Nathalia Tetzner 

Amor e ódio são dois extremos, incoerentemente, próximos. Prova disso é o enredo da 5ª temporada de Big Mouth, que mostrou como o caminho entre esses sentimentos tão opostos pode ser curto. Instigados por Jessi Glaser (Jessi Klein) e suas atitudes egoístas, Missy Foreman-Greenwald (Ayo Edebiri), uma de suas melhores amigas, e Nick Birch (Nick Kroll), seu admirador apaixonado, se converteram do amor ao ódio e rapidamente viraram os maiores inimigos da adolescente. Cegos de raiva, eles também roubaram o protagonismo e se tornaram a dupla que os fãs não sabiam que precisavam. 

Responsáveis por ditar o ritmo, a entrada das personas completamente distintas do Besouro do Amor e da Minhoca do Ódio acrescentaram profundidade na jornada de Missy e Nick. Sempre recheados de referências culturais, os novos episódios de Big Mouth contaram com Keke Palmer dublando a, ironicamente carismática, Minhoca do Ódio Rochelle. O ápice foi atingido já de primeira em Novembro sem gozo, quando Hugh Jackman deu vida a sua versão em forma de pênis e Jay Bilzerian (Jason Mantzoukas) teve um “orgasmo emocional”, pouco tempo depois de jurar para Lola Skumpy (Nick Kroll): “Eu nunca mais vou gozar na minha vida!”.

“Meu coração estava cego/O amor se perdeu/Estou passando por mudanças”. A redenção de Charles Bradley no cover da música Changes do Black Sabbath mais uma vez se encaixou perfeitamente na narrativa do desenho animado. Afinal, não foram somente os adolescentes que passaram por grandes mudanças, o Besouro do Amor, Walter (Brandon Kyle Goodman), alimentou-se do ódio de um Nick rejeitado por Jessi e se transformou em uma Minhoca do Ódio. As escolhas sonoras para os créditos também foram certeiras, a exemplo dos versos de Tyler, The Creator e Pharrell que ecoaram no final do episódio 7 com IFHY: “Eu te odeio pra caralho/Mas eu te amo/Eu não sou bom em deixar minhas emoções escondidas”.

Jogado para escanteio, o roteiro de Big Mouth até tentou emplacar uma jornada solo para Andrew Glouberman, brilhantemente interpretado por John Mulaney, mas acabou caindo na mesmice, onde o exagero da perversão não atraiu ninguém além de Bernie Sanders (Kristen Schaal), a sua paixão das férias de inverno. Incapaz de cultivar sentimentos ruins e em busca de sua paz espiritual, Andrew se afastou cada vez mais do seu companheiro de tela Nick Birch, deixando o destaque para os personagens que realmente transitaram do amor ao ódio, trajetória que norteou toda a temporada.

Com os nervos à flor da pele, Jay teve que decidir entre uma atração repentina e um relacionamento de idas e vindas. Se o amante de travesseiros se sentiu dividido entre Matthew MacDell (Andrew Rannells) e Lola, o público teve uma certeza: os intérpretes dos momentos mais cômicos da série deveriam interagir em mais cenas. A cheia de atitude Lola Skumpy e a sua dificuldade em expressar sentimentos foram obstáculos para a sua relação com Jay Bilzerian. Por isso, a revelação de Matthew como o vencedor da disputa aconteceu em Feliz Ano Re-Novo, o último episódio caótico da 5ª temporada.

Embora tenha sido o estopim para o amor e o ódio andarem lado a lado no desenho animado, Jessi Glaser perdeu o seu favoritismo dentro e fora da Bridgeton Middle School. Levando os créditos pela mudança de mascote da escola, ideia originalmente levantada por Missy Foreman-Greenwald, o egoísmo da adolescente despertou a inveja de uma das personagens mais queridas pelos fãs em Monstro de olhos verdes, sendo difícil para o público não deixar se levar pelas emoções. Porém, o mesmo episódio conseguiu introduzir um arco interessante para Jessi: o seu romance com Ali (Ali Wong). Relacionamento que garantiu o escândalo do ano após Missy espalhar boatos feito uma hater na internet.

Desprovido de limites, a 5ª temporada de Big Mouth preparou um episódio natalino grotesco. Gravado em stop-motion, a versão boneco dos monstros hormonais Connie (a vencedora do Emmy Maya Rudolph) e Maury narraram pequenas histórias clássicas com a atuação dos personagens principais da série. Um Natal muito Big Mouth prometeu logo nos primeiros minutos a visão do Papai Noel como o público jamais havia testemunhado, de fato, a nudez do bom velhinho e a orgia entre os duendes são imagens que infelizmente demoram para sair da mente de quem assiste. 

Igualmente memorável, a caótica festa de feliz ano “re-novo” que revelou Jay e Matthew, também “re-transformou” o ódio em amor. Ao perceberem o quanto o ódio arruinou as suas vidas, Missy e Nick enfrentaram as suas Minhocas do Ódio. Enquanto a protagonista imediatamente retornou a si mesma, Nick foi teletransportado para o Mundo dos Monstros. Lá, personagem e autor se encontraram de forma inusitada e especial, bastou uma frase de Nick Kroll para que Nick Birch compreendesse quem ele é: “os seus monstros são você”. Encerrando com incontáveis pedidos de desculpas, Big Mouth teve a sua 6ª temporada confirmada e o seu spin-off Human Resources deve ser lançado em breve.

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Leticia Stradiotto

Sempre queremos que a vida siga a linha pontilhada. A plataforma de streaming da Netflix acertou ao investir, no mês de novembro, em Entrelinhas Pontilhadas, a animação italiana com o nome original Strappare lungo i bordi. Com as funções de diretor e roteirista da série, o cartunista Michele Rech, mais conhecido como Zerocalcare, nasceu em Arezzo (Itália), e, mais tarde, mudou-se para Rebibbia, um bairro popular de Roma, no qual estabeleceu uma conexão inextricável. Alicerçado nisso, surgem suas primeiras obras em quadrinhos, como La profezia dell’Armadillo, traduzido para A profecia do tatu, que deu origem ao live action e, agora, consequentemente, à animação.

De início, tudo soa confuso e despretensioso ao ganhar uma sinopse recatada: “Durante uma viagem entre amigos, um cartunista com a consciência personificada em um tatu reflete sobre sua vida e um amor não correspondido”. No entanto, mesmo com apenas 6 episódios de curta duração, o desenho animado sai totalmente fora dos pontilhados e surpreende com um desenvolvimento estimulante. A trama relembra que animação não é sinônimo de infantil. Longe da ingenuidade, é impossível não se identificar com a série ao obter reflexões e emoções profundas encontradas no mundo real. Tudo isso com muitas referências históricas e culturais, do jeito que o jovem adulto gosta.

Entrelinhas Pontilhadas se ampara em uma enorme crise de identidade do personagem Zero – dublado pelo próprio diretor – ao longo de uma viagem com um destino não muito agradável, que será descoberto apenas em seu encerramento. O protagonista encontra vestígios de sua personalidade ao rememorar todas as vivências passadas, auxiliado pelos seus amigos de infância: Sarah e Secco, e também sua própria consciência em forma de tatu. Sem aptidão com sentimentos, Zero conclui que a razão não explica tudo sobre a vida. Viver em linhas tortas é necessário e, praticamente, inevitável.

Todos os personagens são apresentados pela visão do protagonista, como, por exemplo, Sarah, sua melhor amiga de infância, que passou por todas as fases rebeldes da adolescência ao lado de Zero, e, agora, luta para se tornar uma ótima professora. E Secco, seu melhor amigo, totalmente desencanado, que em situações difíceis busca apenas uma coisa: sair para tomar um sorvete. Ambos são indivíduos que, também, estão tentando se encaixar no mundo do jeitinho que dá.

Zerocalcare, também ilustrador da trama, aposta em abordagens intimamente complexas, porém, com desenvolvimentos fluídos e corriqueiros. Ao apresentar episódios sobre o embaraçado mundo dos relacionamentos, ainda relaciona o funcionamento de sensações como culpa, valor individual e, logo em seguida, apazigua as enunciações com condutas mais leves. Por exemplo, a cena em que o protagonista vira a madrugada escolhendo um filme e acaba dormindo sem ao menos tomar uma única decisão, tal situação manifesta certa personalização para nós, os telespectadores. De outro lado, a lembrança da escola primária, que se aparenta banal, mas, na verdade, é um belo puxão de orelha sobre a vaidade e a insignificância de problemas individuais.

Em meio às lembranças e análises do destino, o personagem não deixa de mencionar seu encontro com Alice, uma garota que conheceu em uma festa punk rock e, desde então, tornaram-se grandes amigos. Apesar de ter sentimentos por ela, Zero é bem desleixado e não identifica detalhes do relacionamento, então, o contato presencial era raro, deixando – quase – tudo entre bate-papos no MSN. Ainda assim, o protagonista demonstra-se gente como a gente. Expressar emoções e empatia está mais ligado às atitudes do que às percepções em si. Às vezes, um abraço e uma companhia para maratonar Gilmore Girls é tudo o que nós, ou melhor, a Alice precisa para sentir-se perceptível. 

