Guilherme Machado Leal

Um artista, ao lançar o seu primeiro álbum de estúdio, possui a difícil tarefa de se superar no trabalho seguinte. Isso porque a mídia, quando encontra alguém novo na indústria, tende a se perguntar ‘será ele(a) one hit wonder?’ ou afirmar ‘o sucesso dele(a) é passageiro’. Nesse sentido, exceções mais recentes – como o Future Nostalgia, de Dua Lipa, e o Vício Inerente, de Marina Sena –, são bons exemplos de que um cantor pode ampliar a bagagem de mundo do fã que o acompanha. O ano de 2021, por esse lado, foi um divisor de águas para Olivia Rodrigo; ao mesmo tempo em que a colocou no estrelato, também testemunhou o seu íntimo, a levando para outro patamar. 

Quando lançou o SOUR, o seu primeiro ‘filho’, a ex-Disney deu voz às inseguranças que assolam os adolescentes. Coração partido, sentimento de inveja e a desconexão com o mundo que os cerca foram temas abordados no seu lado azedo. Agora, dois anos depois, ela retorna ainda mais autêntica e ‘segura com o seu taco’ com GUTS. Entendendo que a sua unicidade é um porto-seguro para que os jovens se sintam à vontade de expressar as emoções mais excêntricas, o período de transição entre o Ensino Médio e a vida adulta consegue ser compreendido de uma forma menos dolorosa através da Arte. 

Interessada em polissemias tanto na composição de suas letras – a exemplo do duplo sentido na faixa get him back! –, quanto no título do álbum, Rodrigo traz em seu segundo trabalho uma maior maturidade lírica. É verdade que, em um primeiro momento, a semelhança entre os dois discos tenha deixado alguns fãs receosos, já que ambos possuem uma capa de cor roxa com a cantora apresentando o nome do projeto. No entanto, mais que uma extensão de seus devaneios anteriores, GUTS é o amadurecimento e o atestado de que a artista veio para ficar.

A faixa de abertura sintetiza o lugar em que a jovem está: tipicamente perfeita, ela admite ao seu público que também possui raiva e se descontenta com a pressão que o seu pequeno, mas já estrondoso legado, carrega. Em all-american bitch, as influências de rock são construídas com o decorrer da canção, dando o tom de como será a viagem pelos 19 anos da artista. Utilizando um trecho da música Pretty When You Cry de Lana Del Rey, sua sinceridade nunca foi tão relacionável. Por se encaixar nos padrões de beleza, ela não deve se queixar de suas inseguranças, mas quem disse que Olivia Rodrigo liga para o que você pensa?

Como conhecido pelo público, a trajetória da artista foi marcada pelo seu passado na Disney. Outras cantoras, como Demi Lovato, Miley Cyrus e Selena Gomez também cresceram sob os holofotes da mídia e tiveram dificuldades ao desvencilhar a imagem de modelo para assumirem suas personalidades reais. Entretanto, o que diferencia a voz de deja vu de suas veteranas é que o caminho está livre. Por esse lado, ao cantar em bad idea right? que tropeçou e caiu na cama de seu ex, Olivia Rodrigo se conecta com o seu público justamente por ser uma garota falando – sem qualquer tipo de eufemismo – sobre recaídas amorosas. 

Uma das maiores comprovações de sua honestidade é a forma como a vida pessoal da compositora se entrelaça à Arte que produz. Para um escritor, experiências de vida possuem um significado a mais: são elas que transformam uma simples curiosidade em belas palavras. Amante do conhecimento, Olivia Rodrigo fez aulas de poesia na faculdade, que deram origem a um poema chamado lacy. Sendo a música mais criativa do segundo álbum, ela se encanta com uma figura feminina na mesma proporção em que à inveja. Assim, é perceptível o desenvolvimento artístico da cantora ao se mostrar capaz de vestir uma capa que não a pertence, apenas para brincar com palavras, como a boa compositora que é.

Em GUTS, a artista decidiu tirar tudo menos o rock. Com o uso de guitarras e sonoridades que remetem ao gênero musical, ela conversa sobre ser desajustada socialmente, algo que passa pela cabeça de qualquer pessoa nos anos universitários. Aliás, é válido reconhecer a capacidade de identificação que a cantora traz em seus versos. Por exemplo, na faixa ballad of a homeschooled girl, Rodrigo subverte a imagem agradável que passa ao afirmar que é uma vergonha social. Quando canta, “A festa acabou e eu não sou divertida” e “Toda vez que eu boto o pé pra fora de casa é suicídio social”, o primeiro pensamento que vem à mente é: ‘ela é tão eu!’. 

Fã de carteirinha das produções do local em que trabalhou a adolescência inteira, não é coincidência ouvir as canções desse projeto e se lembrar imediatamente de filmes teens dos anos 2000. No melhor estilo Anna Coleman, de Sexta-Feira Muito Louca, os instrumentos escolhidos para o segundo capítulo da cantora, – como as baterias na deliciosa love is embarrassing –, evidenciam a imagem que ela quer passar: nem muito pop ou ‘rockeira’ demais, sem se colocar em gavetas sonoras, experimentando o que a sua paixão pela Música tem a acrescentar em sua Arte.

No seu álbum de estreia, as baladas românticas chamaram atenção pela intensidade lírica de uma jovem de apenas 17 anos. A partir das composições francas que deram a identidade do SOUR, ficou claro que a característica principal da artista era falar sobre o término de uma relação ‘sem papas na língua’. No entanto, quando se trata do lado mais emocionante do GUTS, o efeito não é o mesmo: aqui, as canções se tornam repetições de assuntos já abordados. Como em logical, que se assemelha a uma continuação de enough for you. Além disso, não há um refrão marcante, ou uma ponte que tenha, ao menos, o impacto de drivers license. 

Aliás, a canção, que colocou os olhos do mundo para o que Rodrigo tinha a dizer, segue como um dos pontos altos de sua carreira. Não à toa o maior sucesso do projeto, em números de streamings, é vampire, o carro-chefe da nova era. Remetendo à sensação que tivemos com a carteira de motorista da cantora, o lead-single de forma alguma representa a história que ela quer contar, mas é um lugar seguro para aqueles que admiravam os fortes versos proferidos pelo lado mais intimista do seu primogênito.

Ao repetir a parceria com Dan Nigro, produtor e co-compositor dos trabalhos de Olivia Rodrigo, a aclamação é garantida. Na faixa de encerramento do álbum, somos transportados para o maior medo de todos que estão nos anos iniciais da faculdade: a pressão de se tornar um adulto excepcional. O sonho adolescente, aquele dito pela primeira vez em brutal, possui agora uma conclusão. Ela está se encaminhando para crescer, e nós sabemos o quanto isso dói. Não deveria, mas a intérprete se desculpa por não ser o modelo perfeito a ser seguido.

Esse é o ponto que confere particularidade ao seu trabalho: a chance de errar. Fazer tempestade em copo d’água? Sim. Se entregar a um amor que não aproveitará as suas potencialidades? Também. Não pensar antes de se apaixonar por alguém e escrever um álbum inteiro sobre isso? Opa! Tudo isso a coloca ainda mais em um lugar de conforto para quem vive cada uma dessas coisas, porque esse é um dos papéis da Arte, colocar em versos o que sentimos sem medo do julgamento alheio. E a artista parece fazer isso com maestria.

À essa altura, questionar o talento de Olivia Rodrigo no quesito composição se tornou incompreensível. Você pode não gostar, pode até espernear, mas é inegável que a conversa em torno do que ela tem a dizer é, no mínimo, curiosa. Isso se dá pela autenticidade de seus sentimentos que, ao serem gritados a plenos pulmões por uma multidão, ganham força para lidar com os anos futuros. Ela não reinventou a roda, pelo contrário, reconhece as suas influências e, a partir delas, cria a sua própria visão de mundo. 

“Eu vou assoprar as velas, feliz aniversário para mim/Tem toda sua vida pela frente, você só tem dezenove anos/Mas temo que eles já tenham todas as melhores partes de mim/E sinto muito por não conseguir ser seu sonho adolescente para sempre”

Típico dessa época da vida, a forma como a ‘MC Detran’ – para os mais próximos –, se expressa é impossível de prever. Se ela olhará para tudo que construiu até aqui e terá vergonha, não sabemos. No momento, o agradecimento pelo que já foi feito é o que fica, por não ter medo de expor ao mundo os seus pensamentos mais intrusivos acerca das convenções sociais em que nós jovens somos colocados e fazer com que colocar uma lupa no imaginário da juventude seja tão libertador. É por isso que escutamos a sua música. 

Após 39 minutos e exatos 18 segundos, a viagem pelos 19 anos de Olivia Rodrigo foi prazerosa. A história que contou teve início, meio e fim. Ao vomitar toda a sua raiva – tradução mais literal possível do que significa a expressão Spill Your Guts –, a cantora pode, finalmente, se desapegar do medo de não ser boa o suficiente. As pessoas ainda querem saber o que ela tem a dizer, e mais: querem cantar ao lado dela sobre as frustrações que a vida adulta e amorosa carregam. A juventude contemporânea está a salvo, porque tem nela um ser humano, com qualidades e defeitos, e não um modelo a ser seguido.

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Larissa Vieira

Janeiro de 2021, drivers license, Olivia Rodrigo e Joshua Bassett. Os nomes até podem ter soado novos para o mundo da Música, mas, para os fãs de High School Musical ou para os nostálgicos do Disney Channel, eles já tinham marcado presença muito antes. Em 2019, o Disney+, ainda nem lançado no Brasil, começou a era dos reboots e revivals trazendo de volta sua clássica trilogia, com rostos novos. 

