Guilherme Machado Leal

Nos filmes de Joachim Trier, a cidade Oslo se torna parte da história que o cineasta gosta de contar. As ruas, estabelecimentos e arquiteturas da capital da Noruega registram por meio das lentes a sensação de como é viver no local. Em Valor Sentimental, o diretor Gustav Borg (Stellan Skarsgård) retorna à cidade natal para convencer a filha, Nora (Renate Reinsve), a gravar um filme baseado na vida de sua família após mais de uma década afastado das telas. No entanto, há um fator especial: a primogênita seria a protagonista da narrativa, que entra na ferida mais profunda de um filho: a ausência de um pai.

Afastada física e emocionalmente daquele homem, a personagem é uma atriz predominantemente conhecida por peças teatrais e trabalhos esporádicos em outras mídias. Todavia, nos primeiros minutos da produção, é notável o pânico da mulher nos momentos em que precisa dominar o palco. Os enfrentamentos mentais alinhados à volta do artista revivem traumas que mal foram varridos propriamente em seu imaginário, mas que agora, se espalharam diante do início do longa-metragem.

Após a recusa de Nora, o cineasta convida Rachel Kemp (Elle Fanning), uma atriz de Hollywood que deseja fazer um projeto desafiador em sua carreira. Na Noruega, a artista tenta encontrar o tom correto e acessar as camadas de sua personagem, porém, nesse contexto, há diferenças entre a interpretação de uma estrangeira e uma norueguesa. Por ser um papel que examina aquela família, a língua é muito importante, por isso a norte-americana tem dificuldades de se conectar. Aqui, o sentimento e a melancolia que retratam aquele núcleo familiar expressam muito mais do que meras palavras agrupadas em um roteiro.

O fazer Cinema em Valor Sentimental é voltar à carreira de Joachim Trier, indicado a Melhor Diretor no Oscar 2026. Pegando a trilogia de Oslo [que contém os filmes Começar de Novo (2006), Oslo, 31 de Agosto (2011) e A Pior Pessoa do Mundo (2021)] como base, focalizar todo o trauma daquelas irmãs a partir dos sentimentos mal resolvidos de Gustav é a maneira que o diretor encontra de conversar sobre a Sétima Arte. Embora não seja um pai presente, o olhar cinematográfico do veterano é capaz de compreender e nomear o mais obscuro que assola a protagonista. 

A casa da família também é uma representação de toda a mágoa daquele universo e a rachadura em uma das paredes é muito mais do que uma simples alteração do espaço físico. Aquela falha, na verdade, conta uma história que atravessa gerações. Semelhante à dinâmica entre o diretor e Nora, os metros quadrados que dão firmeza a tudo vivido espelham o sentimentalismo do lar norueguês. Brigas, separações e ressentimentos se juntam aos momentos felizes e aos almoços entre entes queridos. 

A montagem, nos filmes de Trier, é facilmente um de seus êxitos. No filme de 2025, o profissional responsável é Olivier Bugge Coutté, indicado à categoria na premiação cinematográfica. O início dos longas do diretor carrega uma narração e tipos de ‘resumos’, que apresentam aquele mundo ao espectador, bem como os personagens que iremos acompanhar durante algumas horas. Assim como em The Worst Person In The World, a personagem de Renate Reinsve também ganha uma espécie de sinopse de sua personalidade, ambições e defeitos.

Uma boa descrição no universo do norueguês só é possível por conta do roteiro, que Joachim assina ao lado de Eskil Vogt, com quem trabalhou durante toda sua filmografia. O texto, alinhado à atuação propositalmente apática da protagonista e que se amolece conforme o tempo passa, justifica os reconhecimentos em Melhor Atriz e Melhor Roteiro Original na Academia. Nora, que já tentou se suicidar, carregou muito da solidão e rancor após a ida do pai. 

Ainda assim, o desgosto não foi capaz de suprir uma de suas capacidades mais especiais: a de cuidar da irmã Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) na infância das duas. Aliás, a interação entre a dupla tem o clímax, no desfecho do filme, garante a cena mais marcante de Valor Sentimental. Ali, desde os filhos únicos àqueles que cresceram com um(a) caçula do lado, vão se identificar com o instinto de irmandade, selado desde a compreensão do que é um núcleo familiar. “A vida é muito curta para ficar briga com uma irmã”, diz Jo March (Saoirse Ronan) para Amy March (Florence Pugh), em Adoráveis Mulheres (2019).

Pois bem, na obra indicada a Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, a sororidade é acompanhada de respeito mútuo, apreço e confiança. Com medo da primogênita voltar ao lugar obscuro onde chegou anteriormente, ela cuida da mulher, assim como a mesma fez quando ambas eram pequenas. Em uma jornada marcada pela finitude, o amor por um irmão nunca morre, ele se fortalece, mesmo que precise adquirir novas facetas ao longo da caminhada.

Outro destaque é a seleção musical  escolhida a dedo por Trier nas cenas de seus personagens. Aqui, as produções musicais dialogam com o interior do quarteto principal, especialmente as faixas Dancing Girl, de Terry Callier, e Cannock Chase, de Labi Siffre, que encerram a produção. Embora o roteiro de Gustav só possa ser entendido pela família que viveu aquela história, as canções citadas se conectam universalmente com quem acompanha a narrativa. É utilizar a sonoridade folk dos anos 70 e, a partir disso, criar um sentimento de completude ao término do filme. É daquelas experiências que nos fazem salvar as músicas nas nossas playlists e revisitar aquilo que experimentamos durante a primeira assistida. 

Mesmo reconhecido como Melhor Ator Coadjuvante na premiação, o trabalho de Stellan Skarsgård é de protagonista. Seja por causa dos problemas que se originam com o seu retorno a Oslo ou pela relação de professor e aluno que cria com a artista hollywoodiana, o fato é que todo o drama presente em Sentimental Value (título original) vem com a figura do patriarca. As personagens, por exemplo, necessitam da aprovação do veterano. É como se a recognição de seus atos e ‘performances’ (no caso, de Nora e Rachel) apenas fossem de fato algo caso ganhassem a aprovação do cineasta. 

