Lara Fagundes

Izuku Midoriya quer se tornar o maior herói de todos, mas o que é ser ‘super’ em um mundo em que quase todos possuem superpoderes? A história de Kohei Horikoshi teve seu desfecho no mangá em 2024, e sua adaptação animada foi finalizada em dezembro de 2025. A narrativa se consolidou como referência ao explorar conceitos clássicos sob uma nova perspectiva, tornando-se um dos maiores marcos dos animes de ação. Comemorar os dez anos de My Hero Academia é, acima de tudo, reconhecer seu simbolismo na modernização do estilo shounen, somado à sua notável construção de universo e desenvolvimento de personagens.

A premissa inicial é simples: um protagonista, nascido sem poderes, vai para uma Academia de Heróis (UA, sigla em inglês da instituição) em busca de seu sonho, inspirado pelo herói número um do Japão, All Might. Ao acompanharmos sua jornada para se tornar alguém digno do título que admira, somos apresentados não apenas a um cenário onde a maioria da população possui ‘individualidades’ (os poderes desse universo), mas também a todo um sistema social, político e econômico que gira em torno delas. Uma ambientação verossímil e funcional, que enriquece a narrativa e envolve com coerência – o principal diferencial da série.

Diferente de animes shounen tradicionais, como Naruto ou Dragon Ball, que costumam mostrar figuras inabaláveis, My Hero Academia não retira a humanidade, na verdade, se ancora nela. Temos uma sociedade que transforma o heroísmo em profissão, criando regulamentações, competitividade, relações de poder e envolvimento midiático. Assim, a trajetória de Midoriya precisa lidar com limitações físicas e emocionais, e com um sistema que, inicialmente, não foi criado para ele. A partir disso, é desenvolvido o questionamento: o que faz de alguém um herói?

Dentro dessa questão, Horikoshi explora diferentes motivações e formatos para seguir esse caminho. Partindo da desigualdade com pessoas nascidas sem individualidade, há também uma abordagem sobre aqueles que escolhem ajudar por outros meios. Alguns dos exemplos são: Recovery Girl, que se torna médica com seu poder de cura, Mei Hatsume, que cria equipamentos, e os professores da UA dedicados na criação da nova geração. Além dos que veem apenas de modo profissional e bem remunerado, como Ochako Uraraka, que busca trazer auxílio financeiro para a família – algo simples, mas que dialoga diretamente com a normalização dos superpoderes.

Porém, são as trajetórias marcadas por conflitos internos e relações interpessoais que se destacam, com cada personagem contribuindo para o enredo à sua maneira. A dualidade na relação de Midoriya e Katsuki Bakugou é um caso que ilustra inspirações semelhantes, mas motivações opostas. Enquanto o primeiro representa o ideal altruísta, o outro surge movido pela competitividade e o poder, passando por um arco que desconstrói o orgulho aos poucos e traz reflexões sobre ego e medo de fracasso. A evolução dele contribui para os acontecimentos e o crescimento em equipe, sem perder a origem do personagem, que mantém sua ambição até o fim.

Para uma oposição ainda maior, temos Shoto Todoroki, que é forçado a participar da Academia pelo pai, Endeavor, veterano do ramo. A família possui uma das tramas mais densas, aprofundando a discussão sobre o que é salvar o mundo pelo ‘motivo certo’ e a possibilidade de escolher o vilanismo ou simplesmente não gostar de heróis. Por conta da relação parental conturbada, Shoto e os irmãos possuem uma certa rejeição à própria identidade, e seu genitor quebra a idealização ao retratar alguém falho e moralmente questionável. A tensão construída adiciona uma camada complexa dentro da carreira heroica, que pode ser marcada por contradições.

Essa união de perspectivas apresenta uma novidade no gênero e se consolida ao longo da trajetória da animação ao explorar os supervilões, o que torna os conflitos ainda mais impactantes. Os protagonistas encaram antagonistas complexos, com motivos que se tornam denúncias ao contexto do anime. Ao mesmo tempo, a representatividade feminina também cria debates sociais durante partes do enredo. Embora não escape da sexualização comum ao shounen – que é voltado ao público masculino – existe um esforço perceptível na obra em tornar as mulheres relevantes, colocando-as em posições de destaque: Mirko, entre os cinco melhores heróis do Japão, e Nejire, entre os três alunos mais fortes da UA.

Quem se destaca é Uraraka, que aparenta ser apenas um interesse romântico no início, mas depois se torna progressivamente relevante. Ela se torna um papel essencial na batalha final, sem se apoiar no protagonista para conquistar sua narrativa independente. Apesar das meninas não serem tão exploradas quanto os meninos, as mesmas não seguem arquétipos comuns de donzelas em perigo: lutam suas batalhas, são reconhecidas conforme evoluem e, diferente de grande parte dos shounen, podemos vê-las estabelecendo relações entre si e enfrentando figuras masculinas em competições. Assim, ainda que não seja revolucionário, demonstra um certo avanço na forma como representa personagens femininas.

Ao final, My Hero Academia abandona a fórmula do herói central que supera desafios sozinho e mostra que o verdadeiro diferencial está na compreensão do poder. O anime celebra indivíduos que conduzem as próprias histórias e as amizades que contribuem para isso, indo além de apenas grandes duelos. Horikoshi constrói uma sociedade a partir da reflexão sobre o que significa ser extraordinário em um mundo onde isso se torna cotidiano, tendo seu legado de 10 anos marcado no próprio universo ao reimaginar o shounen e seus conceitos clássicos, ultrapassando protagonistas masculinos inabaláveis.

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Sinara Martins

Em 2010, entre filtros saturados, câmeras digitais compactas e a explosão dos primeiros blogs pessoais, os videoclipes de Loud chegavam para moldar estéticas inteiras. Foi nesse cenário que, em novembro daquele ano, Rihanna virou a própria personificação da internet da época e lançou um álbum capaz de marcar gerações. A partir dali, saltos altos enormes e batom matte deixaram de ser pequenos símbolos pop e se transformaram em tendências globais. O novo projeto capturou o espírito daquele início de década e, mais do que isso, ajudou a defini-lo.

É impossível não começar lembrando do cabelo vermelho vivo que a cantora adotou nessa era. Aquela cor não era só um visual, era um manifesto que incendiou a cultura Pop e fez história. O estilo maximalista dominou os blogs e moodboards, criando uma estética tão forte que parece até que Rihanna inventou sozinha o Tumblr. Esse imaginário traduz exatamente as sensações que a obra transmite: calor, liberdade, brilho, excitação e uma alegria quase elétrica. É como entrar num universo onde tudo é saturado, vibrante e cheio de vida.

Antes desse capítulo, a artista vinha do impacto emocional de Rated R (2009), um trabalho sombrio, raivoso e que refletia um período turbulento da sua vida pessoal. O disco era denso, carregado de dor, força e reconstrução, quase como um ritual de sobrevivência artística. Depois de tanta intensidade, ela buscava respirar e reencontrar a luz. Nos meses que antecederam seu quinto álbum, havia o desejo de criar algo mais vivo e radiante, transmitindo renovação, prazer e confiança. Era o anúncio silencioso de que um novo ciclo se iniciava. 

