Ana Júlia Trevisan

Babilônia é sinônimo de grandeza. Uma das sete Maravilhas do Mundo Antigo, seus jardins também são os mais indecifráveis da história. Na alçada da Sétima Arte, Babilônia remete a um livro com suas páginas alimentadas por fofocas escandalizantes do Cinema nas décadas de 20 e 30, quando os roteiros ainda não imaginam ser preenchidos por diálogos. Bebendo da fonte dessa obra, o diretor e roteirista Damien Chazelle concebe seu mais novo trabalho, Babylon, ambientado em uma Hollywood em movimento de transição e abastecida a sexo e drogas. 

Literalmente iniciado com um grande elefante na sala, Babilônia prova que Chazelle domina as técnicas e, principalmente, a história do audiovisual. Acima da riqueza de recursos utilizados durante as três horas de segmentação, o diretor arma uma palestra como quem filma a enciclopédia do Cinema, fazendo um preciso recorte no período de passagem do Cinema Mudo para o Cinema Sonoro mediante figuras ficcionais que se assemelham a nomes da realidade.

O ano é 1926 e, no alto de um colina hollywoodiana, em uma festa regada por entorpecentes e lotada de pessoas nuas, os personagens principais são apresentados. A selvageria do evento é apenas a porta de entrada para a apresentação das suas melhores peças. É em meio a peitos, cocaína e um bom jazz que o espectador se encanta pelo magnetismo de Nellie LaRoy, vivida por Margot Robbie, pelo impacto do galã Jack Conrad, interpretado por Brad Pitt, e pela vontade de viver do protagonista Manny Torres, de Diego Calva. Para além deles, que roubam a cena, Babilônia ainda conta com Lady Fay Zhu (Li Jun Li), uma artista de cabaré, a colunista de fofocas Elinor St. John (Jean Smart) e Sidney Palmer (Jovan Adepo), um talentoso trompetista negro.

O trabalho anárquico de Chazelle faz com que o filme caminhe por uma linha tênue entre o sucesso e o desastre. Toda a extravagância dos Jardins Suspensos da Babilônia se converte na grandiosidade da produção, que atua como a própria droga sendo conduzida na corrente sanguínea: oscila entre a euforia e a melancolia, sem que seu usuário perceba a menor noção do tempo. Esse bacanal construído com alto orçamento é respeitável por tamanha audácia em filmar épicos biográficos, usados como materiais de estudo para qualquer amante de Cinema.

O impressionante resgate histórico ganha combustível através da freneticidade de seus protagonistas, que incham o roteiro ao caos. Caos esse com o propósito de refletir a ansiedade que consumia a cidade do show business, transpassando toda a angústia em relação a sobrevivência do Cinema através da suntuosa exploração do sentimentalismo e da fala. Número assustador à primeira vista, as três horas de duração são atraentes quando envoltos em trama e arcos de personagens fortemente entrelaçados e classicamente estruturados, fugindo da simplicidade por meio da adrenalina.

A dicotomia para designar as Eras cinematográficas trabalha em contraste entre o espontâneo e vibrante, e o rígido e frustrante. A ancoragem de Babilônia, que garante a excelência da produção, está nas cenas de Nellie LaRoy. A confiança da moça sobre seu estrelato faz com que sua performance ao lado de Ruth Adler (Olivia Hamilton, esposa de Damien Chazelle) dá o molde ideal à história exposta no longa. Ao mesmo tempo, o excesso de elementos faz com que Adler seja pouco aproveitada em grande parte do longa-metragem. O filme traz várias analogias com Cantando na Chuva, Garganta Profunda e outros grandes clássicos que fazem parte desse período de transição, possuem seus montadores, seus sexsymbols e são admirados pelo diretor. 

A abordagem temática é descomplicada, facilitando ao espectador a compreensão dos termos técnicos. Existe crítica ativa às engrenagens da indústria que cerca a liberdade criativa de seus profissionais e a maneira como, de uma hora para outra, os atores são jogados ao ostracismo. É por meio de cenas chocantes ao público, dentro de uma estrutura narrativa esbanjando excesso nas cenas de humor e drama, que Babylon retrata que a indústria apenas sobrevive entre sucessos e fracassos.

A problemática maior da produção de Babilônia, e muito provavelmente o que jogou o filme nas catacumbas do Oscar, está em sua montagem tão confusa quanto a opinião de quem o assiste. Afinal, como um filme que se estende por horas a fio a retratar o umbral de Hollywood pode terminar em tamanha esperança? Erro do diretor? Muito provavelmente não. Babylon é consciente de suas disparidades. As danças entre talento e sorte, identidade e assimilação, criação de mitos apócrifos e verdades menos conhecidas faz parte de todo o balaio de gato que o próprio tenta abraçar.

Para além disso, Damien Chazelle é obcecado pela perfeição, como visto em Whiplash, com suas cinco indicações ao Oscar 2015, incluindo a de Melhor Filme, e La La Land, que o tornou o mais novo diretor a ganhar o Oscar de Melhor Direção. Seja encontrando um ritmo imaculado, voando no espaço ou fazendo sucesso em Hollywood, seus filmes apresentam personagens que estão dispostos a suportar tortura física e emocional para alcançar a linha de chegada, e Babilônia não foge à regra, sendo claramente uma produção realizada para a temporada de premiações.

