Aryadne Xavier

“Você pensou que eu deitaria e morreria?/Oh não, eu não. Eu vou sobreviver/Enquanto eu souber como amar/Eu sei que permanecerei viva/Eu tenho minha vida toda para viver/Eu tenho meu amor todo para dar e/Eu vou sobreviver, eu vou sobreviver” 

– I Will Survive (Gloria Gaynor)

O ser humano pode não nascer programado para certos comportamentos, mas os aprende tão cedo que pode sentir, em seu íntimo, que as coisas apenas são dessa maneira. O desejo de pertencer, resquício fundamental do desenvolvimento em grupos, é tão latente que se transforma em uma vontade dupla de ser aquilo que é aceitável ou ao menos parecer ser. Lançada ao mundo pela primeira vez há 130 anos, a revista Vogue imprime o que seu próprio nome diz. Registrando e, talvez, ajudando a ditar o que está em alta, a publicação estadunidense foi, por incontáveis vezes, inacessível a uma parcela da população, que podia apenas se projetar nela, como um sonho. 

Tal projeção se via em uma sombra, refletindo aquilo que brilhava, mas o objetivo nunca foi copiar fielmente. Ao imitar as poses das modelos da Vogue em uma espécie de duelo, o grupo que participava das balls se apropriou daqueles movimentos, criando algo único. O Voguing se tornou algo muito além da revista, mesmo que seus nomes ainda possam ser assimilados. Esse ato de reconstruir, verbo que sempre fez parte dessa cultura, foi o que reinventou e revolucionou o que é ser uma pessoa da comunidade LGBTQIA+ em sua época de fundação, trazendo identidade, força e conexão até o presente.

A origem histórica desses encontros se inicia no Harlem, bairro da cidade de Nova Iorque que concentra uma população predominantemente afro-americana. Ainda que a primeira manifestação de algo parecido com um concurso de beleza para pessoas drags nos EUA seja de 1849, no Masquerade Ball, alguns dos registros mais antigos do que realmente pode ser considerado Ballroom datam das décadas de 1920 e 1930, no então Hamilton Lodge Ball, que viria a ser palco de diversas balls (nome dado aos bailes). 

A melhor maneira de sintetizar o que seriam esses encontros é descrita por Pepper LaBeija no documentário Paris is Burning (1990), ao dizer que esses bailes eram como uma fantasia de ser famoso. Fruto de uma população marginalizada e excluída de um progresso disponível apenas para a população que se parecia e estrelava os anúncios que pregavam o ‘modelo de vida americano’, as manifestações se tornaram um centro de encontro para negros e latinos que migraram para a terra do Tio Sam e toda a população LGBTQIA+ da região. 

Crystal LaBeija pode ser destacada como a pioneira na formação dessas casas ao fundar a House of LaBeija em 1968 com Lottie LaBeija, primeira house da Ballroom que propôs balls que contrariavam o silenciamento de corpos que não se encaixavam no padrão de beleza europeu, principalmente corpos negros. Em 1972, aconteceu o primeiro baile anual da casa criado para acolher pessoas diferentes. Essa abertura a diferentes categorias e a possibilidade de enquadrar todas as pessoas em um ambiente seguro para serem quem são transformou a o movimento em um símbolo político, de ocupação de espaços que pertencem a cada pessoa e celebração da diversidade de gênero, sexualidade e raça.

Na construção dessa cultura, alguns termos foram empregados para definir lugares, ações e pessoas. As houses, por exemplo, são casas que abrigam os Ball-goers (pessoas que frequentam os bailes), criando um senso de pertencimento e acolhimento. Cada casa leva um nome, geralmente o de sua fundadora, e todos os membros o recebem como um sobrenome. Dentre as houses mais conhecidas, é possível citar House of Dupree (Paris Dupree), House of LaBeija (Crystal LaBeija), House of Ninja (Willi Ninja), House of Pendavis (Avis Pendavis), House of Xtravaganza (Angie Xtravaganza) e House of Corey (Dorian Corey). 