Entrelinhas Pontilhadas é sobre não ter o controle de tudo. Zero não tem o domínio da sua vida, nem das pessoas ao redor dela, e, mesmo que controverso, também não comanda a própria consciência. A animação fortalece as incertezas da existência e tange como elemento de autoajuda. Embora contenha um humor ácido e extremamente cotidiano, a série aborda assuntos que são primordiais para a reflexão de qualquer telespectador. Queremos que a vida siga a linha pontilhada. Quando, na verdade, estamos rasgando a entrelinha sem olhar, pois temos medo de estar a quilômetros dos pontilhados. E, no fim de tudo, não tem problema romper fora os pontos da vida.

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Thuani Barbosa

Diversão, momentos família, intrigas de uma vilã descontrolada e até criaturas místicas. Tudo isso é o que você vai encontrar em The Loud House: O Filme, tão digno da realeza que, se The Crown fosse uma animação, seria essa. Por mais que seja uma narrativa infantil recheada de bom humor, boas amizades e todas as grandes lições que se espera desse tipo de produção, a história conta com reflexões de ‘gente grande’, como insegurança e a importância do apoio familiar. A família barulhenta vai conquistar espaço no seu sofá!

Lançado em 2021, a animação é dirigida por Dave Needham e vem de uma parceria entre a grande produtora de conteúdo infantojuvenil Nickelodeon e o streaming mais amado do Brasil, Netflix. A estreia não foi estrondosa, nem chegou a ficar no top 10 nacional, porém a produtora do desenho tem grandes planos, incluindo seu próximo lançamento preparado para este ano, um live action especial de Natal, contando com a presença de Brian Stepanek como Pai.

 A trama se  inicia com o que muitos veem como o personagem principal, Lincoln Loud (a dublagem original contou com Grant Palmer, Collin Dean e Sean Ryan Fox; e Wirley Contaifer dá voz ao garoto em português), ajudando sua família no decorrer do dia, mas, ao final, o menino é ofuscado pelas conquistas das irmãs e se sente menos especial por não ter um talento exclusivo. Assim, Lincoln decide procurar seus ancestrais e vai para a Escócia. No país da gaita de fole, kilts e golfe, ele encontra no Lago Loud sua essência de ajudar as pessoas no papel de duque. 

O longa tem muito carisma, mas, ainda assim, deixa a desejar pois tem partes mal exploradas, como o momento em que o protagonista passa a ajudar a cidade e rapidamente se torna duque, algo de extrema importância para a criação do ideal monárquico e a conquista do garoto, porém, ao contrário disso, o que se vê são dois minutos de ajuda e dez de canto e vangloria sobre ele. O ego repentino do nobre cuidador do povo se vai com a mesma rapidez que chegou, com as intrigas plantadas pela vilã Morag (dublada por Michelle Gomez na voz original), que, apesar de pertencer a uma animação, é sem sentido de uma maneira escrupulosa, a tornando irreal até mesmo para um desenho. Morag tem muito a aprender com Mãe Gothel, a vilã de Enrolados, esta sim sabe ser má, uma personagem bem construída com um motivo forte para justificar seus crimes, que se mantém potente, intimidadora e com grande personalidade.

Mas comparar criações da Disney com quaisquer outras é um enorme erro. Uma vez que a gigante cinematográfica tem um histórico de trazer personagens complexos e com referências ocultas para programas infantis há muito tempo. Talvez a falta de personalidade de alguns personagens de The Loud House se dê devido à sobrecarga de originalidade que as irmãs Loud – Lori, interpretada originalmente por Catherine Taber e na versão brasileira por Carina Eiras; Leni é dublada por Liliana Mumy e por Jullie; Luna, por Nika Futterman e  Mariana Torres; Luan,  Cristina Pucelli na voz original e Gabriela Medeiros; Lynn e Lucy são interpretadas por Jessica DiCicco; Lana, Lola e Lily são Grey Griffin e Lisa é Lara Jill Miller – carregam, cada uma com sua especialidade, que acabam tirando o brilho dos demais. O único que consegue se sobressair entre elas é Lincoln porque, de um jeito ou de outro, está sempre dando suporte com grandes feitos, mas mantém uma característica submissa e facilmente dispensável. 

O diretor Dave Needham já participou de várias produções animadas, como Trolls, O Poderoso Chefinho e PéPequeno, e traz uma característica forte das demais criações: o imaginário. Por mais que seja uma trama para crianças, a presença de criaturas místicas ou até imaginárias não é obrigatória, mas Dave usa e abusa de tal feito. Com a presença de dragões, feiticeiras e fantasmas, a história fica mais atrativa e divertida, o que compensa o enredo vago e sem grandes emoções, produzido por Kevin Sullivan e Chris Viscardi. A pequena dragão-fêmea Lela traz uma pitada de fofura, mas o que desenvolve o interesse de verdade é a fantasma de Lucy (interpretada por Jessica DiCicco na voz original e Tônia Mesquita na dublagem brasileira), a irmã gótica trevosa, que deixa o telespectador com vontade de descobrir mais sobre a família fantasmagórica.

Em contrapartida, a criatividade usada na trilha sonora criada por Philip White e Christopher Lennertz é incrível, repleta de canções animadas e que não saem da cabeça, que ajudam a segurar o ânimo do espectador no decorrer dos 87 minutos de filme. Já a grandiosidade do castelo super detalhado é um admirável trabalho de Karen Malach, em alguns momentos pode-se lembrar dos gráficos de (Des)encanto, uma vez que, quando o palácio é observado de longe, sua qualidade diminui não empobrecendo o efeito da imagem mas dando outras proporções.

Mesmo com a quantidade de problemas para suprir a necessidade criativa de quem vê, o produto audiovisual consegue entregar a mensagem de amor e amizade fortemente presente no âmbito familiar, mesmo com os sentimentos conflituosos e um dragão enfeitiçado tentando ameaçar a união. O jeito gentil e cuidadoso de Lincoln Loud conquista qualquer coração que tenha uma pitadinha de carinho, e vê-lo com medo de não ser o suficiente deixa pessoas em prantos, mas é um ótimo modo de ensinar as crianças o quão especiais elas são, todas com suas individualidades. Deixando um legado de amor próprio, amizade e família feliz, os Loud nos mostram que somos todos diferentes e isso não diminui nosso valor, pois somos todos preciosos com cada característica única.   

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A Pixar é muito conhecida por suas obras carregadas de mensagens profundas, e por sua tentativa de explicação de conceitos complexos para crianças. Durante os 35 anos de existência da empresa, eles trataram sobre depressão em Divertida Mente (2015), amadurecimento nos quatro filmes de Toy Story, o luto em Dois Irmãos (2020) e até o sentido da vida em Soul (2020). Parecia que a aventura era um bônus na história. Mas, eis que surge Luca, em junho de 2021, e os papéis se invertem. A mensagem está lá, mas não é o foco principal.

A história gira em torno de Luca Paguro (Jacob Tremblay é a voz original do personagem, e Rodrigo Cagiano dubla o garoto na dublagem brasileira), um monstro marinho de 13 anos que tem apreço pela superfície, mas que nunca chegou nem perto, pois seus pais o proíbem disso – lembra uma certa sereia bem famosa do estúdio parceiro. Então, rapidamente, somos apresentados a Alberto Scorfano (Jack Dylan Grazer/Pedro Miranda), outro ser da espécie de Luca, mas que vive em um farol na superfície. E, assim, começa uma história de amizade e aventuras que os dois passam, em busca de liberdade e aceitação.

O filme é dirigido pelo vencedor do Oscar 2012, na categoria Melhor Curta-Metragem de Animação, Enrico Casarosa, e traz uma aura infantil e desbravadora. O cineasta italiano utiliza de suas lembranças da infância para construir a cidade de Portorosso, e suas paisagens. Tudo é muito rico e, ao mesmo tempo, contido. Essa é uma das grandes diferenças do filme para os demais do estúdio: a criação de mundo. A Pixar sempre teve uma construção de cenários muito grandiosos, desde Monstrópoles até o minúsculo mundo dos insetos. Já em Luca, todo o universo dos personagens era em Portorosso, e, por poucos momentos, pode-se ver suas vidas no fundo do mar e suas peculiaridades.

Ainda falando sobre as questões técnicas do filme, Luca se destoa um pouco da forma convencional do estúdio em sua animação. E isso é extremamente benéfico. Mesmo que as texturas e riquezas de detalhes sejam uma marca registrada da Pixar, o longa traz uma diferença no desenho. Os personagens são mais cartunescos e arredondados, com cores vivas e performances como se estivessem em uma pintura. A transição dos protagonistas quando estão em sua forma humana e acabam se molhando, tomando sua verdadeira feição, parece como quando uma tinta aquarela encosta na água. 