Apesar de não ter alcançado o panteão de categorias, a excentricidade de Babylon garantiu a nomeação ao Oscar de Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Direção de Arte e Melhor Figurino. E não é por menos, a trilha sonora sobrecarregada de Justin Hurwitz, o luxuoso design de produção de Florencia Martin e a cinematografia interminável de Linus Sandgren contribuem para o teor exagerado da produção. Essas categorias técnicas também renderam duas estatuetas nesta temporada: Melhor Trilha Sonora Original, no Globo de Ouro, e Melhor Design de Produção, no Critics Choice Awards.

É difícil definir o agridoce deixado por Babylon. A doce carta de amor à Hollywood tem gosto amargo de um bilhete de suicidio e usa disso para ter a liberdade de ser imponente ao lado de suas peças deslumbrantes. A excelência está no calibre da trilha sonora, no conjunto de atores e no conhecimento inegável de Damien Chazelle. Mas Babilônia deixa vazios que nenhuma manipulação é capaz de preencher. Feito para ser desdenhoso, o fim não foge da hipocrisia e apenas o futuro poderá dizer se essa obra é a montagem mais verdadeira do diretor ou o material mais falso da carreira de Chazelle.

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Felipe Nunes

No auge da juventude, Harry Potter e a Câmara Secreta completa seus 20 anos de idade. Responsável por dar continuidade ao sucesso estrondoso de seu antecessor, Harry Potter e a Pedra Filosofal, que apresentou o mundo mágico de Hogwarts aos telespectadores livres de magia, os apelidados ‘trouxas’, o longa-metragem manteve as características infantis, fantasiosas e misteriosas presentes no primeiro filme. Dessa vez, a obra conta sobre o segundo ano estudantil do famoso bruxo Harry Potter (Daniel Radcliffe) na escola de feitiçaria de Alvo Dumbledore (Richard Harris).

Os primeiros momentos da produção são carregados pela mágica que tanto encanta o público fã do universo desenvolvido pela Warner Bros. Bruxos voando em vassouras, criaturas místicas, monstros assustadores e muitos feitiços acompanham as narrativas impressionantes construídas no segundo longa. No meio de todo esse encantamento, o enredo central é explorado com a abertura da Câmara Secreta, a qual, segundo as lendas contadas nos pátios de Hogwarts, aprisiona um dos seres mais temidos de todo o mundo bruxo: o Basilisco.

Contudo, até que essa história se confirme, as dúvidas atormentam não somente os personagens, mas também os espectadores. O mistério é uma das grandes apostas da obra, que, embora carregue um aspecto infantilizado no roteiro de Steve Kloves, prende a atenção nos desdobramentos amedrontadores aos alunos e professores da escola. Afinal de contas, todos querem saber quem é o autor dos ataques que deixaram Hermione Granger (Emma Watson), o fantasma Nick Quase Sem Cabeça (John Cleese) e até mesmo a gata Madame Nora petrificados.

Lançado em 2002, o filme tem a direção de Chris Columbus – o mesmo diretor de Harry Potter e a Pedra Filosofal – e é marcado pela qualidade dos efeitos especiais, considerados de alto nível levando em conta a tecnologia da época. Por isso, as duas primeiras produções carregam tantas semelhanças que se desfazem em Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban e nas outras sequências cinematográficas da saga, desde a composição das narrativas até outros aspectos, como a trilha sonora, a adaptação do roteiro e a própria atuação do elenco.

Em Harry Potter e a Câmara Secreta, a proximidade dos intérpretes com os personagens é explícita. Emma Watson, Daniel Radcliffe e Rupert Grint nasceram para vivenciarem Hermione, Harry e Rony, respectivamente. A seleção do elenco foi certeira e, neste filme especificamente, a conexão entre os atores é nítida. Como protagonistas, o trio sustenta todos os arcos apresentados. O tempo de tela é bem dividido e, ainda que Harry seja o centro das atenções, Hermione e Rony também ganham destaque e mostram que somente unidos eles conseguem vencer os monstros e vilões que assombram os bruxos e os trouxas.

Além da dinâmica trabalhada com os personagens já conhecidos, novas histórias são apresentadas nas telonas. O segundo filme é a porta de entrada de figuras inesquecíveis. É aqui que somos apresentados ao famoso elfo Dobby, dublado por Toby Jones, uma das personalidades mais queridas entre o público. No longa, ele é o autor de todos os obstáculos que Harry enfrenta ao voltar para Hogwarts – que, para o bruxinho, já não é mais uma escola e sim um lar. Em meio às travessuras de Dobby, Lúcio Malfoy (Jason Isaacs) também é apresentado como o senhor do elfo, não poupando as crueldades para seu servo e fazendo jus à paternidade de Draco Malfoy (Tom Felton). 