As casas ainda são lideradas por uma figura maior, a mãe (Mother) ou, algumas vezes, o pai (Father). As primeiras são chamadas assim por serem as matriarcas de cada house, o porto seguro de muitas crianças (Children) que não encontraram apoio em suas famílias biológicas. Mais do que figuras experientes, as Mothers eram as vencedoras dos icônicos bailes que aconteceram no Harlem em décadas anteriores (1920, 1930 e 1940). Chamadas de Legendary, elas foram essenciais para a construção e estabelecimento dessas comunidades, além do suporte constante que existia entre a mãe da casa e suas crianças na época. 

Ball é a maneira mais informal de nomear os bailes em si: eventos de longa duração em que cada participante performa em sua categoria. Até mesmo por isso se explica o nome Ballroom, que determina os lugares onde acontecem esses encontros. Cada evento conta também com seus prêmios, sendo dado a quem vence o Grand Prize, troféu que traz muito prestígio ao vencedor(a/e) e a sua house. A honraria trazia um grande reconhecimento dentro da comunidade: a maioria das Mothers foram vencedoras de Grand Prizes e, quanto mais prêmios, maior a fama e o sucesso daquela casa. 

Quando falamos da influência da Ballroom na cultura pop, um grande exemplo é a música Vogue, um dos maiores sucessos da carreira de Madonna, que apresentou uma parcela dessa cultura ao mundo no início dos anos 1990. A canção conta com a participação ativa de José Xtravaganza. Importante relembrar que a artista não é e nunca foi a fundadora do estilo de dança conhecido como vogue, mesmo tendo figurado o clipe e as apresentações da música, além de ter sido o rosto representativo dessa manifestação em um imaginário popular por muito tempo. A influência também pode ser notada na produção de FKA TWIGS, cantora e performer que já esteve presente em alguns balls, como o The Mugler Ball (2014).

Um dos exemplos mais recentes e de maior explosão no cenário musical global é o álbum Renaissance. O projeto, protagonizado por Beyoncé, mas que carrega uma extensa lista de artistas envolvidos, veio como um resgate à cultura queer, apresentando o que há de mais potente na união dos ritmos. Na Sétima Arte, Pose da FX e Legendary da HBO são destaques, retratando o funcionamento das balls e as pessoas que participavam e ainda participam desses encontros. Mesmo falando muito no passado, por citar e tratar pontos históricos, é válido reforçar que a cultura Ballroom segue viva e resistente. 

No contexto de um país que mais mata pessoas LGBTQIA+ no mundo, é irônico sugerir que a comunidade tenha benefícios, imponha ditaduras ou algum tipo de glamourização em ser uma pessoa não heterossexual no Brasil. A fala da personagem Alícia, da novela A Favorita (2009), na qual afirma que “o chique é ser gay” pode ter virado um meme nas redes sociais recentemente, mas, nas entrelinhas, sabe-se que o riso vem como forma de tirar do centro o poder de quem se sente no direito de controlar a vida, os jeitos e os sentimentos do outro. 

Nesse cenário de luta diária, a cultura Ballroom também chegou aqui como um símbolo do movimento queer relacionado a pessoas não brancas. A primeira house brasileira é a House of Hands Up, fundada em 2015 por Eduarda Kona Zion em Brasília. Essa cultura de espaços acolhedores se fortalece até os dias atuais no país por ser um lugar com uma função social: acolher e permitir a existência de quem foi marginalizado pela sociedade por ser diferente do que é considerado a ‘norma’.

Lembrar e exaltar a cultura Ballroom é uma forma de colocar sob os holofotes pessoas negras, latinas e LGBTQIA+ e dar uma nova visão à sociedade, na qual essas vidas não estão atreladas ao sofrimento. Referenciando a fala da Deputada Federal Érika Hilton, “Aonde estão as pessoas trans além da prostituição? Aonde estão as pessoas trans além das manchetes policiais?”, estão nas balls, nas houses, expressando sua vida pela Arte da Dança e da Música. E estão muito além do que a sociedade os enxerga: estão ressignificando e criando. A Ballroom pode ser descrita como uma forma coletiva de sobrevivência, mesmo quando tudo de si é tirado. É sobre se encontrar em um lugar, se reconhecer e tornar sua vida fabulosa nas suas possibilidades de ser.  

