“Nosso destino vive dentro de nós. Você só tem que ser valente o suficiente para vê-lo.”

Júlia Caroline Fonte

Qualquer criança nas últimas décadas, com certeza, em algum momento, sonhou em viver em um castelo e encontrar um príncipe encantado, mas hoje sabemos que as coisas não são bem assim. Há 10 anos, a primeira e única princesa dos estúdios Pixar veio para mostrar isso: Merida (Kelly Macdonald), a corajosa protagonista de Valente, protagoniza uma história empoderadora sobre liberdade e amadurecimento, que mergulha em uma aventura mística e afetiva.

Nas terras do Clã Dunbroch nas Highlands da Escócia medieval, em meio a regras e costumes, uma jovem princesa vem se preparando para um dia assumir a função do pai, o rei Fergus (Billy Connolly), ao lado de um bravo cavaleiro que deverá conquistá-la, em um torneio organizado pela rainha Elinor (Emma Thompson), sua mãe. Decidida a mudar o próprio destino, Merida causa uma grande confusão com os clãs do torneio ao competir pela própria mão. Ela então foge para a floresta, e segue uma trilha de fogos-fátuos até a cabana de uma bruxa, que realiza o feitiço que ela desejou; porém, não da forma como esperava, uma vez que sua mãe é transformada em um urso e elas precisam correr contra o tempo para reverter a magia.

Desde o primeiro contato com o público, em 20 de julho de 2012, Merida chamou muita atenção, pois, além de também ser a primeira protagonista mulher de um filme da Pixar, ela marcou uma grande transformação em meio ao universo das princesas Disney. Narrativas estereotipadas, que funcionaram em um passado de contexto social diferente, não cabem mais no cenário contemporâneo, o que obrigou a gigante do entretenimento a mudar o rumo de suas personagens. Essa transição, que já vinha criando raízes com Mulan, A Princesa e o Sapo e Enrolados, tornou-se efetiva com o surgimento de Valente, abrindo espaço para as narrativas de Frozen, Moana – Um Mar de Aventuras e Raya e o Último Dragão.

Graças a isso, agora vemos narrativas de fato focadas em suas protagonistas, cujas tramas não se baseiam em encontrar um homem para se realizar, mas sim em princesas com as quais podemos nos identificar na busca de nossos maiores desejos e ambições. A princesa de Valente (Brave, no original) trouxe essa mensagem com grande força, ao decidir que além do dever, ela pode lutar pelos próprios sonhos e por sua liberdade de escolher como trilhar o próprio caminho. Merida desafiou não só os clãs e sua família ao terminar sua história sem um casamento, mas também o público tão acostumado com o “final feliz ideal”, anunciando que a felicidade de uma princesa deve ser encorajada, mesmo que não haja um príncipe nela.

Merida também rompe com os estereótipos físicos de suas antecessoras. Os estúdios da animação conseguiram inovar ao dar um passo em direção a mudança do corpo padrão das personagens femininas. Merida ainda é uma mulher magra e branca, porém, quando comparada as outras princesas das animações anteriores, seu tipo físico está mais próximo de uma mulher real, como, por exemplo, seus cabelos volumosos e com frizz, e sua cintura mais reta com quadris maiores – que também fazem referência às representações das vestimentas femininas escocesas do período. Agora, esperamos que, a partir disso, a Disney possa continuar essas mudanças a fim de ser cada vez mais inclusiva e representativa para as novas gerações.

O comportamento da princesa escocesa também é algo marcante no filme. Ela surpreende não sendo da forma que todos esperam, com atitudes até mesmo consideradas brutas para uma princesa, sem delicadeza, descontente com suas regras de etiqueta e negando os moldes ideais impostos e esperados de qualquer mulher. Essas características fazem parte tanto de sua personalidade quanto das crianças que a assistem, e podem se identificar. Merida normaliza que garotas podem agir da forma que realmente são, independente da expectativa que colocam sobre o gênero e do papel que terão no mundo. Ser uma princesa não significa abdicar de quem é em prol do que a sociedade quer que você seja.

Apesar de ser impactante por todos esses motivos, Valente também se destaca pela sua história e as temáticas que aborda. A principal delas é a relação entre mãe e filha construída por Merida e Elinor. Ambas possuem personalidades muito diferentes, bem como alguns valores e visões de seus deveres, o que as coloca em conflito em diversos momentos. O filme mostra a construção de uma relação saudável e de equilíbrio entre as personagens, e faz isso de modo perfeito, terminando com as personagens encontrando um ponto de equilíbrio e entendendo uma à outra. 

