Ana Laura Ferreira e Júlia Paes de Arruda

Nos últimos anos, pudemos sentir uma enxurrada de influências oitentistas tomar conta de nossas vidas, indo desde o Cinema até a Moda. O estilo saudosista e a visita aos grandes clássicos do passado mostram apenas como a cultura é cíclica, se utilizando do que já foi criado para inspirar a inovação. Dentre as inúmeras referências que poderíamos coletar dessa grande nostalgia, Curtindo a Vida Adoidado (1986) é uma das mais relevantes, afinal o espírito de Ferris Bueller (Matthew Broderick) ainda se faz presente até mesmo em produções da Marvel. Completando 35 anos em 2021, o longa envelhece como vinho, ganhando cada vez mais nossa devoção.

Com um apelo à la Sessão da Tarde, Ferris Bueller’s Day Off conquistou seu lugar ao sol em meio ao grande fluxo de produções da década de 1980 por fugir, ainda que pouco, dos padrões até então estabelecidos como uma fórmula perfeita. Lançado no mesmo período que outros clássicos como Clube dos Cinco e A Garota de Rosa Shocking, o que torna a história da produção tão interessante é ser despretensiosa, transformando um dia na vida de seu protagonista numa grande aventura. Graças, é claro, a pitada cômica que Broderick brilhantemente acrescenta.

Seria fácil dizer que o grande mérito da produção está em seu elenco, que se mistura quase que com uma química mágica e sustenta a narrativa do início ao fim, prendendo nossa atenção. Mas, para além das estrelas que vemos em tela, como Jennifer Grey – mais conhecida por seu papel em Dirty Dancing –, outro ponto certeiro é a construção do roteiro do polêmico John Hughes. Dinâmico e objetivo, a história contada no longa não se preocupa em dar grandes explicações às suas excentricidades, mas sim, como seu próprio nome diz, em curtir os momentos que elas proporcionam.

Prova dessa construção é a famosa cena da parada, em que Bueller invade um carro alegórico em plena avenida e contagia a multidão cantando Twist and Shout dos Beatles. Não há muito o que explicar: ela é, por si só, um dos momentos de auge da narrativa simplesmente por sua diversão. Sem que se prenda a necessidade de seguir uma linha lógica e cronológica bem estruturada, o grande foco de Curtindo a Vida Adoidado é tornar escrachado o significado do pensamento filosófico de Carpe Diem.

O longa não foi o primeiro, e nem o último, a abordar o tema, sendo inclusive “concorrente” de outra produção lançada na mesma época e que trazia a mesma ideia: Sociedade dos Poetas Mortos (1989). Entretanto, o que faz o filme de John Hughes ser tão original nesse sentido é a forma como traz essa narrativa sem que se perca em um looping filosófico. Não são precisos incentivos ou explicações para as ações de seus protagonistas, há apenas uma necessidade latente de fazer o melhor uso possível de seu tempo, contagiando inclusive seus espectadores.

E se antes Curtindo a Vida Adoidado era divertido por si só, hoje, a experiência de ver o longa se torna ainda mais empolgante devido a sua transformação em uma caixa de easter eggs, apenas esperando para captarmos as referências. Isso pelo motivo de que frases marcantes do filme, bem como cenas inesquecíveis, não foram usadas uma, duas ou três vezes desde então, mas inúmeras, que até perdemos a conta. Seja com o Peter Parker de Tom Holland correndo entre as casas de seus vizinhos em Homem-Aranha: De Volta ao Lar, ou em Deadpool e sua cena pós-créditos que recria o final do aniversariante, o longa já ganhou o status de ícone fazendo suas ilustres aparições. 

Não só dessas menções que o filme dos anos 80 se faz presente. Ainda que muitas obras anteriores também explorassem a técnica da quebra da quarta parede, foi com Ferris Bueller que essa construção se mostrou emblemática e passou a ser mais recorrente, como em A Nova Onda do Imperador (2000) e A Grande Aposta (2015). Esse contato inclui o espectador dentro da trama, como se fossemos o confidente do personagem. Dessa forma, além de observarmos seu comportamento, temos acesso aos seus pensamentos sobre as situações em que ele se envolveu, transformando o filme em uma roda de conversa íntima entre amigos. 

O sucesso do filme gerou uma série spin-off, que começou a ser produzida em 1990. Com o nome de Ferris Bueller, nenhum dos atores originais fizeram parte desse projeto. A “menção honrosa” para a obra derivada seria, talvez, a presença de uma tímida Jennifer Aniston interpretando a irmã do protagonista. Entretanto, a atriz só viu a sorte bater-lhe à porta com Friends em 1994, uma vez que o seriado de Ferris foi cancelado contendo apenas 13 episódios. Além da falta de respaldo do público, o próprio John Hughes não aprovava que seu filme tivesse uma sequência. Obviamente, ele tinha toda a razão. 