Luca é um personagem fácil de se apaixonar. Ele é ingênuo, afetuoso e extremamente curioso. É lindo ver sua alegria ao conhecer aquele novo mundo, e depois sua vontade de aprender mais sobre o universo e tudo além de Portorosso. Já Alberto vai na contramão. Ele é excessivamente confiante e impulsivo, mas com um coração imenso. Com o passar do tempo, as feridas de Alberto são expostas ao público, e a conexão com ele é imediata, e se entende o real motivo pelo qual a Vespa é a solução dos seus problemas. 

O roteiro de Mike Jones e Jesse Andrews consegue construir uma amizade verdadeira entre os dois, e cresce com a chegada de Giulia Marcovaldo (Emma Berman/Beatriz Singer). A garota italiana é uma personagem encantadora, com sua audácia e vontade de ganhar o grande torneio de Portorosso. Sua aparição marca o ponto de partida do crescimento dos personagens.

A habilidade de transformar o pequeno em majestoso é o grande mérito do longa. A “Nova Iorque” do filme é uma vila italiana de duas ruas. O grande desafio é um triathlon: com os desafios de uma competição de natação, quem come mais rápido uma massa e um caminho de pedalada. O grande vilão, um adolescente chato – e bota chato nisso – que quer vencer as crianças. E o grande sonho, que vai mudar a vida deles, é comprar uma Vespa. Na simplicidade, Luca ganha sua forma, e encanta quem o vê. 

O filme ser simples não é um defeito. Não quer dizer que não há um desenvolvimento de personagens, ou que a narrativa é irrelevante, pelo contrário, a todo momento ele está em constante evolução. O crescimento de Luca, as feridas de Alberto – momento em que a Pixar consegue retirar as lágrimas do seu público –, a motivação pela qual os pais do protagonista não queriam o deixar ir para a superfície. No fim, o que temos é uma linda história para assistir no Disney+.

Porém, a produção desliza em um aspecto: ela acaba se apressando na construção. Em sua uma hora e trinta e seis minutos, algumas questões são corridas demais. Nos primeiros minutos do filme, nós conhecemos a família de Luca, sua casa e o Alberto, já o convidando para ir para a superfície, sem uma maior interação e exploração do mundo aquático. Mas isso não é algo que estrague completamente a experiência, só deixa com uma pontinha de que poderia nos dar um pouco mais.

Mesmo sendo simples em sua narrativa, Luca traz uma mensagem importante: a de se desprender de seus preconceitos, e crescer junto aos outros. É uma obra sobre proteção, aceitação e compreensão das diferenças entre as pessoas. Os criadores flertam disso com o público, ao inserir o pai de Giulia, Massimo (Marco Barricelli/Dláigelles Riba), como um homem truculento, sendo um dos personagens mais queridos e amáveis da história – além de ir contra o discurso capacitista ao colocá-lo como um PCD que nasceu sem um braço, e demonstrando sua força e autonomia. 

Não é à toa que muitos internautas ligaram o filme com a descoberta da sexualidade. Realmente, a situação passada pelos personagens é vivida pela comunidade LGBTQIA+, e frases ouvidas por eles são comuns em suas vidas. Uma cena em especial foi muito compartilhada, da avó de Luca dizendo: “Algumas pessoas nunca vão aceitá-lo. Mas algumas vão. E parece que ele sabe encontrar as pessoas boas”. Mas, isso pode ser amarrado a outras diferenças sociais, dependendo de suas vivências. Independente disso, a mensagem continua a mesma, de que é necessário exercitar o ato do respeito. E, se caso tentarem te menosprezar, dizendo que você não consegue algo, ou se você se sentir inseguro de algo, grite “Silenzio, Bruno”, e siga em frente. 

É difícil de ver um filme da Pixar contido, sendo que o último lançado por eles literalmente tentou explicar o sentido da vida. Então, Luca chega com essa visão mais ingênua, sem grandes conceitos, acessível a todas as idades. É o que chamariam de ‘filme Sessão da Tarde’, que agrada a família toda, perfeito para assistir em um domingo depois do almoço. Não acho que seja a melhor animação do estúdio, e tão pouco penso que essa era a pretensão dos criadores. Mas o selo da luminária saltitante pode atrapalhar nas expectativas. Se fosse um longa da DreamWorks, teria sido um dos melhores filmes do ano. Ainda assim, Luca é cativante e gostoso de assistir. Ele está disponível no Disney+, sem custo adicional, para apreciar com a família toda.

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Layla de Oliveira

A nostalgia é poderosa, e faz bem para nós. O esforço para relembrar alguma memória querida a partir fotos antigas, músicas e outros tipos de mídia possibilita facilitar o autoconhecimento e a conexão sentimental, aumentando a vitalidade e dando esperanças para o futuro. Por isso, muitos revivals e reboots estão preenchendo nossas TVs, cinemas e playlists; o consumidor merece receber essa felicidade.  

Então, quando a Netflix anunciou que estava produzindo Fate: A Saga Winx, uma série baseada no desenho italiano O Clube das Winx, a reação não poderia ser outra. Foi uma felicidade quase que generalizada, pois muitas pessoas cresceram e amaram aquelas seis garotas poderosas e incríveis que derrotavam as forças do mal, com direito a transformações mágicas e tudo o que tínhamos direito.

A animação original acompanha Bloom, uma adolescente que vivia normalmente na Terra, mas que a partir do momento em que ela encontra Stella, princesa de Solária e fada da luz do Sol e da Lua, tudo muda; a própria protagonista se descobre uma fada, com um poder ancestral e muito poderoso. Ela então segue para Alfea, uma escola especializada em ensinar fadas a controlarem seus poderes para se tornarem guardiãs, e lá conhece outras meninas: Flora, uma tímida fada da natureza; Musa, a fada da música e Tecna, fada da tecnologia. Na segunda temporada, as meninas conhecem Layla, princesa de Andros e fada das ondas, e ela se junta à equipe. 

O criador da animação, Iginio Straffi, percebeu a escassez de desenhos de ação com protagonistas femininas; então resolveu introduzir uma série animada que acompanha meninas jovens, pois ele estava interessado em “explorar o lado psicológico” de uma transição para a vida adulta. Inspirando-se em animações japonesas e juntando-os com elementos europeus, Straffi modelou cada uma das personagens baseada em alguma celebridade popular no início dos anos 2000: Bloom foi inspirada por Britney Spears; Stella, por Cameron Diaz; Jennifer Lopez foi a referência usada para Flora; Pink para Tecna; Lucy Liu para Musa e para Layla, a modelo foi Beyoncé. Essa foi uma estratégia usada pelo italiano para “representar as mulheres da atualidade”.

Por conta do desenho ser tão memorável e icônico, a Netflix tinha uma grande responsabilidade nas mãos, pois a expectativa era enorme. Então, o estúdio resolveu deixar claro que existiriam algumas diferenças entre a série live-action e o material original, como a substituição de Flora por Terra, a junção das Trix em uma personagem só, e a ausência de Tecna. Todas essas mudanças já deixaram os fãs do desenho com um pé atrás, especialmente a falta perceptível de uma das meninas; porém, isso não afetou drasticamente a empolgação do público, que ainda mantinha-se animado com a adaptação. 

O showrunner da versão da Netflix, Brian Young, foi um dos motivos para os fãs se manterem calmos: ele prometeu que todos que amavam as Winx quando crianças iriam se sentir contemplados pela série, e adicionou que ela teria um tom mais sombrio, voltado para agradar o público jovem adulto, “uma nova versão do desenho para agradar quem cresceu o assistindo”. Contudo, a partir do momento em que o trailer de Fate: A Saga Winx foi lançado, o desapontamento tomou conta de muitos, eu inclusa. Mas ei, depois de uma tempestade vem o sol! Então, ainda havia esperanças. Pequenas, mas elas estavam lá. E no dia 22 de janeiro, a série foi lançada e tudo se concretizou; no meu caso, foi um pesadelo mesmo, e por muitos motivos.

Primeiro, o próprio plot do seriado, que pode ser resumido em um monte de clichês de séries adolescentes misturadas no liquidificador, mas com uma pequena pitada de tempero de fada. Basicamente, a história contada é de Bloom (Abigail Cowen), que chega ao mundo mágico de Otherworld para estudar na escola mágica de Alfea depois de um acidente que envolveu seus pais, e mais especificamente a mãe, com quem Bloom não possui uma boa relação. Além de toda a questão eu-sou-incompreendida-pelos-meus-pais-mas-no-final-eu-entendo-que-eles-me-amam-e-só-querem-meu-bem, usada em praticamente 97% de toda mídia adolescente, um dos conflitos que envolvem a nossa ruivinha é um triângulo amoroso. Logo no primeiro dia, ela conhece Sky (Danny Griffin), um especialista, e há/era pra ter tido uma conexão instantânea entre os dois, mas aí aparece Stella (Hannah van der Westhuysen), que além de ser a guia de Bloom no primeiro dia e sua colega de quarto, também é a ex-namorada dele. Ou atual namorada. É complicado.