A conclusão do conflito entre elas parte do entendimento de Elinor de que precisa compreender a realidade e vontades da filha e reconhecer seus talentos, bem como lidar com as escolhas dela. Mas é principalmente com o amadurecimento de Merida que as coisas começam a se encaixar, pois ela passa a entender as consequências de seus atos e a importância de seu papel – e de defender sua liberdade de escolha. A partir do contato com suas origens e o passado de sua terra, a protagonista tenta a todo custo consertar os problemas que causou para não sucumbir ao mesmo fim do príncipe Mor’du, e condenar a própria mãe; assim, “remendar a união por orgulho separada” acaba sendo a solução para elas e o grande resumo de todo esse processo.

O roteiro de Valente, assinado por Steve Purcell, Irene Mecchi e pelos também diretores Mark Andrews e Brenda Chapman, traz uma trama com uma encantadora relação entre duas mulheres fortes e com um poderoso laço de amor, algo pouco mostrado nas histórias atribuídas às princesas, mas que se repete em Frozen – Uma Aventura Congelante, produção do mesmo estúdio lançada no ano seguinte. Discutir o amor além do romântico parece ser uma tendência que agradou muito o público e a Academia, e um tema importante a ser retratado nas telas, principalmente para as novas gerações, que cada vez mais tem contato com as novas produções e mensagens que a Disney traz. O longa recebeu o Oscar de Melhor Animação, e consagrou Chapman como a primeira mulher na História a levar a estatueta pela categoria.

Seguindo uma outra tendência dos filmes da Pixar e da Walt Disney Animation Studios, o local em que a história se passa torna-se um elemento muito importante para a construção do enredo, e assim como em todos os filmes do estúdios, a Escócia aparece em Valente de forma impecável. Mais que apenas um lugar onde habita a história, o país foi fundamental para construí-la, sendo a cultura escocesa indispensável para o desenvolvimento da narrativa e para a transformação da personagem. Bem como nos filmes da série Frozen e Moana: os mitos, lendas e processos ritualísticos acabam por sustentar todo o mistério e misticismo, sendo também uma outra forma importante de representatividade para o público diverso, e que deve sempre ser celebrado. 

Além disso, a ambientação do local e da época também ocorreram de forma perfeita, sendo marcante neste filme mais do que em qualquer outro da Disney. Trajes tradicionais, costumes, clãs, características físicas, músicas, castelos e paisagens: todos esses aspectos da História do país foram inseridos de forma certeira e conseguem nos transportar para o período com muita facilidade. Também são essenciais para criar o tom da narrativa, que se distancia um pouco daquele criado em outras obras sobre princesas. A atmosfera mística foi trazida de forma precisa, com as cores escuras contrastando com as chamas dos fogos-fátuos e com qualquer outro ponto de luz na tela.

Ao fim, Merida veio ao mundo para abalar qualquer estrutura estereotipada nos cinemas, tornando-se uma importante voz principalmente para as meninas, tanto aquelas que cresceram nas décadas passadas quanto para as que estão adentrando agora neste universo. A personagem segue lembrada por sua coragem, não só de escalar montanhas, cavalgar e soltar flechas, mas também de lutar pelo que quer e ser quem é, independente do que esperam dela, estimulando, assim, grandes mudanças. Valente é um marco para os filmes de princesas, e uma mensagem permanente sobre lutar pelos próprios sonhos.

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Vitor Evangelista

Em 15 de julho de 2011, a cultura pop mudou para sempre. Era o fim da saga do bruxinho mais famoso do pedaço, a conclusão épica, que levou uma década desde o primeiro vestígio da magia de Hogwarts até o adeus choroso na Estação King’s Cross. 10 anos depois da exibição de Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2, o mundo não enxerga a aura juvenil da história da mesma maneira que o fazia. E isso se deve a um vilão que os livros de fantasia não deram conta de desmascarar: sua própria autora.

Joanne Kathleen Rowling penou para publicar o primeiro volume da história infanto-juvenil que viria a se tornar o maior fenômeno cultural de sua década. Assinando com suas iniciais a fim de ‘mascarar’ a identidade feminina por trás de uma escrita voraz, envolvente e cheia de valor sentimental, J. K. ascendeu ao estrelato logo que o público passou a consumir suas criações como água no deserto. O mesmo valeu para as adaptações para as telonas, que viram grandes nomes do Cinema britânico escalados em figurinos escandalosos, perucas malucas e uma porção de varinhas e vassouras mágicas.