A partir disso, Trier apresenta a sua versão do que é o daddy issues, uma relação fria, distante e inóspita de níveis mais intensos de amabilidade. Por outro lado, a paixão de Gustav pela Sétima Arte é o que o faz ser um gênio naquele universo. Realmente, o prêmio de melhor pai do ano não foi para ele. O veterano até o perdeu – diversas vezes. No entanto, a dedicação e a excelência com a qual trabalhou para examinar os sentimentos fizeram com que ele alcançasse o patamar que ocupa. E, por ter uma filha que também faz parte do meio, a dinâmica entre a dupla ganha um leque de sentidos. Duas coisas podem ser verdade: a admiração pelo diretor norueguês e o ressentimento ao pai ausente caminham lado a lado e se nutrem de maneira interminável.

Transformador e longe de ser unânime, Valor Sentimental se camufla no seu maior amor ou medo: pelo Cinema, pela omissão patriarcal e pelas questões psicológicas. Lidar com a depressão não é algo corriqueiro, tampouco usual. Mas se ver em tela, após os picos da doença e o abandono de uma figura familiar por meio de Nora, é único e brutalmente aconchegante. O rombo que um laço parental acarreta em um ser humano em construção é irremediável. No entanto, como versa Labi Siffre no encerramento da narrativa, “Parecia que minha alma tinha morrido e ido embora. Mas tá tudo certo, estou de volta à luta”.

O post Em tudo, há Valor Sentimental apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Moraes

Um dos grandes desafios para as franquias decenais não é de se reinventar, mas de inserir uma ideia original dentro da mesma fórmula. A necessidade do estúdio de lucrar sempre irá se sobrepor ao do artista na indústria americana, dessa forma, a reinvenção vira apenas um discurso, pois apostar no conhecido se paga e ainda faz dinheiro – aliás, é exatamente por esses motivos que esses filmes são refilmados ou recebem uma continuação. O que resta para alguns cineastas é fazer um trabalho de artesanato e criar algo singular dentro desse sistema. Longe de dizer que Dan Trachtenberg é um artesão da Sétima Arte, porém, pelo menos em Predador: Terras Selvagens, o diretor consegue instaurar uma relação entre os personagens e o ambiente de maneira criativa.

A trama é um pouco diferente de seus pares, pois, desta vez, o protagonista não é um humano que será perseguido por um alienígena, e sim o próprio Yautja. Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatangi) é enviado para um outro planeta com uma missão: levar a cabeça de um grande predador para seu clã. A falha da missão significa a sua morte.

O aspecto cultural como base para a história já está se tornando uma marca de Dan Trachtenberg. Em O Predador: A Caçada, uma guerreira Comanche precisa provar o seu valor e salvar a sua tribo, e para isso ela precisa enfrentar o alien. Neste, o irmão do herói é assassinado pelo próprio pai, por mostrar misericórdia com o mais fraco – no caso, Dek –, um crime imperdoável entre os Yautja. No entanto, o que torna essa característica especial é como o cineasta toma cuidado em não julgar tais culturas, ao mesmo tempo que dá liberdade aos seus personagens para se entenderem dentro delas. O herói do filme não adquire um ódio contra seu clã, apenas começa a se compreender fora dele a partir do contato com outros seres e dessa maneira ele conquista sua liberdade.

Mais do que a cultura modificando o indivíduo, a obra também coloca o ambiente como peça fundamental nessa mudança. Agora, o Yautja se encontra em um lugar desconhecido, sempre tensionando ele entre predador e presa; ele é apenas um animal precisando sobreviver. No final de Planeta dos Macacos: A Guerra (2017), uma avalanche mata todos os humanos, restando apenas os macacos, que se penduram nas árvores para se proteger; na natureza se perdura aquele que melhor se adapta. Predador: Terras Selvagens segue essa mesma linha; Dek, ao perder suas armas, precisa usar seus conhecimentos sobre aquele planeta para criar novos equipamentos, que se tornam mais vantajosos que os seus antigos, afinal a tecnologia também é contextual.

Nesse sentido, a presença de Thia e Tessa (ambas interpretadas por Elle Fanning) é fundamental. As personagens são uma máquina que detém as informações de todas as criaturas daquele universo, entretanto, a primeira – que se torna aliada do protagonista – se humaniza, não apenas pelos sentimentos e pensamentos próprios que ela passa a adquirir, como também pela sua capacidade de observação e interpretação do mundo. Thia e Dek começam a compreender as criaturas a partir do contato e das experiências – como quando eles descobrem a familiaridade da criatura que estava com eles com o grande predador daquele mundo –; Tessa tem dados programados, e sua incapacidade de entender a interrelação de diferentes espécies é o que leva a sua ruína.

Alguns pontos, ainda assim, causam incômodo, como o final que deixa um gancho para a sequência, porém, parece mais uma cena pós-créditos, tirando um pouco a unicidade da obra. As cenas de ação também não são tão marcantes como as da saga John Wick, mas, pelo menos, a franquia parece estar trilhando um caminho interessante nas mãos de Dan Trachtenberg, sempre relacionando ser, natureza e cultura, de maneira própria.

O post Nas Terras Selvagens, sobrevive o Predador que melhor se adapta apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Mendes

O maior problema enfrentado pelas séries produzidas em larga escala e mantidas por décadas a fio é inovar sem perder a originalidade e a essência que as definem.  Muitas acabam com furos no roteiro, previsibilidade e narrativas inconsistentes como em Grey’s Anatomy (2005) e The Walking Dead (2010). Felizmente, Criminal Minds supera as estatísticas. Lançada em 22 de setembro de 2005, a criação de Jeff Davis, também conhecido por Teen Wolf (2011), se insere em um nicho de investigação criminal já consolidado. Ainda assim, conquista seu próprio espaço ao trazer uma nova perspectiva: a análise de perfilamento. Afinal, para capturar um criminoso, é preciso pensar como um.

A obra acompanha os agentes especiais Aaron Hotchner (Thomas Gibson), Jason Gideon (Mandy Patinkin), Derek Morgan (Shemar Moore), Spencer Reid (Matthew Gray Gubler) e Elle Greenaway (Lola Glaudini), além da coordenadora de comunicação Jennifer Jareau (A. J. Cook) e da analista técnica Penelope Garcia (Kirsten Vangsness). Eles formam uma equipe de elite da Unidade de Análise Comportamental (UAC), uma subdivisão do FBI especializada em crimes em série. Eles se apoiam na criação de perfis psicológicos que buscam entender as motivações e evitar novos ataques. A cada episódio, a equipe enfrenta o pior da natureza humana, enquanto lida com seus próprios conflitos e dilemas internos.