E claro que, logo de cara, esses rostos – não só os protagonistas – agradaram aqueles que ainda tem um apego emocional à trama, e souberam deixar para trás as histórias do passado (e Zac Efron). Quem lidou com isso, e aproveitou o draminha romântico da primeira temporada, criou ainda mais expectativas quando o casal principal, Nini (Olivia Rodrigo) e Ricky (Joshua Bassett), saiu da tela do streaming para viver uma montanha-russa de emoções aqui fora.

Dessa forma, e com a chegada do Disney+ em mais países pelo mundo e a agoniante espera por SOUR, em 14 de maio foi lançada a 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series. Na ideia de não mais recriar a trama que deu nome a série, mas sim produzir um novo musical, o East High embarcou em uma aventura que, no futuro (alerta spoiler), se tornaria nossa maior decepção. 

Na nova temporada, em uma disputa criada pela Senhorita Jenn (Kate Reinders) e seu antigo inimigo de teatro, Zack (Derek Hough), os jovens do East High se propõem ao desafio de não só interpretar o clássico A Bela e a Fera, mas também ir à batalha em uma competição contra a turma do North High. A temporada, então, caminha por seus 12 (ou podemos dizer 11) episódios ao redor das dificuldades do mundo teatral, principiante para criar tremenda obra. Em paralelo, somos apresentados, claro, ao drama do relacionamento de Nini e Ricky, que, inicialmente, estão juntos mas à distância, e por isso funciona.

O drama, de fato, começa quando Nini retorna à escola e, agora efetivamente, mais uma vez, eles entendem que não dão certo como um casal, independente do amor que sentem. O destaque da temporada, para os protagonistas, são as composições, que, apesar de Ricky não gostar, encantam e provam, por mais um ano, o motivo do sucesso de Olivia e Joshua. The Rose Song, composição que daria o papel no musical para Nini, traz a filosófica metáfora da Rosa encapsulada pelo vidro da Fera, que serviu para ambos perceberem (talvez até fora das câmeras) o porquê não deviam estar juntos. 

O mesmo vale para a letra de Let You Go, que mostra o valentão libertando a rosa que aprisionou por anos. Não só bem composta, a interpretação é o destaque do cantor de Lie Lie Lie na temporada, que, na maioria das vezes, – com ênfase no episódio do Spring Break, em que ele dá a vida à composição – se tornou chato e incompreensível, traços que ele já demonstrava na primeira, mas floresceram neste ano. De resto, o personagem foi irrelevante, principalmente durante seus momentos de destaque no teatro como o protagonista, e deixou a desejar ao mostrar o espírito de equipe que reina na trama e no grupo de alunos.

Falando no grupo de alunos, é para eles que devemos dar visibilidade. Em um universo que o drama dos protagonistas reinava aqui fora, os “coadjuvantes” – Gina (Sofia Wylie), Ashlyn (Julia Lester), Carlos (Frankie Rodriguez), Big Red (Larry Saperstein), Seb (Joe Serafini) e até mesmo E.J. (Matt Cornett) – foram os que verdadeiramente tornaram a trama interessante e mostraram que não só Troy e Gabriella fizeram High School Musical. O maior realce é para o primeiro casal gay da história da Disney, que protagonizou não só seu primeiro beijo, mas fez história com a primeira música LGBTQIA+ da emissora. In A Heartbeat é uma das canções mais emocionantes da temporada e, brilhantemente, finalizou o ciclo do casal (que também levou não o drama, mas sim o amor para fora das câmeras). 

Além de Carlos e Seb, o outro casal destaque é a intérprete de Wondering e Big Red, que pode até receber o selo de romance cômico da história, mas entre os pares, eles podem ser considerados os mais saudáveis. A química dos dois é imbatível e torna gostoso assistir um namoro adolescente real e sem muitos clichês e grandiosidades de casais de filmes. Além disso, com sua voz brilhante, Ashlyn ainda garantiu o papel de Bela no musical da produção, e, mais uma vez, provou que sua trama coadjuvante é o que a torna única e especial para a narrativa. 

Por fim, tivemos os personagens que mais surpreenderam no quesito desenvolvimento. Com uma temporada arrastada e mal finalizada, Gina e E.J. foram os únicos que pudemos ver um crescimento de fato. Não por conta da desconstrução de antagonistas, mas por seus dramas pessoais, muito bem executados pelos atores. Os dois, de longe, trilharam o melhor caminho desse novo ano e, de maneira totalmente errada do roteiro, tiveram um final cru e desnecessário para uma produção de 2021.

Mas, não só pela falta de protagonismo de Nini e Ricky e de espaço para os coadjuvantes, HSMTMTS pecou, ainda mais, pela quantidade de laços inacabados ou até mesmo mal criados durante a temporada. São vários aspectos a considerar, como o relacionamento entre Courtney (Dara Reneé) e seu namorado antagonista, Howie (Roman Banks), mas, principalmente, o papel de Nini como garfo na peça e não como a Rosa.

Uma das maiores expectativas, e a melhor trama da temporada, simplesmente não foram explicadas, fazendo com que a grande canção, 2 episódios de drama depois, fosse deixada de lado, perdendo toda sua representatividade. Isso sem comentar a desistência, nos últimos 3 minutos corridos, da grande competição que criou toda a narrativa, abrindo o buraco para o final aberto e mal feito que foi entregue.

Nesse ano, então, culpe a pandemia ou quem seja, mas o roteiro de Tim Federle, que fez um ótimo trabalho na primeira temporada, deixou a desejar. Tudo já estava indo de mal a pior, até o último episódio, Segundas Chances, que se tornou ainda mais frustrante. Podemos dizer que a ‘fama’ subiu a cabeça da produção, mas a verdade é que parece que não souberam criar uma história sem a base High School Musical. 

O final aberto deixa claro que o futuro da agora estrela mundial Olivia Rodrigo é incerto na série, como dito pelo showrunner, que não sabe sobre a existência de uma terceira temporada. Além disso, é ainda mais decepcionante pensar que eles possivelmente desistam de um futuro caminho para a produção pelo não retorno dos protagonistas, enquanto os coadjuvantes que fizeram a série neste ano e mereciam cada vez mais reconhecimento. 

A segunda temporada de High School Musical: The Musical: The Series, então, frustra, em todos os sentidos. Os espectadores se divertiram mais ao caçar algum tipo de farpa entre Olivia e Joshua durante os episódios e surtar quando o personagem cita ‘deja vu’, e não, de fato, aproveitar o tão esperado desenvolvimento do casal depois do final romântico da primeira parte. E, para aqueles realmente fãs, por mais um ano apreciaram, como a Disney não faz, o talento do elenco encantador que preenche o coração dos nostálgicos do Disney Channel. 

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Vitor Evangelista

Não há nada mais lucrativo que um coração partido, e Olivia Rodrigo sabe muito bem disso. Ninguém poderia prever o sucesso de drivers license, um desafogo sincero e genuíno sobre seu término. Nos tempos em que sair de casa não é uma opção, a canção virou trilha sonora de qualquer desavença sentimental, propiciando à jovem americana uma porrada de recordes quebrados. Poucos meses depois de contar ao mundo todo o status de sua carteira de motorista, Rodrigo retorna com 11 canções que potencializam o momento mais frágil, difícil e azedo de sua vida.

A prosa de SOUR é simples: por quase trinta e cinco minutos, tomam forma os relatos de uma pessoa viciada em controle mas que perdeu qualquer senso de direção cultivado até então. Sua adolescência foi marcada pela dúvida, ela canta em uma das 3 músicas que formam a trinca de ouro do trabalho: “Eu usava maquiagem quando namorávamos/Porque pensava que você iria gostar mais de mim/Se eu parecesse com as outras rainhas de formatura/Que eu sei que você amou antes”, se referindo aos traços de sua descendência filipina.

Por mais que as emoções da garota tenham se misturado no liquidificador que comanda seu coração, SOUR prevalece uma narrativa de imparidade. O discurso de comparar Rodrigo ao lirismo de Taylor Swift ou Lorde é cansativo, mas é possível idealizar uma linha de semelhança muito covalente: essas são três compositoras que encontram verdade em descobrir ecos de si mesmas nas canções a que dão vida. A abertura com brutal tem pouco fôlego comparada a entradas mais potentes do disco, mas a batida pop rock conquista não só pela finesse da nostalgia, mas também por repetir os jargões que solidificam a tal geração Z: ninguém se sente estável.

Instabilidade presente no corpo e na alma do LP, que não traça mapas simplórios do luto pela morte de um amor. Olivia Rodrigo usa a produção de Dan Nigro, responsável pelos trabalhos de Conan Gray, para eletrocutar o cenário da Música e também o de si mesma. SOUR revela o vício de Olivia em não procurar terreno firme, seja para superar a rapidez com que foi esquecida ou para endereçar as cartas aos buracos nas asas de borboletas. As metáforas carregadas perdem o rumo ora ou outra, mas a recriação de invólucros temporais precisos é o que cutuca a simpatia pelo trabalho. É impossível se sentir apático frente aos testemunhos da cantora, estamos torcendo por ela, mesmo que involuntariamente.

As letras do CD intercalam o macro (soando difusas) e o micro (favorite crime, destaque máximo e quando Rodrigo se alça às nuvens). Uma carteira de motorista movimentou o mundo por algumas semanas, logo substituída pela ideia de assistir as reprises de Glee. jealousy, jealousy é óbvia ao descrever um dos Sete Pecados Capitais, ao passo que happier usa do comum para revelar uma faceta muito mais malévola do sentimento, retificando a verdade que sai da garganta da artista, que rasga o véu entre sua geração e qualquer pessoa mais velha que ouça e se relacione com a obra. É a ponte entre dois mundos, conectada pelo pé-na-bunda, pelo fora e pela dor de cotovelo.

A gourmetização do coração estraçalhado não é uma caça ao tesouro ou um mapa detalhado do coração da garota. SOUR está mais perto de ser uma lista de equações que procuram o momento exato em que ela deixou a armadura cair. E essa autocobrança persiste: “Eu sabia desde o começo que era assim que você iria embora” é o desabafo e a linha mais forte do trabalho, mostrando que muitos dos sentimentos cantados nasceram antes do namoro, mas foram potencializados pelo término. 