Enquanto frequenta as aulas em Alfea e aprende a controlar seus poderes, Bloom divide um quarto com outras meninas além de Stella, sendo elas Aisha (Precious Mustapha), Terra (Eliot Salt) e Musa (Elisha Applebaum). Todas elas possuem habilidades totalmente diferentes, porém possuem algo que Bloom não tem: a vivência em um território mágico. Ela então se sente deslocada, e procura saber mais sobre as origens de seus poderes de fada, tendo em vista que seus pais são humanos; ao questionar a diretora Farah (Eve Best), percebe que existe algo sendo escondido, então ela mesma decide saber mais sobre si. 

Não é um enredo totalmente arrasador, e muitas vezes Fate: A Saga Winx  falha em convencer o espectador em certas coisas, utilizando tantas frases clichês e supérfluas sobre feminismo ou qualquer outra coisa que parecem que foram compradas em liquidação. Mas tudo bem! Mesmo sendo uma farofa retirada diretamente de outras dez séries, é algo necessário de vez em quando. Entretenimento é entretenimento, e às vezes o que importa é servir como diversão. Respeito totalmente, e até porque é algo que pode melhorar numa segunda temporada, quem sabe. Nada de mais. 

Mas certas coisas eu não respeito, não entendo e especialmente, não perdoo. A primeira delas é a representação da amizade das Winx. No desenho, a amizade entre as seis meninas é construída na base do respeito, entendimento, apoio e amor, e é um dos motivos para ser tão marcante nas nossas memórias; enquanto isso, na adaptação da Netflix, a relação é facilmente resumida em uma única palavra: conveniência. Elas só se tornam amigas porque moram juntas, e consequentemente, o problema de uma delas afeta a vida das outras. Nos poucos momentos em que é possível testemunhar uma ligação mais forte entre as personagens, ela ocorre somente entre duas delas, tornando aquele discurso de “estamos aqui para o que precisar!” difícil de acreditar.

Não só isso, mas a personalidade das próprias fadas mágicas de Alfea foram alteradas. Bloom foi de corajosa e altruísta para simplesmente revoltada e impulsiva; Flora, que era tímida, foi substituída por Terra, que é mais falante, porém isso é demonstrado como inconveniente muitas vezes durante a série; Layla/Aisha, a princesa que sempre viveu de maneira isolada mas se mostrou valente, virou apenas a ‘amiga negra’ e responsável; Musa, cujo grande poder era a música, apenas a usa como uma válvula de escape, e isso talvez seja o menor dos problemas. A pior de todas foi Stella, pois parece que toda a informação que a produção tinha sobre a personagem era princesa e loira; assim, conseguiram fazer uma patricinha do bem à la Cher Horowitz virar a Regina George que tem poderes de luz.

Isso sem falar no tal do triângulo amoroso já citado. Imagino que o propósito dele seja mostrar que tudo bem se surgir algum problema por conta de um garoto. “Ele pode ser resolvido!” “Diga não à rivalidade feminina!” Bem, se Fate: A Saga Winx queria dizer não para esse tipo de coisa, para quê enfiar isso no meio da história? Sabe, existem muitas outras coisas que podem incitar algum conflito entre duas amigas. A relação de codependência emocional entre Sky e Stella é até engolível, mas depois de tanta briga, é resolvida de maneira tão simples que a única reação possível é um grande ‘ué?!’.

Existe outro problema que vou ter que comentar, desculpa. As roupas. A droga das roupas. A única coisa que posso dizer que admiro é a consistência, pois no momento em que eu descobri que a figurinista, Catherine Adair, trabalhou em Desperate Housewives, tudo fez sentido. Baseando-se nos quatro elementos, couro, jaquetas bomber, brilho e tweed, foi composta a caracterização dos personagens, que aliás são jovens de 16 a 18 anos, mas parecem ter uns 30 graças aos trajes. 

Em pleno renascimento da estética dos anos 2000, o auge do Y2K, Fate: A Saga Winx resolveu apostar em vestimentas chatas; por favor, o impacto na moda que essa série deveria ter. Seria um fechamento perfeito para essas tendências, com expectativa e classe; mas não, vamos nos restringir ao monocromático, porque fogo é vermelho, água remete ao azul e verde-musgo é claramente uma mensagem subliminar para a terra.

E quando você acha que não pode piorar, surgem duas novas cabeças no lugar da que acabou de ser cortada. Infelizmente presente em muitas produções, a série Fate: A Saga Winx não conseguiu escapar do famigerado whitewashing. As vítimas, Musa e Flora/Terra, são representantes da Ásia Oriental e de países latino-americanos, respectivamente; que foram substituídas por mulheres que, se não forem totalmente brancas, são white-passing. 

No material original, o planeta natal de Musa, Melody, é uma clara referência a países como China, Japão e Coréia do Sul, o que compõe uma parte importante do desenvolvimento da personagem e também da representação presente no grupo. Já a situação com a Flora é um pouco diferente, afinal, são personagens diferentes. Terra até a menciona em um episódio, dizendo que elas são primas, o que significa que talvez ela realmente exista nos moldes originais. Mas então, para quê aconteceu a troca? Por que não colocar a Flora como uma das personagens? 

Bem, uma das prováveis respostas seria por conta da diversidade de corpos e a representação de mulheres gordas na mídia. Brian Young disse ao The Guardian, relembrando o desenho, que “ninguém é assim. Era a coisa mais importante para mim que todas as crianças pudessem sentir que se viam nisso”. Porém, mesmo este argumento se torna absolutamente fraco por dois motivos: o primeiro é que uma minoria não exclui a outra, e Terra poderia muito bem ser representada por uma atriz gorda e latina; e também, na série, Terra é caçoada em muitos momentos por ser gorda, além de ser uma figura irritante por querer agradar a todos. É assim que se abraça a diversidade nos dias de hoje, produção?

Eu entendo, juro que entendo mesmo, essa vontade que grandes estúdios têm de fazer materiais mais sombrios e realistas para os adolescentes de hoje, até porque isso não é uma novidade, considerando séries como Gossip Girl, Pretty Little Liars e muitas outras que fizeram sucesso na década de 2010. Apesar disso, gostaria de fazer um comunicado: fazer menção a sexo e drogas a cada dois minutos não torna as coisas maduras, só irritantes. E mesmo com tantos problemas, Fate: A Saga Winx não precisava colocar um filtro cinza e escuro sobre tudo! Tenha como exemplos Skins, que tem tanto adolescente problemático a cada metro quadrado e cores fortes ainda existem. E Euphoria, pelo amor.

Resumo da obra: não tenho problemas com o seriado em si, e sim com o fato de que foi vendido como uma adaptação de algo muito querido pelas pessoas. Se quisesse usar como inspiração, ótimo. Se quisesse fazer uma adaptação mudando algumas coisas, ótimo, porque é isso mesmo que acontece; mudanças ocorrem para fazer com que o material original siga as normas da plataforma escolhida. Só não escolha ignorar completamente muitas das coisas que tornaram-se importantes para muitos dos consumidores e fãs das obras, e ainda por cima disfarçar e vender como se fosse nostalgia em forma de seriado. Porque em Fate: A Saga Winx, isso com certeza não aconteceu.

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Nathalia Franqlin

Finalmente chegou na Netflix a tão esperada continuação de Big Mouth. A série animada de comédia estreou em 2017, surfando nessa onda nova de animações para adultos nas plataformas de streaming. Ela conta com a participação de nomes relevantes no gênero, como seu co-criador Andrew Goldberg, que já participou do roteiro de Uma Família da Pesada. O criador da série, e amigo de infância de Andrew, Nick Kroll, também não é um novato nessa área, ele fez parte do elenco de Festa da Salsicha, que é – de fato – uma predecessora das animações esteticamente infantis, de gosto duvidoso e explicitamente sexuais.

Cada temporada de Big Mouth seguiu o desenvolvimento dos pré-adolescentes, em especial os melhores amigos Nick (Nick Kroll) e Andrew (John Mulaney). No primeiro ano, temos a chegada dos famigerados monstros hormonais na vida dos protagonistas, esse foi o começo do fim, o início da puberdade e o encerramento da infância. A priori, a série chocou e até repercutiu negativamente nas redes sociais entre os mais conservadores, pelo seu linguajar explícito e cenas grotescas. 

Já na segunda temporada, a trama perdeu um pouco o fôlego, diminuindo a quantidade de episódios escatológicos e tentando tomar um tom mais didático. Para isso, tratou de temas como ISTs e prevenção sexual, coisa que acabou por deixar Big Mouth cansativa, tediosa e, até mesmo, incoerente, já que, enquanto tomava um rumo educacional, continuava por mostrar de forma imprudente o uso da pornografia. 

Os anos recentes conseguiram se recuperar do catastrófico segundo. O terceiro chegou com um enredo muito mais interessante, buscando aprofundar os problemas pessoais dos personagens principais e focando na questão da masculinidade tóxica. Finalmente, a cereja do bolo: o quarto ano da série. O melhor até agora, mostrou o amadurecimento da narrativa e dos personagens, agora, adolescentes. Essa foi a única temporada da produção que conseguiu 100% de aprovação no site Rotten Tomatoes. 