O processo criativo desse período foi marcado por energia e espontaneidade. Rihanna entrou em estúdio decidida a explorar um pop colorido e um R&B pulsante que representassem sua libertação emocional. Os primeiros singles já mostravam uma intérprete revigorada e plenamente consciente do próprio magnetismo. Era a materialização sonora e visual de alguém que havia atravessado a escuridão e agora queria viver com intensidade, brilho e entusiasmo. 

Essa mudança foi resultado de uma pesquisa de mercado bem planejada e do uso de batidas já consagradas em diversos hits de artistas como David Guetta. Não tinha como dar errado. Sem contar o brilhante uso de sintetizadores e percussão eletrônica intensa, que criam uma atmosfera de pista de dança instantânea. Os refrões são explosivos e memoráveis, projetados para ficar na cabeça do ouvinte, enquanto a produção mistura elementos de pop, dance e R&B de maneira coesa. 

Quando o novo projeto chegou às plataformas, o impacto foi imediato e avassalador. O disco estreou no top 3 da Billboard 200 e rapidamente tomou conta das paradas mundiais. Only Girl (In the World) alcançou o primeiro lugar na Billboard Hot 100, seguida por What’s My Name? e depois por S&M, formando uma sequência de hits quase imbatível. A obra rendeu quatro indicações ao Grammy de 2011 nas categorias de Melhor Álbum Vocal de Pop, gravação dance, colaboração de rap e canção, além da indicação a Álbum do Ano. Era o reconhecimento formal da força criativa da barbadense.

Os videoclipes dessa fase ajudaram a tornar o projeto ainda mais icônico. Only Girl apresentou uma estética saturada e onírica que capturava a essência luminosa desse momento. S&M apostou em provocação e ousadia, ultrapassando fronteiras visuais. Man Down trouxe uma narrativa intensa, quase cinematográfica, que mostra outra faceta da artista. Já What’s My Name?, com Drake, exibia uma química leve e encantadora que ampliava seu magnetismo natural. Cada clipe parecia reforçar a identidade do disco e fixar sua estética na memória coletiva. 

A turnê global que acompanhou essa fase também teve papel fundamental na consolidação da era. As apresentações eram vibrantes e cheias de energia, com figurinos exuberantes e performances que acentuavam a estética colorida e irreverente do momento. Foi também quando a cantora veio ao Brasil pela primeira vez, marcando profundamente o público brasileiro, que finalmente viu de perto sua força e carisma. Os shows funcionavam como uma celebração de tudo o que o álbum simboliza: liberdade, exuberância e confiança absoluta.

As colaborações do período ampliaram ainda mais seu alcance cultural. Além da já citada com Drake, Nicki Minaj trouxe atitude e frescor em Raining Men, que combinou perfeitamente com a energia do projeto. Eminem também marcou presença na edição deluxe em Love the Way You Lie, fortalecendo uma parceria que já ocupava um lugar importante no pop contemporâneo. Essas participações mostravam como a artista transitava entre gêneros e públicos com naturalidade e autenticidade.

O motivo de Loud continuar tão vivo hoje está no impacto emocional que carrega. Ele representa libertação, desejo, intensidade e uma energia solar que não envelhece. É um trabalho que traduz o momento em que a cantora escolheu viver com brilho depois de sobreviver a tempos mais pesados. Suas músicas seguem tocando porque mantém esse espírito vibrante, cheio de cor e de vida. A estética permanece influente porque moldou um imaginário inteiro da cultura Pop, algo que poucos artistas conseguiram alcançar. É um capítulo não apenas lembrado, mas sentido, e que continua ressoando com a mesma força de quando chegou ao mundo.

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Sofia Ferreira Santos

Ao longo de sua carreira, Lady Gaga consolidou-se como uma criadora de extremos: do pop dançante de The Fame (2008) à densidade conceitual de ARTPOP (2013), da vulnerabilidade íntima de Joanne (2016) à catarse eletrônica de Chromatica (2020). Essa habilidade de transitar entre o espetáculo e a confissão, entre o acessível e a experimentação, alimentou expectativas intensas do público e da crítica a cada novo lançamento. MAYHEM (2025), portanto, surge não apenas como o oitavo álbum de estúdio da estrela, mas como uma produção que dialoga com essa herança: um retorno à teatralidade sombria de Born This Way, às canções confessionais de Joanne e à energia catártica de Chromatica. 

MAYHEM ganhou vida além do estúdio durante a Mayhem Ball Tour, uma encenação teatral de proporções épicas. No Brasil, a celebração atingiu seu ápice em Copacabana, com um show gratuito na praia que reuniu cerca de 2,1 milhões de pessoas, tornando-se a maior apresentação já feita por uma mulher na história. Dividido em cinco atos temáticos – ‘ópera gótica’ em formato pop –, a apresentação incluiu suas faixas de maior sucesso, como Poker Face, Bad Romance e Shallow, tudo embalado em visuais grandiosos e figurinos teatrais. Esse momento histórico não só coroou o ciclo do projeto, como reafirmou a capacidade de Gaga de transformar música e imagem em experiência coletiva – com forte ressonância cultural e emocional no país.

Mais do que simplesmente atender às expectativas, a musa as redefine ao entregar uma obra completa que se assume como ‘caos’ – entretanto, trata-se de um caos específico: estruturado, encenado e transformado em espetáculo sonoro e visual. Além disso, como apontou a Zane Lowe durante a entrevista sobre a produção para a Apple Music, esse seria justamente o que a persona Lady Gaga representa para ela. Com esse material, a performer revela múltiplas facetas de sua identidade artística e, sobretudo, uma intersecção singular entre três extremos que apenas ela poderia oferecer ao público: a balada, o amor e o gótico.

A BALADA

Inicialmente, Balada, foi o primeiro tema apresentado aos little monsters (como são chamados seus fãs) sobre a novidade. A faixa se trata de uma colaboração feita com Bruno Mars, Die With a Smile, lançada em 2024, escolhida como última da tracklist. Com esse estilo musical elegante, aborda um amor carregado de emoções, vulnerabilidade e quase melancolia, em que, por tanta entrega, a pessoa deseja, caso o mundo se acabe, estar com quem ama nos últimos instantes e, assim, como o próprio nome da música diz, morrer com um sorriso.

O sentido de discoteca também aparece na obra pelo ambiente em que é reproduzida, especialmente em festas voltadas ao público LGBTQIAPN+, onde grandes hits da carreira da estrela costumam estar presentes. Na nova produção, isso se mantém: o single Abracadabra traz batidas densas e um experimentalismo que favorece a criação de remixes e versões alternativas, aproximando-se da estética sonora do submundo. Esse estilo vem ganhando força nos últimos anos, sobretudo com a festa Submundo 808, criada pelo Coletivo 808 – Produções em Campinas e hoje presente em diversos estados do país, alcançando também projeção internacional.

Além disso, o MAYHEM não tem suas referências presentes oriundas desses ambientes somente pela musicalidade, como também, pela cultura de ballroom, representada pela personagem Senhora do Caos (Mistress of Mayhem), personificada por Gaga e mostrada previamente no clipe de Disease. Neste caso, como no outro videoclipe, ela é mostrada em um conflito com a outra persona – que seria a própria Lady Gaga, porém, neste momento, inicia o videoclipe apresentando uma competição de ballroom, dizendo: “Dance ou morra”.