Nesse clima de apresentações, também chega a vez da chorona Murta que Geme (Shirley Henderson) ajudar o trio e deixar claro que não está ali apenas para chorar – embora ela faça isso em todas as cenas que aparece. Dessa forma, ainda que seja exageradamente dramática, é através de Murta que Hermione é socorrida depois de um erro na Poção Polissuco e que Harry e Rony encontram a Câmara Secreta. Outra aparição que não poderia deixar de ser comentada é sobre aquele que, naquela época, não deveria ser nomeado. Pela primeira vez, a história do tenebroso Voldemort é contada com mais detalhes. 

Lord Voldemort (Christian Coulson) tem uma de suas primeiras revelações: Tom Riddle é seu verdadeiro nome. Com um diário, que no futuro é mostrado como uma Horcrux, Harry visita o passado de Tom e, sem saber que ele é o temível vilão, descobre sobre a possível primeira abertura da Câmara Secreta, e sobre a punição que deixou Hagrid (Robbie Coltrane) sem sua varinha – o maior medo de qualquer bruxo. Isso porque o guarda-caça foi culpabilizado pelos transtornos no castelo quando, na verdade, todas as artimanhas haviam sido feitas por Riddle.

Em meio a descobertas sobre o passado de Hogwarts, a cultura do mundo bruxo é contada aos espectadores. Pó de Flu, mandrágoras, carros voadores, monstros, poções de transformação corpórea e muitos feitiços são responsáveis por aprofundar a magia no segundo filme da saga e enfatizar que os detalhes cinematográficos nunca serão os mesmos dos livros. A adaptação do texto é uma das maiores dificuldades em obras audiovisuais criadas a partir de livros e nas produções de J.K. Rowling isso não é diferente. Condensar todos os acontecimentos do segundo livro em uma única adaptação deixou muitos pontos soltos ao vento, sem desenvolvimento e sem desfecho.

Ação e fantasia quase se equilibram e, por isso, suavizam as lacunas das narrativas. Porém, como temos um ‘quase’ entre esses gêneros, isso significa que os elementos não são o suficiente para impedirem que a sensação de correria se mantenha presente no longa. A relação entre Potter ser ofidioglota – ter a habilidade de se comunicar com cobras –  e sua cicatriz, os presságios que pareciam rotulá-lo como o herdeiro de Salazar Slytherin e os motivos que o fazem não ser da Sonserina pertencem aos segmentos que não foram desenvolvidos e escancaram o descuido com o roteiro. O conforto de já ter apresentado grande parte dos personagens em Harry Potter e a Pedra Filosofal contribuiu com essa despreocupação em não concluir arcos que foram expostos e que mereciam atenção.

Nas polêmicas que cercam a obra, é impossível não associar os posicionamentos transfóbicos da autora que deu vida ao universo mágico, os quais foram responsáveis por afastá-la do elenco principal. Nem mesmo no especial que reuniu a equipe nos 20 anos de Harry Potter, ela compareceu. J.K Rowling age na contramão da saga que ela mesmo criou. Se pelo lado ficcional temos uma história repleta de inclusão que prega a harmonia e a diversidade entre bruxos, monstros e trouxas, pelo lado real que transcende os livros e filmes temos uma autora que difunde preconceitos e suja a própria produção. 

Sob a direção de Columbus e o roteiro assinado por Steve Kloves,  Harry Potter e a Câmara Secreta completa 20 anos de lançamento como uma obra nostálgica, ótima de assistir e ainda mais deliciosa de se rever. É a sensação de tomar o sorvete preferido da infância em um dia feliz e ensolarado. Formado por um elenco magistral, a sequência expande o universo dos bruxos, apresenta novos personagens e reforça o poder que a amizade tem em ultrapassar qualquer feitiço ou maldição.

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Gabriel Gatti

Há 20 anos, um menino comum recebeu a sonhada carta de Hogwarts e passou a viver uma jornada que mobilizou o mundo todo. Após duas décadas, os telespectadores são convidados a seguir os mesmos passos do bruxinho, em uma reunião especial junto ao elenco e a equipe técnica de Harry Potter através da plataforma 9 ¾. Para isso, a Comemoração de 20 anos de Harry Potter: De Volta a Hogwarts insere os atores novamente na antiga Escola de Magia e Bruxaria. O formato funcionou quase como um nono filme da franquia e ainda garantiu a indicação nas categorias Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado)  e Melhor Montagem em Programa de Variedades  no Primetime Emmy Awards 2022.

O documentário foi disponibilizado na plataforma do HBO Max logo no primeiro dia de Janeiro, para dar início ao ano relembrando esse passado encantado. Desse modo, os atores foram levados aos sets de gravação, que hoje funcionam como Harry Potter Studio Tour. Além disso, o enquadramento das câmeras foi pensado de modo a remeter aos demais longas da série. A partir da caracterização impecável, o especial mostra trechos de produtos da imprensa da época, cenas do parque temático em Orlando e a apresentação de depoimentos de diversos artistas responsáveis pela construção de uma das maiores franquias de filmes já produzida.