A trama continua com foco nos melhores amigos. Mas, cada episódio desta temporada segue sendo um mais interessante que o anterior, e, apesar de todos  terem um certo nível de autonomia, o roteiro está muito bem escrito, fazendo com que eles trabalhem bem entre si. A quarta parte de Big Mouth não é maçante ou tediosa – como a segunda – não é aquele tipo de série que você assiste, com muita dificuldade, apenas pelo interesse no desfecho no final. Não, agora você vai querer maratonar a temporada toda de uma vez.

O primeiro episódio mostra como estão se desenvolvendo as intrigas geradas no final da terceira temporada com o beijo entre Missy e Nick, que deixou Andrew muito irritado. Este ainda se torna um bullie. Nesse ponto, é interessante como a série consegue desenvolver conceitos pouco materiais por meio de analogias, por exemplo, o sentimento de ódio que Andrew não consegue abrir mão se torna, literalmente, uma dolorosa e furiosa constipação intestinal, dublada por Paul Giamatti.

Logo no início, somos expostos a vários novos elementos e personagens singulares. Temos a aparição de Natalie (Josie Totah), uma adolescente trans. Big Mouth surpreende porque, de maneira geral, séries e filmes  – como o aclamado A Garota Dinamarquesa (2015) – tendem a tratar seus personagens trans como “personagens tipo”, ou seja, personagens extremamente genéricos e muito caricatos de um determinado grupo a ser representado, e sem a efetiva representação de atores e atrizes transexuais no elenco.

Mas não é isso que ocorre  aqui, começando pela atriz que dá voz à Natalie e também é uma mulher transexual. A personagem é uma menina complexa, tem suas próprias questões pessoais e sua personalidade não é apenas mostrar o orgulho trans ou ter um arco sofrido para se aceitar, ela é esperta, adora piadinhas de gosto duvidoso, fica ansiosa e insegura às vezes, mas tenta se mostrar forte e inabalável na maior parte do tempo. Ela é só mais uma pré-adolescente enfrentando grandes primeiras emoções e passando pela puberdade. 

Aparecendo junto com Natalie, temos Tito (Maria Bamford), o Mosquito da Ansiedade. Ele, sem dúvida, foi mais uma das sacadas geniais da série. Personificar um sentimento, como já havia acontecido antes com a Gata da Depressão (Jean Smart) e o Mago da Vergonha (David Thelwlis), é um dos melhores caminhos para demonstrá-los de uma forma que não vire gatilho para pessoa mais sensíveis, e mantém a proposta da série de explorar a puberdade enquanto “abraça as fraquezas do corpo humano e do sexo”. Tudo isso, claro, mantendo um tom leve e divertido.

Agora, o Mosquito é o responsável pela maioria dos conflitos envolvendo os personagens. Ele é irritante, insistente, não para de falar, sabe das maiores inseguranças de cada um e consegue alimentá-las; não é surpresa que essa seja a motriz do efeito dominó nos conflitos na série. É interessante como conseguimos nos identificar com os personagens quando eles estão vulneráveis pelo Tito, porque, de fato, todos já tivemos problemas com os mosquitos da ansiedade durante a adolescência, essa fase confusa tanto para nós, quanto para os personagens. Esse é, com toda certeza, um dos elementos que deixou essa temporada de Big Mouth tão provocante. 

Outro personagem que também ganha destaque é o Nick do futuro, ou Nick Starr. Ele não é novo dessa temporada, já havia sido mencionado anteriormente em um episódio do segundo ano de Big Mouth. Mas, agora, ele tem um destaque de super vilão ao estilo Psicopata Americano. Nick Starr é um episódio singular nessa temporada, ele quebra um pouco o ritmo da série e, a priori, pode ser incômodo para aquele que já se sente vidrado ao enredo. 

O capítulo do futuro acontece inteiramente na cabeça do Nick do presente, na forma de um pesadelo. Esse é o Nick completamente tomado por suas inseguranças e medos, ele é solitário, rico, viciado numa droga que o faz ter orgasmos, é narcisista e egoísta. Nesse futuro, há leis ambientais que protegem os mosquitos, todos idênticos ao Tito, e, por mais incômodos que eles sejam, ninguém pode matar nenhum, e também o planeta está entrando em colapso com o apogeu capitalista.

Esse não é o melhor dos futuros, mas é realista. Big Mouth, apesar de manter o mesmo nível desde o seu início, tomou um tom mais duro e crítico, talvez até mesmo sombrio. Isso é bem coeso, já que vemos esse mundo através dos personagens e, agora, é a vez deles estarem sendo, de fato, adolescentes e não mais pré-adolescentes, a infância morreu de vez. Eles não estão, necessariamente, mais maduros, e sim mais críticos, políticos, revoltados, ansiosos e inseguros.  

Outro ponto chave nessa última parte é a jornada de autoconhecimento de Missy (Ayo Edebiri). Ao final da terceira temporada, ela conhece Mona (Thandie Newton), sua Monstra Hormonal, o que leva ao fim da sua infância. O arco de descobrimento de sua identidade é uma das melhores partes desse ano. Missy é muito doce e gentil, mas precisa se descobrir e aceitar todas as partes de sua personalidade – incluindo a mais ousada e assertiva de todas. As várias Missys, incluindo a Missy revoltada e agressiva, a ajudam a iniciar sua adolescência e a se tornar menos inocente. Esse foi um desenvolvimento muito importante para a narrativa, ela ter ganhado tamanha progressão tornou a trama muito mais cativante. 

Ainda sobre a personagem, por causa do fomento nos debates sobre dubladores brancos dublarem personagens não-brancos, houve uma mudança no elenco dos voice actors. Missy não foi e não será mais dublada pela atriz branca Jenny Slate, agora  a atriz, escritora, comediante e produtora Ayo Edebiri será a porta-voz da personagem. Isso é pertinente também para a subjetividade da trama, já que esse é o momento em que a garota começa a se enxergar como uma pessoa negra e a levantar questões estéticas, sociais e culturais sobre sua auto expressão. Esse é o momento, por exemplo, que ela decide trançar o cabelo. 

Big Mouth realmente acertou nesta quarta temporada, trouxe elementos interessantes, amadureceu o tom e, finalmente, parou de incentivar o uso da pornografia. A Netflix já renovou a série para o quinto ciclo e, até mesmo, confirmou que haverá o sexto. Com base nas últimas datas de lançamento das temporadas anteriores, é provável que a próxima fique para o final de 2021, entretanto, ainda é possível que haja atrasos na produção em decorrência da pandemia e ela só esteja disponível no início de 2022. Agora, basta esperar para ver se ela vai seguir a evolução da quarta, se manter no nível das primeiras, ou nos surpreender ainda mais.

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Júlia Paes de Arruda

Os versos poéticos e dançantes das músicas de Enrolados marcaram a geração que viveu as propagandas do seu lançamento, 10 anos atrás, no Disney Channel. Era impossível trocar de canal ao ouvir qualquer canção promocional. Essa paixão, na época, fez a adaptação do conto de Rapunzel superar o sétimo filme de Harry Potter nos Estados Unidos e ganhar o coração dos fãs apaixonados pelas histórias de princesas Disney. 

A narrativa é focada na história de Rapunzel (Mandy Moore), uma jovem confinada numa torre com longos cabelos loiros, que se debate com o bandido Flynn Rider (Zachary Levi) tentando se esconder da segurança do reino. A fim de seguir seu sonho para encontrar as luzes flutuantes que surgem no dia do seu aniversário, a garota faz um acordo com o criminoso para ajudá-lo a escapar em troca da aventura luminosa. 

Mesmo tendo muitos aspectos em comum, Enrolados se difere do conto original de Rapunzel, organizado e publicado em 1815 pelos irmãos Grimm. O aprisionamento da menina é a chave de ambas as histórias, mas os antecedentes dele são divergentes. A época das obras, obviamente, é a explicação para tal discrepância. A protagonista do filme é destemida e independente, e não demonstra esforço em se defender com uma frigideira quando vê Flynn Rider subir por seus cabelos até a torre. A de Grimm, no entanto, é o retrato da visão da mulher submissa e passiva da época.

A direção de Nathan Greno e Byron Howard (junto com Dan Fogelman no roteiro) nos apresentou uma Rapunzel muito mais audaciosa e criativa. Ela busca sair do cárcere para satisfazer seus próprios anseios e se reencontrar como pessoa depois de anos presa numa torre. No conto, a jovem, mesmo tendo encontros às escondidas com sua grande paixão (um costume “inadequado” para a mulher da época), só se rende a sair do confinamento quando é pedida em casamento. Apesar das duas precisarem de uma representação masculina para realizar a fuga, os princípios delas são antagônicos.

Apesar de Enrolados ter concretizado os ideais feministas, A Princesa e o Sapo (2009) já dava indícios dessa influência. Tiana é o retrato da mulher moderna, que trabalha, luta e conquista seu espaço, apesar de receber críticas e desaprovações, a fim de realizar seus sonhos. Mesmo após se casar com um príncipe, toda a riqueza que acompanha seu novo status não é capaz de fazer com que ela própria compre e comece seu próprio negócio. Rapunzel pode não ter sido capaz de ser empreendedora, mas, ao libertar-se da torre, ela pode sair da sua zona de conforto, enfrentar o mundo e experienciar novas sensações. 