Essa batalha representa não somente uma luta pela própria vida, e sim, por sua liberdade dentro da indústria musical, refletida em músicas como Disease e Perfect Celebrity, em que a cantora aborda como se sente moldada por esse sistema a ser um exemplo perfeito para a sociedade, e em como essa constante cobrança a afeta. Esse conceito é apresentado principalmente na segunda faixa citada, em que ela expõe que se sente como uma ‘boneca humana de plástico’, obrigada a mostrar-se sempre impecável para que seja vendável, e consequentemente, suscetível também a perder sua personalidade.

Enquanto isso, em Disease, somos conduzidos a outro aspecto dessa excessiva cobrança: o de sentir a obrigação de curar o outro – não apenas seus fãs, mas também a própria indústria musical, que projeta sobre a artista expectativas de regeneração e superação. Ao mesmo tempo, a canção também pode ser lida como uma tentativa de cura de si própria, uma resposta íntima às marcas deixadas pelo constante julgamento e pelas exigências externas que atravessam sua trajetória.

O AMOR

A segunda intersecção – Amor – é abordada como a anterior; sempre com duas facetas: a primeira, em uma busca por esse sentimento, em um sentido existencial, de aceitação e resistência frente a opressão sofrida pela indústria musical como pela sociedade. A segunda, é abordada pela complexidade de uma relação amorosa, como na faixa Blade of Grass, em que, com um tom melancólico, o eu lírico apresenta ao ouvinte uma vivência verdadeira e complicado, além de revelar a profundidade e a poesia desse relacionamento, como pode ser observado logo nos primeiros dois versos: “Namorados se beijam em um jardim feito de espinhos / Vestígios de palavras solitárias, ilusões despedaçadas”, em que se aborda como experiências passadas de dor e ilusão são contrastantes com a atual.

Após versar suas tristezas e dores passadas, em Vanish into You, é mostrado um lado ainda mais vulnerável do amor: uma entrega total. Em que almeja-se a perda do ‘eu’, que constrói muros para a existência de um ‘nós’, tornando tudo uma coisa só. Mostra-se uma paixão que procura uma fusão quase espiritual, em contraste com o individualismo da fama que cerca e assombra Gaga.

O GÓTICO

Sobre a terceira intersecção do disco, o Gótico, é importante compreender que essa faceta se mostra, não somente nas temáticas das canções, mas também na estética do próprio MAYHEM, presente primeiramente em seu título, que poderia ser traduzido como ‘confusão’ ou ‘caos’ – elementos comumente encontrados em obras desse cunho, tanto na música quanto na literatura. Um exemplo notável é a obra Frankenstein: ou o Prometeu Moderno (1818), de Mary Shelley, importante contribuinte para o gótico. Assim como Gaga aborda sentimentos complexos em suas canções, a Criatura criada por Victor Frankenstein também é apresentada como uma personagem multifacetada, sobrecarregada não apenas pelo seu criador, entretanto, por toda a sociedade que a teme – do mesmo modo sentem medo da ‘verdadeira’ singularidade da artista em seu último álbum: ousada, amante, sombria e, principalmente, incrivelmente mutável.

Acerca da estética mostrada, em muitas imagens conceituais do projeto, assim como na capa, Gaga se mostra interseccionada entre três elementos: ela mesma, com uma expressão séria, mas ainda assim, suave; o vidro quebrado, que cobre metade de sua face; além de sua reflexão emitida no vidro de maneira turbulenta. Além disso, toda a idealização visual também explora o gótico, em que, com um primeiro contato com o material, o público logo percebe a coloração, que em sua maioria, é preta e branca, puxada para um tom acinzentado.

Porém, o gótico não é abordado somente com elementos como as cores, pois vai além disso, mostrando, logo na capa, o conceito do álbum, que é sombriamente conturbado, entretanto, ainda assim, amoroso. Ali, mostra-se no vidro, um reflexo de como a cantora se sente em meio ao caos que tenta organizar, tanto em sua vida profissional, como também na pessoal, e, além disso nos clipes de MAYHEM, apesar dos diferentes conceitos, a fuga de si e do sofrimento está sempre presente, assim como em obras sobrenaturais, primordialmente, naquelas do período romântico, onde o escapismo e o sentimento de não pertencimento tornam-se temas centrais.

Para além da visualidade gótica – com elementos além do preto e branco, como turbulência, comparação, medo, morte e fuga –, Gaga também aborda o sombrio desgaste que sente. Em sua volta, falando sobre um final de festa com a canção Zombieboy, aborda-se uma faceta diferente do cansaço: em como ele também pode trazer sensualidade. Em diversos trechos a cantora, além de, primeiro, animalizar a pessoa almejada, quando diz “Coloque suas patas em mim”, como também, fazer referência à sua relação com seus fãs e os paws up de Gaga, em um sinal de união em meio ao caos; e em contraste, aborda o desejo, primordialmente carnal, mas ainda sim, transgressor.

A recepção do disco reforça a ideia de versatilidade que caracteriza o projeto. MAYHEM se movimenta por diferentes registros, do vibrante dance às emocionais canções lentas, passando pela nostalgia dos anos 80 até o gótico performático. A produção equilibra teatralidade, humor e vulnerabilidade, traduzindo as contradições de Gaga em ARTPOP. Essa combinação gerou um certo ‘caos organizado’ na estrutura do projeto, com momentos de grande potência, especialmente nas faixas de abertura, e pequenas irregularidades nas partes mais introspectivas.

Os fãs receberam o lançamento de forma calorosa, celebrando tanto a inovação sonora quanto a ousadia estética. Comparado aos projetos anteriores, MAYHEM mostra uma expansão da paleta musical da artista e reafirma seu papel de provocadora no cenário pop, mantendo o equilíbrio entre entretenimento e expressão artística intensa.

A Balada revela a vulnerabilidade e a delicadeza em momentos de introspecção, reforçada pela versatilidade musical que permite às suas canções ocupar diferentes espaços. O Amor surge como uma busca constante, ora marcada pela entrega espiritual às relações, ora atravessada pela dor e pela perda. Já o Gótico se manifesta tanto na estética sombria quanto na crítica à indústria e às pressões da fama. É no encontro desses três eixos que Gaga constrói a identidade de MAYHEM, reafirmando-se como criadora capaz de transitar entre extremos sem perder a coerência de sua trajetória.

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Flora Vieira e Nathan Sampaio

Indicado ao Oscar de Melhores Efeitos Visuais, Godzilla Minus One é a nova empreitada da produtora Toho para a franquia do monstro radioativo, entre nós desde 1954. Escrito e dirigido por Takashi Yamazaki, também responsável pelo CGI, o filme teve um orçamento calculado que varia de US$ 10 a 15 milhões. Seu primo americano, lançado em 2014 e considerado o reboot da franquia em terras ocidentais, em comparação, custou US$ 160 milhões.

Sua indicação não é à toa. Com um pequeno orçamento e uma equipe reduzida, os efeitos alcançam um primor técnico invejável a qualquer blockbuster produzido pelos Estados Unidos, num triunfo alcançado pelo diretor outras vezes, como em Lupin III: The First (2019). Competindo com o novo Missão Impossível – Acerto de Contas Parte 1 e Guardiões da Galáxia Vol. 3, ambos com orçamentos que beiram os US$ 200 milhões, o longa faz história na categoria e tem boas chances de vitória.