A abordagem de temas sombrios e a atmosfera tensa colocam o espectador em um jogo de perseguição e interpretação. O objetivo não é apenas prender o culpado, mas antecipar seus passos por meio do estudo de padrões de conduta. Apesar de seguirem uma fórmula pré-determinada, cada capitulo tem sua particularidade e reviravoltas impactantes. Além disso, a estética visual, estabelecida pelo diretor de fotografia Gregory St. Johns, intensifica a experiência e eleva a carga emocional.

Enquanto muitas séries policiais seguem o formato de um único herói para salvar o dia, como em CSI: Investigação Criminal (2000) e Bones (2005), também populares nos anos 2000, Criminal Minds aposta no trabalho coletivo. A trama evidencia as relações interpessoais, tanto familiares e platônicas quanto profissionais. Além disso, os antagonistas também se destacam por suas motivações que revelam os lados mais sombrios da mente humana. Muitos têm histórias complexas que geram desconforto e empatia simultaneamente como Megan Kane (Brianna Brown) e Sarah Jean (Jeannetta Arnette). Essa profundidade cria um equilíbrio no enredo e resulta em episódios memoráveis.

O elenco reúne nomes de peso e participações especiais marcantes como Bellamy Young, Evan Peters, Aubrey Plaza, Elle Fanning e Jane Lynch. A atuação é um dos fatores que torna o drama tão amado pelo público. A conexão dos atores no set reflete nos personagens e potencializa as emoções que transpassam a tela e assombram a narrativa.

Por outro lado, os escândalos nos bastidores deixaram marcas, principalmente a demissão de Cook e Brewster, que foram substituídas e deixaram os fãs frustrados com a saída. Ambas foram recontratadas e hoje protagonizam o revival. Além disso, há as lacunas deixadas pela demissão polêmica de Gibson, cujo personagem Aaron Hotchner não teve um final adequado, e pela saída e posterior contradição de Patinkin.

Com seus altos e baixos, o seriado construiu um legado duradouro e único no gênero policial. Para expandir o universo, foram criados os spin-offs Criminal Minds: Suspect Behavior (2011), Criminal Minds: Beyond Borders (2016), cancelados por baixa audiência. Após ser encerrada na temporada 15 com um desfecho satisfatório, a série retornou com Criminal Minds: Evolution (2022). O revival continua a trama original e acompanha a equipe enfrentando uma rede de serial killers criada durante a pandemia de covid-19. As alterações nos formatos dos episódios ainda dividem opiniões entre o público, que apesar disso, aguarda ansiosamente a produção da 19ª temporada. 

A ficção trata de temas como extrema violência, traumas psicológicos, transtornos mentais, terrorismo, fanatismo religioso e crimes de ódio de diversos tipos, alguns dos quais foram baseados em crimes reais. A produção mergulha fundo nessas questões com respeito e sensibilidade, além de explorar as nuances do comportamento humano. Ao entrar na mente de vítimas e criminosos, traz à tona discussões importantes sobre segurança, relações familiares, saúde mental e desenvolvimento psicológico.

É indispensável mencionar a evolução técnica nesses 20 anos. A cada temporada é visível o maior cuidado com as relações interpessoais, a carga emocional e os efeitos visuais, cuja maior parte foi dirigida pelo supervisor de efeitos visuais Steven Meyer. Mais do que isso, a dramaturgia se destaca ao incorporar temas contemporâneos e sociais com realismo e representatividade, sem abrir mão de sua identidade. Com encerramentos emocionantes que simbolizam a aceitação e o peso da jornada de cada personagem, a trama vai além do entretenimento. Criminal Minds deixa sua marca nas provocações e questionamentos. Afinal, compreender a mente humana é uma missão intensa e quase impossível.

O post Há 20 anos, Criminal Minds mergulhava no lado mais sombrio da mente humana apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Nathalia Tetzner

Um menino circense, uma sensação do folk ou um andarilho? Com mais de seis décadas de carreira e inúmeras transições de gênero musical, Bob Dylan sempre foi e permanecerá um enigma. Sob a perspectiva de que o compositor, dono de um Nobel da Literatura, se trate de algo além do que uma ideia performática, Um Completo Desconhecido traz Timothée Chalamet em um papel que prova como o Dylan é, na verdade, um estado de espírito. 

O cineasta James Mangold, que também dirigiu a biografia do astro do country Johnny Cash, Johnny & June (2006), repete a aclamação da crítica especializada com oito indicações ao Oscar 2025 para a obra que acompanha Robert Allen Zimmerman até sua ascensão e primeira grande mudança de sonoridade. Uma vez símbolo político de uma era que clamava por liberdade, o público se depara com a paranoia da fama e o desejo de uma metamorfose interna.

“Todo mundo pergunta de onde vêm essas músicas, Sylvie. Mas, então, você observa seus rostos e eles não estão perguntando de onde vêm as músicas. Eles estão perguntando por que as músicas não chegaram até eles.”

-Um Completo Desconhecido (2025)

Na disputa pela estatueta de Melhor Roteiro Adaptado da premiação mais tradicional do Cinema, Mangold e Jay Cocks escreveram A Complete Unknown (no original) a partir do livro Dylan Goes Electric! de Elijah Wald, que retrata o caos no universo folk quando o intérprete de Blowin’ In The Wind passou a compor com guitarras elétricas, o que resultou no lendário disco Highway 61 Revisited (1965). A partir desse momento, nada mais o prenderia em uma zona de conforto. 

Assim, para segurar toda essa carga dramática que não pode ser revelada no semblante de uma figura notoriamente inexpressiva, nada melhor do que um certo ator franco-americano. Exatamente como afirmou, em entrevista ao 60 Minutes, que provavelmente tentaria ‘out-Bob’ o lendário músico se o encontrasse, Timothée Chalamet traz para as telas aquele Bob Dylan que todo mundo esperava ver, mas com um toque especial, que faz parecer que nem mesmo o próprio pode ser uma pessoa assim, tão peculiar.

Ao lado de Chalamet, que tem chances consideráveis de sair premiado como Melhor Ator pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, Monica Barbaro, por vezes, rouba completamente a cena como Joan Baez. Em um longa-metragem biográfico que não tem medo de mostrar o seu protagonista brincando com os sentimentos de duas mulheres, Barbaro e Elle Fanning oferecem performances incríveis, ainda que apenas a primeira concorra ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante.

Embora apresente uma linha de raciocínio muito coesa, Um Completo Desconhecido obviamente se alonga em sequências musicais e, acidentalmente, proporciona uma tensão quase sexual entre Bob Dylan e Johnny Cash, vivido por Boyd Holbrook. O ator, também indicado como Melhor Ator Coadjuvante na premiação, é tão ótimo que deixa tanto os espectadores quanto o próprio Dylan extremamente fascinados pelo carisma – mesmo que faça aparições de forma muito aleatória na trama.