Sendo assim, Harry Potter 20th Anniversary: Return To Hogwarts, o nome original do especial, conta sua história por meio de capítulos, sendo que cada um deles trata sobre dois filmes da saga. Em cada um desses blocos, há depoimentos dos atores e diretores, cenas dos longas e trechos retirados dos livros para imergir o público no universo de Hogwarts. A partir desse cenário, somos levados a três amigos, Harry (Daniel Radcliffe), Hermione (Emma Watson) e Rony (Rupert Grint) sentados no salão comunal da Grifinória, assim como eles fizeram tantas vezes. Porém, agora se reúnem para relembrar os momentos mais marcantes dos 20 anos do lançamento de Harry Potter e a Pedra Filosofal.

Para manter o clima de celebração, Harry Potter 20th Anniversary: Return To Hogwarts não chega a mencionar os eventos polêmicos que mancham o legado da série,  como é o caso das falas transfóbicas de J.K. Rowling. Por diversas vezes, a autora disseminou ódio às pessoas transgênero e, para evitar mal-estar, não participou da reunião juntamente com o elenco. A orientação por recusar o convite de se juntar no reencontro partiu de sua equipe, o que levou a produção do documentário a resgatar falas de Rowling gravadas em 2019.

Apesar de certas controvérsias, a equipe de produção do especial de 20 anos conseguiu driblar as críticas e entregar um trabalho emocionante. Sob direção de Casey Patterson, Joe Pearlman, Eran Creevy e Giorgio Testi, o longa ouviu o relato de Chris Columbus, Alfonso Cuarón, Mike Newell e David Yates, os diretores dos filmes da franquia Harry Potter. Todos foram acompanhados pela emocionante trilha sonora composta por John Williams, que acompanhou o crescimento de Harry ao longo dos oito longas.

O documentário faz uso de recursos nostálgicos e consegue atingir o lado emocional dos fãs do bruxinho. A cada momento somos apresentados a elementos singulares da saga, como cenários, fotografia, figurinos e trilha sonora, que tornam a experiência de assistir ao reencontro tão mágica quanto acompanhar um episódio regular da franquia. O formato em capítulos também contribuiu para que o fluxo narrativo comovesse o público, passando desde a seleção do elenco de Harry Potter e a Pedra Filosofal até a batalha épica em Hogwarts, que culminou na morte do Lord Voldemort. Além disso, o filme arrancou lágrimas com os eventos externos da saga, como a morte de atores que brilharam na série, como Alan Rickman, Richard Griffiths e Helen McCrory.

A partir da magnitude de um especial de 20 anos da saga Harry Potter, era de se esperar que houvesse uma grande repercussão a respeito do lançamento do especial. A ausência de depoimentos inéditos de J.K., por exemplo, causou revolta em determinados fãs, já que ela é a autora da série. Apesar dos eventos contraditórios, o documentário foi muito aclamado tanto pelo público quanto pela crítica especializada, chegando a atingir uma aprovação de 93% no Rotten Tomatoes.

Desse modo, as duas décadas que nos separam do momento em que o jovem Harry recebeu sua carta e descobriu que era bruxo se consagram no especial Comemoração de 20 anos de Harry Potter: De Volta a Hogwarts. Não é atoa que o longa garantiu duas indicações no Emmy 2022. E, assim, o trabalho desenvolvido meticulosamente para arrancar lágrimas dos fãs da franquia cinematográfica funcionou, resultando em uma viagem fantástica ao passado em que toda a magia começou.

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Nathan Nunes

Desde que nos entendemos por gente, somos ensinados a não julgar um livro pela capa. Esse ensinamento é válido em diversos contextos, e um deles é o Cinema. Uma prova recente disso é a comédia Cidade Perdida, cujo pôster principal possui duas imagens pavorosamente retocadas e artificiais dos protagonistas Channing Tatum e Sandra Bullock na parte superior, além de uma colagem dos coadjuvantes Brad Pitt, Oscar Nunez e Da’Vine Joy Randolph em meio a um efeito de explosão que parece saído do pacote mais básico do Photoshop. 

Não bastasse isso, seria fácil olhar com desdém para um filme como esse baseando-se em sua premissa, que já foi retratada diversas vezes no Cinema e cujas batidas se repetem: o romance desenvolvido em meio a uma trama de arqueologia, o casal que não se gosta no começo e vai se aproximando ao decorrer  do filme, o vilão caricato, entre outros. De fato, Cidade Perdida não se distancia de nenhuma dessas convenções e nunca tenta reinventar a roda desse subgênero, assumindo-se como pleno entretenimento escapista do início ao fim; e é justamente por isso que funciona tão bem. 

O filme começa acompanhando a rotina de Loretta Sage (Bullock), autora de uma famosa saga de livros de aventura e romance. Vivendo reclusa desde a morte de seu marido, ela relutantemente aceita participar da turnê de lançamento de seu novo trabalho, ao lado de Alan Caprison (Tatum), modelo que faz o papel do herói da saga Dash McMahon. Loretta acaba sendo sequestrada pelo bilionário Abigail Fairfax (Daniel Radcliffe), que está obcecado em encontrar um tesouro mencionado no mais recente escrito da autora. No fim, tudo se direciona para que Alan vá atrás de Loretta e ambos fiquem perdidos na selva, com o único objetivo de sobreviverem e encontrarem o tal tesouro. 