Em Godzilla Minus One, Koichi (Ryūnosuke Kamiki) é um veterano da Segunda Guerra Mundial que presenciou um monstro gigantesco matar quase todos os soldados de uma base japonesa, sendo um dos únicos sobreviventes. Nos anos seguintes ao ataque, ele tenta reconstruir sua vida junto de duas vítimas da devastação do Japão, Noriko (Minami Hamabe) e Akiko (Sae Nagatani). Porém, o sofrimento volta à tona quando Godzilla ameaça atacar Tóquio.

O filme surge como uma homenagem ao Godzilla de 1954, filme que iniciou a franquia e popularizou o Kaiju. Durante a produção do primeiro longa, os japoneses tentavam reconstruir sua nação após a devastação da guerra e do trauma das bombas atômicas. Com base nessa angústia, surge o monstro colossal que personifica o medo de um novo ataque atômico e as consequências sociais e ambientais que vieram do bombardeio. Mais do que uma história de criatura, a obra dos anos 1950 é um retrato de um povo destruído e amedrontado.

Com o passar do tempo, o significado original do monstro se perdeu, dando espaço para histórias mais leves e divertidas de lutas entre seres imensos, e o medo deu lugar à afeição. Mais recentemente, a Toho, produtora da narrativa de 2024, tem se empenhado em resgatar a origem do Godzilla, afinal seus temas ainda são atuais e merecem atenção. Essa intenção deu espaço para obras pesadas, angustiantes e amedrontadoras, no melhor sentido possível.

Shin Godzilla, de 2016, é o antecessor de Minus One e o reboot da franquia no Japão, que não recebia um filme novo desde Godzilla: A Batalha Final, de 2004. Diferente do mais recente, ele aposta numa versão do monstro que discute o desastre nuclear de Fukushima, em 2011, e a inércia do governo japonês diante do acidente. Dirigido por Hideaki Anno, o mesmo autor do anime Evangelion (1995), Shin é episódico e sem relação com o resto da franquia, um tanto errático, assim como seu monstro, cujo principal problema são as metamorfoses e seu potencial evolutivo infinito.

Enquanto Minus One escolhe criticar o império japonês e a cultura japonesa do sacrifício pela pátria, apostando em um final feliz, Shin coloca os pés no chão, enxergando que pouco mudou desde o fim da Segunda Guerra Mundial: a ameaça continua viva, e em constante mudança. O Godzilla de Minus One é belo e estático, enquanto Shin Godzilla é propositalmente feito para ser deformado, desconfortável e estranho ao cenário.

O longa é extremamente corajoso e ambicioso em sua abordagem. A suposta falha do jovem Koichi, no início da narrativa, representa o absurdo da cultura imperialista e belicista do Japão dos séculos XIX e XX. Esta falha, aos poucos, é transformada em virtude pela narrativa, quando ela valoriza, de forma direta e sem rodeios, a vida de cada um dos personagens que interage com o protagonista ao longo das duas horas de filme.

Engana-se quem pensa que a narrativa só se sustenta pela abordagem principal. A sutileza em que os traumas de Koichi são expostos por meio da relação dele com Noriko e Akiko permitem que se explore a tridimensionalidade do país no pós-guerra, seus conflitos internos e sua dificuldade em se desconectar do passado. A narrativa também dá abertura para que personagens como o cientista (Hidetaka Yoshioka) e a vizinha de Koichi (Sakura Ando) brilhem cada um à sua maneira, representando uma nação em profunda transformação, e que, aos poucos, percebe o absurdo que representam valores calcados no sacrifício pelo Imperador.

O enredo, quando usa os personagens para fazer esses paralelos, também conversa com o Japão do século XXI, que esconde seus crimes de guerra debaixo do tapete. Ao responsabilizar também o país por suas atitudes durante a Segunda Guerra, que levaram o Império a uma aliança com os nazistas, a narrativa cresce, inocentando e valorizando a vida dos indivíduos, que lutam contra uma nação retrógrada corresponsável, junto dos Estados Unidos, pela criação do Kaiju.

Coincidência ou não, Minus One surge no momento em que o universo compartilhado da Legendary, o Monsterverse, está em alta e essas duas visões sobre o Godzilla são antagônicas. Enquanto os Estados Unidos produzem filmes que associam a imagem da criatura a um salvador do planeta, o Japão mostra a devastação que esse ser poderia causar, uma briga ideológica para ver quem consegue cunhar na cultura pop o verdadeiro significado do monstro. Retomando às origens do longa de 1954, pode-se dizer que é uma disputa sobre a bomba atômica, na qual o país que a jogou tenta se justificar e a nação atingida mostra o trauma daquela experiência. 

Takashi Yamazaki faz um trabalho sensacional na direção, pois há muitas referências visuais ao Godzilla original, tanto em enquadramentos quanto em composições de cena, o que funciona como uma bela homenagem a Ishirō Honda, diretor do primeiro longa. Outra proeza da condução é a empatia criada entre espectador e os humanos da trama, algo raro em filmes de Kaiju, mas essencial em Minus One: sem essa perspectiva, a trama perderia seu impacto.

Um dos artifícios utilizados perfeitamente por Yamazaki para construir essa empatia é mostrar a pequenez dos humanos perante o Godzilla nas cenas de ataque, porque nesses momentos, a projeção flerta com o cinema de desastre, em que a sobrevivência depende de um pouco de esperteza e muita sorte. Os ângulos escolhidos por Kozo Shibasaki para mostrar a criatura são magníficos, servindo para amedrontar e causar desconforto. Além disso, diferente da versão estadunidense, Minus One não esconde o monstrengo na escuridão: aqui ele aparece em toda sua magnitude em plena luz do dia, demonstrando que não há nenhum momento em que os personagens estão seguros.

A trilha sonora acompanha e auxilia a direção ao transmitir angústia, medo e pavor. Com seus acordes lentos e graves intensos, o compositor Naoki Sato enfatiza o suspense das cenas e deixa o espectador apreensivo para o que vai acontecer. Há ainda músicas mais energéticas usadas no clímax da história, que referenciam o tema original do Godzilla, composto por Akira Ifukube. 

E caso o filme não lidasse com temáticas tão ricas quanto a valorização à vida, tão entranhadas na narrativa, seu final poderia ser interpretado como algo bobo, clichê e até como um dramalhão barato, mas não é isso que acontece aqui. A decisão de Koichi de continuar vivo, rompendo com a cultura vigente da época, e a sobrevivência de Noriko ao ataque do monstro marinho, é o desfecho feliz que o longa precisava para completar seu arco narrativo.

Godzilla Minus One é uma carta de amor aos fãs do universo do Kaiju, que recebem um prato cheio: personagens cativantes, raros em obras do tipo, efeitos especiais que deixam Hollywood com inveja e uma história que atinge onde dói, com dilemas importantes mesmo para o Japão do mundo atual. A Toho e o diretor Takashi Yamazaki criaram o monstro perfeito, e o colocaram no Oscar com menos de US$ 15 milhões. Os Estados Unidos ainda têm muito o que aprender.