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Júlia Paes de Arruda

Medo, insegurança, tristeza, pressão estética, ansiedade, tensão. Todos esses sentimentos foram os combustíveis para que a bomba interna de Demi Lovato chegasse ao seu limite em 24 de julho de 2018. Três anos depois, a cantora abre seu coração de uma forma honesta, sensível, comovente e corajosa à respeito daquela noite que, milagrosamente, foi sobrevivente. 

O documentário Demi Lovato: Dancing With The Devil, disponível no YouTube, é dirigido por Michael D. Rather e conta a história do antes e depois da overdose pelo ponto de vista de Demi. Depoimentos de amigos, familiares e da equipe da artista são adicionados para construir arcos complementares à memória da cantora. Dessa forma, os relatos tornam-se mais verídicos e mais maleáveis de fazer o público entender o que aconteceu de fato. 

Cada episódio aborda um tópico específico e, além de um aviso de conteúdo delicado, a descrição de cada vídeo nos informa meios de pedir ajuda, ainda que seja em território estadunidense. A sacada de Demi, aqui, é extremamente importante e grandiosa. Disponibilizar seu documentário numa plataforma gratuita e de alcance imensurável é indefinidamente significativo, não só pela visão lucrativa (algo que, creio eu, Demi não se importe), mas que possibilita uma apreciação e uma ligação ainda maior com os sentimentos da cantora.

No primeiro episódio, pessoalmente o mais tocante, Demi convida o público a entender sua situação antes da quase fatídica noite. A princípio, ela comenta que sua ardilosa habilidade em mentir possibilitou que escondesse suas emoções das pessoas a sua volta e que, de alguma forma, isso se estourou no dia da sua overdose. Retomando seu passado, a cantora conta sobre o relacionamento com seu pai, algo que a afetou de diversas maneiras. Os problemas dele com a bipolaridade, alcoolismo e violência doméstica foram os pontos cruciais que a fizeram perceber que “fazia mais mal do que bem tê-lo na minha vida” e, por isso, cortou qualquer relação de parentesco.

Demi define a morte de seu pai como complicada, ainda mais porque ele acabou do modo que ela mais temia: sozinho. Em seu álbum Confident (2015), a artista compôs Father como forma de homenageá-lo e, até mesmo, declarou: “Eu espero que o céu tenha te dado uma segunda chance”. Aqui, vemos uma característica extremamente admirável em Demi: seu poder de perdão. Eu digo admirável, mas acho melhor definir como destemida. Creio que depois de toda a dor, conflito e angústia com a qual viveu por tanto tempo, perdoar é o ato de mais pura bravura, algo que, particularmente, seria difícil de engolir. 

O momento de mais tensão e, provavelmente, o mais enojante (e você sabe o porquê) de todo o documentário é quando Demi assume que foi estuprada naquela mesma noite. O traficante que havia ido à sua casa aproveitou da oportunidade dela estar alterada, praticamente desmaiada, e a abusou. Já no hospital, a artista afirma que havia sido consensual. Porém, depois de vários flashes daquele momento virem a sua memória, ela mesma começou a se dar conta de tudo o que aconteceu. Sua coragem não fica restrita apenas a essa declaração, mas também ao recriar aquela situação no clipe de Dancing With The Devil. Não tenho palavras suficientes que possam definir sua atitude como pessoa, mas principalmente, como mulher.

“Sinto que decisões foram tomadas por mim mais do que eu decidi por mim mesma”.

Demi nunca deixou de falar sobre seus transtornos alimentares, entre eles a compulsão e a bulimia. Grande parte desse trauma veio junto com suas participações em concursos que eram resumidos na beleza e no talento de suas participantes. Com o passar do tempo, sua autoestima foi extremamente danificada. A antiga equipe da cantora a sujeitava em controle e restrição de comida tão rígidos que, durante 8 anos da vida, ela não podia apreciar um digno bolo de aniversário. Somente bolos de melancia eram permitidos por serem menos calóricos e com poucos índices glicêmicos. Somado a isso, dietas rigorosas e excesso de exercícios desandaram ainda mais a estabilidade emocional da artista. 