A saga Harry Potter ditou tendências no mercado, e a divisão do derradeiro livro de conclusão, As Relíquias da Morte, em dois filmes, foi seguida por todo mundo que queria bebericar nessa fonte de ouro. Pode-se até considerar que a narrativa seriada que a Marvel cultivou na década pós-HP foi tão frutífera por uma necessidade do público em acompanhar algo por anos, envelhecer junto daquelas criaturas que tanto amam. Fato é que, por muito tempo, Potter e Rowling eram sinônimo de sucesso e glória.

Após o fim da publicação dos livros em 2007, e das adaptações cinematográficas quatro anos depois, Rowling se dedicou à produção de conteúdos fora do Mundo Bruxo. The Casual Vacancy foi um sucesso de crítica, ganhou uma minissérie na BBC e mostrou ao mundo o tato da autora para uma trama adulta e completamente plantada na realidade. Na sequência, ela surpreendeu com a revelação de que publicava, sob o pseudônimo de Robert Galbraith, uma série de livros de suspense, que prontamente ganharam versões televisivas. No meio de toda essa evolução de sua gama como escritora, Rowling revelou que seu preconceito é mais perverso que qualquer Maldição Imperdoável.

Ignorando o alcance e responsabilidade que possui como figura pública, Rowling tweetou uma crítica ao termo “pessoas que menstruam” em um artigo, dizendo que a palavra correta para a frase seria “mulheres”, alegando que o órgão reprodutor é o que determina o “sexo” de alguém. Essa declaração foi recebida com revolta. O preconceito da britânica, apagando a vivência de pessoas trans desse grupo de indivíduos “que menstruam”, foi apenas a ponta do iceberg do que seria um festival de horrores, intolerância e um discurso de ódio que mata homens e mulheres trans todos os dias.

Orgulhosa, Rowling continuou disseminando esse discurso. Ela compartilhou uma loja com produtos transfóbicos nas suas redes, e, no olho do furacão, decidiu publicar um livro que fazia chacota da discussão. Troubled Blood, outro volume da saga publicada sob o nome de Robert Galbraith, trazia como vilão um assassino que se transvestia para cometer crimes contra mulheres. Em linhas gerais, o tema ressoado era uníssono: nunca confie em um homem de vestido. Mais uma vez massacrada, ainda foi descoberto que a inspiração para a assinatura da saga detetivesca veio de Robert Galbraith Heat, psiquiatra britânico que dedicou a vida a experimentos de conversão sexual, a “cura gay”. Rowling desconversou o assunto.

Se engana quem pensa que Harry Potter, sua obra famosérrima e com maior projeção cultural, não tenha reflexos desses preconceitos que só vieram à tona agora, dez anos depois do último adeus e em meio ao fracasso colossal que está sendo a recepção da continuação da saga do Mundo Bruxo, Animais Fantásticos. Série de filmes em andamento e que tinha como protagonista um agressor de mulheres, defendido por Rowling e demitido frente à indignação do público. 

As ficções fantasiosas que Harry, Hermione e Rony viveram na Batalha contra Voldemort podem não ter tido reflexos diretos do ódio de sua criadora, mas a figura de Rowling foi gigantesca na criação dos filmes, atuando como produtora, dando pitaco em roteiro, respirando acima de suas criaturas, e, portanto, tornando impossível o ato de desassociá-la da obra. Em 2021, não há maneira de discutir Harry Potter sem sublinhar o preconceito da mulher que o criou.

Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 chegou aos cinemas na transição para a tecnologia 3D, e abusando dessa prática, seja nos dementadores que assustam os desavisados, pulando na tela do cinema ao redor de uma fantasmagórica Hogwarts, seja nas mortes de Voldemort e de Bellatrix. O roteiro de Steve Kloves abriu mão do fator mundano dos corpos frios e inertes batendo no chão, dando espaço para uma explosão de frangalhos, capturados com destreza pelo 3D, transportando quem assiste para o campo de batalha. Afinal, não tem recompensa melhor do que assistir uma imponente e enlutada Molly Weasley (você já reparou que é Julie Walters dando vida à matriarca?) vociferar “a minha filha não, sua vadia” para Bellatrix, e explodi-la em cinzas de um fogaréu de raiva que queima há anos, desde que Lestrange empurrou o primo Sirius Black pelo Portal na Ordem da Fênix.