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Felipe Nunes

Quem nunca teve medo de uma boneca durante a infância que atire a primeira pedra. Por meio de lendas, séries e filmes, a vertente do terror associada aos brinquedos ficou enraizada no imaginário coletivo popular cultural. O fruto disso foram as célebres sequências envolvendo bonecos sobrenaturais, como a franquia de Chucky e a de Annabelle. Se, no passado, estas obras foram as responsáveis por aterrorizar as crianças, agora, o brinquedo da vez – robô, na verdade – é M3GAN – uma boneca androide que é tão maldosa quanto seus antecessores, mas que, pela primeira vez, não é alvo da possessão de nenhum espírito maligno e sim da própria tecnologia da qual foi criada.

A história central de M3GAN gira em torno de Cady (Violet McGraw), uma jovem garotinha que fica órfã ao perder seus pais em um acidente de carro e é encaminhada para a casa de sua parente mais próxima, sua tia Gemma (Allison Williams). A nova tutora não almejava ter as responsabilidades de cuidar e educar uma criança pré-adolescente e que, como qualquer outra dessa faixa etária, carece de atenção, zelo e – o mais difícil para a mais nova ‘mãe’ -, afeto. Da mesma forma, a sobrinha também não sonhava em passar por essa avalanche sentimental, saindo da casa que vivia e da escola que estudava, sem nunca mais ver os pais com quem sempre conviveu.  

Tia e sobrinha unidas pelo infortúnio do destino. O gancho inicial da produção serviria muito bem para um longa dramático, em que ambas precisam aprender a viver suas novas realidades juntas. Porém, o filme rapidamente subverte essa narrativa e aniquila qualquer resquício dessa impressão. Ao invés de arcar com o compromisso de cuidar de Cady, Gemma tem uma ideia: aprimorar um projeto robótico e fazer com que ele cuide da sua sobrinha. Isso porque ela precisa inovar um brinquedo para empresa que trabalha, assim como também tem a necessidade de que alguém cuide da familiar. Por isso, investe no protótipo e tenta resolver dois problemas com uma única solução. Dessa forma, a grande vilã M3GAN (Model 3 Generative Android ou Androide Gerador do 3º Modelo), interpretada por Amie Donald e dublada por Jenna Davis, é criada no primeiro ato.

Como na maioria das obras cinematográficas de terror, o ato inicial de M3GAN é incumbido de ambientar a trama. Tudo parece fluir com o desenvolvimento da boneca animatrônica: Gemma tem mais tempo para se dedicar ao trabalho sem se preocupar com a criação da sobrinha, já que a boneca é quem cuida de tudo. À princípio, a jovem Cady não vê problema nisso, porque finalmente tem alguém para cuidar dela e escutá-la. No entanto, uma grande reviravolta começa, aos poucos. À medida que fica na companhia do brinquedo, a personagem de Violet McGraw fica cada vez mais dependente emocionalmente dele e transfere para o robô o carinho que nutria pelos seus falecidos pais. Enquanto supre a carência de Cady, M3GAN é sobrecarregada com a chuva de informações que uma criança em desenvolvimento pode transmitir e solicitar ao decorrer de seu dia a dia na era tecnológica. 

Eis o diferencial do filme, que tem o roteiro assinado por James Wan e Akela Cooper: a tecnologia e a sua relação com o desenvolvimento infantil. Uma obra futurista de terror que mistura comédia e ficção científica parece ser uma combinação improvável. Esses elementos destoantes, que até então pareciam formar uma junção desarmônica, se unem em uma nova abordagem cinematográfica com fortes raízes no subgênero ‘terrir’. Por essa razão, a grande aposta do longa é  fazer o telespectador, principalmente aquele que ama cultura pop, rir e sentir medo ao mesmo tempo. Sentimentos conflitantes, mas que exalam a sensação tida assistindo a nova obra da produtora Blumhouse.

As risadas são garantidas pelas inesperadas ações de M3GAN, que vão desde uma dança do TikTok, logo antes do assassinato de um cidadão, até a playlist excêntrica que transita entre Titanium, de  Sia e David Guetta, e Wrecking Ball, de Miley Cyrus. Já o medo é ambientado com as mortes que a boneca promove a cada pessoa que, de acordo com suas impressões robóticas sensoriais, oferece algum tipo de risco à Cady. Na verdade, o medo da vilã não é que alguém arrisque a integridade física e mental da personagem interpretada por McGraw e sim interfira na doentia relação que ambas criaram. Por isso, com um jeito animalesco e amedrontador, ela executa qualquer pessoa ou animal que vire um obstáculo em seu laço com Cady. 

A produção brinca muito bem com essas diferentes facetas. Porém, em muitos momentos, a obra escancara o seu viés mercadológico e isso não agrada – essencialmente, quando negligencia assuntos que mereciam atenção ao enfatizar a publicidade que se reverbera dentro e fora da ficção. Diversas questões importantes são levantadas – como a relação de crianças com o luto e os danos da utilização de brinquedos e equipamentos tecnológicos em excesso – mas, todos os pontos são abordados de forma totalmente superficial. Embora o gênero a qual pertence não seja focado exclusivamente na construção dos personagens e no desenvolvimento das temáticas sobre as quais discorre, M3GAN falha em sustentar as situações que apresenta e se perde na proposta disruptiva que a todo momento tenta destacar na composição narrativa.

Já a direção de Gerard Johnstone é assertiva e equilibrada. O arco de M3GAN e toda sua construção vilanesca é um dos acertos da obra, desde as cenas iniciais da criação da boneca até as catárticas mortes provocadas por ela. Tudo isso vem com a representação de uma personagem que não é humana, mas que atrai a atenção de quem assiste e, mais do que isso, revela os porquês que a fizeram ser quem ela é: um robô androide assassino, mas com uma aparência totalmente doce e meiga. Um dos diferenciais da produção é desmistificar a ideia de que, para ser assustador, é necessário ser grotesco e monstruoso imageticamente. Com isso, a produção enfraquece as analogias que poderia sofrer com seus antecessores, como os brinquedos Chucky, Billy (de Jogos Mortais) e Annabelle.

O roteiro de M3GAN pode ser definido como suave, no mínimo. Quando esperamos ver um filme de terror, definitivamente não imaginamos acompanhar uma história como a desenvolvida por Wan e Cooper, que, inegavelmente, é muito mais cômica do que amedrontadora. As perseguições da boneca trazem a adrenalina e o medo conhecidos pelo gênero, mas o texto dos personagens quebra qualquer chance imersiva que a obra poderia oferecer. 

No entanto, considerando que a trama transita também para a ficção científica, é imprescindível enfatizar o bom trabalho da dupla de roteiristas no núcleo de engenheiros robóticos. Isso porque seria fácil  dificultar a compreensão dos diálogos por parte dos espectadores que não pertencem ao nicho. Os dois não se perdem em jargões técnicos e termos rebuscados, o que é extremamente recorrente em filmes com essa proposta tecnológica e científica.

Outro ponto que merece destaque é o conjunto de intérpretes. Allison Williams, que ganhou a merecida atenção com o ótimo Corra, dirigido por Jordan Peele, defende sua protagonista com total entrega em M3GAN. Ainda que não tenha um roteiro que a favoreça, ela abarca todas as singularidades que Gemma carrega: a vontade de não ser mãe, o desejo de alcançar sua estabilidade profissional e o luto pela perda de sua irmã e seu cunhado. Já Violet McGraw sabe muito bem como passear pelas camadas de sua personagem. A menina gera empatia no ato inicial e mostra vulnerabilidade, irrita nos insultos e agressões que tem com sua tia no segundo ato e faz o público admirar sua coragem no final da trama. Além das protagonistas, é essencial destacar o trabalho de Amie Donald como intérprete da boneca e Jenna Davis como dubladora, junto de Jen Brown (Tes), Kira Josephson (Ava) e Ronny Chieng (David). 