Fato é que a obra também diz muito sobre a relação entre artista e inspiração. Afinal, é graças a uma faixa composta em homenagem a Woody Guthrie (Scoot Mcnairy), músico engajado politicamente e um dos maiores ídolos de Bob Dylan, que Pete Seeger (Edward Norton) decide introduzir o jovem ao cenário folk de Nova Iorque na década de 1960. Por sinal, toda a composição visual de A Complete Unknown é formidável, o que justifica a nomeação como Melhor Figurino para Arianne Phillips.

Para além das chances de Oscar, a biografia mostra ser uma verdadeira força tarefa. Desde a direção sob medida de James Mangold até as interpretações do elenco; Timothée Chalamet, Monica Barbaro, Edward Norton e Boyd Holbrook cantaram e tocaram os próprios instrumentos. De fato, Um Completo Desconhecido valoriza uma lenda da Música ainda em vida e, com a ajuda principal de Chalamet, busca um Bob Dylan desmaterializado com o tempo para mostrá-lo como um estado de espírito. 

O post Timothée Chalamet prova que Bob Dylan é um estado de espírito em Um Completo Desconhecido apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Sinara Martins

A primeira segunda-feira de Maio é sempre marcada pela cerimônia do Met Gala, que simboliza a abertura da exposição anual do Metropolitan Museum Of Art (MOMA), em Nova Iorque. Todo ano há um código de vestimenta para os convidados, sempre relacionado a exibição. Para o tapete vermelho de 2024, o tema estabelecido foi Jardim do Tempo.

A temática surgiu do conto de J. G. Ballard, de 1962, que retrata um casal vivendo em uma propriedade rodeada de muralhas – para os defender da multidão que se aproxima –, e repleta de “flores do tempo” que, quando colhidas, retrocedem algumas horas e impedem o avanço da massa. Chega um momento em que não há mais flores para colher e, então, a muralha é invadida pelo povo que, ao adentrá-la, encontra uma vila em ruínas e uma estátua do Conde e da Condessa que ali moravam.

Em uma analogia à passagem do tempo, distopia e beleza, era esperado que, durante a cerimônia, fossem utilizadas peças de arquivo vintage, elementos representativos de um jardim que remetessem também o transcorrer do tempo. Portanto, os stylings eram cheios de possibilidades e amplos na interpretação: de peças floridas a vestidos de arquivo que há muito tempo não eram usados – se é que algum dia já foram vestidos.

Dentre as personalidades de Hollywood que marcaram presença, o destaque da noite se deu pela co-anfitriã Zendaya, que usou dois figurinos maravilhosos. O primeiro – da marca Maison Margiela e assinado por John Galliano –, com silhuetas inspiradas no trabalho de 1930 da fotógrafa Madame Yevonde, em um cenário da Grécia Antiga, estava impecável e conversou perfeitamente com a maquiagem, feita por Pat McGrath.

Surpreendendo a todos, quase no fim do tapete vermelho, a atriz trocou de vestido e apareceu usando um figurino all black da Givenchy, em uma estética gótica, e ousou utilizando um adorno de buquê de flores.
Vestidos florais já eram esperados e foram muito bem usados pelas atrizes Jessica Serfaty, Cynthia Erivo e Rebecca Hall, e as cantoras Nicki Minaj e Dove Cameron. Todas elas combinaram perfeitamente o tema da noite com vestidos impecáveis das marcas Dolce & Gabbana, Thom Browne, Danielle Frankel, Francesco Risso e Diesel, respectivamente.

Outro destaque se deu por vestidos neutros que acentuam as silhuetas e se completam com o cabelo e a maquiagem simples, que ganharam espaço no baile desse ano e foram apostas de inúmeras famosas. A exemplos de Ariana Grande, com um lindo vestido da Loewe, Bruna Marquezine de Tory Burch, Kylie Jenner de Oscar de La Renta e Madeleine Clyne usando Tommy Hilfiger.

A sensualidade se deu em rendas – apostas de Kendall Jenner, Emma Chamberlain e Sarah Jessica Parker – e na transparência, muito bem utilizada por FKA Twigs, Doja Cat e Elle Fanning. O metálico também teve seu espaço, mesmo que pequeno, em vestidos como os usados por Me Hanani, Simone Ashley, Amanda Seyfried e pela co-anfitriã Jennifer Lopez. Em uma mistura desses dois elementos, Kim Kardashian também apresentou um fantástico figurino.

Neste ano, Tyla fez sua primeira aparição no Met Gala e não poderia ter sido mais espetacular. Usando uma linda peça da Balmain, a cantora surpreendeu ao aparecer com um vestido feito de areia que destacava as suas silhuetas e remetia a passagem do tempo, juntamente com sua bolsa em formato de ampulheta. Além dela, o destaque da noite também se deu através da cantora Lana Del Rey, que estava de tirar o fôlego em um impecável vestido de galhos, em uma produção melancólica de um vestido customizado por Alexander McQueen.

As cores vibrantes perderam espaço para os tons pastéis, como utilizado por Donatella Versace, mas ainda sim tiveram aparições notáveis. A marca Swarovski apresentou um time perfeito de convidadas e soube valorizar de maneira sensacional todas elas. A modelo Anok Yai estava perfeita, assim como em todos os anos que frequentou o evento, usando um macacão de tons azulados personalizado com 98.000 safiras e um colar de diamantes de 156.62 quilates. Ainda representando a marca, Karlie Kloss usou um lindo vestido rosa incorporado de flores e cristais.

Durante o evento, o destaque realmente ficou para a moda feminina. Vestidos focados na valorização da silhueta, de cores neutras com toques de sensualidade e delicadeza marcaram presença ao longo da cerimônia. Enquanto isso, na moda masculina, o de sempre: ternos básicos de cores neutras sem toques de glamour foram predominantes, com exceção dos convidados Alton Maison, Wisdom Kaye, Bad Bunny e membros da comunidade queer, como Harris Reed, Lil Nas X, Cole Escola e Jaden Smith, que fizeram suas apostas em figurinos que saíram do convencional.