O roteiro – escrito a cinco mãos por Oren Uziel, Dana Fox e os também diretores Aaron e Adam Nee (além de crédito de história para Seth Gordon) – se calca muito mais na dinâmica do texto entre Bullock e Tatum do que em qualquer outra coisa, e felizmente ambos estão sensacionais dentro da proposta. A química entre os dois é divertida e funciona através da diferença de personalidade. Loretta é decidida e intrépida, enquanto Alan é medroso e desastrado. Eles convergem para a clássica linha dos opostos que se atraem.

Mesmo operando em uma linha familiar, ainda há espaços dentro da história para algumas sacadas bem inspiradas. Uma que se destaca é a revelação acerca do famigerado tesouro, que se conecta ao arco narrativo de Loretta e reflete a sua evolução ao longo da rodagem, indo de uma mulher abatida pelo luto para uma pessoa muito mais espirituosa do que antes. 

Outra sacada interessante na trama envolve a participação de Brad Pitt como Jack Trainer, a personificação clássica do herói de ação: alto, forte, atlético, sedutor e com uma peruca loira absurda. Pitt – claramente se divertindo no papel, diga-se de passagem – é colocado para contracenar com Tatum, que não só é o exato oposto enquanto personagem como também é vendido para o público dentro do filme com base nesses mesmos arquétipos. É uma oportunidade que o roteiro aproveita para brincar de uma forma metalinguística com esse tipo de figura do gênero. 

Ainda assim, é evidente que a narrativa possui seus desfalques, e o maior deles recai sob os ombros de Daniel Radcliffe como o vilão Abigail Fairfax. Divertido e intencionalmente exagerado, o personagem passa a ser pouco explorado a partir do segundo ato, deixando um gostinho de quero mais devido a boa performance do ator. Da’Vine Joy Randolph e Oscar Nunez passam por uma situação parecida: “não fedem, nem cheiram”, e somente estão ali para entreter rapidamente.

Se narrativamente Cidade Perdida não se compromete com grandes pretensões, visualmente tampouco. A direção dos já citados irmãos Nee não chama atenção na sua construção da mise-en-scène, sendo bastante formulaica e burocrática. Não que isso seja um problema quando se leva em conta a proposta do projeto, mas um aproveitamento mais inspirado das belas locações na República Dominicana certamente seria muito bem-vindo. 

Contudo, há uma cena que se destaca: antes da virada que inicia o terceiro ato da projeção, temos um momento de dança entre Tatum e Bullock filmado em frente a uma fogueira. A junção da canção suave com a dança lenta, a iluminação baseada no fogo de fundo e os figurinos belíssimos (o vestido vermelho que Bullock utiliza nessa cena é fantástico) realçam a beleza do casal principal, bem como a crescente de intimidade que está se formando entre os dois. 

Indo além dos elogios e reclamações comuns, é inegável reconhecer a influência de filmes passados sob a história de Cidade Perdida. A mais óbvia dessas referências é Tudo por uma Esmeralda (1984), dirigido por Robert Zemeckis. Ambos são comédias românticas ambientadas em um contexto de aventura arqueológica e possuem como maior atrativo de marketing a presença de duas grandes estrelas de Hollywood como protagonistas (Michael Douglas e Kathleen Turner no filme de Zemeckis, Bullock e Tatum aqui). No fundo, Cidade Perdida é uma ode bem feita a esse tipo de filme que não se vê mais com frequência por aí. 

Dito isso, se The Lost City irá influenciar uma futura geração de diretores e interessá-la em revitalizar esse subgênero daqui 40 anos (exatamente o que Tudo por uma Esmeralda está fazendo hoje), cabe apenas ao tempo nos responder. Hoje, o que se deve ter em mente é que Cidade Perdida é um conforto que estávamos precisando há um tempo e definitivamente não sabíamos.

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Gabriel Gatti 

Foi durante uma noite tempestuosa que Harry Potter ouviu de Rúbeo Hagrid a frase: “Você é um bruxo, Harry”. A cena marcante do filme Harry Potter e a Pedra Filosofal, lançado há 20 anos, abriu espaço para uma saga de oito longas registrando a história do bruxo órfão que luta contra o vil Lorde Voldemort. Como protagonista da trama, o jovem foi muito bem caracterizado de acordo com as descrições apresentadas por J. K. Rowling no  livro homônimo de 1997 que baseou o filme, como um garoto de 11 anos, magro, de cabelos pretos, olhos claros, óculos redondos e uma misteriosa cicatriz em formato de raio na testa.

Harry Potter e a Pedra Filosofal foi a primeira narrativa da autora e, logo, se tornou um grande fenômeno da Literatura. Por se tornar um best-seller muito rapidamente, não tardou para que a obra ganhasse uma adaptação para as telonas. O filme, produzido pela Warner Bros., estreou no ano de 2001 e consagrou Rowling como a criadora de uma das narrativas mais marcantes da atualidade.