O longa usa e abusa da linguagem publicitária que demonstrou desde os teasers, trailers e divulgações, ancorando-se, principalmente, na cultura pop e no mar de possibilidades que pode ofertar quando memes, canções e referências de outros filmes são trazidos à narrativa. Contudo, a estratégia, promissora no quesito divulgação, torna-se cansativa e entediante para quem acompanha os desdobramentos da boneca-robô assassina. A sensação é que cada cena terá um elemento caricato ou de merchandising para que a trama se auto sustente em uma proposta engraçada e publicitária, como um ciclo que não para de se retroalimentar.

O fim, como é típico em obras de terror que almejam sequências, não é uma finalização amarrada e sem brechas. Muito pelo contrário, a conclusão mostra que Wan e Cooper têm planos para a nova bonequinha do terrir. M3GAN já foi feito para ter continuação e só expõe o que já mostra no começo: é uma história inovadora de um brinquedo matador que possui diversos caminhos narrativos quando se tem a internet como plano de fundo. Se o sonho de Wan era modernizar seu trabalho em uma proposta disruptiva, ele conseguiu. Mas sacrificar a narrativa de sua história realmente valeu o preço pago?

Entre risos e sustos, a produção cumpre algumas de suas promessas, como a de inovar o terrir e o slasher com foco em bonecos assassinos. Ao mesmo tempo, se perde na sua própria linguagem, linha narrativa e nos elementos externos que tenta incluir de forma totalmente exagerada. Aqui, o menos realmente seria mais. A sequência tem infinitas possibilidades de corrigir esses erros e uma delas é explorar ainda mais a tecnologia, as temáticas que envolvem a relação de pais e filhos com esse meio e os danos que o excesso pode causar não somente às crianças, mas também aos adultos. Além disso, M3GAN pode tomar cuidado com o excesso de humor e focar no medo que tanto atrai quem é fã de obras de terror, enfatizando ainda mais que uma boneca de aparência meiga também pode ser perigosa.

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Clara Sganzerla

Se você ver Jenna Ortega na tela do cinema, é muito provável que ela estará coberta de sangue. Batalhando por relevância no mundo hollywoodiano desde 2012 – e não demorando muito tempo para conquistá-la -, a norte-americana mostrou ser uma brilhante scream queen e atuou em papéis de grandes sucessos em 2022, sendo muito elogiada por Pânico 5 e X – A Marca da Morte. Sem decepcionar, a atriz guardou o melhor para o final e protagonizou uma das maiores produções da Netflix: Wandinha.

Latinos, excêntricos e com gostos mais do que peculiares, a Família Addams cativa admiradores por décadas – e é assim que descobrimos a nossa estranha adoração pelo esquisito. Gomez, Mortícia, Wandinha, Feioso, Tio Chico, Vovó Bruxa e o mordomo Tropeço foram criados pelo cartunista Charles Addams na década de 30 e, desde então, colecionam filmes, séries, quadrinhos e musicais sobre a linhagem mais famosa da cultura pop. Dessa vez, temos o privilégio de acompanhar a primogênita da família em uma jornada aterrorizante para qualquer adolescente: o Ensino Médio em uma nova escola.

Na primeira temporada de Wandinha, após vingar seu irmão Feioso (Isaac Ordonez) dos valentões de seu colégio e ser expulsa, a protagonista de Ortega é levada para a antiga escola de seus pais, a Academia Nevermore. Apesar de ser um local fora dos moldes tradicionais e feita especialmente para sereias, lobisomens, vampiros e górgonas, a instituição não deixa a desejar quanto aos clichês – que lembram as dinâmicas de outro lugar muito famoso do cinema, Hogwarts. A competição de corrida de barcos “Copa Poe” nos traz a mesma energia dos Torneios de Quadribol, enquanto a atmosfera sombria dos sangrentos assassinatos que contornam a protagonista e até mesmo as aulas de botânica nos relembram a fórmula da maior franquia do universo pop, Harry Potter. 

Se há clichês, há romances adolescentes. Não podemos culpar Tyler Galphin (Hunter Doohan) por ficar obcecado pela protagonista – nós também ficamos. Além da beleza, da inteligência e da sagacidade invejável, a filha mais velha dos Addams é um combo perigoso: ela é escritora de romances policiais, excelente esgrimista, conhecedora de algumas técnicas de tortura, dona de um humor ácido que desmonta qualquer um e possui notáveis habilidades de dança, principalmente ao som de The Cramps. Mesmo Wandinha tentando camuflar seu aspecto teen em uma atmosfera sombria, não há ninguém que resista a um baile da escola. 

Porém, apesar de todas as qualidades, um dos defeitos da protagonista continua sendo a sinceridade extrema, que acaba a afastando de interações sociais normais. A sorte de Wandinha é Enid Sinclair (Emma Myers), sua colega de quarto que, sendo o oposto da personagem, consegue equilibrar as energias e cativar dos vivos aos mortos, incluindo Mãozinha. Adicionando Eugene Otinger (Moosa Mostafa) à equação, o quarteto torna-se decisivo na solução dos assassinatos que inquietam a escola, principalmente quando a avidez e o egoísmo da estrela entram no caminho das investigações. 

Essa personalidade vem, com certeza, de sua criação. Nesse spin-off dos Addams, há uma grande diferença na relação entre Mortícia (Catherine Zeta-Jones) e sua filha, amplamente mais explorada que nas obras anteriores. Aos 15 anos, já é difícil ter autoconhecimento o suficiente para assumir sua própria personalidade com confiança, e até mesmo Wandinha, que sempre sabe onde está pisando, encontrou dificuldades para consolidar-se em um lugar cercado pelos fantasmas de sua mãe, uma das alunas notáveis de Nevermore. Além disso, a personagem teve de lidar com uma herança complicada de sua genitora, mas contou com suas antepassadas para desvendar as obscuridades da primeira temporada através de seu mais novo dom: as visões do futuro. 

É esse background que dá o toque especial a Wandinha: temos a chance de conhecer com profundidade uma figura que, mesmo sendo secundária nos filmes e séries, marcou uma geração. A jogada de mestre de Alfred Gough e Miles Millar foi enxergar na primogênita uma figura modelo, uma história para além do romance entre seus pais Gomez (Luis Guzmán) e Mortícia,  das torturas com seu irmão e da afetuosa relação com seu querido Tio Chico (Fred Armisen). Aqui, ela retorna para relembrar a Geração Z que não há problema em ser a ovelha negra da família. 

Não há ninguém melhor para ser a esquisita da história do que Jenna Ortega. Vivendo a personagem em uma idade nunca antes vista, a atriz consegue desenhar sua versão da filha mais velha dos Addams em uma folha em branco, sem vestígios de suas antecessoras ou até mesmo de seus trabalhos anteriores. Conseguimos enxergar a criação de um novo conceito para a protagonista, uma nova Wandinha que surge para fazer sua marca jovem na posteridade – quem sabe ela não cria até um Twitter?