Nessa toada, Olivia Rodrigo escreve a si mesma como a protagonista da própria história, falando sobre ela, o que sente, fez e o que deixou de fazer. As canções que se focam na figura do ‘ele’, ou, nesse caso, nas diversas variações de you, são constatações projetadas. Ele a traiu, ele a deixou de lado, mas é o que ela quem pensa e isso já é o bastante. Olivia entende quem a colocou nessa situação (e a resposta está refletida no espelho). Com essa leitura, fica claro que SOUR é um disco sobre os reflexos de alguém na jovem, as marcas e cicatrizes de uma ação recebida, abrindo margem para que, no futuro, conheçamos Olivia Rodrigo para além do coração partido e do fantasma de Joshua Bassett.

Ao longo dos curtos quase quarenta minutos, existe até uma aversão da artista em repetir os direcionamentos raivosos. É só reparar na estilização das faixas, que não usam o padrão correto da palavra ‘you’: good 4 u abraça o frenesi da fonética numérica, enquanto Rodrigo homenageia Garota Infernal, bota fogo nas tralhas e ainda chama Joshua de sociopata, sem esconder o prazer de expurgar esse sentimento. A MVP enough for you, marcando a única vez em que Olivia obedece o dicionário, é a composição mais dolorosa de SOUR (“Porque tudo que eu queria era ser suficiente, mas eu acho que nada poderá ser suficiente para você”). 

A terceira referência ao ‘você’ vem na conclusão, com a amistosa e fantasiosa hope ur ok, que concilia a última das fases do luto. Sem repetir os diversos vocês que compõem SOUR, Olivia Rodrigo quer que foquemos nela. Ela, também, não deixa o processo de encarar o fim de um namoro com base no estudo de passagem do luto acontecer apenas uma vez, com pinceladas em quase todas as canções, e também pela escolha nada linear ou conclusiva da ordem delas. 

1 step forward, 3 steps back grita barganha, e, de quebra, usando a interpolação de New Year’s Day, fechamento do arisco reputation de Taylor Swift (madrinha de Olivia), a jovem admite a neurose de viver enclausurada em uma bomba de instabilidade. “E talvez de alguma forma masoquista/Eu meio que acho tudo isso emocionante/Tipo, que amante eu terei hoje?/Você vai me acompanhar até a porta ou vai me mandar para casa chorando?”, ela confidencia, acompanhada do piano gélido que mascara a índole do momento. SOUR não recria os instantes felizes que o casal viveu, deixando a cargo das memórias, por vezes metafóricas (drivers license), por vezes literais (a adocicada deja vu), o trabalho de montar o quebra-cabeças do pré, do antes, das promessas e do ‘e se?’.

O ‘e se?’ morreu. O relacionamento de Olivia Rodrigo morreu. Mas, no doloroso processo de coletar os cacos e se proteger do hostil mundo real, nasceu um disco bem resolvido, maluco, instável e viciado em nos fazer sofrer, independente de não sabermos dirigir, não assistirmos Glee ou não vermos nosso namorado de rolo com uma loira um tiquinho mais velha que a gente. A pisciana de 18 anos teve esse alcance: criando lembranças falsas na cabeça de qualquer ouvinte de SOUR, sua dor passou de individual para a experiência mais coletiva possível. O futuro não pode ser pior do que acabou de acontecer, e, agora no banco do motorista, uma curada Olivia Rodrigo pode nos mostrar o que vem depois de provar do azedo. 

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I’m sorry, the old Melhores Discos do Mês can’t come to the phone right now. Why? Oh, ‘cause he’s dead!

Brincadeiras e referências taylorswifitianas à parte, o Melhores Discos do Mês realmente pediu aposentadoria. Porém, não vamos deixar esse buraco sem um substituto: sejam bem-vindos à primeira edição do Nota Musical.

Todo começo de mês publicaremos um listão dos melhores e piores lançamentos musicais do mês que passou. Tem CD, tem EP, música e até clipe. Em textinhos de até três parágrafos, a Editoria e os colaboradores do Persona levam até você os méritos e deméritos do que rolou no mundo da música.

Janeiro abriu a segunda temporada da pandemia com o delicioso COR, da dupla ANAVITÓRIA. Depois foi a vez da internet ficar obcecada com Olivia Rodrigo, sua carteira de motorista, e o drama digno de malhação com seu ex, Joshua Bassett e a loirona Sabrina Carpenter. Selena Gomez mandou um cállate puta e anunciou Revelacíon, um EP totalmente em espanhol.

Arlo Parks, ‘apadrinhada’ por Billie Eilish, presenteou o mundo com o primeiro grande disco do ano: Collapsed in Sunbeams. E no penúltimo dia do mês, perdemos a talentosíssima SOPHIE, um dos grandes nomes da música do século 21. O Nota Musical de Janeiro presta suas homenagens à ela. Ícone trans, gênia da produção eletrônica, e um dos pilares da PC Music. Rest in power. 

SOPHIE – Product

Muito antes da dupla 100 gecs aterrorizar a internet com a barulheira eletrônica e vocais destorcidos de seu debut, SOPHIE já pavimentava o caminho para a revolução eletrônica. A faixa BIPP e os lançamentos subsequentes usavam de instrumentos digitais e sintetizadores distorcidos para imitar sons do mundo real parecidos com látex, bexigas, bolhas, metal, plástico e elásticos. Tudo isso usando sua Monomachine de estimação, um complexo aparelho sintetizador e sequenciador, sem perder a sonoridade pop. 

Na verdade, SOPHIE era mais que pop: assim como seus colegas da PC Music, a artista ajudou a consolidar o hyperpop como a tendência para o fim dos anos 10 e para um futuro, ainda, sem data de validade. Com a filosofia de que os softwares de produção e os sintetizadores deveriam ser vistos como sem limites, nenhum som era impossível ou absurdo demais. A era pós-internet já está entre nós há algum tempo e a regra é clara: o artificial dobra a realidade e ganha quem parecer mais sintético intencionalmente. Mas, por incrível que pareça, nesse mundo photoshopado e plastificado da PC Music, a genialidade se mostra extremamente humana. – Jho Brunhara

SOPHIE – OIL OF EVERY PEARL’S UN-INSIDES

O lançamento de It’s Okay To Cry foi muito mais que a primeira “aparição pública” de SOPHIE, ou a primeira canção cantada por ela mesma. Através da música, a artista se assumiu como uma mulher trans para o mundo. A balada com um final explosivo e uma letra sobre libertação é, sem dúvidas, uma das mais importantes da carreira e um dos maiores legados deixados pela cantora.

Em seu primeiro álbum (Product é considerado um compilado), e, infelizmente, seu último em vida, SOPHIE se consagrou como o futuro da música. Prevendo e lançando estéticas e tendências sonoras desde muito antes, a cantora, produtora e compositora sempre foi uma força a ser reconhecida. Ponyboy e Faceshopping capturam exatamente o que é pertencer à pós-modernidade e a essência propositalmente sintética do hyperpop. E Immaterial, igualmente forte em transcender o pop, não poderia ser mais cirúrgica: “eu posso ser o que eu quiser”. Muito obrigado, SOPHIE. Você será para sempre a lua que ilumina nossas noites. – Jho Brunhara

CDs

Arlo Parks – Collapsed in Sunbeams

Tudo parece perfeito demais para ser verdade. Inaugurando a corrida pelos grandes discos do ano, Arlo Parks entra em cena com uma estreia cheia de poesia. A cantora, compositora e poetisa britânica derrama corpo e alma em seu primeiro disco de estúdio, que explora as nuances de um neo-soul e bedroom pop em tons terrosos, quase pacato, mas cheio de camadas sonoras. É um trabalho riquíssimo. Parks, que tem apenas 20 anos, já demonstra enorme maturidade artística e, sem sombra de dúvidas, deve fazer ainda muito barulho nos próximos anos.

Mas foco no presente: Collapsed in Sunbeams tem muito a ser apreciado. O trabalho é, em grande parte, uma parceria com o compositor e produtor Gianluca Buccellati, que rende frutos incríveis. Black Dog é um deles, observando de perto o impacto de transtornos mentais numa pessoa amada e o sentimento de impotência que isso causa. Outros momentos, como a noventista Too Good (produzida por Paul Epworth, responsável por Rolling in the Deep, hit da Adele), são mais leves, mas não menos dolorosamente realistas. – Leonardo Teixeira

ANAVITÓRIA – COR

Desde que Trevo ganhou o mundo alguns anos atrás, a dupla de avoadas do bem, ANAVITÓRIA, conquista admiração pelo charme e pela meiguice de suas composições. Elas vibram em outra frequência, correm descalças pelos palcos dos shows com os cabelos ao vento e as saias bufantes. Em COR, disco que chegou junto dos primeiros badalares de 2021, o duo nem se esforça para fugir dos conceitos artísticos que consolidaram-nas em cena.

A abertura mais sisuda de Amarelo, azul e branco, acompanhada da sabedoria de Rita Lee, parece demarcar o trabalho para novas direções, mas tudo volta ao ‘normal’ logo na faixa seguinte. Cantarolando sobre a política de viver livre e criando as já manjadas metáforas com a natureza, as artistas passeiam por trilhas já desbravadas no passado. Tudo soa seguro demais, familiar demais. Mas, da metade pro final dos quase cinquenta minutos do registro, as coisas melhoram. 