A trama inicial se localiza na Rua dos Alfeneiros, Número 4, uma residência de trouxas, onde Harry Potter (Daniel Radcliffe) vive no armário debaixo da escada da casa de seus tios Dursley, que têm muito orgulho de serem perfeitamente normais. Essa realidade pavorosa vira de cabeça para baixo assim que o jovem recebe o convite do Guardião das Chaves, Rúbeo Hagrid (Robbie Coltrane), para ir estudar na Escola de Magia e Bruxaria de Hogwarts.

Mesmo confuso com a nova realidade, Harry encara o desafio de aprimorar suas habilidades mágicas. Ao chegar na escola, o bruxo conhece Hermione Granger (Emma Watson) e Rony Weasley (Rupert Grint), que logo se tornam seus amigos. Em pouco tempo, o jovem descobre sobre o assassinato de seus pais (James e Lilian Potter, vividos por Adrian Rawlins e Geraldine Somerville), cometido por Lorde Voldemort, e sobre a Pedra Filosofal, objeto desejado pelo vilão da trama para recuperar suas forças e, assim, poder matar Harry Potter. O desenrolar desta narrativa segue de forma eletrizante, seguido de um plot twist totalmente inusitado que torna o longa tão memorável.

A adaptação para o Cinema do já aclamado livro de J. K. Rowling, comandada por Chris Columbus, não decepcionou. O diretor foi fiel à obra literária para agradar os fãs e, com isso, conseguiu cativar o mundo inteiro para acompanhar a jornada fantástica de Harry Potter. Outro destaque positivo é a escolha e a caracterização dos atores, que parecem terem sido extraídos diretamente da mente de Rowling. Além disso, a trama segue um ritmo bom para acompanhar a história do jovem bruxo, com uma duração pertinente para os desdobramentos da narrativa.

O encanto do longa se estende a direção de arte, sob comando de Stuart Craig. Com um orçamento farto de 125 milhões de dólares, o céu era o limite para a construção do mundo mágico de Harry Potter. Tudo isso era acentuado pela trilha sonora impecável do famoso compositor John Williams. Os arranjos instrumentais traziam a dramaticidade e o tom epidítico necessários para as aventuras do jovem órfão em seu primeiro ano em Hogwarts. Nesse processo de criação, o único ponto negativo vai para os efeitos visuais artificiais, destacados principalmente durante o jogo de Quadribol, o que é compreensível ao levar em conta os efeitos especiais de outros filmes lançados no mesmo período, como Matrix Reloaded, 007 – Um Novo Dia Para Morrer e Star Wars I – A Ameaça Fantasma.

Apesar de alguns pontos fracos, Harry Potter and the Philosopher’s Stone ou Harry Potter and the Sorcerer’s Stone, nos Estados Unidos, foi um sucesso avassalador, contagiando uma legião de fãs e dando visibilidade a J. K. Rowling, que se tornou uma das autoras mais lidas do mundo. O longa se tornou um dos maiores sucessos de bilheteria da época e, ainda, foi bem avaliado pela crítica especializada. Além disso, a película chegou a ser indicada ao Oscar 2002 nas categorias de Melhor Direção de Arte, Melhor Figurino e Melhor Trilha Sonora, mas acabou não levando nenhuma estatueta para casa.

O ponto mais assertivo de Harry Potter é a questão humana presente na história. A saga aborda diversas vezes o preconceito contra aqueles bruxos que não vinham de uma família de “sangue puro”. Segundo um estudo realizado no Reino Unido e na Itália e publicado no Journal of Applied Social Psychology, essa discriminação, mesmo que fantasiosa, influenciou para que os jovens leitores fossem mais empáticos com as minorias sociais. Apesar dessa influência positiva, Harry Potter é repleto de discursos vazios de respeito às diferenças, visto que a própria autora não põe em prática esses ensinamentos.

Há algum tempo, J. K. Rowling passou a postar comentários polêmicos no Twitter sobre as pessoas trans. Os pensamentos absurdos sobre essa minoria movimentou diversos fãs e atores dos filmes da saga Harry Potter contra as afirmações levianas da autora. Essas falas errôneas mudaram a forma de analisar as obras da autora, como Harry Potter e a Pedra Filosofal, por exemplo. Desse modo, apesar de toda a herança nostalgia trazida por meio do universo bruxo criado por Rowling, é importante não separar o autor da obra. Desse modo, após 20 anos, o que poderia ter envelhecido como uma peça fantástica, tornou-se uma narrativa oca. 

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Vitor Evangelista

Em 15 de julho de 2011, a cultura pop mudou para sempre. Era o fim da saga do bruxinho mais famoso do pedaço, a conclusão épica, que levou uma década desde o primeiro vestígio da magia de Hogwarts até o adeus choroso na Estação King’s Cross. 10 anos depois da exibição de Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2, o mundo não enxerga a aura juvenil da história da mesma maneira que o fazia. E isso se deve a um vilão que os livros de fantasia não deram conta de desmascarar: sua própria autora.

Joanne Kathleen Rowling penou para publicar o primeiro volume da história infanto-juvenil que viria a se tornar o maior fenômeno cultural de sua década. Assinando com suas iniciais a fim de ‘mascarar’ a identidade feminina por trás de uma escrita voraz, envolvente e cheia de valor sentimental, J. K. ascendeu ao estrelato logo que o público passou a consumir suas criações como água no deserto. O mesmo valeu para as adaptações para as telonas, que viram grandes nomes do Cinema britânico escalados em figurinos escandalosos, perucas malucas e uma porção de varinhas e vassouras mágicas.