Nas gravações da turnê Tell Me You Love Me, ela assumiu que as roupas deveriam ser feitas para encobrir o fato de ter engordado. Porém, ela fala enraivecida que “tudo parece tão bom no desenho já que a modelo tem 2 metros, pesa 50kg e tem uma cintura de 15 cm”. A diversidade de corpos na moda ainda é um tabu e a câmera de Rather consegue comprovar esse tópico ao mostrar os desenhos dos estilistas em comparação às roupas no próprio corpo da cantora. Aliado ao sentimento imposto pela mídia de se tornar um ícone, Demi nunca conseguiu se recompor por completo dessa ferida que, mesmo com grandes picos de amor próprio, ainda insiste em abrir.

Tudo parecia estar encaminhado. Após anos sem se apresentar, Demi foi convidada a se apresentar no Grammy 2020 com sua canção de pedido de ajuda, Anyone. Ali foi seu momento de redenção e de libertação. De maneira sensível, sua voz chega a um outro nível. Ganha força, poder e autonomia de expressar com franqueza tudo que estava estagnado por muito tempo. Isso se mostrou ainda mais verídico com a sua apresentação no Super Bowl cantando o hino nacional estadunidense. 

Ela também havia ficado noiva do ator Max Ehrich, mesmo com pouco tempo de relacionamento. Com a chegada da pandemia, os dois passaram a viver em quarentena juntos. Contudo, não demorou muito para a relação do casal terminasse. Juntos por cerca de 4 meses, a cantora afirmou que tudo acabou se acelerando com o ano atípico de 2020. Ela não declara que essa experiência foi jogada fora, mas que possibilitou olhar para si mesma e viver do modo mais autêntico possível antes de se aplicar um rótulo.

Demi admite que suas opções de tratamento não podem ser taxadas como eficazes para todo mundo. Entretanto, depois de uma vida de restrições e extremos, essa foi a maneira que ela encontrou para manter seu equilíbrio, ainda tendo sua válvula de escape. Como disse a própria mãe, Dianna De La Garza, “a sobriedade precisa ser escolha sua, de mais ninguém. Se for a escolha de outra pessoa, não dura”. Infelizmente, esse sentimento é verdadeiro. Não se pode ajudar uma pessoa que não quer ser ajudada. 

A premissa de Dancing With The Devil, além de expor as emoções da artista, serviu como forma de limpar o nome da ex-coreógrafa Dani Vitale, que foi alvo de diversas críticas e ameaças das batatas podres da cultura de fãs. Inclusive, Demi pede desculpas publicamente por ter demorado tanto tempo para que a versão de Dani fosse contada. Tudo que aconteceu naquela noite foi difícil de ser assimilado e, com a terapia e a reabilitação, ela precisou de um prazo maior para poder abrir seu coração.

São inúmeras lições que se pode tirar do documentário Dancing With The Devil. Pessoalmente, a mais valiosa é sobre costurar as feridas da maneira mais cirúrgica possível, sendo sincera consigo mesma e com as pessoas à sua volta. Falar sobre seus sentimentos não é ruim, ‘feminino’ e muito menos vergonhoso. Demi finaliza seu desabafo com mudanças. “Não viverei mais para os outros ou suas manchetes ou seus tweets”, afirma iniciando sua arte de recomeçar. 

Se você precisa de suporte, é possível buscar ajuda. Você não está sozinho. O Centro de Valorização da Vida (CVV) promove apoio emocional gratuitamente, sob total sigilo, pelo telefone 188, e-mail e chat 24 horas por dia, todos os dias. 

Se você é dependente químico, não tenha medo de pedir ajuda. Os Alcoólicos Anônimos Online atendem todos os dias das 20h às 22h. Você é importante, suficiente e não merece passar por isso. 