O post A moda feminina salvou o tapete vermelho do Met Gala 2024 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Samuel Vinícius

Para os apaixonados por produções inspiradas em grandes figuras da realeza histórica, The Great enche os olhos e alegra corações. A série retrata, em meio a grandes bocados de ficção e liberdade poética, a história de Catarina, a Grande (Elle Fanning), a imperatriz Russa que exerceu seu reinado sob algumas influências iluministas, e do Rei Peter III (Nicholas Hoult), um Czar que não tem competência alguma para comandar um império, porém, não cede seu trono à amada esposa com facilidade, mesmo em meio a tentativas de assassinato de ambas as partes. 

A série original da Hulu teve sua terceira temporada lançada em 2023 e, no Brasil, os episódios foram disponibilizados na Lionsgate+ no final de Setembro. A comédia segue com a disputa entre a vontade impetuosa de Catherine de obter um reinado um pouco mais igualitário e menos violento, ao qual a Rússia de meados de 1762 estava subjugada. Porém, percalços aparecerem e a nova Imperatriz tem que guiar seu império pensando muito bem em sua razão e coração – o que não é muito fácil, tendo em vista as várias voltas que a monarca dá sem chegar a lugar nenhum. 

São muitas as adversidades que atrapalham a personagem de Elle Fanning de chegar em seu objetivo, já que Peter continua insistindo em deixar sua marca no Império Russo. Os personagens coadjuvantes são essenciais para manter a série engraçada, emocionante e dar um alívio desse embate real que às vezes pode se mostrar um pouco massante. Tia Elizabeth (Belinda Bromilow), com sua devassidade instigante, Lady Marial (Phoebe Fox), com seu marido que mais parece um filho, e Archie (Adam Godley), com sua depravação ameaçadora, garantem uma experiência nas telinhas cheia de reviravoltas e humor.

O criador da série é o mesmo impecável roteirista da obra cinematográfica A Favorita, Tony McNamara, que em The Great não perde sua essência e, mais uma vez, transpõe problemas vividos à flor da pele nos dias de hoje para a realidade russa do século XVIII. Ele expõe a soberania do poder dos mais ricos imperialistas, que buscam conquistar seus objetivos pessoais enquanto a sociedade, subjugada por suas decisões, sofre com as facetas da desigualdade e injustiça.

A série já foi destaque em várias premiações, como Globo de Ouro e Critics Choice Awards. Das 7 indicações ao Emmy em 2022, levou uma para casa, na categoria Melhor Figurino de Época em Série pelo episódio Seven Days. Em 2023, a série vai concorrer novamente pela categoria de Melhor Figurino de Época. Dessa vez pelo episódio Choose Your Weapon, e Sharon Long, figurinista que assina o projeto, já comentou em uma entrevista concedida à revista Claudia que tem parte da responsabilidade por “mantê-los em algum lugar do século 18”, tendo em vista que McNamara – que também é showrunner da série -,  não tem interesse em “uma série de época” mas, sim, em “contar sobre um período histórico”. Possibilitando o uso mais livre da criatividade para produção dos figurinos sem perder a essência da história.

Inclusive, o episódio indicado ao Emmy 2023 conta com um dos vestidos mais deslumbrantes e amados pela figurinista. Sobre ele, Long comentou que “nas telas não se percebe, mas era todo bordado com bichinhos e rendados”, revelando os detalhes minuciosamente pensados para criar um figurino que expressasse a delicadeza e cuidado que a realeza teve na confecção de suas peças. Além disso, esse jantar é extremamente importante para articulação de Catherine, onde ela encontraria dois embaixadores, um dos Estados Unidos e o outro britânico, que estão em um embate pela ajuda dos russos em relação ao movimento de independência americano. Nele, vemos o desdobramento de um dos primeiros embates da protagonista em sua empreitada para exercer seu domínio a favor da nação russa.

Nesse meio tempo, alguns antagonistas ganham força, tendo em vista a constante articulação para impedir a efetividade da gestão de Catherine. É o caso do ex-Rei da Suíça, Hugo (Freddie Fox), que tem uma atuação excepcional, usando facetas de dissimulação que nos fazem amar odiá-lo. O antigo monarca está buscando refúgio na Rússia e tenta desesperadamente persuadir Peter a ajudá-lo a reconquistar seu antigo reinado. Indo sempre contra instruções diretas da Rainha em relação ao controle das forças armadas, Hugo e sua esposa Tatyana (Florence Keith-Roach) prometem ajudar a colocar fogo no parquinho durante as reviravoltas e acontecimentos que inundam a temporada.

Para abrir espaço para mais narrativas, alguns personagens também tiveram que sair de cena e, talvez, Orlo (Sacha Dhawan) tenha sido uma das perdas mais dolorosas. Ainda mais, quando o personagem se mostrou uma peça chave para encabeçar os planos de Catherine ao longo das temporadas, e a ocasionalidade que levou nosso covarde e querido conselheiro da rainha foi um tanto chocante e irônica. Tendo em vista que ele já se sentia traído pela monarca, quando ela não matou Peter, apesar de toda sua crueldade nas temporadas anteriores, e agora estava dando-o a oportunidade de desfrutar um amor. No entanto, ele seguiu com sua sede de sangue em uma perseguição ao Czar Russo que levou, literalmente, a um tiro pela culatra. 

Já Elle Fanning tem se mostrado cada vez mais perspicaz e desenvolvida na interpretação da protagonista. A imperatriz vive um momento em que demonstrar sua força no poder é essencial, pois sua racionalidade sempre é colocada à prova pelos costumes ferrenhos da antiga Rússia. Por isso, incorporar um pouco da selvageria das pessoas ao seu redor foi um incremento que a atriz trouxe à personagem com naturalidade. Os gritos de “Huzzah!” e a tranquilidade ao quebrar as tacinhas de cristal nunca foram tão automáticos, tudo para transmitir a todos que agora Catherine é a mother fucking Imperatriz da Russia.

Porém, como nem tudo pode ser perfeito, a série enfrentou alguns problemas relacionados à audiência e foi – acredite se quiser – cancelada. Como há muito se vem discutindo, os streamings mantém os dados referentes às audiências sob sete chaves e ninguém sabe como é contabilizado o número de visualizações de conteúdo. Dessa maneira, a produção não se destacou para o ranking de 10 principais séries originais da plataforma e, seguindo a ideia de gerar mais lucros para a Hulu, foi cancelada, mesmo com o seu reconhecimento aclamado pela crítica e mais de 20 indicações a prêmios importantes da televisão internacional.