Para as crianças que cresceram vendo os bruxinhos passarem do quadribol para a Cerveja Amanteigada para os namoricos do sexto filme até chegarem às Horcruxes que fecham a saga, o processo de crescimento e amadurecimento foi gradual e nada apressado. Então, desde dar adeus aos queridos membros da Ordem, até comemorar a destruição de cada parte da alma do Lorde das Trevas, tudo abraçava um lado emocional que despertava o sentimento de conclusão. Ora, a frase do pôster (“tudo acaba aqui”) já prenunciava o luto que estaria previsto para o fim de qualquer sessão do filme, o chororô, a negação, o sorriso alegre ao vermos o Trio de Ouro, 19 anos envelhecido, vendo seus filhos (nossos filhos, tamanho amor cultivado nessa década por eles) embarcarem para se aventurarem por conta.

Cada morte doía na alma, cada respiro final, cada feitiço ricocheteado. Tudo potencializa o amor que, uma década e dezenas de ataques transfóbicos depois, envelheceu como poção polissuco estragada. Diante das declarações da autora, atores que trabalharam nos filmes se pronunciaram, indo contra Rowling. Daniel Radcliffe, o Menino que Sobreviveu, publicou um texto reiterando que “mulheres trans são mulheres”. No mesmo artigo, Daniel reconheceu o papel fundamental que J. K. desempenhou em sua vida pessoal e profissional, mostrando a linha tênue entre ser grato pelas oportunidades oferecidas e crítico quanto às posições degradantes da mulher.

Radcliffe não esteve sozinho na defesa da população trans. Emma Watson, advogada ferrenha de temas sociais e ligados ao feminismo, condenou Rowling, dando orgulho para sua Hermione, uma mulher ciente de seus privilégios e disposta a lutar pelos menos favorecidos e pelos vulneráveis. Eddie Redmayne, protagonista dos recentes Animais Fantásticos, também se opôs à britânica, com quem tem muito contato por seu papel como roteirista das novas aventuras do Mundo Bruxo. Vale lembrar que Redmayne e a comunidade trans tem o histórico recente de Garota Dinamarquesa, longa que levou o ator, cis e heterossexual, até uma indicação ao Oscar, interpretando uma mulher trans, em mais uma das escalações hollywoodianas que optam pelo caricato ao invés do representativo. 

Muito do status de lendário que o final de Harry Potter carrega vem da performance de Ralph Fiennes. O ator dá à Voldemort resiliência, pompa, arrogância e selvageria. O grande vilão da saga não é mero espectador do caos, ele maquina, se move, se vira nos trinta e consegue o que quer. Deathly Hallows – Part 2 pode muito bem ser considerado um filme de vilão, com foco na derrocada do bruxo maligno. Algo que a Marvel puxou para si quando colocou o Thanos de Josh Brolin no centro da resolução de sua história super-heróica. É preciso que os criadores não se prendam ao maniqueísmo para que grandes histórias se encerrem em tom louvável.

Maniqueísmo que virou regra na outra grande avalanche cultural dos anos 2010: a Guerra dos Tronos. A falta de planejamento e material base para a adaptação trucidou Game of Thrones, mas foi a balela da Guerra com o Rei da Noite que finalizou a matança. No brilhante capítulo que antecede a porradaria, a série da HBO cria o clima perfeito de despedidas e perdição. O ó do borogodó acontece no pós, quando quase ninguém bate as botas, e todo o misticismo do frio na barriga frente aos Caminhantes Brancos se esvai. No último filme de Harry Potter, o diretor David Yates dosa cenas de riso contagiado pela ansiedade com sequências ardilosas, onde assistimos, imponentes, figuras queridas mortas, sem qualquer resquício de felicidade.

Fred Weasley (James Phelps) morre, nos capando do tom brincalhão que ele contagiava. Tonks (Natalia Tena) e Lupin (David Thewlis) também, nos mostrando que os erros do passado podem e irão se repetir. O filme não dá trégua para ninguém, ceifando a vida de Severo Snape, papel magnânimo do imortal Alan Rickman (incompreendido para alguns, rato imundo para outros), justificando seus vis atos ao longo da década com a figura do amor eterno pela mãe de Harry. Mãe essa, carinhosa, amorosa, lúcida e benevolente. Sinônimos repetidos à exaustão nas figuras maternas que cercam o garoto. A já citada Molly Weasley figura no topo da lista, mas McGonagall (a dama Maggie Smith) e até Narcissa Malfoy (a eterna Helen McCrory, falecida em 2021) demonstram uma aptidão ímpar em amparar esse bruxo que cresceu órfão e destinado à profecias macabras.