Apesar dessa incógnita na história de Bueller, o longa de 1986 foi um acerto na vida do ator principal. Broderick não só recebeu uma indicação ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator em Comédia ou Musical por sua performance, mas também conseguiu um enorme impulso na carreira. Diferente de seus companheiros de elenco, ele fez parte de filmes de grande sucesso nos anos seguintes, como Tempo de Glória (1989) e o icônico Inspetor Bugiganga (1999). Fora que, é dono da voz original de Simba, em sua versão adulta nas três sequências animadas de Rei Leão, e do amigo de Barry Benson no filme Bee Movie. Em contraposição a isso, está o intérprete de Cameron (Alan Ruck) que, depois de Curtindo a Vida Adoidado, não fez mais algum papel relevante, ganhando destaque apenas com a chegada de Succession em 2019. 

Aliado a uma trilha sonora arrepiante, Curtindo a Vida Adoidado nos mostra a idealização de uma vida sem compromissos e responsabilidades. Com um toque jovial em meio ao cotidiano adulto (a nítida contraposição de personalidades de Ferris e Cameron), a trama dos anos 80 conclui que o divertimento acaba sendo uma dádiva. Posto que 35 anos já se passaram, a fórmula de sucesso de Hughes é impagável, bem como cenas de um desfile para dançar e gritar com toda a nossa alma.

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G. H. Oliveira

Muitos produtos da cultura pop retratam o período do Ensino Médio e a evolução dos adolescentes até sua graduação (só em 2021, já tivemos as continuações dos sucessos Eu Nunca…, Elite, Para Todos Os Garotos, A Barraca do Beijo e High School Musical: The Musical: The Series, entre tantos outros). Um dos motivos dessa popularidade está na fácil identificação: a pressão de entrar numa faculdade, arranjar amigos, as primeiras vezes, as mudanças no corpo… Mas, e o depois? O que acontece quando se completa vinte anos?

Talvez seja a falta de referência que torne este período tão confuso. Alguns amigos estão se casando e alugando um apartamento, enquanto outros acabaram de entrar em uma faculdade, ou conseguiram o 1º emprego. Você se sente atrasado demais para enfrentar novos começos, mas, ao mesmo tempo, luta com o peso de ter que definir tudo antes dos 30. Seus pais começam a se tornar seus filhos enquanto você não se sente pronto para ter filhos próprios. É onde fica cada vez mais claro o quanto suas escolhas serão responsáveis pelo seu futuro. E para tentar organizar esse caos existencial de um jeito romântico, sarcástico e melancólico está Maisie Peters e seu primeiro álbum de estúdio: You Signed Up For This (Você Concordou Com Isso, em tradução livre).

Mas quem é Maisie Peters?

Maisie é uma cantora-compositora inglesa que construiu seu público através de seu canal no YouTube e vídeos em redes sociais. Desde então, ela lançou dois EPs (Dressed To Nice For a Jacket e It’s Your Bed Babe, It’s Your Funeral), uma música para o filme Aves de Rapina e a trilha sonora da segunda temporada da série Trying da Apple TV+.

Com o tempo, o reconhecimento não veio só do público geral, mas também de grandes nomes da indústria. Entre eles estão Taylor Swift – artista da qual Maisie se declara fã e sua principal inspiração para se tornar compositora – e Ed Sheeran, que a assinou em sua gravadora Gingerbread Man e co-escreveu três músicas do seu álbum de estreia.

Essa trajetória ajuda a explicar como ela criou um primeiro álbum tão coeso. As narrativas detalhadas tornam cada música uma espécie de curta-metragem (característica de Swift), as melodias pegajosas são perfeitas para a rádio (especialidade de Sheeran) e uma mistura única de doçura, impulsividade e humor ácido a destaca dos demais. Tudo isso já se apresenta na primeira música lançada do projeto: John Hughes Movie.

A vida não é um filme do John Hughes (ou talvez seja um pouco)

John Hughes (1950-2009) foi um produtor, roteirista e diretor que redefiniu os filmes centrados em adolescentes na década de 80 com obras como O Clube dos Cinco, Curtindo a Vida Adoidado e A Garota de Rosa Shocking. Ao retratar esse período da vida com sinceridade e deboche, ele colocou no centro da narrativa jovens deslocados no sistema e deu a eles catarses divertidas, deixando o espectador com a sensação de que há um lugar no mundo até para os mais diferentes.