Deixando milhares de pontas soltas relacionadas ao prosseguimento do reinado de Catherine, principalmente após um evento catastrófico que atingiu a Coroa e uma artimanha sem nenhum juízo promovida pelo mais impuro arcebispo da corte Archie junto a Pugachev (Nicholas Hoult) que se juntam na aplicação de um plano para pressionar a Imperatriz. Porém, apesar de parte da decorrência dos fatos serem vinculados a história, nunca se saberemos como  os criadores da série pretendiam transmitir para o público a sequência de acontecimentos, que somente eles contaram até hoje com tanta diversão, conscientização e criatividade. 

Vale destacar que, mesmo com a série cancelada, as três temporadas completas disponíveis de The Great garantem muita diversão ao telespectador. A sátira envolve a todos do começo ao fim, transpondo aspectos de subdesenvolvimento social da atualidade à realidade russa de forma impactante. Mesmo se tratando de uma produção de comédia, os momentos nos quais se destaca a desigualdade de gênero e social são marcantes e de tirar o fôlego, fazendo o público refletir sobre o real progresso de nossa sociedade.

O post The Great: nem mesmo o Emmy impediu o cancelamento de uma série primorosa em sua 3ª temporada apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Mariana Nicastro

HUZZAH! A Rússia é de Catherine na segunda temporada de The Great (ou A Grande, em seu título original). Proveniente do Hulu e disponibilizada no Brasil pelo Starzplay, a série chegou de mansinho, sem muito alarde. Porém, basta uma olhadinha na premissa instigante da ascensão do poder feminino na monarquia russa do século dezoito somada a um tom satírico, divertido e muito atual para conquistar o público com um equilíbrio incrível entre Comédia e Drama, e atuações dignas de um Emmy.

Escrita, na maioria dos episódios, pelo também showrunner Tony McNamara, roteirista do futuro Cruella 2, The Great foi lançada em Maio de 2020 e explora a história – bastante representada no Cinema e na Televisão – da monarquia de Catarina II da Rússia. Na primeira temporada, Catherine (Elle Fanning), ou Catarina Segunda, nos livros de história brasileiros, foi apresentada a Peter (Nicholas Hoult), ou Pedro Terceiro, aquele que ela acreditava ser seu príncipe encantado. Vinda da Prússia, mal sabia ela que, ao pisar em solo russo, seu grande amor seria seu reino, sua corte, seu povo e o que viria a ser o seu império.

Mas não se engane! The Great não é uma série histórica e política com compromissos com a realidade, fidedigna aos fatos e personagens como a famosa The Crown. Recheada de sarcasmo, humor sórdido, palavrões e noções bem contemporâneas, e uma brutalidade que deixaria The Boys orgulhosa, a produção brinca com a temática e cria uma atmosfera bastante surreal, cheia de exageros e personagens caricatos pela corte, como o próprio Peter.

Afinal, a situação é tão absurda quanto se propõe: Catherine chega em território russo tão encantada e apaixonada como uma princesa encontrando seu príncipe. Porém, tamanha é sua decepção ao descobrir que o então Imperador, seu mais novo esposo, é um boy lixo, com a mentalidade de uma criança de dez anos e a violência de um líder cruel de um exército impiedoso. Além dele, toda a corte é formada por indivíduos que festejam todos os dias e se limitam a preocupações fúteis. Todos são brutais, práticos, alienados e mal educados, e a futura Imperatriz se vê desolada.

Entretanto, como uma boa sonhadora interminável, a protagonista se recompõe e se remodela diante dos desafios. Não demora muito para ela perceber que seu destino nunca foi se casar com Peter, e sim tomar seu trono e comandar a Rússia. Sua criada Marial (Phoebe Fox), o conselheiro Orlo (Sacha Dhawan) e o general do exército russo Velementov (Douglas Hodge), então, unem-se a Catherine em um plano de assassinar o incompetente Imperador e colocá-la no poder. Junto deles, ela conta com o apoio de seu amante Leo (Sebastian de Souza, diretamente de Skins).

Durante a primeira temporada, a estratégia da monarca sofre com altos e baixos, tudo dá certo e, no fim, dá errado. Enquanto ela cresce pessoalmente e representa uma determinação incansável, unida a suas brilhantes e inovadoras ideias, precisa lidar com os contra-ataques do seu mais novo arqui-inimigo, Peter, e seus apoiadores (a grande maioria do reino). No fim das contas, Catherine toma seu reinado, mas se descobre grávida de seu rival, perde Leo para a morte – em uma decisão política –, é traída pela amiga Marial e sofre com as densas consequências de um povo abalado e descontente.

A segunda temporada então se inicia com uma guerra travada entre Peter e Catherine. A última, impassível, aprende da forma mais dura que precisa ser feroz se quiser ter a admiração do povo e o controle do marido derrubado. Ele, por sua vez, demonstra uma compaixão cada vez maior pela esposa ao observar seu destemor e inteligência, agora feito de prisioneiro por ela, em seu próprio castelo. 

O pé de guerra inicialmente travado entre os dois se dissolve por parte do Príncipe, conforme ele abre mão de qualquer tentativa pelo trono a favor da esposa e seu futuro filho Paul. É estranho e cômico a forma como um personagem tão odiado como ele começa a perder a compostura diante de sua Rainha e cai nas graças do público, tamanho o carisma de Nicholas Hoult. Com o passar do tempo, então, o ódio dá lugar a uma complexa amizade com benefícios. Catherine se vê dividida em detestar o marido e reconhecer mudanças progressivas em seus comportamentos e sua personalidade, enquanto aprecia sua companhia.

A linha tênue entre amar e odiar Peter é uma constante – para o telespectador, para a própria protagonista e para os amigos do ex-Imperador na Corte. Todos ora se chocam com seus atos hediondos, ora se divertem com sua maluquice e presunção. E cada vez mais há uma subversão de papéis conforme os episódios da série avançam, as conquistas da Imperatriz ficam mais evidentes e Peter melhora como pessoa, enquanto se apaixona por ela e se contenta em ser apenas o pai do futuro bebê.

Em contrapartida à comédia, os dramas vivenciados por Catherine são críveis, enfrentados com muita emoção, e criam um laço e conexão do público a ela desde a sua primeira aparição. Agora, o trono é seu e a Imperatriz precisa aprender a ser uma figura política, a lidar com a gravidez cujo pai ela destronou e a dançar conforme a música, em uma corte que tem vontades distintas daquelas que ela considera ideais. 