O lado contrastante vem da constatação de, após viver (nas páginas e nas telas) cercado por mães amorosas e cuidadoras, Harry Potter tenha se revelado filho de uma mãe maldita. Uma mãe real, preconceituosa, transfóbica, que gestou ele em sua mente e realizou o parto à beira de páginas e páginas do manuscrito da Pedra Filosofal. “Você tem os olhos da sua mãe”, repetem dezenas de personagens ao longo de sete livros e oito filmes, denotando o valor simbólico e hereditário da bondade que Harry herdou de Lilian e, metalinguisticamente, de Joanne. 10 anos depois de Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 estrear e dar cabo à uma fenomenal narrativa infanto-juvenil que mudou o mundo, J. K. Rowling vai contra tudo que arquitetou em Hogwarts, fugindo do heroico senso de justiça e propósito que sua própria história carrega. Harry pode até compartilhar o verde dos olhos com a mãe que assinou os livros, mas por instância alguma compartilha qualquer outro de seus sórdidos traços. 

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Júlia Paes de Arruda

Pensar na existência de um segundo live action da vilã de 101 Dálmatas não era muito animador. Seria à altura da icônica performance de Glenn Close na adaptação de 1996? Pois é, quando Emma Stone apareceu num look exuberante, já deu pra notar que não seria igual ao outro. De protagonistas, os cachorros passaram a ser meros figurantes. A antagonista invade a Londres da década de 70 carregada pela moda, cheia de frustrações e mágoas de um passado solitário. Original, criminosa, vestida para matar. É assim que Cruella se apresenta para nós. 

A nova produção do Disney+ acompanha a jornada de Estella (Emma Stone), uma criança geniosa e determinada, até a fase adulta de pequenos crimes, ao lado de Gaspar (Joel Fry, de Game of Thrones) e Horácio (Paul Walter Hauser, de Cobra Kai). Inspirada pela mãe, a jovem mantém o desejo de um dia se tornar uma grande estilista. Seu talento chama a atenção da Baronesa Von Hellman (Emma Thompson), dona de uma influente grife e, a partir daí, uma sucessão de eventos farão com que Estella desapareça para que Cruella se materialize. É como se enxergássemos duas personalidades: enquanto Cruella esbanja poder, Estella é uma garota tímida e sonhadora.

O mérito de Cruella é de Emma Stone. A atriz sai da cômica Hannah de Amor à Toda Prova e da dramática Mia de La La Land para despertar a brilhante Cruella De Vil. Seu visual monocromático vibra, grita e abala os olhares gélidos e neblinosos da tediosa capital britânica. Stone se sente à vontade no papel visto que entrega cargas dramáticas com muito fôlego ao mesmo tempo que se solta para performar uma complexa e surpreendente vilã. Ela consegue transitar do ácido ao engraçado em segundos de cenas. Nossos olhos ficam fixos na sua transformação cheia de glamour e nem um pouco entediante.

A cereja do bolo é Emma Thompson, que se desprende da boba professora Sibila Trelawney de Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban para dar lugar à egocêntrica Baronesa. Sua versatilidade é magnífica, incorporando uma solidão e obscuridade dignos de uma elite hipócrita da época. Aderindo somente a tons clássicos da alta costura, Thompson constrói uma personagem megalomaníaca, capaz de descartar tudo e todos para se manter no status da grandeza.

Ao lado de Baronesa, temos John (Mark Strong) que é basicamente o próprio Nigel de Miranda Priestly. Além de ser o mordomo/assistente, John tem papel fundamental para que Cruella se defina e se estruture como a personagem que conhecemos. O filme solo da vilã de 101 Dálmatas também nos apresenta Anita e Roger, os donos de Pongo e Perdita. O diferencial é que, no live-action, os dois não são um casal. 

Anita (Kirby Howell-Baptiste) é uma jornalista, que auxilia Cruella a se destacar nas manchetes londrinas. Já Roger (Kayvan Novak) é o mero advogado da Baronesa. Ambos não desempenham uma função de proeminência, porém se tornam referências icônicas do desenho animado. A mudança para uma atriz negra e um ator descendente de iranianos busca trazer a representatividade, mas, pelos poucos momentos dos personagens em tela, a proposta acaba se tornando mais uma estratégia comercial.

Não se pode falar de Cruella sem explorar a ousadia e a vaidade de seus figurinos. A designer Jenny Beavan, ganhadora de dois Oscars – um deles por Mad Max: Estrada da Fúria (2015), se inspirou no movimento punk da década de 70 para demonstrar a rebeldia que a personagem precisava. Em meio ao ambiente urbano, Cruella é a própria visão do futuro. 

