos na beleza e no talento de suas participantes. Com o passar do tempo, sua autoestima foi extremamente danificada. A antiga equipe da cantora a sujeitava em controle e restrição de comida tão rígidos que, durante 8 anos da vida, ela não podia apreciar um digno bolo de aniversário. Somente bolos de melancia eram permitidos por serem menos calóricos e com poucos índices glicêmicos. Somado a isso, dietas rigorosas e excesso de exercícios desandaram ainda mais a estabilidade emocional da artista. 

Nas gravações da turnê Tell Me You Love Me, ela assumiu que as roupas deveriam ser feitas para encobrir o fato de ter engordado. Porém, ela fala enraivecida que “tudo parece tão bom no desenho já que a modelo tem 2 metros, pesa 50kg e tem uma cintura de 15 cm”. A diversidade de corpos na moda ainda é um tabu e a câmera de Rather consegue comprovar esse tópico ao mostrar os desenhos dos estilistas em comparação às roupas no próprio corpo da cantora. Aliado ao sentimento imposto pela mídia de se tornar um ícone, Demi nunca conseguiu se recompor por completo dessa ferida que, mesmo com grandes picos de amor próprio, ainda insiste em abrir.

Tudo parecia estar encaminhado. Após anos sem se apresentar, Demi foi convidada a se apresentar no Grammy 2020 com sua canção de pedido de ajuda, Anyone. Ali foi seu momento de redenção e de libertação. De maneira sensível, sua voz chega a um outro nível. Ganha força, poder e autonomia de expressar com franqueza tudo que estava estagnado por muito tempo. Isso se mostrou ainda mais verídico com a sua apresentação no Super Bowl cantando o hino nacional estadunidense. 

Ela também havia ficado noiva do ator Max Ehrich, mesmo com pouco tempo de relacionamento. Com a chegada da pandemia, os dois passaram a viver em quarentena juntos. Contudo, não demorou muito para a relação do casal terminasse. Juntos por cerca de 4 meses, a cantora afirmou que tudo acabou se acelerando com o ano atípico de 2020. Ela não declara que essa experiência foi jogada fora, mas que possibilitou olhar para si mesma e viver do modo mais autêntico possível antes de se aplicar um rótulo.

Demi admite que suas opções de tratamento não podem ser taxadas como eficazes para todo mundo. Entretanto, depois de uma vida de restrições e extremos, essa foi a maneira que ela encontrou para manter seu equilíbrio, ainda tendo sua válvula de escape. Como disse a própria mãe, Dianna De La Garza, “a sobriedade precisa ser escolha sua, de mais ninguém. Se for a escolha de outra pessoa, não dura”. Infelizmente, esse sentimento é verdadeiro. Não se pode ajudar uma pessoa que não quer ser ajudada. 

A premissa de Dancing With The Devil, além de expor as emoções da artista, serviu como forma de limpar o nome da ex-coreógrafa Dani Vitale, que foi alvo de diversas críticas e ameaças das batatas podres da cultura de fãs. Inclusive, Demi pede desculpas publicamente por ter demorado tanto tempo para que a versão de Dani fosse contada. Tudo que aconteceu naquela noite foi difícil de ser assimilado e, com a terapia e a reabilitação, ela precisou de um prazo maior para poder abrir seu coração.

São inúmeras lições que se pode tirar do documentário Dancing With The Devil. Pessoalmente, a mais valiosa é sobre costurar as feridas da maneira mais cirúrgica possível, sendo sincera consigo mesma e com as pessoas à sua volta. Falar sobre seus sentimentos não é ruim, ‘feminino’ e muito menos vergonhoso. Demi finaliza seu desabafo com mudanças. “Não viverei mais para os outros ou suas manchetes ou seus tweets”, afirma iniciando sua arte de recomeçar. 

Se você precisa de suporte, é possível buscar ajuda. Você não está sozinho. O Centro de Valorização da Vida (CVV) promove apoio emocional gratuitamente, sob total sigilo, pelo telefone 188, e-mail e chat 24 horas por dia, todos os dias. 

Se você é dependente químico, não tenha medo de pedir ajuda. Os Alcoólicos Anônimos Online atendem todos os dias das 20h às 22h. Você é importante, suficiente e não merece passar por isso. 

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