Em Terra, um conto de apaixonados separados pela saudade, chega o momento onde Vitória rasga o véu entre o mundo da realidade e da canção, sussurrando “já faz um tempo desde aquela vez”, com a sinceridade sangrando na garganta, e fazendo tudo valer a pena. É um alento metalinguístico, um acariciar tátil. Ela canta ao nosso ouvido uma sensação de clausura e lembrança. É verdade, Vitória, faz bastante tempo desde aquela vez. – Vitor Evangelista

Taylor Swift – evermore (Deluxe Version)

Após quinze músicas que contam com todos os tipos de sentimentos e diferentes ritmos,  Taylor Swift finaliza o álbum evermore com uma frase: a dor que sentia não duraria para sempre. Apesar do lindo final feliz, a cantora ainda tinha algumas coisas para falar, e então resolveu presentear seus fãs com mais dois tracks: right where you left me e it’s time to go.

Em right where you left me, o início, que fala sobre amizade, nascimento, casamento e outros acontecimentos ao longo da vida, logo é confrontado com o momento relatado da protagonista. Estacionada no tempo, vemos que ela está presa no instante do término de seu relacionamento. A narrativa super visual nos permite assistir a cena que Taylor descreve enquanto ouvimos a música, imaginando detalhadamente como se realmente estivéssemos no restaurante, exatamente onde a pessoa foi deixada. 

E então em it’s time to go, Taylor decide finalmente partir. Com uma melodia simples e calma, a última faixa é como uma conversa entre amigos, um desabafo e um conselho ao mesmo tempo. A loirinha novamente retrata diversos aspectos da vida, mas dessa vez em uma reflexão sobre desfechos. Seja em um divórcio ou demissão, ela comenta como nós sempre sabemos quando temos que partir. E então se despede de seus ouvintes lembrando que às vezes ir embora é a coisa certa a se fazer. – Mariana Chagas

Ludmilla – Numanice (Ao Vivo)

No início de 2020, Ludmilla saiu da sua zona de conforto pop e funk e nos presenteou com dois lançamentos no gênero pagode. A Boba Fui Eu, uma nova versão da sua parceria com Jão, e Faz Uma Loucura Por Mim, um cover da rainha brasileira do gênero, Alcione. As músicas caíram nas graças do público e meses depois, como prometido, lançou um EP inteiro com suas canetadas – composições próprias – que mostrou a versatilidade da artista que consegue transitar entre diversos gêneros brasileiros com maestria e entregando trabalhos de qualidade.

Derivado do EP Numanice, a cantora lançou no dia 29 de janeiro o Numanice (Ao Vivo) nas plataformas digitais junto do show completo no Youtube. Gravado ao ar livre num dos cenários mais conhecidos do país, o Pão-de-Açúcar, o espetáculo e o seu álbum reúnem 14 músicas, juntando os sucessos do material lançado em estúdio com sucessos consagrados que o público já conhece. Segundo a cantora, o projeto surgiu da sua vontade em registrar um “pagodinho de respeito”, já que nasceu nesse meio, e não fez feio.

Reunindo parcerias especiais como Thiaguinho, Bruno Cardoso, Vou Pro Sereno, Di Propósito e o rapper Orochi, a cantora mostrou que consegue segurar um show mesmo sem plateia. O álbum já está disponível em todas plataformas musicais para a sorte de quem esperava por um lançamento desde o querido A Danada Sou Eu. – Giovanne Ramos

Danna Paola – K.O.

Danna Paola não é só uma excelente atriz, cariño. A mexicana já começou 2021 com K.O. (Knock Out), um álbum cheio de personalidade, mostrando toda a sua potência musical. Tudo começa pela capa impecável, cheia de tons avermelhados e elementos visuais que remetem às suas raízes latinas. Sua versatilidade é algo realmente admirável. A artista se arrisca em diversos ritmos e, em todos eles, ela entrega uma obra-prima.

Em Contigo, é perceptível uma similaridade com o sample de Downtown, de Anitta. A brasilidade também é nítida em TQ Y YA e em Friend de Semana. A primeira tem uma pegada funk e é uma celebração ao Mês do Orgulho LGBTQI+. Na segunda, Paola divide a voz com Luísa Sonza e a cantora espanhola Aitana. Tendo a sensualidade latina mais evidente, No Bailes Sola nos teletransporta para a Cuba de Dirty Dancing 2: Noites de Havana. 

Não só em batidas distintas que ela aposta seu trabalho, mas também em instrumentos diferentes. Seu potencial vocal é colocado à prova com as notas clássicas de um piano em Amor Ordinario e a serenidade das cordas de um violão acompanha a parceria da cantora com Mika em Me, Myself. Todas essas multifacetas de Danna Paola em K.O. tornam o álbum um dos grandes lançamentos deste mês (quem sabe, até mesmo do ano) e uma referência extraordinária para a música latina. – Júlia Paes de Arruda

Diogo Nogueira – Samba de Verão_Sol 

2021 começou com Diogo Nogueira trazendo seu Samba de Verão e a saudade de uma roda e uma cervejinha gelada ao seu som. Esse novo trabalho contará com três álbuns: Sol, Céu e Lua. As músicas escolhidas pelo cantor para fazerem parte do setlist do primeiro disco, Sol, ajudam na construção imaginária de um ambiente praiano bem ensolarado típico do Rio de Janeiro (cidade da gravação). As faixas são capazes de emocionar, como é o caso de Andança, gravada em homenagem a madrinha Beth Carvalho; e ainda deixam o gostinho de quero mais pros próximos álbuns que estão programados.

Unindo inéditas à grandes composições brasileiras, o álbum fica ainda melhor trazendo participações especiais para agregar ao projeto. O grupo Fundo de Quintal no medley Fada/Cheiro de Saudade e os partideiros Mingo, Mosquito, Juninho Thybau, Gabrielzinho de Irajá e Baiaco em Pretas Brancas e Morenas/É Lenha/Amor Verde e Rosa reforçam ainda mais a ideia de uma roda de samba. Vem vacina, pois eu quero curtir um Samba de Verão do Diogo Nogueira na praia. – Ana Júlia Trevisan

Ashnikko – DEMIDEVIL

A rapper norte-americana em ascensão, Ashnikko, vêm ganhando espaço no cenário pop desde o sucesso mundial do seu single Stupid no TikTok em 2019. Posteriormente em 2020, a cantora emplacou novamente nas paradas em todo o mundo com seu hit Daisy, onde conta a luta de uma anti-heroína empoderada no combate ao patriarcado. Agora em 2021, a cantora nos presenteia com seu primeiro mixtape, DEMIDEVIL, um álbum cheio de mensagens feministas e contra o machismo.

Sua nova produção conta com as parcerias de Grimes, Princess Nokia e Kelis, além de referências à música pop dos anos 2000, como uma releitura inusitada de Sk8er Boi, hit atemporal da cantora Avril Lavigne. A mistura entre rap, pop e heavy metal, nos apresenta letras que falam sem pudor sobre o empoderamento feminino, enquanto Ashnikko ainda nos mostra que mesmo sua personalidade forte, é também sensível quando trata-se do amor. DEMIDEVIL não venho apenas como um manifesto feminista, como também é uma amostra do que Ashnikko tem a trazer de novo para a cultura pop. – Gabriel Brito de Souza

ZAYN – Nobody Is Listening

Depois do rebuliço de Icarus Falls, ZAYN parece ter entendido que às vezes menos é mais. O que falta ser compreendido pelo artista, entretanto, é que a simplicidade não precisa ser rasa e que o real significado da expressão reside em compreender a riqueza que pode ser lapidada do essencial quando saímos da superfície. Seu último lançamento, Nobody Is Listening, é uma tentativa cheia de boas intenções que se afoga em mesmice e hesitação, resultando em um dos álbuns mais oscilantes dos últimos tempos.

Entramos no disco já pisando em altos e baixos, topando com o projeto de rap insosso e raso de Calamity, que ainda apresenta uma parte cantada melancólica, interessante e muito bem mixada mas que é inaproveitada. Qualquer efeito que a abertura pudesse produzir é perdido ao se chocar com o single Better e com Outside, que com ritmos bons e instrumentos legais que marcam de leve um R&B combinam muito bem com a voz cheia de técnica e os sentimentos de ZAYN, mas não com o prelúdio do disco. Essa monotonia arrogante ainda se estende a Vibez – a sex song da vez, cuja única função é marcar mais uma (cansativa) vez a necessidade que o ex-One Direction tem de mostrar que é gente grande -, Unfuckwitable, Connexion e quase todas as canções do meio do álbum.

Mas nem tudo é perdido e Tightrope é o exemplo perfeito do que quero dizer, mostrando que ZAYN é completamente capaz de encontrar equilíbrio quando arrisca caminhar mesmo que seja – perdão pelo trocadilho – em um corda bamba. Entre um refrão pop e uma letra um pouco mais interessante do que as outras, ela prepara o caminho para o encerramento que o álbum encontra com o R&B puro e destemido de River Road, que nem parece ser do mesmo artista perdido que começou o álbum. Juntas, as duas faixas são as que correspondem melhor ao ZAYN que esperávamos ver em Nobody Is Listening. No fim das contas, o que fica é a esperança de que o artista junte coragem o suficiente para mergulhar em mares desconhecidos e emergir com descobertas realmente novas. – Raquel Dutra

Videoclub – Euphories

É viajando na temática oitentista que o Videoclub se fortalece em Euphories, criando uma narrativa animada e divertida que mistura os sintetizadores da antiga década com narrativas atuais e eternas. Entre o velho e o novo, a dupla consegue criar sua identidade, trazendo influências de grandes nomes como Duran Duran, sem nunca abandonar seu próprio estilo. A personalidade, impressa em cada uma das músicas, traz um frescor para o álbum que poderia cair facilmente na mesmice.