Nesse período, a alta costura deixou de ser algo exclusivo e começou o processo de democratização da moda. Visuais andróginos estavam em alta, fazendo transparecer a sexualidade, a liberdade e a criatividade. O movimento punk, muitas vezes incompreendido, substituiu o colorido e o glitter da discoteca pelas jaquetas de couro pretas, um visual grotesco e as tachas pontiagudas. A vilã abusa da extravagância e de maquiagens carregadas. A fúria e o desejo de vingança se revelam através de suas roupas e, assim, Estella transforma-se em Cruella. 

A audácia da personagem também se reflete nas suas atrevidas exibições. No meio de um monótono baile preto e branco, Cruella encarna uma Katniss Everdeen e abre espaço para o vermelho vivo tomar conta da celebração. Ela não tem medo de se arriscar e não nega o grandioso talento que possui em mãos. Ousa em tecidos, cortes e costuras exóticas para sacudir as passarelas dominadas pela Baronesa. É assim que ela conquista seu espaço.

Diferentemente de Malévola, o filme de Craig Gillespie (Eu, Tonya) é um acerto. Talvez pela participação de Emma Stone e de Glenn Close na produção executiva, unindo gerações de atrizes incríveis num trabalho que prometia muito. A diretora de arte Fiona Crombie também merece os cumprimentos, já que ela consegue transparecer ambas as personalidades da personagem de Stone de maneira sutil, mas decisiva. 

Enquanto estamos com o olhar em Estella, as cenas escritas por Dana Fox e Tony McNamara (juntamente com Aline Brosh McKenna, Kelly Marcel e Steve Zissis adaptando a história de Dodie Smith) se desenrolam com mais suavidade, acompanhando o desempenho da jovem compartilhando a vida com seus novos parceiros. Quando Cruella toma posse, tudo acaba virando caótico: a organização do apartamento, os desenhos nas modelos, a relação entre a vilã e seus (agora) capangas. A iluminação dos cenários também acompanha esse desenrolar, transitando de uma paleta mais amarelada para uma mais avermelhada, quase um vinho, mais sombrio.  

É em seu filme solo que conhecemos a obsessão da antagonista por dálmatas, tão evidente na elegante atuação de Glenn Close. Os cachorros demarcam um momento de dor da personagem, ao mesmo tempo que reforçam seu poder, sua ascensão num novo patamar. Seu alter ego maléfico assume a nova posição e nos confrontamos com uma anti-heroína extraordinária e destemida.  

A pegada punk não se limita aos trajes de Cruella. Esse estilo também se faz presente dentro da trilha sonora do filme, o que contribuiu para essa áurea mais sombria. Além das criações de Nicholas Britell (indicado ao Oscar por Moonlight: Sob a Luz do Luar e Se a Rua Beale Falasse), músicas de The Clash, Queen, Black Sabbath e Deep Purple criam a atmosfera do lado ácido da vilã. Entretanto, existem quebras de ritmos mais pesados com as divertidas Should I Stay or Should I Go e One Way or Another, que espelham a ironia e o deboche da antagonista. Tudo foi milimetricamente pensado para que as duas particularidades de Cruella pudessem transparecer para o público. 

Juntamente com uma instrumentalidade espetacular, o diretor Craig Gillespie une uma narrativa primordialmente vinda do público infantil com o adulto, trazendo o equilíbrio entre o drama e a comédia. Ele procura dar profundidade aos capangas de Cruella para que eles possam acrescentar aos arcos da vilã e não servir apenas como burros de carga. Enquanto Gaspar é inteligente, Horácio é o alívio cômico, dono das cenas mais divertidas. Os dois funcionam como questionadores da vilania da amiga. Dessa forma, o trio não forma apenas uma gangue, mas sim uma família.

Cruella reinventa a fórmula de sucesso do desenho animado e faz com que Emma Stone deixe sua marca, tanto que já acumula mais de um milhão e meio de dólares de arrecadação nos cinemas. Incorporando novos aspectos, mas ainda mantendo-se na tradicionalidade, o filme é completo e dinâmico. Com uma cena pós-créditos (obrigada pelos feitos, Marvel) curiosa, a trajetória de Cruella começa de maneira majestosa. Se depender de Craig Gillespie para criar novos filmes solos de vilãs queridas, temos uma próxima onda de live-actions belíssimos da Disney para degustar. 

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