E todo o mistério que rodeia Evermore desde o início da série é meticulosamente construído pela direção de Tim Burton, responsável pelos quatro primeiros episódios da trama. Sem medo de usar sangue ou florestas macabras, com forte predominância de tons frios e cenários gravados na sinistra Romênia, o diretor conseguiu captar notavelmente a essência mórbida de Wandinha, entregando cenas aos moldes da Família Addams e elevando a obra para uma perspectiva jovial, mas sem perder seu legado. Os episódios Quem Planta Desgosto, Colhe? e Toma Lá, Não dá Cá ficaram na direção de uma estadunidense bem brasileira, Gandja Monteiro, enquanto os dois últimos, Se Não me Conhece Ainda? e Confrontando Desgostos, foram dirigidos por James Marshall.

Provando que, no fundo, nada mudou tanto assim, temos a volta de Christina Ricci, a intérprete de Wandinha nos filmes dos anos 1990, para produções da Família Addams – mas não como esperávamos. Agora, seu papel é como a professora de botânica Marilyn Thornhill, uma personagem que teve um surpreendente desenvolvimento e tornou-se peça chave para o desenrolar da trama. Sua participação é de tom extremamente simbólico, negando a desnecessária comparação levantada entre as duas versões e mesclando incrivelmente bem a tradição e a modernidade. 

Mesmo alguns meses após seu lançamento, ainda não conseguimos parar de falar sobre Wandinha. Além de virar trend no TikTok, o spin-off conseguiu chegar nas passarelas e até marcar presença em um dos maiores festivais de cultura pop do mundo, a CCXP 2022. O sucesso da obra serviu também para levantar as sérias acusações envolvendo o ator Percy Hynes White (intérprete do personagem Xavier Thorpe), que virou um dos assuntos mais comentados no Twitter e levou a hashtag #CancelPercy nos Trending Topics. 

Se você maratonou os oito episódios da trama e sentiu-se desolado após seu fim, fique tranquilo, uma segunda temporada está mais do que confirmada. A verdade é que a produção, apesar de não ter vencido a estatueta do Globo de Ouro por suas indicações em Melhor Série de Comédia e Melhor Atriz em Série de Comédia, para Jenna Ortega, ganhou nosso coração. Wandinha nos relembrou o quanto amamos a Família Addams e mal podemos esperar para encontrar conforto na estranheza novamente. 

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Ana Nóbrega

Clichê de reparação. Clara Alves dispõe em seu livro Conectadas, publicado em 2019 pela Editora Seguinte, tudo que qualquer menina queer sonhou enquanto assistia à comédias românticas adolescentes em sua infância. Jogos, romance, juventude, cultura pop e a realidade de muitas garotas são alguns dos pontos abordados por Clara em sua obra, feita  para garotas jovens que ainda estão se descobrindo em um mundo tão violento, e também para mulheres adultas que foram roubadas de seus clichês juvenis. 

A trama escrita por Clara conta a história de Raíssa e Ayla, com capítulos intercalados que aprofundam um pouco da vida de cada uma, duas adolescentes que são apaixonadas por jogos e enfrentam conflitos com sua sexualidade. Raíssa tem uma família amorosa e tranquila, e vive cercada por seus amigos de escola, no entanto, ela ainda esconde um segredo das pessoas, por medo de ser rejeitada.

Enquanto isso, Ayla enfrenta diversos problemas dentro da sua própria casa, já que a relação com os pais não é das melhores. Além disso, o comportamento da menina na escola reflete tudo que ela vive em seu lar, o que resulta em um ciclo de amigas reduzido a Vick e Dricka, suas colegas de classe, Raíssa — que se passa por outra pessoa — e sua tia Sayuri. A última é personagem importante na vida de Ayla, sendo uma peça chave para que ela tenha contato com o mundo de fora do caos de sua residência, atuando quase que como uma fada madrinha.

“Atravessei a sala em direção ao pequeno corredor que ligava aos outro cômodos da casa e, assim que parei na frente do quarto da minha mãe, a encontrei apagada com a pequena televisão de tubo ligada, o frasco de Rivotril em cima da mesinha de cabeceira. Eu suspirei e fiz menção de continuar pelo corredor, mas entrei no cômodo e parei para dar um beijo na cabeça dela. Não havia sinal do meu pai.”

Raíssa oferece ajuda para Ayla, e as duas se tornam grandes amigas. Porém, Ayla não sabe que Raíssa é uma menina. Não apenas isso, ela acredita que seu parceiro de jogo é Leo, um dos melhores amigos de Raíssa. Conforme a amizade das duas se desenvolve, o melhor amigo de Raíssa e ela se encontram em uma rua de mão única quando um grande evento de games chama a atenção deles, e também de Ayla. Conectadas se desenvolve quase como o filme Sierra Burgess é uma Loser, só que dessa vez as personagens principais são mais carismáticas e a trama segue o caminho correto para prender o público. 

A leitura é leve e fluída, o que faz com que o leitor consiga terminar a história mais rápido do que se imagina, e ainda deixar um quê de quero mais. As vidas das personagens principais são bem desenvolvidas, e quem está do outro lado da obra consegue empatizar pelas dores familiares de Ayla e pelo medo que Raíssa sente em relação ao seu envolvimento com a web amiga. O ponto de vista das duas estar incluído na obra faz aflorar o sentimento de saber o segredo de uma e não poder contar para a outra. 

Outro fator que chama atenção do público no romance de Ayla e Raíssa é que nenhuma delas é branca Ou seja, o clichê de Clara Alves passa longe das histórias heteronormativas e caucasianas que sempre tiveram espaço na mídia. Essa característica da obra faz com que os leitores LGBTQIA+ e não-brancos sintam seus corações quentinhos, por conseguirem presenciar uma história de amor que representa sua vivência para um grande público-alvo. 

“Aquelas duas últimas horas tinham sido incríveis ao lado dela — quase como costumavam ser com o Leo na internet, só que melhor.”

Além disso, a autora abre o caminho para uma discussão que está em alta desde que o mundo dos gamers explodiu: a presença de mulheres no mundo dos jogos. Tanto Ayla, quanto Raíssa, enfrentam discriminação no meio. Afinal, ainda existe uma crença errônea de que o público é majoritariamente masculino e que qualquer pessoa que fuja disso não se encaixa no ideal. Aos poucos, as duas ganham espaço dentro desse ambiente e realizam seus sonhos.

A história de Conectadas é completa por si só, praticamente um romance adolescente de apenas um filme, como 10 Coisas que Eu Odeio em Você, Sorte no Amor e Ela é o Cara. O livro é um daqueles que não precisam de continuação para agradar o leitor, apesar da história incompleta de alguns personagens secundários deixarem-nos com a pulga atrás da orelha para saber um pouco mais. Principalmente quando se trata de outras tramas LGBTQIA+ na história.

Para quem curte uma história mais madura, Conectadas pode não ser a melhor opção. Porém, quem está em busca de curar seu adolescente interior com representatividades que não eram vistas há até dez anos atrás, com certeza vai adorar a obra. Principalmente os fãs de livros LGBTQIA+ , como Heartstopper, Vermelho, Branco e Sangue Azul e Rainhas Geek, que tem se popularizado nos últimos tempos. Para as jovens sáficas que cresceram sem nenhum tipo de representação, Conectadas é quase uma reparação que reforça que pessoas fora do padrão de heteronormatividade também têm o direito de viverem grandes romances felizes. 