Sem se perder, Adèle Castillon e Matthieu Reynaud unem esforços e nos presenteiam com melodias aveludadas e intensas que crescem a cada novo play. Amour Plastique abre o disco francês cumprindo com seu papel de nos inserir naquele universo neon fantasioso, nos fazendo mergulhar de cabeça na atmosfera de Euphories. E sem medo de fazer um tipo de som que pode parecer datado, eles refrescam o ritmo e o trazem, de forma jovem e segura, para o novo século. – Ana Laura Ferreira

EPs

Jazmine Sullivan – Heaux Tales

Cabem um milhão de mulheres em Heaux Tales, o mais recente registro de estúdio de Jazmine Sullivan. É com esse intuito, de englobar narrativas e pontos de vista dos mais diversos, que a cantora e compositora da Pensilvânia conduz o trabalho, que é gigantesco demais para um EP. Tome Put It Down como exemplo. A faixa descreve a mais antiga das tramas – uma relação unilateral, em que um das partes se doa totalmente e, mesmo sabendo que o outro não retribui a atenção, se contenta com migalhas e procura motivos pífios para manter essa dinâmica problemática. Longe de qualquer juízo de valor, Sullivan é uma contadora de histórias nata. 

A tracklist intercala reflexões sobre amor, auto estima, sexo e consumismo com interludes (algumas faladas, outras declamadas) que dão liga à experiência. Doze anos após sua estreia, Jazmine é veterana na cena e mostra saber muito bem aonde quer chegar. Arranjos minimalistas e crus complementam sua incrível voz, que consegue abraçar o significado total das composições. De modo que em Lost One, quando ela pede para um amor perdido que “por favor, não se divirta muito sem mim”, o ouvinte não tem outra escolha, a não ser suplicar junto a ela. – Leonardo Teixeira   

RuPaul – RuPaul in London EP

As temporadas recentes de Drag Race nem tem mais vergonha de admitir que RuPaul publiciza tudo que pode. Então, era óbvio que viria algo junto da estreia da segunda temporada de Drag Race UK. Ao passo que, no show original, atualmente no 13º ano, a dona do império escancara regravações nos capítulos de estreia, na franquia inglesa ela precisava de outra saída.

Então nasceu o EP RuPaul in London. São meros quinze minutos de duração, distribuídos em 5 músicas remixadas. Nada de novo ou original vem daqui, mas as faixas são pedidas ideais para limpar a cabeça e bater cabelo sem sinal do amanhã (assim que o Lockdown da capa acabar, é claro). ConDragulations, cantada no Drag Race dos EUA, ganhou um remix por Jrob aqui. – Vitor Evangelista

Davi Moraes – Todos Nós 

Estávamos prestes a completar um mês de isolamento quando chegou a notícia que faria doer o coração dos amantes da música brasileira. Aos 72 anos, Moraes Moreira, um dos maiores gênios do Brasil, partia para o plano espiritual. A pandemia não permitiu que as homenagens fossem feitas a altura ao homem que com suas composições escreveu o mais importante álbum nacional e com seus cordéis ganhou uma cadeira na Academia Brasileira de Letras. Seu filho Davi Moraes começa o ano de 2021 com o pé direito. Iniciando uma parceria com a Biscoito Fino, Davi lançou um EP em homenagem ao pai.

As quatro músicas contam com grandes parceiras de Moraes e de longa data de Davi, como Carlinhos Brown, Marina Lima e Joyce tornando ainda mais especial a homenagem ao mestre. O EP traz o sentimento de saudade logo na primeira canção: Aos Santos. O trecho “Você foi embora, me deixou aos prantos” nos coloca no lugar daquele filho que está cantando. Mas, a emoção maior fica com O Cantor das Multidões. Canção biográfica, traz a terra natal de Moraes, o encontro com os Novos Baianos e o mais importante, seu carisma com as multidões. É impossível não ir às lágrimas com a brasilidade das músicas. Todos Nós arrepia na mesma intensidade que transmite afeto e prova que Moraes Moreira deixou muitos ensinamentos a Davi. – Ana Júlia Trevisan 

Nando Reis e Duda Beat – DUDA BEAT & NANDO REIS 

Com a pandemia, as lives viraram parte do nosso cotidiano, trazendo um show para disfarçar a monotonia dos dias quarentenados. A Devassa apostou em festivais online, com muita música brasileira e doações para os profissionais dos bastidores. Foi nesse festival que nasceu a deliciosa parceria entre Duda Beat e Nando Reis, rendendo um EP com canções já eternizadas nos dois universos e que ganharam um novo estilo, prazeroso de se ouvir com essa dupla.

Logo em All Star, abertura do disco, fica claro que as músicas de Nando parecem ter sido feitas para a voz de Duda. A combinação de carisma, talento e vocal deles é tão babadeira que os próprios brincam que agora são “Nando Beat e Duda Reis”. As músicas da cantora também parecem ser conhecidas há muito tempo na voz do Infernal. Espero que esse EP seja apenas o começo do duo que tem tudo a ver, outras canções interpretadas por eles nas lives tropicais da Devassa, como Luz dos Olhos, merecem o carinho de uma gravação. – Ana Júlia Trevisan

Death Cab for Cutie – The Georgia EP

Alguns anos atrás, quando a ideia de uma pandemia não passava de ficção científica, a banda Death Cab for Cutie veio à São Paulo tocar no Popload Festival de 2018. Esse era o primeiro show deles no Brasil. Todavia, poucos minutos antes da entrada do grupo ao palco, uma assessora tomou o microfone e anunciou que o vocalista havia tido complicações médicas e teria de cantar e tocar sentado. Ben Gibbard, visivelmente abalado, abriu o coração, e as injeções que levou não impediram-no de criar um sensível espetáculo ao lado dos outros integrantes.

The Georgia EP, formado por covers de artistas da Georgia, transmite com exatidão a maneira ímpar como Death Cab for Cutie encara a arte da música. Melancólico, sarcástico e apaixonado por cantar em primeira pessoa, o registro, embora curtíssimo, renova os ares do grupo. The Georgia EP é um trabalho comemorativo à vitória democrata na eleição dos EUA, homenageando o Estado da Georgia, que azulou. Os destaques são Waterfalls (canção de TLC), sincera de tudo, e a alegórica The King of Carrot Flowers, Pt. One. – Vitor Evangelista

Músicas

Aly & AJ – Listen!!!

Após viralizarem no TikTok com a clássica Potential Breakup Song, o duo pop Aly & AJ embarcou em um novo ciclo musical com Listen!!!, segundo single do novo (e até agora não nomeado) álbum. As irmãs Aly e AJ Michalka vem entregando regularmente faixas sólidas com os EPs Ten Years (2017) e Sanctuary (2019), mas 2021 irá marcar o primeiro álbum de estúdio da dupla desde Insomniatic, de 2007.

Depois da marcha lenta e romântica de Slow Dancing, Listen!!! marca um retorno feroz às raízes líricas das irmãs Michalka, que cantam novamente sobre a decepção do amor em frente à indiferença, com a frágil esperança de poder encontrar um caminho para casa. Elas cantam: “Que o seu coração nunca me ouviria/Aqui me sinto uma refém/É óbvio que há algo faltando (Faltando)/Eu posso estar perdida, mas sei o caminho de volta”.

O duo é acompanhado dessa vez pela guitarrista Nancy Wilson da banda Heart e do músico Jack Tatum de Wild Nothing nos sintetizadores, elevando a faixa com pitadas dos anos 90 sem deixar de lado o synthpop aperfeiçoado em seus dois EPs anteriores. Listen!!! é, como seu título revela, um single que implora para ser ouvido. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Olivia Rodrigo – drivers license

De tempos em tempos, emissoras como Disney e Nickelodeon revelam fenômenos musicais massivos. Em 2021, foi a vez de Olivia Rodrigo e seu single de estreia, drivers license. A protagonista de High School Musical: The Musical: The Series debutou direto no topo da Billboard Hot 100 e quebrou dezenas de recordes ainda na semana de lançamento. O sucesso foi imediato: sob metáforas instigantes, pianos e percussões melancólicas, é quase indiscutível que drivers license é um dos melhores debut singles dos últimos anos no cenário pop adolescente. 

A profundidade lírica de Rodrigo remete a narrativa detalhista de Taylor Swift e as letras autobiográficas de Lorde: íntimas, profundas e quase sinestésicas. O sucesso massivo é parcialmente abastecido por dramas pessoais de Rodrigo, mas não deixa de ser justificável – o rito de passagem (quase unânime) de ter seu coração partido é retratado de forma singular. O destaque da canção é sua ponte: as camadas de vocais em harmonia e a produção certeira são muito bem posicionadas na música. Para um single de estreia, drivers license cumpre até mais do que promete e coloca Olivia em destaque para um futuro de sucesso. – Laís David

Joshua Bassett – Lie Lie Lie

Muito antes da carteira de motorista de Olivia Rodrigo tombar o mundo adolescente do entretenimento, seu amigo e colega de elenco Joshua Bassett havia planejado o lançamento de Lie Lie Lie para o começo do ano. Um post do Instagram, datado de dezembro de 2020, já dava uma prévia do novo som do ator e cantor, protagonista da série de High School Musical. Lie Lie Lie chegou entre a brilhante faixa de Rodrigo e a insossa de Carpenter, os integrantes desse suposto triângulo amoroso.

E então drivers license chegou, e o resto é história. O que rolou é que Lie Lie Lie parece uma resposta fabricada ao hit da garota, e ainda soa soberbo e de língua afiada, mas a música em momento algum se mostra inventiva, inteligente ou mesmo interessante, como Anyone Else, single mais antigo de Bassett. Ele planeja lançar seu EP em março, e uma parceria com Sabrina Carpenter já foi confirmada. A esperança é que as novas canções sejam mais ousadas que essa Lie Lie Lie. – Vitor Evangelista

Sabrina Carpenter – Skin

Desde o lançamento de drivers license, há boatos de que a “loira” citada por Olivia Rodrigo na música fosse Sabrina Carpenter. Tais suposições fizeram com que o nome da cantora e atriz fosse muito comentado nas últimas semanas. E, se ela já estava sendo altamente citada, a jovem virou de vez o centro de atenções ao lançar seu último single, Skin. 