A saga Harry Potter ditou tendências no mercado, e a divisão do derradeiro livro de conclusão, As Relíquias da Morte, em dois filmes, foi seguida por todo mundo que queria bebericar nessa fonte de ouro. Pode-se até considerar que a narrativa seriada que a Marvel cultivou na década pós-HP foi tão frutífera por uma necessidade do público em acompanhar algo por anos, envelhecer junto daquelas criaturas que tanto amam. Fato é que, por muito tempo, Potter e Rowling eram sinônimo de sucesso e glória.

Após o fim da publicação dos livros em 2007, e das adaptações cinematográficas quatro anos depois, Rowling se dedicou à produção de conteúdos fora do Mundo Bruxo. The Casual Vacancy foi um sucesso de crítica, ganhou uma minissérie na BBC e mostrou ao mundo o tato da autora para uma trama adulta e completamente plantada na realidade. Na sequência, ela surpreendeu com a revelação de que publicava, sob o pseudônimo de Robert Galbraith, uma série de livros de suspense, que prontamente ganharam versões televisivas. No meio de toda essa evolução de sua gama como escritora, Rowling revelou que seu preconceito é mais perverso que qualquer Maldição Imperdoável.

Ignorando o alcance e responsabilidade que possui como figura pública, Rowling tweetou uma crítica ao termo “pessoas que menstruam” em um artigo, dizendo que a palavra correta para a frase seria “mulheres”, alegando que o órgão reprodutor é o que determina o “sexo” de alguém. Essa declaração foi recebida com revolta. O preconceito da britânica, apagando a vivência de pessoas trans desse grupo de indivíduos “que menstruam”, foi apenas a ponta do iceberg do que seria um festival de horrores, intolerância e um discurso de ódio que mata homens e mulheres trans todos os dias.

Orgulhosa, Rowling continuou disseminando esse discurso. Ela compartilhou uma loja com produtos transfóbicos nas suas redes, e, no olho do furacão, decidiu publicar um livro que fazia chacota da discussão. Troubled Blood, outro volume da saga publicada sob o nome de Robert Galbraith, trazia como vilão um assassino que se transvestia para cometer crimes contra mulheres. Em linhas gerais, o tema ressoado era uníssono: nunca confie em um homem de vestido. Mais uma vez massacrada, ainda foi descoberto que a inspiração para a assinatura da saga detetivesca veio de Robert Galbraith Heat, psiquiatra britânico que dedicou a vida a experimentos de conversão sexual, a “cura gay”. Rowling desconversou o assunto.

Se engana quem pensa que Harry Potter, sua obra famosérrima e com maior projeção cultural, não tenha reflexos desses preconceitos que só vieram à tona agora, dez anos depois do último adeus e em meio ao fracasso colossal que está sendo a recepção da continuação da saga do Mundo Bruxo, Animais Fantásticos. Série de filmes em andamento e que tinha como protagonista um agressor de mulheres, defendido por Rowling e demitido frente à indignação do público. 

As ficções fantasiosas que Harry, Hermione e Rony viveram na Batalha contra Voldemort podem não ter tido reflexos diretos do ódio de sua criadora, mas a figura de Rowling foi gigantesca na criação dos filmes, atuando como produtora, dando pitaco em roteiro, respirando acima de suas criaturas, e, portanto, tornando impossível o ato de desassociá-la da obra. Em 2021, não há maneira de discutir Harry Potter sem sublinhar o preconceito da mulher que o criou.

Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 chegou aos cinemas na transição para a tecnologia 3D, e abusando dessa prática, seja nos dementadores que assustam os desavisados, pulando na tela do cinema ao redor de uma fantasmagórica Hogwarts, seja nas mortes de Voldemort e de Bellatrix. O roteiro de Steve Kloves abriu mão do fator mundano dos corpos frios e inertes batendo no chão, dando espaço para uma explosão de frangalhos, capturados com destreza pelo 3D, transportando quem assiste para o campo de batalha. Afinal, não tem recompensa melhor do que assistir uma imponente e enlutada Molly Weasley (você já reparou que é Julie Walters dando vida à matriarca?) vociferar “a minha filha não, sua vadia” para Bellatrix, e explodi-la em cinzas de um fogaréu de raiva que queima há anos, desde que Lestrange empurrou o primo Sirius Black pelo Portal na Ordem da Fênix.

Para as crianças que cresceram vendo os bruxinhos passarem do quadribol para a Cerveja Amanteigada para os namoricos do sexto filme até chegarem às Horcruxes que fecham a saga, o processo de crescimento e amadurecimento foi gradual e nada apressado. Então, desde dar adeus aos queridos membros da Ordem, até comemorar a destruição de cada parte da alma do Lorde das Trevas, tudo abraçava um lado emocional que despertava o sentimento de conclusão. Ora, a frase do pôster (“tudo acaba aqui”) já prenunciava o luto que estaria previsto para o fim de qualquer sessão do filme, o chororô, a negação, o sorriso alegre ao vermos o Trio de Ouro, 19 anos envelhecido, vendo seus filhos (nossos filhos, tamanho amor cultivado nessa década por eles) embarcarem para se aventurarem por conta.