No entanto, Maisie já escancara no refrão uma das dores mais comuns da passagem para a vida adulta: a de que muitos dos nossos sonhos não vão se realizar e precisam dar espaço para um real e mais sóbrio amadurecimento: “Porque isso não é um filme do John Hughes onde a garota fica com o garoto. Você nem me vê quando passa por mim. Eu fico esperando pela trilha sonora triste que nunca virá. Porque se você não me quer, então você não é o cara certo”

O clipe ilustra bem essa transição: ela sabe que o seu valor está além do que os garotos que ela gosta pensam sobre ela, mas ainda falta um longo caminho para lidar com essa rejeição de um jeito sereno. Então, em um exagero lúdico para aumentar sua autoestima, ela decide se sentir superior aos garotos matando um por um e anotando seus nomes em um livro que faz referência a outro clássico adolescente, Meninas Malvadas.

Ironicamente, é como se Maisie pegasse os pontos que tornaram os filmes de John Hughes tão marcantes e transcrevesse para a experiência daqueles que acabaram de deixar o Ensino Médio para trás. Em I’m Trying (Not Friends), uma das melhores do álbum, ela descreve os sentimentos após encontrar um ex que já está namorando outra. Toda auto-depreciação, mágoa e tentativa de bancar a superior, acabam se atropelando em um ritmo contagiante:

“Não somos amigos. Não, nós estamos em algum lugar no meio disso porque você é horrível e eu sinto sua falta e eu te matei no sonho que tive ontem à noite. Mas até lá você não se importou. É o fundo do poço quando nem nos meus sonhos você me quer por perto. Eu tenho amigos, pelo menos cinco dos bons. Sim, tem gente que me acha engraçada, não pareça tão surpreso.”

E por mais que o álbum saiba arrancar boas risadas através de seus versos inusitados, ele é capaz de torcer a faca em algumas feridas. Volcano aborda a impotência ao ver como as pessoas podem cometer atos terríveis e saírem impunes. Onde nem aqueles que você acreditava que poderiam te ajudar tomam alguma atitude. E o vazio ao perceber que mesmo que você deixe sua raiva sair como a erupção de um vulcão, por mais justificada que ela seja, não será o suficiente.

Ao reconhecer suas limitações, muitas esperanças perdem o sentido, mas também é possível enxergar melhor o seu potencial. E esse é o tema da faixa-título do álbum: You Signed For This. Em uma longa lista de defeitos e peculiaridades, ela exemplifica bem como é não ter muitas respostas nessa idade, apenas um emaranhado confuso e contraditório de certezas. Por isso é tão fácil se identificar com a súplica feita no refrão: “Por favor, não desista de mim ainda. Eu sei que eu vou melhorar, eu só não cheguei lá ainda. Você pode ver que eu estou tentando, estou perdendo o fôlego. Eu sei que vou melhorar, eu só não cheguei lá ainda”.

É nessa honestidade que está a força do disco. Não é um conjunto de músicas inovadoras, e nem tem a pretensão de ser. Assim como os filmes do John Hughes e vários outros que marcaram nossa adolescência, o álbum fornece o misto de escapismo e identificação o suficiente para ser divertido, sem nunca soar artificial. E talvez isso seja exatamente o que precisamos para nos distrair nesse momento de pandemia: um pop açucarado com boas doses de crise existencial.

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Vitória Silva

Sábado, dia 24 de março, 1984

Há pouco mais de 36 anos, cinco adolescentes foram convocados para um sábado de detenção na escola. Entre eles, uma patricinha, um atleta, um nerd, uma esquisitona e um rebelde. Cinco jovens com cinco personalidades totalmente distintas, e mais coisas em comum do que eles poderiam imaginar.

O filme que conta essa história foi lançado somente em 1985, 35 anos atrás, e assinado pelo diretor e roteirista John Hughes. Dono de outras grandes produções oitentistas, como Gatinhas e Gatões e Curtindo a Vida Adoidado, o legado do cineasta se consolidou, de fato, com O Clube dos Cinco, que se tornou um clássico cult anos depois.

Claire (Molly Ringwald), Andrew (Emilio Estevez), Brian (Anthony Michael Hall), Allison (Ally Sheedy) e John (Judd Nelson). Todos destinados a cumprir um castigo escolar devido às suas atitudes. Além de passar o sábado na biblioteca da escola, eles tinham como principal punição escrever uma redação que refletisse sobre seus comportamentos individuais, com o tema: quem vocês pensam que são? E esse é o gancho que amarra The Breakfast Club do início ao final.

As personalidades e trejeitos de cada um dos cinco não foram escolhidos à toa, já que representam os estereótipos mais presentes em tramas adolescentes, e bem característicos da época. Ao colocar estudantes totalmente distintos em um filme de quase um cenário só, Hughes não buscou criar nenhuma narrativa extraordinária, e sim, uma produção baseada no diálogo e interações entre os personagens. O resultado disso é uma série de reflexões existenciais acerca da juventude. 