Escrita por Sabrina e mais dois compositores, a música foi produzida por George Seara e conta com um ritmo que vai se fortificando durante os primeiros versos até atingir o ápice no refrão.  A melodia, assim como de suas outras músicas, é do tipo que, por mais que você não goste de primeira, você vai se viciando enquanto escuta e, quando percebe, já está cantando junto.

Liricamente, a canção gerou uma grande polarização. Enquanto muitos acreditavam que Sabrina estava certa de mostrar seu lado da história, a maioria pareceu discordar da posição que a cantora tomou. As discussões foram tantas que Sabrina precisou desativar os comentários no Youtube e se pronunciar no Instagram, explicando que a canção não é apenas sobre a situação desagradável com a outra cantora, mas sim sobre outros aspectos de sua vida. Seja qual for a inspiração, Skin continua sendo um ótimo presente para os fãs da artista. – Mariana Chagas

Charlotte Cardin – Daddy 

Triângulos amorosos são um grande clichê na cultura pop. Desde a dúvida de quem Ilsa escolheria no clássico Casablanca até a controvérsia de millennials entre Selena Gomez, Miley Cyrus e Nick Jonas, o público parece estar saturado de histórias repetitivas de amores proibidos. Mas é em Daddy, segundo single do álbum da canadense Charlotte Cardin, que se resgata o sentimento de estar preso entre as péssimas escolhas em sua juventude: uma delas, claro, é decidir entre dois diferentes pretendentes. 

Os ríspidos vocais de Cardin e os arranjos sublimes distanciam a canção de qualquer outra do Top 40. A nativa de Montreal sabe muito bem usar sua voz como próprio instrumento dentro da produção minimalista e recheia a música de harmonias viciantes. O single é precursor do primeiro álbum da artista que, se for minimamente coeso com Daddy, tem tudo para ser um dos melhores do ano. – Laís David

Selena Gomez – De Una Vez  

Após uma década da versão em espanhol de A Year Without Rain, Selena nos presenteou com a agradável surpresa de ver ela interpretando uma mais canção no idioma. De Una Vez é uma música forte, que fala sobre se recuperar das dores de um amor que já não existe mais. E todos elementos presentes no fantástico clipe colaboram para a criação de uma história de cura e superação. Os cenários usados no vídeo parecem mostrar os estágios passados pela cantora, narrando sua própria história.

Artista completa, Selena também se atentou para símbolos da cultura latina. Flores são usadas pela cantora remetendo um dos maiores ícones do México, Frida Kahlo, e também combinam com sua personalidade. O amuleto de coração usado por Gomez é a cereja no topo do bolo, usado para fins de cura na cultura mexicana, faz pleno sentido com a letra da canção. As cores saturadas usadas na capa do single conferem com o estereótipo americano criado na representação latina.

O clipe parece ser uma despedida de Selena com o passado, rompendo com todo trabalho já feito. Há uma parte que ela queima polaroids no fogão, e podemos associar isso com sua última era, Rare, que contava com várias fotos do estilo para divulgação. Após todo processo, vemos uma Selena mais tranquila e segura de seu talento. Não sabemos muito sobre o EP que está vindo por aí, mas é certo que podemos esperar algo grandioso da artista. –Ana Júlia Trevisan

Billie Eilish e ROSALÍA – Lo Vas A Olvidar 

Íntima e profunda, a balada de Billie Eilish e ROSALÍA nos faz perguntar como vivíamos antes de ter ambas as vozes em uma única produção. As diferentes entonações, complementares e poderosas, criam camadas e mais camadas na sonoridade bem marcada que mescla os estilos das duas. E como um furacão, no meio do caminho entre WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? e El Mal Querer, está Lo Vas A Olvidar.

A canção, que embala o segundo episódio do especial de Euphoria na HBO, se torna ainda mais forte com o clipe simples e sombrio que a acompanha. Os sentimentos de aperto e desespero se edificam até serem finalmente libertos com toda a soberania das vozes de Eilish e ROSALÍA. Pessoal, tocante e imersivo, o single sabe como nos persuadir a adorá-lo, o que fazemos com bom gosto. – Ana Laura Ferreira

Justin Bieber – Anyone

Após atravessar a era não vingada Changes, Justin Bieber desencantou e mostrou seu verdadeiro eu. Letras mais leves e até mesmo piedosas fazem o cantor se destacar, o que fica cada vez mais evidente: o fato dele estar passando por uma fase autêntica e psicologicamente estável. Holy, Lonely e agora a cativante Anyone, são a tríade em que Bieber apostou. E Anyone veio pra ficar.

O cantor quis começar 2021 com o pé direito e já apresentou Anyone no primeiro dia do ano, em primeira mão para seus fãs em uma live. De praxe, a música alcançou o topo mundial no Spotify no lançamento, e ainda permanece no top 10 da plataforma. O videoclipe já acumula mais de 45 milhões de visualizações. Com uma produção que não desapontou, o vídeo se passa nos anos 70, onde Justin interpreta um boxeador inspirado em Rocky, filme estrelado por Sylvester Stallone – e o que mais impressionou o público – Bieber sem nenhuma de suas tatuagens. 

Ele também chegou a emplacar sua tríade musical no top 10 do Itunes Estados Unidos, um feito um tanto quanto difícil para qualquer artista, e que, com certeza, já supera as tais “Mudanças”. “A música nos ajudou a superar muita coisa em 2020, e para mim, pessoalmente, foi um instrumento de cura e transformação. “Anyone é uma canção especial, inspiradora e cheia de esperança. Ela estabelece o tom para um ano novo mais iluminado, repleto de novas possibilidades”, disse Justin. Parece que os mais baixos que altos da vida do canadense não foram capazes de o parar. – Giovana Guarizo

Joshua Bassett – Only a Matter of Time

Depois de lançar Lie Lie Lie no meio do mês, Joshua Bassett finalizou janeiro com música e clipe de Only a Matter of Time. Uma das faixas que fará parte de seu vindouro EP, o jovem cantor continua batendo na tecla de mentiras e boatos de um finado relacionamento. Tematicamente muito perto do single anterior, Only a Matter a Time é melhor resolvida, ao menos.

A composição, embora ainda liricamente fraca, se encontra mais suavemente com a doce voz do artista. O clipe é simples mas potente em adereçar as dores latentes do garoto, que canta num único corte, próximo às paisagens terrosas de uma linha de trem. Ainda na pira do triângulo amoroso, Joshua Bassett se mantém na boca do povo. Agora é esperar pra ver se o EP viverá à altura dessa tempestade. – Vitor Evangelista

Lauren Jauregui e Pabllo Vittar – Lento (Brabo Remix)

A ex-integrante da girl band Fifth Harmony, Lauren Jauregui, lançou em 2020 o single Lento, uma das músicas que marca o início de sua carreira solo. Com o sucesso da faixa entre os fãs, a cantora já havia lançado um remix com o cantor porto-riquenho Rauw Alejandro, antes do anunciado com a parceria da drag queen e cantora brasileira Pabllo Vittar, o que trouxe ainda mais destaque para a faixa.

Rebuscando na sua origem cubano-americana, a cantora trouxe na versão original o típico ritmo das músicas latinas e um toque sensual, o que torna a música tão sedutora aos ouvidos. Já no remix em colaboração com Pabllo, os produtores Brabo trouxeram ao fundo batidas do brega, gênero musical brasileiro que, quando incorporado às vozes de Lauren e Vittar, deixam Lento ainda mais envolvente. – Gabriel Brito de Souza

FKA twigs, Headie One e Fred again.. – Don’t Judge Me

Após o cancelamento da turnê do álbum Magdalene (2019) por conta da pandemia da COVID-19, a cantora, compositora e dançarina FKA twigs transformou seu tempo de isolamento social em novas músicas, produzidas de forma remota. A artista utilizou o Facetime para colaborar com diversos produtores, inclusive El Guincho (El Mal Querer, de Rosalía). Esse processo criativo resultou em um novo disco, ainda sem nome, cuja primeira amostra vem no single Don’t Judge Me, versão estendida do interlúdio Judge Me, faixa presente na mixtape GANG, do rapper Headie One e do produtor Fred again..

A música teve seu lançamento acompanhado do vídeo dirigido por Emmanuel Adjei (Black is King, de Beyoncé e Dark Ballet de Madonna), que em três atos faz um retrato meticuloso da experiência negra no Reino Unido. O vídeo traz, além de FKA twigs e Headie One, vários influentes artistas britânicos negros, que contrastam com a Fons Americanus no Tate Modern, escultura de grandes dimensões que retrata e critica o tráfico de escravos no Atlântico. O diretor descreve a obra audiovisual como uma luta contra forças invisíveis de julgamento e opressão. – Carlos Botelho

The Cast of RuPaul’s Drag Race Season 13 – ConDragulations

A recente decisão de dividir o grupo de competidores em dois episódios tem beneficiado e muito as narrativas do reality show competitivo RuPaul’s Drag Race. A 13ª temporada começou diferente das demais, mas não demorou para que as 7 primeiras queens do ano cantassem e dançassem na passarela, regravando com seus próprios versos a canção ConDragulations.

A batida foi envolvente e o refrão, inesquecível, por mais que a composição geral da faixa não fuja muito do discurso que RuPaul vende por mais de uma década. Gottmik discutiu sua identidade como homem trans, mas escolheu cantar num flow lento, o que deixou sua parte minúscula perto das demais. Kandy Muse arrotou um verso inaudível, mas fez isso usando o melhor look do grupo. LaLa Ri é carisma vivo e seu timbre é um deleite à parte.