O amadurecimento da personagem é o percurso da narrativa em ambas as obras, porém a forma que a Mãe Gothel encara essa situação se difere. Na original, o ápice do crescimento da protagonista é através da gravidez. Como não se sabe a finalidade da vilã permanecer com a garota, a alternativa escolhida é expulsá-la para seguir sua vida. Isso poderia ser uma clara alusão ao destino das mulheres da época que tinham filhos antes do casamento. Já na adaptação, o público conhece as intenções de Gothel com Rapunzel e sabe que o relacionamento das duas não é genuíno, muito menos recíproco. Dessa forma, ela tenta manter a personagem na inocência para que ela não fuja para a verdade (uma espécie de Mito da Caverna moderno), visto na música “Sua Mãe Sabe Mais”. 

Recentemente, muitos fãs surgiram com teorias de que Rapunzel já previa em 2011 a pandemia de coronavírus. Obrigados a permanecer em casa com o propósito de não fazer o vírus circular, as pessoas precisaram se reinventar e criar formas de afastar o tédio e, até mesmo, a própria loucura. Quem diria que um dia estaríamos presos dentro das nossas torres, tentando imaginar ‘quando a minha vida vai começar’?

A animação também abre espaço para discutir a humanização dos vilões. A música “Um sonho eu tenho” é o exemplo mais palpável para isso. A fala anterior a canção já é significativa: ‘Eu tive um sonho uma vez’, parafraseada do discurso tão emblemático de Martin Luther King Jr. Entre muitas ‘(…) marcas, cicatrizes / inchaços e varizes’, os personagens vestidos com trajes viking almejam sonhos totalmente fora do padrão ‘malvado e violento’, como ser decorador e florista. Há, ainda, os que têm hobbies considerados femininos como o apreço à unicórnios, tricôs e à moda. O clichê ‘não levar pela aparência’ é válido para a trama, uma vez que a verdadeira vilã é a Mãe Gothel, a qual foge do completo estereótipo de ‘brutos, maus, golpistas e grotescos otimistas’. 

O próprio Flynn Rider (na verdade, José Bezerra) é outro exemplo de levar pelas aparências. O “príncipe” da vez, na verdade, não é nobre e muito menos rico. Ele se aproxima da realidade ao se mostrar um garoto órfão que, por sonhar com melhores condições de vida e muitas aventuras como nas histórias que escutava, acaba entrando na vida do crime. 

A fotografia do filme (responsabilidade de Alan Menken) é magnífica, toda trabalhada em tons de amarelo e roxo. O significado das duas cores se complementam já que uma remete ao sentimento de alegria e de otimismo, enquanto a outra reafirma o sentido de realeza, muito ligado ao conceito de espiritualidade. Todas essas ideias transparecem nas cenas, mesmo que seja de forma subliminar. 

A caracterização da personagem, com cabelos loiros e vestido lilás, é a mais clara: Rapunzel é a junção de todos esses sentimentos, principalmente na situação em que fica em dúvida se sua saída da torre é motivo de alegria ou não. O lado místico vem do poder curativo de seus cabelos, adquiridos de uma flor agraciada com um poderoso raio de luz solar. Essa combinação de cores promove, também, o ápice de toda a trama. Vejo, enfim, a luz brilhar marca o propósito da aventura do casal. Os tons de roxo e amarelo ficam mais evidentes, principalmente pelo contraste das luzes com o mar e o céu. 

Ainda sobre a espiritualidade das cenas, as lanternas remetem a uma cerimônia real que ocorre na Tailândia. O Festival das Lanternas é um evento dedicado a Buda e surgiu como um meio de libertar todo o sofrimento e levá-lo para longe. No filme, elas são uma forma do reino homenagear o aniversário da princesa perdida e confortar o coração de todos. A combinação da cena com a letra da música é encantadora e aquece o coração de quem a ouve. É quase impossível não se apaixonar por todo cenário, ainda mais porque o relacionamento romântico entre as personagens se mostra cada vez mais concreto. 

Graças à Enrolados (Tangled, no original), os lançamentos seguintes como Frozen e Moana puderem beber do mesmo conteúdo e trazer protagonistas mais coerentes com o mundo em que vivemos hoje. Em ambas as produções, a figura masculina já não é fundamental e torna-se coadjuvante. O heroísmo das princesas, mesmo ligada a certo tipo de magia, estão vinculadas ao seu poder de audácia e da perspicácia. O fato de serem independentes já é um grande salto em relação aos primeiros filmes como Branca de Neve e os Sete Anões e A Bela Adormecida. É inegável ver como o pensamento da época influencia o caráter mercadológico das produções. 

Além das animações, os live-actions de Aladdin e Mulan também apostaram nessas ideias. Mesmo com mudanças de roteiro, a interferência delas enriqueceram as produções e as tornaram mais realistas. Jasmine cantando Ninguém me Cala e Mulan liderando o batalhão imperial são as referências mais explícitas de citar o empoderamento de forma sutil e nada forçada. 

Dessa forma, a magia por trás de toda princesa é ser real e agir por ela mesma, sem perder sua essência para que possa atingir seus princípios. Apesar de Rapunzel ter ficado com medo de ir atrás dos seus sonhos, sua ambição e a voz do seu coração foram mais fortes que o medo da decepção. Pode-se dizer que agora, ‘tudo é novo, pois agora eu vejo/é você a luz’. 

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Medir com precisão o impacto real que a mídia tem sobre nós pode ser uma tarefa complicada. Mesmo que a popularidade de um determinado filme ou série possa ser tão grande e absoluta que pareça impossível escapar de seu olhar, é complicado dizer como o tempo vai julgá-la. Há cerca de um ano atrás, acompanhávamos fervorosamente o final de Game of Thrones, inegavelmente uma das séries mais populares de todos os tempos, enquanto hoje, não fossem pelas controvérsias de seus criadores e os derivados prometidos pela HBO, talvez sequer falaríamos mais do programa.

No entanto, algumas obras sobrevivem tão ferrenhamente ao teste do tempo – de fato, melhorando com ele – que é impossível não gravá-las em nossas mentes e reverenciá-las além da mera nostalgia. Tal é o caso de Avatar: A Lenda de Aang, que estreava há pouco mais de 15 anos na Nickelodeon, em 21 de fevereiro de 2005.

É difícil falar com alguém que acompanhou Avatar durante os anos seguintes e não sentir o profundo impacto que a série animada causou nele(a), seja por suas temáticas bem articuladas, suas narrativas extremamente emocionantes ou por seu estilo visual diferente da maioria das animações ocidentais da época.

Caso você ainda não esteja familiarizado com ela, Avatar: A Lenda de Aang é uma série animada de aventura e fantasia criada por Bryan Konietzko e Michael Dante DiMartino que toma como inspiração diversos aspectos de culturas orientais e os organiza para criar uma mitologia ao mesmo tempo compreensível e desafiadora. Ao longo de três temporadas, ou “livros”, Avatar nos apresentou a um mundo vivo, que respirava juntos de seus personagens dinâmicos e carismáticos.

“Há muito tempo, as nações viviam em paz e harmonia”

Na ficção de Avatar, existem quatro grupos capazes de dominar os diferentes elementos da natureza: a Tribo da Água, o Reino da Terra, a Nação do Fogo e os Nômades do Ar. Entre eles, apenas o Avatar é capaz de dominar todos os elementos e de manter o equilíbrio entre as quatro nações. Porém, há cerca de 100 anos ele desapareceu sem deixar qualquer rastro e a Nação do Fogo se aproveitou de sua ausência para atacar as outras.

No início da série, dois irmãos da Tribo da Água, Katara e Sokka, encontram o Avatar desaparecido preso em um iceberg: Aang, um menino dominador de ar, junto com seu gigantesco bisão voador, Appa. E assim os três embarcam em uma jornada épica para ensinar Aang a dominar os outros três elementos para poder desafiar o Senhor do Fogo e acabar com a guerra.

Muitos argumentam que a popularidade de Avatar pode ser rastreada até a premissa da história, que lida com temas complexos como o custo da guerra e as atrocidades que os seres humanos são capazes de cometer uns contra os outros. Logo nos primeiros episódios, vemos Aang descobrindo que não apenas todos aqueles que ele conhecia estão mortos, mas que todos os Nômades do Ar foram sistematicamente eliminados, deixando-o como o titular “último dominador de ar”.

Mas é possível defender exatamente o contrário: que A Lenda de Aang nos cativou justamente porque era direcionado a um público infantil, mas que procurava transmitir uma mensagem ao invés de apenas distrair. Durante a viagem, vemos as personagens passarem por traumas e tribulações que não só os desafiam, mas que também os vão mudando, episódio a episódio, ao longo de três temporadas habilmente estruturadas e desenvolvidas. E em nenhuma personagem vemos isso melhor do que no príncipe Zuko.