Assim, a força de Elle Fanning transborda das telas. A atriz equilibra com maestria a delicadeza e paixão de Catherine com sua imponência e orgulho. Ela não abre mão do trono tomado e luta por ele com unhas e dentes, mesmo que tenha que fazer escolhas difíceis no caminho. Quanto a isso, a czarina sente, ao longo da temporada, o luto pela perda de seu amado Leo e desafia os próprios sentimentos ao precisar manter-se emocionalmente firme para lidar com uma Rússia instável, louca e em guerra.

Conhecida por papéis como Mary Shelley (Mary Shelley, 2017), a princesa Aurora (Malévola, 2014) ou a doce Alice, em Super 8 (2011), Mary Elle Fanning coleciona obras incríveis em seu currículo, provando ser uma atriz maleável e uma das mais talentosas de uma nova geração de Hollywood. The Great surgiu para comprovar que o protagonismo lhe cai perfeitamente, com uma personagem que exige uma carga dramática intensa, exalando determinação e coragem, mas que também se encaixa perfeitamente nos arcos cômicos e excêntricos da produção.

Já seu parceiro de cena, Nicholas Hoult, é um show à parte com o caótico e complexo Peter. O eterno Tony de Skins (2007) e Tolkien, no longa de mesmo nome de 2019, aqui interpreta o mimado Príncipe que cresceu exposto à violência desde a infância, rejeitado pelos pais e sempre submetido aos deveres e expectativas do reinado. Juntos, os dois criaram uma dupla dinâmica em tela com uma química impecável.

Personagens excelentes não faltam em A Grande. Além dos amigos e braços-direitos da Imperatriz já mencionados, Marial, Orlo e Velementov, há Elizabeth (Belinda Bromilow), tia de Peter, mas uma grande aliada de Catherine, o enigmático e interesseiro Archie (Adam Godley), arcebispo da corte, e os melhores amigos de Peter, Grigor (Gwilym Lee) e Georgina (Charity Wakefield), que temem por suas vidas privilegiadas. 

Marial é uma coadjuvante de peso na história, com tanta coragem quanto Catherine. Nesta temporada, ela retorna à nobreza, com seus benefícios e sua alta posição ao lado da Imperatriz. Entretanto, viver como serva no palácio lhe rendeu maior consciência, responsabilidade e empatia. Georgina também tem um novo arco e cresce ao demonstrar sua inteligência e estratégia, prometendo trazer problemas para o reinado no futuro.

Protagonizado pelas figuras femininas, o roteiro de McNamara, Tami Sagher, Fiona Seres e Gretel Vella também abre ainda mais espaço para Tia Elizabeth, seus dramas e descobertas intensas sobre a perda de seu filho no passado. Ela tem ferrenhas discussões com Joanna (Gillian Anderson), a mãe de Catherine, que surge no meio da temporada para gerar discórdia e abalar ainda mais o psicológico da Rainha ao sentir que precisa mascarar seus problemas para a exigente progenitora. 

A série acerta no tom exagerado e se leva pouquíssimo a sério diante do caos que é a corte de Catherine. Há referências extremamente divertidas, como ao surgimento do drink Moscow Mule e de montanhas-russas. E, é claro, The Great tem um olhar de século vinte e um, com uma protagonista muito à frente de seu tempo, progressista, que luta pelos direitos femininos e preza pelo bem de todos no reino, com grandes mudanças e incentivo a educação e liberdade de expressão. Até mesmo Voltaire retorna à trama com participações pontuais. 

Quanto a detalhes técnicos, os episódios são longos e têm mais de quarenta minutos; contudo, os acontecimentos se desenrolam de forma rápida e objetiva. O tempo passa depressa na série e rixas políticas que se resolveriam normalmente em décadas, se solucionam felizmente em poucas horas. Já a ambientação se resume majoritariamente ao castelo e seus grandes aposentos, luxuosos e cobertos de ouro, ainda que tenham cenas no campo, na praia e na floresta. Os cenários e o visual são atrativos, com cômodos exuberantes do palácio e seu entorno, assim como seus belos e marcantes figurinos de época.

Com tantas qualidades e destaques, principalmente no quesito atuações, era de se esperar The Great sendo reconhecida em premiações. Fanning foi indicada merecidamente ao Emmy 2022 na categoria Melhor Atriz em Série de Comédia, enquanto Hoult foi nomeado à categoria de Melhor Ator em Série de Comédia. Diante da dedicação impecável e desempenho absurdo de ambos os artistas, o troféu é mais do que justo. 

A protagonista concorre com as talentosíssimas atrizes Rachel Brosnahan (The Marvelous Mrs. Maisel), Quinta Brunson (Abbott Elementary), Kaley Cuoco (The Flight Attendant), Issa Rae (Insecure) e Jean Smart (Hacks). Já o intérprete do ex-Imperador disputa com nomes de peso como os comediantes Jason Sudeikis, com a nomeadíssima – e também prevista para levar Melhor Série de Comédia –, Ted Lasso, Donald Glover (Atlanta) e Bill Hader (Barry), e os queridíssimos Martin Short e Steve Martin, de Only Murders in The Building.

O fato é que não faltam atores e atrizes indicados que deem vida a seus personagens com mais do que veracidade e paixão, a exemplo de Hacks, do HBO Max, com a contemplada Jean Smart, ou de Ted Lasso, da Apple TV, que ganhou o público e a crítica. Porém, The Great não fica para trás nesse quesito, tratando-se de um dos maiores – senão o maior – papel de Fanning até agora, dando-lhe grandes chances de coroar a Imperatriz, desta vez pelo prestígio de sua intérprete. 

O brilhantismo da obra do Hulu se estende a todos os aspectos e, felizmente, a mais uma temporada, confirmada em Janeiro deste ano. Sua abordagem cômica dá uma leveza ao gênero, como acontece em Bridgerton (2020). Mas aqui, a luta pelo poder feminino e o anseio da monarca revolucionária em ver seu país brilhar gera discussões mais políticas e dramáticas. Uma série cuja história se inspira no século dezoito nunca foi tão atual, com desafios tão contemporâneos para uma mulher na política, um espaço que continua majoritariamente dominado por homens. O universo ainda carece da elegância, estratégia, inteligência e paixão que apenas governos de Catarinas são capazes de proporcionar ao mundo.