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Caroline Campos

Existem filmes que deixam um sabor amargo na boca. Pai, do diretor sérvio Srdan Golubović, com certeza se encaixa nessa categoria. Coproduzido por seis países – Sérvia, França, Alemanha, Eslovênia, Croácia e Bósnia-Herzegovina -, o longa cria uma trama complexa e contida que trabalha um único personagem a partir de sua realidade brutal. Exibido na 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, dentro da seção Perspectiva Internacional, há momentos que é quase impossível conter a raiva e os gritos diante de tanta dor e injustiça que Golubović imprime em tela. 

Logo de cara, já somos tomados pelo espanto. Depois de dois anos que Nikola (Goran Bogdan) fora demitido do emprego e não recebera nem 1 centavo do prometido, sua esposa Biljana (Nada Šargin) vai até a indústria com os dois filhos e ameaça botar fogo em si mesma e nas crianças se não receber o dinheiro. Biljana, em uma cena desesperadora, grita sobre a fome que ela e seus filhos sentem, mas, quando não é respondida, se banha de óleo e taca fogo em seu corpo. Sendo rapidamente apagado pelos homens no local, a mulher é encaminhada ao hospital e, seus filhos, ao Serviço Social.

A partir daí que se inicia a trajetória de Nikola para conseguir as crianças de volta. A princípio, ele foi orientado a deixar a casa mais organizada, como manter a energia elétrica e a água corrente para a visita dos assistentes. No entanto, o homem não contava com a corrupção podre e escrachada dentro da instituição – mesmo fazendo o que lhe foi solicitado, o chefe Vasiljevic (Boris Isakovic), responsável pelos veredictos finais, negou a guarda de seus filhos, e não o permite vê-los. É então que Nikola toma uma atitude extrema: caminhar 300 km a pé até Belgrado para entregar seu recurso diretamente ao ministro.

Apenas com uma mochila contendo itens básicos como um cobertor, uma garrafa de água e um pão, o pai dos meninos enfrenta desmaios de cansaço, encontros com animais selvagens e até consegue uma carona ou outra. Sua jornada de poucas falas cobre a maior parte do filme, mas, ainda assim, o espectador tem dificuldades em exalar uma mínima respiração com tamanha tensão de sua caminhada e tamanha competência de seu ator principal. Bogdan carrega um olhar persistente e calmo, nunca arrumando confusões com quem entra em seu caminho, mesmo aqueles que brincam com sua boa vontade.

Ainda assim, parece que o mundo luta contra o objetivo de Nikola. Mesmo em Belgrado, o homem só consegue atenção do assistente do ministro após passar dias em frente ao Ministério e receber a atenção da mídia com uma greve pacífica e silenciosa pelo seu direito de entregar o recurso pessoalmente. Mesmo com a recomendação do assistente, ao voltar para sua cidade a crueldade e a injustiça continuam o acompanhando. Irritado com o ‘circo’ que Nikola fez, o chefe do Serviço Social enfatiza que o homem nunca mais conseguirá a guarda dos filhos. O motivo? Ele possui mais poder social que o humilde desempregado que o enfrenta.

Sendo apunhalado até pelos próprios vizinhos ao retornar a sua casa, sentimos o peso que o homem carrega a cada movimento desde seus eternos passos até a cidade. A câmera talvez seja a única acompanhante silenciosa que o segue decididamente, e Golubović, ciente disso, a utiliza com a sensibilidade que seu protagonista merece. Apesar dos olhares tristes e resignados, o Nikola de Bogdan é uma muralha impenetrável para recuperar sua crianças, e cada fagulha de esperança do homem quebra a narrativa pesada e densa em que ele estrela, apenas para deixá-la ainda mais sufocante depois.

Pai (Otac), é uma dura história sem final feliz. Percebemos que o único e maior crime que Nikola cometeu foi a pobreza, e, por isso, de acordo com a sociedade desigual e ineficiente que o cerca, ele deve pagar. E essa conta é cobrada em cada segundo do filme. São duas horas de dor, com momentos mínimos de gentileza que são esmagados de forma ainda mais bruta. No entanto, o filme é uma denúncia. Uma declaração contra a culpabilização das pessoas em situação de pobreza extrema que não são auxiliadas pelo Estado responsável. E, infelizmente, Nikola é apenas mais uma formiga entre os grandes leões da selva monetária.

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