“E aí tudo isso mudou quando a Nação do Fogo atacou.”

Inicialmente o antagonista principal da série, Zuko tem um objetivo claro desde o início: capturar o Avatar e, assim, reconquistar sua honra (essa parte é bem importante, ele repete várias vezes) para poder retornar para a sua casa e obter o amor de seu pai, o Senhor do Fogo Ozai. Ao lado de seu sorridente tio Iroh, Zuko parece se importar com pouca coisa além disso, dedicando todo o seu tempo à procura do misterioso Avatar, que parece ter subitamente retornado dos mortos.

É no décimo-segundo episódio da primeira temporada, “A Tempestade”, que vemos o porquê dessa obsessão. Ao mesmo tempo que ouvimos Aang contar a história de como ficou preso no iceberg, fugindo da responsabilidade de ser o Avatar, ouvimos sobre como Zuko foi punido por defender soldados da Nação do Fogo, sendo obrigado a lutar contra o seu próprio pai e como ele foi posteriormente desfigurado e exilado por conta de sua recusa em lutar. A partir daí, somos obrigados a julgar as ações de Zuko não como as de um vilão, mas como a de um filho perdido tentando resgatar o afeto de seu pai.

É uma história trágica que se desenrola ao longo da série, revelando o verdadeiro caráter de Zuko em momentos pequenos, como no episódio “Zuko Sozinho”, da segunda temporada, em que ele é forçado a defender uma aldeia de fazendeiros do Reino da Terra sob o disfarce de um espadachim solitário, numa clara inspiração do gênero western (que por sua vez se inspira nos filmes de samurai japoneses). Em momentos como esse, somos capazes de ver a sombra de quem Zuko era, tornando momentos em que ele entra em conflito com o time Avatar ainda mais dramáticos, porque sabemos que tanto Aang quanto Zuko estão encarando a mesma tempestade, apenas em circunstâncias diferentes.

O arco do príncipe exilado também acompanha uma crescente dramatização da guerra entre as nações. No mundo de Avatar, nenhum conflito é pintado em preto e branco. Conforme nossos heróis viajam, eles observam situações de injustiça em todas as nações, fazendo com que Aang e até a própria audiência entendam que restaurar o equilíbrio do mundo é uma tarefa muito mais complicada do que parece.

Durante a terceira temporada, que se passa em grande parte no território controlado pela Nação do Fogo, eles aprendem o que significa fazer parte do regime autoritário e belicoso de Ozai. Esse é o território onde a máquina da guerra trabalha mais arduamente, exaurindo os recursos naturais e ensinando aos cidadãos que a guerra é um meio de partilhar a riqueza deles com o resto do mundo. As únicas pessoas favorecidas pela guerra são aquelas que nunca tem que lutar nela – uma mensagem corajosa para se dar em uma animação transmitida nos Estados Unidos, um país que partilha de várias das mesmas pretensões imperialistas que os vilões da história.

É intensamente satisfatório ver Zuko tentando ser melhor, mesmo que ele falhe diversas vezes, porque nos lembra que tentar ser uma boa pessoa nem sempre é fácil ou simples; muitas vezes os seus desejos vão entrar no caminho e vão te fazer tomar decisões das quais você talvez se arrependa. Nunca é fácil dar um passo para trás e reconsiderar o que você realmente quer, mas é um pouco mais fácil quando se tem pessoas que acreditem em você e no que você é capaz.

“Existe um pouco do Zuko em todos nós. Todos nós queremos reconquistar honra, todos fomos mal compreendidos e queremos provar que os outros estão errados – especialmente aqueles com os quais mais nos importamos.” – Dante Basco, dublador original do Zuko, em entrevista à Vice

O tio de Zuko representa uma parte igualmente importante desse processo. Um antigo general da Nação do Fogo, Iroh vai lentamente se revelando alguém mais sábio do que seu semblante leve e descomplicado sugere. Em um momento marcante da segunda temporada, o falecido dublador do personagem, Mako, é homenageado em um momento que acrescenta um teor melancólico em todas as atitudes desde então, e recontextualiza sua relação com seu sobrinho em algo ainda mais profundo.

Iroh é definitivamente uma das figuras paternas mais positivas da história da televisão e seu papel na história de redenção de Zuko é essencial. É possível preencher um livro inteiro apenas com ensinamentos que ele dá ao sobrinho e a outras personagens que cruzam o seu caminho no decorrer da jornada dos dois.

“Não, Zuko! Nunca se deixe levar pelo desespero. Se você se permitir ir por essa estrada, vai se render aos seus instintos mais baixos. Nos tempos mais sombrios, temos que dar esperança a nós mesmos. Esse é o significado da força interior” – Tio Iroh

“Só o Avatar domina os quatro elementos e pode impedi-los”

O extenso mundo de A Lenda de Aang se revela através de seus personagens, não só por pura exposição, mas por diálogos extremamente pessoais e bem desenvolvidos. Quaisquer aspectos do mundo que nossos personagens encontram são geralmente entregues através de outros personagens, de modo que os temas e conflitos da história são sempre dinâmicos e, com frequência, emocionantes. O trabalho dos roteiristas em adequadamente caracterizar as personagens dessa maneira e ao mesmo tempo dar espaço para que eles cresçam e ainda personalidades muito marcantes não é nada menos do que louvável.

É incrivelmente marcante ver Aang crescer ao longo da série, muitas vezes de maneiras inesperadas. O garoto de 12 anos que não perdia uma oportunidade para brincar com os amigos e esquecer, mesmo que por alguns momentos, a responsabilidade pelo equilíbrio do mundo dá lugar a um herói mais maduro e preparado, mas que nunca perde sua sensibilidade e sua gentileza, características que o separam radicalmente de outros heróis da ficção americana.

Também vemos Katara e Sokka crescendo e sendo obrigados a assumir lugares de liderança na luta contra a Nação do Fogo, com Katara sendo o eixo emocional sobre o qual a história gira, fornecendo ânimo e apoio a todos os outros personagens, e Sokka se tornando um estrategista sagaz e pouco convencional. Katara, especialmente, se torna uma das personagens femininas mais dinâmicas já retratadas na televisão, com emoções e sentimentos que vão muito além do que esperávamos de personagens animados na época.

Não há como esquecer de Toph Beifong, introduzida na segunda temporada e que se torna a professora de dominação de terra de Aang (curiosamente, uma das únicas personagens do mundo de Avatar a ter um sobrenome). Toph decide seguir Aang não apenas para ajudá-lo a salvar o mundo, mas também como uma maneira de escapar dos braços superprotetores de seus pais, que não conseguem aceitar o seu gênio em dominação por ela ser cega. Apesar de fazer piadas ocasionais com sua condição, A Lenda de Aang acerta ao tratar esse aspecto da personagem com sensibilidade e tato, dando tanto leveza quanto cadência às discussões feitas na série.

Em um exemplo de como o desenvolvimento do mundo se atrela diretamente aos personagens e suas jornadas, vemos Toph desenvolvendo uma nova técnica de dominação que lhe permite manipular metal por meio dos elementos presentes no solo, enquanto Aang aprende sobre chakras e como nada no mundo está realmente isolado: tanto as nações quanto os elementos são conectados, e somos nós que construímos as fronteiras que os separam. É um sentimento repetido ao longo da série por personagens como Iroh, que atribuem sabedoria à noção de que o conhecimento deve vir de várias partes e que, isoladamente, ele se torna velho e obsoleto.

Outra personagem que surge durante a segunda temporada é Azula, irmã de Zuko e herdeira de Ozai, uma dominadora de fogo extremamente poderosa e ardilosa, que permanece um passo à frente de seu irmão e de Aang durante quase todos os episódios que aparece. Sua habilidade nata em manipular e iludir os heróis a coroam como uma boa vilã, mas é especialmente sua dinâmica com Zuko que realmente a fazem brilhar. No irmão, ela vê apenas a fraqueza e a falta de convicção que o levaram a ser banido. Nela, Zuko vê o amor que foi incapaz de receber do próprio pai. É uma tragédia familiar shakespeariana de proporções épicas.

O mundo de Avatar é construído através de diversas culturas e ideias: cada nação é moldada analogamente a uma cultura que existe de verdade. A Nação do Fogo possui elementos e estéticas que remetem ao japão feudal, enquanto o Reino da Terra possui um território grande e uma arquitetura reminiscente de estruturas chinesas. As Tribos da Água (uma localizada no Polo Norte e outra no Polo Sul) usam de inspiração os povos inuítes e os Nômades do Ar possuem templos espalhados por todas as nações e que fazem analogia à cultura dos monges budistas.

Não apenas isso, mas a maneira com que elas dominam os diferentes elementos é baseada em diferentes artes marciais que seguem a lógica de seu próprio elemento: a dominação de fogo é agressiva e seus dominadores usam os braços e pernas de maneira ofensiva durante o combate, enquanto a dominação de água usa o movimento do corpo como um chicote, prezando pela fluidez e equilíbrio dos movimentos. A dominação de terra, que geralmente envolve chutes e o movimento das pernas, foi adaptada para Toph, que usa a sola dos pés para localizar os oponentes e que deve então manter os pés em contato com o chão o tanto quanto possível.