O post The Great: Com elegância e estratégia, Catarina molda seu império apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Mariana Nicastro

Ohio, 1979. Joe (Joel Courtney), Alice (Elle Fanning), Charles (Riley Griffiths), Cary (Ryan Lee), Martin (Gabriel Basso) e Preston (Zach Mills) deixavam suas casas a caminho de uma estação de trem antiga. Era uma madrugada de verão. Os seis carregavam consigo a euforia da pré-adolescência, o desejo de gravarem um filme independente e uma câmera super 8. O plano do diretor mirim Charles era capturar boas atuações dos amigos. Se tivessem sorte, um trem ao fundo complementaria o cenário. E foi o que aconteceu. Mas, ao invés de sorte, eles ganharam passagens só de ida para uma aventura inesquecível, ao tornarem-se testemunhas de um enigmático acidente envolvendo a locomotiva em questão. 

Lançada em agosto de 2011 pela Paramount Pictures, Super 8 é uma produção de ficção científica e mistério que chama a atenção desde os nomes de seus realizadores. Escrita e dirigida por J.J. Abrams, e produzida por ninguém mais, ninguém menos, do que Steven Spielberg, a obra entrega de forma excepcional tudo o que se busca ao assistir um filme do gênero. O nome traduz sua essência, já que Super 8 era uma câmera de 8mm muito utilizada para produções cinematográficas até a década de 80. Assim, o diretor não apenas desejava reproduzir a experiência dos filmes de ficção dos seus tempos de criança, como visava homenagear o inventor de muitos deles, Spielberg. 

Com a introdução de personagens cativantes e uma trama inteligente, o longa já apresenta logo de cara uma problemática que estimula a curiosidade do telespectador. Em seguida, o suspense dos acontecimentos iniciais se desenrola em consequências cada vez mais bizarras para a cidadezinha de Lillian, onde moram nossos protagonistas. Desaparecimentos curiosos e a presença repentina de militares na região, que agem de forma intrigante, alimentam cada vez mais os mistérios. Logo, a obra revela que o agente desses eventos não é nada menos do que extraterrestre, ainda que os verdadeiros vilões sejam, sem sombra de dúvidas, humanos. 

Super 8 fornece uma história divertida enquanto brinca diversas vezes com a metalinguagem e alude a outras obras do tipo, como, por exemplo, E.T. O Extraterrestre (1982), Guerra dos Mundos (2005) ou Contatos Imediatos do Terceiro Grau (1978). Filmes esses, inclusive, todos dirigidos pelo próprio cineasta que o longa homenageia. A ambientação no fim dos anos 70 também fornece referências notáveis, como os pôsteres de filmes de terror, revistas de Star Wars e bonecos de ação nos quartos das crianças, e até a própria obra de zumbis por elas desenvolvida. 

A produção mantém um ritmo agradável do começo ao fim, sem impor uma história em que os protagonistas se tornariam heróis de uma maneira improvável ou até forçada. Ele se dedica a observá-los lidando com dilemas pessoais e planos comuns de crianças em um típico verão de suas vidas. Ao mesmo tempo, eles acidentalmente têm essas questões misturadas com os acontecimentos alienígenas, e, assim, acabam naturalmente envolvidos.

Super 8 também tem sucesso ao garantir uma ótima progressão nos problemas apresentados, em suas revelações e, até mesmo, nas aparições do alienígena. Quanto ao último, a criatura rende boas sequências de tensão, mesmo quando aparece de forma mais sutil e sugestiva. Isso ocorre em ataques em que sua sombra é vagamente revelada por meio de reflexos em algumas superfícies, ou diante da expressão de horror de suas vítimas. Essa sugestividade alimenta a curiosidade do telespectador e não o trai quando o extraterrestre realmente aparece, entregando bons sustos.

O elenco, escalado por April Webster e Alyssa Weisberg, é um destaque da produção. O jovem Joel Courtney (A Barraca do Beijo) brilha como o protagonista corajoso do longa-metragem. Joe é um jovem que enfrenta o luto e mudanças drásticas em sua vida desde a morte de sua mãe. Em contrapartida, o garoto não deixa de ser um pré-adolescente comum, que gosta de maquetes e maquiagens de Cinema, de filmes sci-fi, e que tem suas paixões da adolescência. 

A incrível Elle Fanning também ganha evidência na história, ao representar com maestria sentimentos de culpa, compaixão, ternura e revolta vividos por Alice. Claro que nem todos recebem o mesmo desenvolvimento e evolução de personagens como ela ou Joe, mas as demais crianças fornecem participações essenciais para que nos importemos com seus destinos. Os conflitos entre pais e filhos e entre as próprias crianças ainda criam dramas reais e promovem a aproximação do telespectador. Eles não são apenas um plano de fundo para os acontecimentos, mas sim importantes dramas para as construções das relações.

Agora, se você leu até aqui e achou a trama de Super 8 semelhante a uma obra bem recente que envolve crianças, alienígenas, mistérios, uma vibe dos anos 70/80 e mais alguns bagulhos sinistros, devo dizer que achou certo. Sem dúvidas, o filme e Stranger Things, da Netflix, não só beberam das mesmas fontes para suas criações, como também é possível citar o próprio longa como uma das inspirações para a série. A química entre os atores mirins, que são um forte pilar de ambas as histórias, a investigação paralela desenvolvida pelos adultos, e os governos escondendo seus segredos a todo o custo, são fatores em comum que merecem ser destacados.

A trama contém algumas conveniências de roteiro, porém, elas em nada a prejudicam e podem, até mesmo, passar despercebidas. Um exemplo é a forma como facilitações acontecem para que uma determinada nave seja construída no fim, e como a narrativa do alienígena é concluída. Entretanto, elas são minimizadas devido a todos os aspectos positivos do longa-metragem. Como um todo, ele é íntegro e se consagra não só como uma clara homenagem ao Cinema e a Spielberg, mas também como um filme admirável por si só. Assim, o carisma dos atores, a temática e a aura nostálgica que ele emana são só alguns dos fatores que permitem que, 10 anos depois, a história se prove memorável, inspirando também outras obras cinematográficas. 

Inclusive, vale mencionar que, durante os créditos, a obra de zumbis desenvolvida pelos personagens é finalmente exibida completamente. Denominada The Case (O Caso), é incrível assisti-la depois de acompanharmos a trajetória de sua produção. Logo, além de todas suas qualidades criativas, Super 8 ainda contém um inception de obras setentistas. Esse fator fornece uma identidade completamente divertida para esse projeto de ficção e fecha com chave de ouro um tributo tão agradável ao gênero, digno de ser relembrado com o passar do tempo.

O post 10 anos de Super 8: uma extraordinária homenagem aos filmes de ficção científica dos anos 70 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.