A trama é ambientada majoritariamente na biblioteca do colégio, onde eles tem que passar as horas de sua detenção em silêncio, apenas escrevendo a redação. A presença de John Bender é a grande responsável por movimentar a história. As provocações do valentão com cada um dos personagens instiga o diálogo entre eles e, aos poucos, vemos suas carcaças se desfazendo. Ao final do filme, o nerd e o atleta não possuem muitas diferenças para além de suas roupas e acessórios. 

O ambiente escolar é como uma selva. Ao adentrar aquele espaço, você já tem seu destino traçado apenas pela forma que anda, fala ou se veste. As famosas tribos se formam a partir de pessoas que encontram gostos em comum, ou que se forçam a encontrar. E é assim que a selvageria se inicia. De um lado, as patricinhas e os atletas, com boas condições financeiras, boas roupas e muitas festas. Do outro, os nerds e os esquisitões, aqueles que se recusam a entrar nos padrões estabelecidos, ou apenas não se encaixam mesmo, e acabam sendo deixados de lado.

O roteiro de Hughes estoura todas essas bolhas. De nada adiantam as aparências de cada um nos corredores da escola se, em suas casas, os problemas paternais que sofrem são os mesmos. A pressão para ignorar suas questões pessoais, a fim de não fugir do personagem a que eles mesmos se destinaram, cria jovens superficiais, em que a única preocupação é manter a sua reputação. 

O comportamento do Sr. Vernon (Paul Gleason), responsável por fiscalizar a detenção, é símbolo da dificuldade de se romper com os padrões que lhes são impostos. Como Brian Johnson afirma na redação “Você nos vê como você nos quer ver”. E essa máxima influencia não só o comportamento dos estudantes, mas também o de diversas autoridades no meio escolar, que tem como única resposta a punição para aqueles que não se enquadram no sistema estabelecido.

O Clube dos Cinco é uma narrativa sobre as pessoas que mostramos ser, para esconder quem realmente somos. Assim é colocado em uma de suas frases mais memoráveis “Somos todos bem bizarros, alguns de nós são apenas melhores em esconder isso”.  Por mais que falar sobre reputação escolar pareça um pouco batido nos dias atuais, é um roteiro que se encaixa perfeitamente quando vamos para o mundo das redes sociais. Hoje, os corredores da escola se ampliaram para o feed do Instagram. Talvez seja isso que o faça ser um filme tão aclamado e querido até mesmo pelos millennials, que se enxergam nas fraquezas de cada um dos membros do clube. 

No entanto, a trama não se mantém com um teor tão atemporal assim. Uma narrativa que tem como enfoque apenas dizer como os populares sofrem os mesmos problemas que os esquisitões acabou se tornando um tanto rasa, ainda mais em uma realidade que olha cada vez com mais seriedade para os problemas da juventude. Produções como Euphoria e Sex Education tem uma abordagem muito mais profunda e precisa quando se trata das questões adolescentes nos dias atuais, envolvendo não só as pressões escolares mas também as psicológicas. E, com todo respeito, dão uma aula em qualquer filme do Hughes. 

E este é somente um dos motivos para se dizer que O Clube dos Cinco envelheceu como leite. O comportamento completamente abusivo de John com Claire, que rendeu uma cena quase explícita de assédio, é algo que não cabe hoje em dia. Convenhamos, a temática do bad boy que vive às custas de perturbar os outros, e ainda consegue conquistar a mocinha, já se tornou mais que ultrapassada. 

O filme também possui uma contradição irreparável. Após uma longa narrativa que trata sobre a importância de ser quem você é, o destino da personagem Allison é, nada mais nada menos, que mudar toda a sua aparência para conquistar o atleta Andrew Clark. Algo que apenas evidencia um pensamento machista da época, que não foi possível de ser ofuscado nas entrelinhas do roteiro.

Não fosse por isso, O Clube dos Cinco talvez ainda se mantivesse como um clássico intocável, digno de atravessar gerações com seus ensinamentos. Nesse caso específico, um remake do filme pode ser algo bem defensável, a fim de adequar a obra para as questões da atualidade.

Talvez O Clube dos Cinco tenha ficado pequeno demais para a diversidade que nos abrange nos dias atuais. Mas, de certa forma, John Hughes precisou andar para que muitas tramas adolescentes pudessem correr. De nada seriam os filmes e séries que buscam se aprofundar no interior dos adolescentes se esses cinco jovens não tivessem se reunido naquele sábado de detenção. Cada um de nós continua sendo um nerd, um atleta, uma esquisitona, uma patricinha e um rebelde. 

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