“Eu acredito que um dia Aang vai salvar o mundo”

Uma das razões pelas quais Avatar permanece tão presente no imaginário popular – presente o suficiente para inspirar uma sequência em 2012 e um novo remake em live-action produzido pela Netflix, além de diversas HQs e livros que exploram ainda mais seu universo – , é o seu encerramento. Poucas séries conseguiram se encerrar em uma nota tão positiva quanto A Lenda de Aang. Em um espaço de apenas quatro episódios, estruturados como um filme de 1h20, Avatar traz um encerramento para diversos arcos que vinham sendo estabelecidos ao longo das temporadas, de forma poderosa e impactante.

Após Aang subitamente desaparecer, nossos heróis se reúnem com  todos os aliados disponíveis e fazem um plano às pressas para tentar atrasar os planos do Senhor do Fogo: enquanto Sokka e Toph tentam parar sua frota de dirigíveis mortais, Zuko e Katara partem para desafiar Azula pelo trono da Nação do Fogo. Ambas tramas exibem o melhor de seus personagens durante seu último grande esforço.

No conflito entre Zuko, o príncipe redimido, e Azula, que fica cada vez mais instável nos últimos episódios após ter sido traída por todos em quem confiava, vemos o vilão máximo da série: gerações de famílias sendo guiadas por ódio e ambição, e não por amor ou afeto. Na loucura de Azula, a expressão máxima da falta desse afeto, e na redenção de Zuko, a presença curadora que o amor pode ter. Um amor que não veio de seu pai, mas de seu tio, a única pessoa que sempre acreditou nele. Não é nada mais justo esse duelo terminar com Zuko salvando alguém ao invés de destruindo: salvando Katara ele se redime completamente, terminando com o ciclo de violência que manteve sua família presa por tanto tempo ao ódio e à guerra.

Em um momento absolutamente crucial da trama, em que todos os planos falharam e nossos protagonistas estão correndo contra o tempo para impedir uma catástrofe, a série ainda abre espaço para aprofundar um de seus principais conflitos: como verdadeiramente trazer o equilíbrio para o mundo? Apenas quando vemos Aang tendo que decidir se vai ou não tirar a vida do Senhor do Fogo é que vemos o tamanho dessa escolha. Seria fazer algo que fosse contra todos os ensinamentos dos Nômades do Ar, para quem toda vida é sagrada. Mesmo que fosse para o bem do mundo, como é o dever do Avatar, seria algo contra a própria natureza de Aang. Até mesmo suas vidas passadas pedem que ele coloque o mundo em primeiro lugar antes de seu próprio equilíbrio.

Após uma luta brutal na qual o poder dos dois é potencializado pela passagem do Cometa de Sozin, Aang finalmente se conecta ao Estado Avatar e é capaz de utilizar a sabedoria de todos os Avatares que vieram antes dele e combiná-las em uma forma de combate devastadora. Após passar o embate inteiro na ofensiva, é quase eufórico ver Ozai tendo que recuar desesperadamente, tamanha é a magnitude da presença de Aang.

E nesse, que talvez seja o momento definitivo de toda a série, Avatar nos entrega sua conclusão definitiva: o equilíbrio do mundo tem que começar com o equilíbrio em si mesmo. Justamente ao poupar Ozai, Aang se torna capaz de adquirir o poder para derrotá-lo. A série recompensa Aang não por se sacrificar, mas por se ater aos seus ideais, mesmo quando parece não haver escolha. A acreditar nele mesmo, mesmo quando todos parecem duvidar. E esse é um encerramento extremamente poderoso para a história de um garoto que acordou em um iceberg e teve que descobrir que todo o seu povo e sua cultura foram dizimados.

Por fim, Avatar: A Lenda de Aang nos entregou aquilo que muito poucas séries conseguiram fazer até hoje: um encerramento que acaba não apenas por cima, mas atinge novas alturas, que fecha os ciclos de suas personagens em arcos catárticos, tensos e emocionantes com um dos finais mais finamente orquestrados da história da televisão.

É extremamente ingênuo achar que Avatar não é uma série para crianças porque ela fala de tópicos “adultos”. É uma série voltada para crianças, mas que pede mais delas do que a maioria. Seria completamente possível vê-la apenas pelas lutas acrobáticas e chamativas e pelo tom épico, não fosse pelas vezes que a série pede diretamente que o público considere e absorva a mensagem que passa. É essencial a produção de mais séries como Avatar, que falem com um público infantil de uma maneira madura e que os respeite como seres humanos, que fale com eles através de humor, tristeza, paixão e todas as outras emoções que as crianças são sim capazes de ter e identificar.

“Se você simplificar demais esse tipo de coisa, pode funcionar para crianças de 6 ou 7 anos, mas até as de 11 vão rejeitar aquilo que não reflete o mundo em que elas vivem. Você consegue criar uma narrativa incrivelmente empática e que respeite a inteligência da audiência? Fazendo isso, você constrói uma história com um impacto incrível para alguém jovem e que permanece com essa pessoa conforme ela envelhece. Porque o que nós escrevemos ainda é verdade. Nós não transformamos em uma mentira para ser mais palatável” – Aaron Ehasz, roteirista-chefe da animação, em entrevista à Vice

Todas as temporadas de Avatar: A Lenda de Aang estão disponíveis atualmente na Netflix.

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Guilherme Luis

Na sua 20ª produção, os estúdios Pixar tinham dois desafios: reviver um clássico dos filmes animados lançado há 14 anos, de forma que correspondesse com a gigantesca expectativa do público da época (hoje adulto) e, ao mesmo tempo, chamar a atenção da nova geração para a história da família Pera de super-heróis. Os Incríveis 2 acaba por ser mais um dos inúmeros acertos em cheio da Pixar: além de ser, em sua mais pura essência, uma animação divertidíssima e inteligente, traz consigo discussões que afetam e emocionam diretamente o público adulto.

Na sequência de Os Incríveis (2004), os papéis familiares de invertem e é aqui que está a primeira ótima decisão do filme. Colocar a Mulher-Elástico no papel de quem trabalha fora e sai em missão como super-heroína enquanto o Sr. Incrível fica em casa cuidando das crianças pode soar como uma repetição descarada do plot do primeiro filme mas é mais como uma atualização bem feita de uma fórmula que deu certo. Afinal, o feminismo vem sendo inserido lenta e gradativamente nas grandes produções cinematográficas e ter Helena Pera como a protagonista é ver que o sucesso de Mulher-Maravilha e a grande expectativa por Capitã-Marvel não são em vão.

A subversão de gêneros e a missão dada de cuidar da família a Beto Pera é o gatilho pra tocar em assuntos que cabem quase que unicamente ao público adulto: a solidão, a sensação de impotência, a luta pela construção diária de sua figura paterna e a percepção de que não conhecia tão bem assim seus filhos. Deste último ponto, desponta-se um dos melhores arcos do filme, que é o de Zezé descobrindo seus poderes. Essa fora uma das grandes curiosidades de quem terminara o primeiro filme com um gostinho do que o bebê podia fazer e aqui o roteiro acerta quando dá espaço pra Zezé brilhar e conduzir a narrativa com naturalidade e diversão.

Apesar de tantos assuntos delicados e que emocionam, ainda existe o lado filme de super-herói; ou seja, a Mulher-Elástico comanda cenas magníficas de ação, que não ficam aquém para sequências live-action (deve-se mencionar uma cena de perseguição a um trem que é de tirar o fôlego!). A história ainda traz um quê de investigação criminal, já que o vilão Hipnotizador se esconde atrás de uma máscara e não revela de primeira suas intenções. Mora aqui, entretanto, o maior erro do filme: seu vilão. Apesar de gerar boas cenas de conflito, todo o plot circundando a figura do Hipnotizador é batida e quando existem reviravoltas, são previsíveis. Depois de enfrentarem o tão bem construído Síndrome (ou Bochecha), Os Incríveis mereciam um vilão a altura em sua continuação. Não acontece.

Tecnicamente, a animação é brilhante. É interessante que as características principais ainda estão lá, como os rostos quadrados dos personagens. Mas detalhes como o cabelo de Violeta e a textura da animação são formidáveis e de extrema evolução. Além disso, destaque pra trilha sonora, que remete magicamente ao primeiro sem deixar de trazer boas adições. Por fim, um elogio à dublagem brasileira, que trouxe nomes como Evaristo Costa (dublando um repórter) e Raul Gil extremamente bem alocados e com falas bem pensadas – sem contar as adaptações de gírias e inserções de expressões atuais brasileiras que são capazes de trazer o filme mais perto do público com enorme eficiência.

Por fim, Os Incríveis 2 consagra-se como mais uma das memoráveis animações Disney e Pixar e atende às expectativas geradas por 14 anos de espera. Resta-nos agora especular sobre a possível criação de uma franquia com a família Pera – que definitivamente, são os melhores para estrelarem uma série de filmes. Que não demore mais 14 anos.

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