Cada morte doía na alma, cada respiro final, cada feitiço ricocheteado. Tudo potencializa o amor que, uma década e dezenas de ataques transfóbicos depois, envelheceu como poção polissuco estragada. Diante das declarações da autora, atores que trabalharam nos filmes se pronunciaram, indo contra Rowling. Daniel Radcliffe, o Menino que Sobreviveu, publicou um texto reiterando que “mulheres trans são mulheres”. No mesmo artigo, Daniel reconheceu o papel fundamental que J. K. desempenhou em sua vida pessoal e profissional, mostrando a linha tênue entre ser grato pelas oportunidades oferecidas e crítico quanto às posições degradantes da mulher.

Radcliffe não esteve sozinho na defesa da população trans. Emma Watson, advogada ferrenha de temas sociais e ligados ao feminismo, condenou Rowling, dando orgulho para sua Hermione, uma mulher ciente de seus privilégios e disposta a lutar pelos menos favorecidos e pelos vulneráveis. Eddie Redmayne, protagonista dos recentes Animais Fantásticos, também se opôs à britânica, com quem tem muito contato por seu papel como roteirista das novas aventuras do Mundo Bruxo. Vale lembrar que Redmayne e a comunidade trans tem o histórico recente de Garota Dinamarquesa, longa que levou o ator, cis e heterossexual, até uma indicação ao Oscar, interpretando uma mulher trans, em mais uma das escalações hollywoodianas que optam pelo caricato ao invés do representativo. 

Muito do status de lendário que o final de Harry Potter carrega vem da performance de Ralph Fiennes. O ator dá à Voldemort resiliência, pompa, arrogância e selvageria. O grande vilão da saga não é mero espectador do caos, ele maquina, se move, se vira nos trinta e consegue o que quer. Deathly Hallows – Part 2 pode muito bem ser considerado um filme de vilão, com foco na derrocada do bruxo maligno. Algo que a Marvel puxou para si quando colocou o Thanos de Josh Brolin no centro da resolução de sua história super-heróica. É preciso que os criadores não se prendam ao maniqueísmo para que grandes histórias se encerrem em tom louvável.

Maniqueísmo que virou regra na outra grande avalanche cultural dos anos 2010: a Guerra dos Tronos. A falta de planejamento e material base para a adaptação trucidou Game of Thrones, mas foi a balela da Guerra com o Rei da Noite que finalizou a matança. No brilhante capítulo que antecede a porradaria, a série da HBO cria o clima perfeito de despedidas e perdição. O ó do borogodó acontece no pós, quando quase ninguém bate as botas, e todo o misticismo do frio na barriga frente aos Caminhantes Brancos se esvai. No último filme de Harry Potter, o diretor David Yates dosa cenas de riso contagiado pela ansiedade com sequências ardilosas, onde assistimos, imponentes, figuras queridas mortas, sem qualquer resquício de felicidade.

Fred Weasley (James Phelps) morre, nos capando do tom brincalhão que ele contagiava. Tonks (Natalia Tena) e Lupin (David Thewlis) também, nos mostrando que os erros do passado podem e irão se repetir. O filme não dá trégua para ninguém, ceifando a vida de Severo Snape, papel magnânimo do imortal Alan Rickman (incompreendido para alguns, rato imundo para outros), justificando seus vis atos ao longo da década com a figura do amor eterno pela mãe de Harry. Mãe essa, carinhosa, amorosa, lúcida e benevolente. Sinônimos repetidos à exaustão nas figuras maternas que cercam o garoto. A já citada Molly Weasley figura no topo da lista, mas McGonagall (a dama Maggie Smith) e até Narcissa Malfoy (a eterna Helen McCrory, falecida em 2021) demonstram uma aptidão ímpar em amparar esse bruxo que cresceu órfão e destinado à profecias macabras.

O lado contrastante vem da constatação de, após viver (nas páginas e nas telas) cercado por mães amorosas e cuidadoras, Harry Potter tenha se revelado filho de uma mãe maldita. Uma mãe real, preconceituosa, transfóbica, que gestou ele em sua mente e realizou o parto à beira de páginas e páginas do manuscrito da Pedra Filosofal. “Você tem os olhos da sua mãe”, repetem dezenas de personagens ao longo de sete livros e oito filmes, denotando o valor simbólico e hereditário da bondade que Harry herdou de Lilian e, metalinguisticamente, de Joanne. 10 anos depois de Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 estrear e dar cabo à uma fenomenal narrativa infanto-juvenil que mudou o mundo, J. K. Rowling vai contra tudo que arquitetou em Hogwarts, fugindo do heroico senso de justiça e propósito que sua própria história carrega. Harry pode até compartilhar o verde dos olhos com a mãe que assinou os livros, mas por instância alguma compartilha qualquer outro de seus sórdidos traços. 

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