Olivia Lux surpreendeu pelos maneirismos de Mariah e os vocais adocicados, fazendo valer o lugar nas Melhores da Semana. O destaque de tudo, é claro, fica com Symone, a pose, as caras e bocas, o brilho nos olhos, impagável. Tina Burner é um palhaço talentoso, mas sua composição pareceu abarrotada naqueles vinte segundos disponíveis. Elliott abriu um espacate e rimou se divertindo no look Sylvia Design. Se ConDragulations for o gosto do ano 13 de Drag Race, estaremos bem servidos. – Vitor Evangelista

The Cast of RuPaul’s Drag Race Season 13 – Phenomenon

Depois de ConDragulations, chegou a vez de Phenomenon. Reservada ao episódio daquelas que perderam a Dublagem da estreia, a composição e coreografia deram um banho de qualidade e talento no primeiro grupo. Denali começou matando a pau, cheia de confiança e irreverência, comprovando com fatos seu lugar como vencedora do desafio.

Joey Jay deixou sua marca na competição, e a partir de agora uma drag queen sem peruca será imediatamente ligada à imagem da ‘gay ass bitch’. Kahmora Hall tentou, e esse é o máximo de reconhecimento que podemos dar à sua parte da canção. Rosé, autointitulada um palhaço fashion, foi a mais diferente do grupo, e sua conclusão é a mais apetitosa das 6 composições.

O refrão de Phenomenon apenas reafirma a capacidade de crescimento e evolução de arte drag e do papel de RuPaul, sedimentando isso na cultura pop e além. Tamisha Iman transmitiu cirurgicamente seu espírito de lutadora e mesmo a rigidez de seu flow fez sentido no plano maior. Utica merece todo amor e reconhecimento apenas por ser quem é, ‘se mexendo até o topo’. Novamente, se Phenomenon prever o progresso do ano 13, mal posso esperar pelo espetáculo completo. – Vitor Evangelista

Ariana Grande, Doja Cat e Megan Thee Stallion – 34+35 (Remix)

A tática de lançar um remix após o lançamento de um álbum é milenar no mundo da música. Agora, na era do streaming, é ainda mais comum que um artista tente dar continuidade a um disco por meio de lançamentos avulsos (e de certa forma, desnecessários) – é o que Ariana Grande tenta fazer com 34 + 35 (Remix) (feat. Doja Cat & Megan Thee Stallion). Não se engane: 34+35, segundo single do álbum positions, já era auto suficiente antes do lançamento de seu remix. Grande sabe muito bem construir uma melodia cativante em uma letra explícita e auto explicativa (“Você pode ficar acordado a noite toda?/Me fodendo até o dia amanhecer”’) 

A combinação de um arranjo de violinos e uma grande produção pop já é frequente na discografia de Ariana. O problema é que a profundidade de 34+35 para por aí. O featuring com as duas maiores estrelas do rap de 2020 soa mais como uma manobra publicitária e não faz sentido dentro da canção – a adição de Doja Cat é até suportável (seu verso em motive, canção que sucede 34+35 em positions, é divino), mas nem o ótimo flow e personalidade energizante de Megan Thee Stallion conseguem conquistar o ouvinte. A ponte da música, parte mais divertida da canção, foi cortada por inteiro para dar espaço a um rap confuso e nada inteligente. A versão original é, sem dúvidas, muito melhor. – Laís David

Selena Gomez e Rauw Alejandro – Baila Conmigo

Seja no ápice da autoconfiança ou no fundo do poço emocional, é difícil não se render ao charme e à sinceridade da arte de Selena Gomez. Na fase que a artista mais se aproxima de nós ao explorar a riqueza de suas raízes latinas, não seria diferente. O single De Una Vez capturou nossa simpatia pela nova era, que se solidifica ainda mais como um possível grande acerto com Baila Conmigo.

De forma complementar ao autoconhecimento terno pregado na canção precursora, agora Selena brinca com o reggaeton ao lado do rapper porto-riquenho Rauw Alejandro. O ritmo dançante se combina à uma letra apaixonada e o conjunto da obra é um hit que transpira a essência do nosso verão – literalmente, porque quem assina o clipe é o brasileiro Fernando Nogari, que dirigiu Gomez remotamente e gravou parte das cenas no Ceará com atores e dançarinos brasileiros.

A destreza graciosa da artista em sua segunda língua e seu cuidado em levar a identidade e representação latino-americana para além dos ritmos e elementos visuais só nos deixam uma resposta possível: Selena, estamos bailando contigo como nunca. – Raquel Dutra

MOD SUN e Avril Lavigne – Flames

Por mais que Flames seja uma canção de MOD SUN, o foco de divulgação e marketing voltou-se à figura e à marca emo de Avril Lavigne. A cantora, distante desde seu Head Above Water, de 2019, retornou esse ano com estética neon e vocais rasgando paixão e incendiando as tais chamas que nomeiam a canção.

Tudo dá certo, por mais genérica que Flames possa aparentar. A capa simples, o cabelo verde limão e as mechas arco-íris são o indicativo de uma experiência sensacional e queimando nostalgia por míseros dois minutos e meio. O videoclipe não se envergonha de mimetizar os anos 2000, os figurinos carregados e o túmulo que abre a obra gritam os sons de Lavigne de vinte anos atrás. Quem sabe ela não retorna numa pegada assim para um CD? Por enquanto, nossa função é deixar Flames no repeat. – Vitor Evangelista

Lana Del Rey – Chemtrails Over the Country Club 

A dupla bem sucedida Lana Del Rey e Jack Antonoff está mais que pronta para uma nova investida, que já tem nome: Chemtrails Over the Country Club. O single, de mesmo nome do álbum a ser lançado em 19 de março, é uma amostra perfeita do que vem por aí, com as melhores qualidades musicais da cantora. Del Rey, que virou parte intrínseca da cultura pop da nossa geração, sofreu um gigantesco backlash durante a pandemia por sua polêmica máscara de tule e por um post sobre os protestos do movimento Black Lives Matter.

Cancelamentos à parte, a antes ferrenha opositora de Donald Trump decidiu partir para uma militância mais sutil contra os apoiadores de direita e a filosofia lelé-da-cuca, como mostra a própria letra e o clipe de Chemtrails. A realidade é que a internet de tempos em tempos pega uma celebridade para Cristo, e Lana, que não se esconde atrás de assessorias e personagens perfeitinhos, pagou o pato da vez. Se Norman Fucking Rockwell! já foi intensamente humano, Deus queira que as polêmicas que antecedem Chemtrails façam dele, também, mais uma obra-prima. – Jho Brunhara

Clipes

Harry Styles – Treat People With Kindness 

Vem sendo uma boa época para os fãs de Harry Styles. O sucesso de seu último álbum, Fine Line, lhe rendeu muito prestígio em 2020 e como agradecimento ele nos presenteia com o clipe de Treat People With Kindness logo nas primeiras horas do novo ano. A batida animada e empolgante, unida a letra esperançosa, abre caminho iluminado à escuridão da quarentena. Mas o grande destaque do vídeo fica mesmo com sua participação especial.

Fazendo a alegria de todos, Phoebe Waller-Bridge, a amada Fleabag, entra em cena tomando conta de nossa atenção. Dançante, literal e sentimentalmente, o single é um frescor que envia boas emoções a quem o assiste, e apesar da estética dos anos trinta, fotografada em preto e branco, a canção exala alegria suficiente para colorir nosso imaginários. É em meio a grandes expectativas que TPWK se consolida em moldes hollywoodianos, dando uma nova camada ao mais recente álbum de Styles. – Ana Laura Ferreira

The Weeknd – Save Your Tears

2021 começou e a era After Hours não acabou. The Weeknd ainda aposta no conceituado personagem do ano passado, e com razão, afinal o que não faltam são hits dentro desse trabalho. Dessa vez, ele finalmente lançou o videoclipe da faixa Save Your Tears, tão pedido pelos fãs.

O lançamento foi assunto no Twitter durante todo o dia de estreia. O motivo? O grande número de easter eggs presentes no audiovisual. O clipe se inicia com um The Weeknd de rosto totalmente coberto por plásticas e procedimentos estéticos, cantando para uma plateia mascarada. O que parece é uma crítica aos padrões de beleza das celebridades e o fato do personagem querer ser aceito e respeitado pela indústria. Os movimentos de dança lembram o já citado Coringa e as pessoas mascaradas o filme De Olhos Bem Fechados. Além desses, outros temas foram abordados na obra, a qual já acumula mais de 95 milhões de visualizações e cresce cada vez mais nos charts e nas plataformas de streaming. 

Achou que não ia ter shade pro Grammy? Achou errado. Em uma parte do vídeo, o cantor aparece arremessando a cobiçada estatueta dourada. Depois de tudo que Abel enfrentou para ser reconhecido pela premiação, era previsível uma revolta. O importante é que essa revolta chegou carregada de talento, como se vê por esse trabalho. Mas o que ele merece ainda o aguarda: o Halftime do prestigiado Super Bowl. – Giovana Guarizo

MC Tha – Renascente (Onda, Oceano e Despedida)

Abram os caminhos novamente! O melhor álbum de 2019, Rito de Passá, ainda dá belos frutos. Dessa vez, MC Tha presenteia o mundo com uma trilogia visual sobre encontros, desencontros e reencontros. A primeira faixa a ganhar clipe foi Onda, colaboração com Jaloo e Felipe Cordeiro. Acompanhada da sempre presente simbologia da Umbanda, assistimos uma história de amor entre os orixás Oxum e Oxóssi, interpretados por Tha e Jaloo.

Em Oceano, Tha segue sozinha e protagoniza o desencontro. Com uma das letras mais bonitas do disco e visuais impecáveis do vídeo, somos imersos na narrativa da cantora. Em Despedida, talvez a maior música da carreira, o fecho traz também a sensação de despedida do disco. Não um adeus ruim ou doloroso, mas de gratidão. Rito de Passá está envelhecendo como o melhor dos vinhos, e a trilogia Renascente só nos deixa ainda mais ansiosos pelo próximo trabalho de Thais. – Jho Brunhara

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Vitor Evangelista

O negócio é o seguinte: High School Musical virou série. Mas nada de reboots preguiçosos ou remakes nada inspirados, High School Musical: The Musical: The Series vai além do comum na hora de dar sequência à trilogia de filmes dos anos 2000. Cheia de metalinguagem, recursos de pseudodocumentários e um humor afiado na bobeira, a produção original do Disney+ é diferente de todos os revivals sem graça que pipocam toda semana na Netflix.

Numa East High atual, conhecemos esse novo time de Wildcats. Eles estudam na exata escola que serviu de locação para os filmes originais e, não obstante, são obcecados pelos dramas e amores de Troy Bolton e Gabriella Montez. Com a chegada de uma nova professora de teatro, os adolescentes de agora, fascinados pelo musical de Kenny Ortega, são influenciados a encenar o enredo do primeiro HSM como a peça da temporada.

Nada interessada em recriar moldes engessados de Troy, Gabriella e companhia, a série de Tim Federle adentra no microcosmo da adolescência escolar, nos apresentando uma dupla protagonista recheada de carisma, e que não deve nada à Zac Efron e Vanessa Hudgens. A mocinha da vez é Nini, interpretada por uma Olivia Rodrigo voando na onda do talento e da qualidade de estrelato. Introspectiva, ridiculamente boa cantora e ótima personagem catalisadora de emoções, é claro que Nini dá o pontapé em As Audições com o coração partido.

O responsável por magoar a garota é nada mais, nada menos que Ricky. Sem nenhum traço de badboy ou boy lixo, o jovem encontra na atuação de Joshua Bassett uma fonte de vitalidade. Depois de não retribuir um ‘eu te amo’ para a então namorada Nini alguns meses atrás, Ricky acabou terminando o romance. Agora, semanas depois, a menina volta para a escola namorando E.J. (Matt Cornett), aluno mais velho, com pinta de atleta mas que não hesita em soltar a voz no teste de elenco para o papel de Troy Bolton no tal musical que nomeia a série.

Testes são feitos, músicas clássicas são cantadas. Nini acaba com o papel de Gabriella, e é claro que Ricky interpretará Troy, assim nascendo o climão que ruma os primeiros dos dez capítulos da temporada inaugural. A grande qualidade de High School Musical: The Musical: The Series é seu jogo de cintura na hora de prosseguir com a trama que, além de ser moldada em clichês já usados à exaustão no passado, ainda se baseia num filme conhecido do grande público.

O que poderia cair num marasmo desgraçado e ficar no lenga-lenga do triângulo amoroso, contrastando com o embate Gabriella versus Sharpay do HSM de 2006, nas mãos da Disney atual, acaba se reinventando vez após vez. A curta duração dos episódios dá o ritmo ideal para o seriado nunca pesar na autorreferência ou no drama descabido. O formato de mockumentary, ou falso documentário, é a brecha para o humor inteligente dos personagens, sempre com boas colocações e tiradas genuinamente divertidas.

De tanto acompanharmos a rotina de ensaios do grupo, nos aproximamos deles. Sentimos seus medos e anseios, torcemos para que se beijem e declarem o amor eterno da adolescência um para o outro. A toada de leveza e companheirismo da série é tocante ao ponto que, assim como os filmes originais, molda um ambiente nada tóxico ou degradante para esse povo estranho que adora o teatro e ama cantar quando der na telha.

Na verdade, a aura de ‘proteção’ do mundo real vai mais além do que no passado. Dentro das paredes de East High, não existe homofobia ou racismo. Nossos protagonistas e coadjuvantes enfrentam percalços que, embora de fácil resolução, pesam na mesma medida à quem assiste. São aflições momentâneas, dores passageiras e relacionáveis ao mundo fora de um set de gravações. O coração partido de Nini, a insegurança de Carlos quanto ao talvez namorado Seb, os flertes escorregadios de Big Red e Ashlyn. Ao assistir High School Musical: The Musical: The Series, é facilmente possível encontrar suspiros onde o público ri quieto, gargalha com entusiasmo e até chora junto com eles.

Tudo isso ocorre pela honestidade do texto e da sensível direção, que assume o amor imensurável ao universo do High School Musical original e não tenta emular o sentimental. Um receio que sempre vem à tona quando discutimos a onda de reboots, remakes e revivals, a todo custo imperando o plástico e nada verdadeiro sentimento de verdade ou importância. Dessa vez, assistimos uma série criada e idealizada pela homenagem, mas alçada ao paraíso pela coragem de amar sem pudores.

E High School Musical: The Musical: The Series pode ser publicizada como o novo berçário de talentos da Disney, mas a produção vai muito além disso. Os atores se encontram nos papéis que encenam, mas não ficam confortáveis com a comodidade. Se existir o repentino receio do seriado só repetir os toques narrativos do filme, pode jogá-lo pela janela. Os arquétipos do atleta gato, da nerd cantora e da patricinha vilã em oportunidade alguma se transformam em cubos de gelo limitadores. 

O que é gritado na nossa cara quando no último episódio, Segundo Ato, Ricky abandona a peça e E.J. corre para vestir a regata vermelha com o 14 branco nas costas. As figuras originais de High School Musical evocam o espiritual para que as novas figuras de HSMTMTS possam, sozinhas e cientes dos ovos em que pisam, crescer, quebrar a cara e aprender a lidar com o terrível mundo do Ensino Médio.

É com rapidez que o roteiro entende que o foco deve ser no presente, para não cansar a audiência e, até mesmo, os personagens, que desencanam de banalidades para focar no fresco, no próximo jogo ou coreografia. Gina (Sofia Wylie) passa de vilã à aliada sem pressa ou necessidade de correr com a trama. O mesmo com E.J., uma figura irritante de primeira mas que cresce para além do molde de babaca manipulador.

Para quem acompanha a arrojada abordagem de Euphoria e o sarcasmo viril de Sex Education, esse original do Disney+ pode ter gosto de cereal infantil. O que não significa que é melhor ou pior, e, para quem cresceu assistindo às febres da Hannah Montana, dos Jonas Brothers e dos Feiticeiros de Waverly Place, encontrar algo como HSMTMTS na vida adulta é quase como dormir com o cobertor da infância ou almoçar na casa da vó, não existe nada mais proveitoso que provar o passado por alguns minutos e se sentir bem com isso.

Mesmo tendo saído no fim de 2019, a série passou quase que batida no catálogo do Disney+, que focou quase que todo o material de divulgação em produções como The Mandalorian. Todavia, HSMTMTS voltou à boca do povo por conta de algo extra: o possível rolo e término de Olivia Rodrigo e Joshua Bassett, os protagonistas do show. Tudo começou com o namoro dos atores e seu eventual término.

Logo no começo de janeiro, Olivia lançou sua música de estreia: drivers license, e foi aí que a coisa explodiu. Narrando uma relação acabada, o eu lírico da canção sofre muito, referenciando o ex e sua nova parceira, uma loira mais velha que ela. Acontece que Joshua está envolvido com Sabrina Carpenter, outras dessas atrizes e cantoras da nova geração que, adivinhem, é loira e 4 anos mais velha que a intérprete de Nini.

drivers license estourou. A letra composta por Rodrigo, em harmonia com o arranjo simples e os vocais agradáveis, alavancou a jovem e, dia após dia, a faixa quebra recordes gigantescos para alguém tão nova e que, teoricamente, ‘surgiu do nada’. Se o drama é real, só o tempo dirá, mas para os fãs que cresceram com notícias do mundinho Disney e sua troca de casais, até nisso a série de HSM consegue acender a chama da nostalgia.

Chega a ser suspeito que a música de Olivia tenha saído agora, alimentando o burburinho da série. Ainda em janeiro, Joshua lançou Lie Lie Lie, uma canção anunciada em 2020, e que fala sobre mentiras e desconfiança. Fora isso, com a segunda temporada confirmada, High School Musical: The Musical: The Series muito se beneficiou da fagulha da fofoca propiciada pela dupla de atores. E, antes desses lançamentos solo, a produção deu espaço para os dois comporem uma canção para o show.

Just for a Moment é o dueto romântico da temporada, e encontra Nini e Ricky no precipício da vulnerabilidade. De fato, as regravações dos clássicos do primeiro filme são blasé comparadas às músicas originais da série. I Think I Kinda, You Know, que é cantada toda hora com contextos diferentes, demonstra no couro o tipo de trama de High School Musical: The Musical: The Series, interessada em ressignificar para evoluir.

A adição de uma música para a Senhora Darbus, papel de Ashlyn na peça, entrega o melhor momento musical da série: a macia e avassaladora Wondering, na voz de Julia Lester. Com a promessa divina de adaptar os outros dois filmes, High School Musical: The Musical: The Series pode durar por anos e anos. E eu peço aos céus que dê mais tempo de tela para os quebradores de barreiras, destruidores de padrões e encharcados de carisma, Carlos (Frankie Rodriguez) e Seb (Joe Serafini), esse segundo aparecendo pouco, infelizmente, mas hipnotizante no papel de Sharpay.  

As saídas fáceis na hora de desenvolver o possível romance dos meninos cansa bastante, mas, considerando questões de censura dentro do catálogo da Disney, a mera inserção de personagens gays (a série nunca fala sobre isso diretamente), com histórias que não envolvem se assumir ou sofrer homofobia, já é um avanço dos filmes. Onde Ryan (Lucas Grabeel, que retorna numa pequena participação na série) foi escondido no armário por muitos anos

A sensação de assistir e vibrar com High School Musical: The Musical: The Series é a mesma de remexer em armários velhos e encontrar o álbum de figurinhas do primeiro filme, ou dar de cara com alguma revista da época que contava t-u-d-o sobre os romances de Zac Efron, Vanessa Hudgens e Ashley Tisdale. É um abraço no nosso eu do passado, aquele eu receoso de dançar ao som de We’re All In This Together, com medo de sofrer por isso. Os dez episódios acabam rápido demais, mas ainda dá tempo certinho de perguntar: “Qual é o time?”.

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