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Nathan Sampaio

Há 10 anos, os filmes de super-heróis eram muito nichados, em um período em que apenas fãs de quadrinhos, crianças e alguns poucos curiosos se interessavam por essas adaptações. Poucos eram os longas que furavam a bolha, como Superman – O Filme (1978), Batman (1989) e Homem-Aranha (2002). Porém, tudo mudou em abril de 2012, pois Os Vingadores (The Avengers) chegava aos cinemas mundiais, representando o que seria o princípio de uma era. 

O projeto surgiu com uma ideia desafiadora e ousada: a Marvel Studios propôs a realização de um longa-metragem para cada herói, para que, no final, pudesse uni-los em um grandioso filme crossover. Essa prática era raramente vista no Cinema e, por isso, era um risco apostar nesta vertente. Felizmente, os realizadores, Avi Arad, Kevin Feige e Jon Favreau, acreditaram no potencial do projeto e o fizeram, após os cinco filmes precursores, Homem de Ferro, O Incrível Hulk, Homem de Ferro 2, Thor e Capitão América: O Primeiro Vingador.

No enredo de Os Vingadores, Homem de Ferro (Robert Downey Jr.), Hulk (Mark Ruffalo), Capitão América (Chris Evans), Thor (Chris Hemsworth), Viúva Negra (Scarlett Johansson) e Gavião Arqueiro (Jeremy Renner) precisam unir forças para impedir que Loki (Tom Hiddleston), irmão de Thor, invada o planeta Terra e domine a humanidade. Porém, essa não será uma tarefa fácil, já que nenhum deles trabalhou em uma super equipe antes. Além disso, o vilão possui artefatos cósmicos chamados “joias do infinito”, as quais irão dificultar – e muito – a vida dos protagonistas. 

A trama é básica, e, talvez por isso, seja tão efetiva. Afinal, o filme não perde tempo com um enredo complexo e que teria chances de prejudicar o projeto, mas os realizadores apostaram em uma história segura, uma aventura clássica de heróis, o que foi muito bem executado. Mesmo possuindo um roteiro simples, Os Vingadores  é divertido, cativante e empolgante, e isso torna-o encantador.

Os personagens são outro elemento muito forte do longa, ajudando-o a alcançar outro patamar de qualidade. Todos são muito diversos, com características únicas e modos de agir diferentes: a união deles é perfeita, pois todos têm uma função importante na trama e ninguém está nela sem razão. Steve Rogers é o líder nato do grupo, Natasha Romanoff, a espiã que consegue extrair informações do vilão, Bruce Banner e Tony Stark são a inteligência, Thor e Gavião Arqueiro possuem conhecimento do vilão e do seu plano. Logo, percebe-se a importância e a excelente utilização de todos os heróis.

É impossível elogiar os personagens sem comentar de seus intérpretes, já que todos os atores se encaixaram perfeitamente nos papéis, e por isso seus rostos se tornaram tão conhecidos. Chris Evans mostra um personagem bem idealista, mesmo fora de seu tempo. Scarlett Johansson e Jeremy Renner constroem um mistério em volta de seus passados e uma ótima dinâmica entre si, enquanto Chris Hemsworth e Mark Ruffalo representam personas mais sérias, mas que se desconstroem em eventuais piadas. Por fim, Robert Downey Jr. é sarcástico, debochado e desconfiado de toda a situação. 

Quando os atores contracenam, o filme brilha pelos conflitos de ideias, comentários sarcásticos, críticas ao próprio universo e pela dinâmica invejável entre eles. É interessante assistir Os Vingadores e observar o quanto os heróis cresceram ao longo dos anos e as suas relações mudaram, demonstrando, assim, o avanço da gigante história criada pela Marvel.

O vilão também é excelente: Loki é ameaçador, perigoso e tem uma presença muito forte em tela. Porém, ainda assim, ele consegue ser cativante, sendo sarcástico, irônico e muito carismático. Muitos desses méritos vem de seu intérprete, Tom Hiddleston, que se entregou ao papel e o adora fazer, tornando seu personagem um dos mais queridos da franquia. 

É interessante evidenciar que a maioria desses heróis não estavam inseridos no imaginário popular, diferente de Superman e Batman, personagens que já eram parte da cultura pop há décadas. Dos Vingadores fundadores, apenas Hulk era conhecido, devido ao seu seriado para TV nos anos 70 e 80. Isso tornava a tarefa de realizar o longa ainda mais desafiadora – afinal era necessário vender um grupo de heróis totalmente anônimos, algo que eles conseguiram com muito êxito. 

Os méritos de Os Vingadores não residem em sua história, até porque esta é recheada de clichês. Os pontos altos do filme estão na união dos personagens e no visível carisma, que provém tanto dos atores quanto do universo construído. Logo, o que era mais desafiador e arriscado na proposta inicial se tornou o ponto mais forte da produção: a preparação dos personagens e a construção do mundo. Isso porque todos os protagonistas foram muito bem trabalhados em suas respectivas histórias solo, e todos os itens importantes para a trama já estavam estabelecidos, fazendo com que o enredo fosse mais ágil e focado no que importava: a interação e conflito entre eles. 

Os Vingadores também ajudou a moldar uma história que viria a durar mais de 10 anos, sem expectativa de acabar. Muitos dos elementos presentes aqui retornaram na franquia, como a relação conflituosa entre Homem de Ferro e Capitão América, que culminaria em Capitão América: Guerra Civil; a dinâmica entre Thor e Loki, que voltaria a ser explorada em Thor: O Mundo Sombrio e Thor: Ragnarok; e o mais importante de todos: as joias do infinito. Delas, resultaram dois épicos filmes, Vingadores: Guerra Infinita e Vingadores: Ultimato, fechando todo um arco iniciado em 2012.

A estrutura de Os Vingadores funcionou tão bem que passou a ser repetida em todos os longas da Marvel Studios, formando, assim, o que se conhece hoje como Marvel Cinematic Universe, o MCU O uso desse universo compartilhado é o que torna o estúdio um dos mais renomados atualmente – afinal, a empresa montou uma história gigantesca, envolvendo centenas de personagens, tudo em um único mundo, complexo e muito vivo. 

Outros estúdios também tentaram aplicar esse mesmo conceito, objetivando o mesmo prestígio e sucesso da Marvel, como o InvocaVerso e o Monsterverse, ambos pertencentes a Warner Brothers. Há ainda o Dark Universe, tentativa da Universal de criar um mundo com diversos monstros da Literatura clássica, o qual fracassou no primeiro longa. Nota-se que Os Vingadores foram os responsáveis por criar essa tendência de universos compartilhados no Cinema, algo que se reflete até hoje em diversos projetos. Porém, o longa-metragem também foi responsável por popularizar os super heróis nas telonas e na cultura pop.

Antes de Os Vingadores, apenas alguns filmes de heróis alcançaram a fama, e, muitas vezes, isso ocorria porque esta já vinha junto com o personagem, por sua popularidade em quadrinhos ou animações. O longa, porém, alçou heróis desconhecidos do grande público ao estrelato, e hoje, 10 anos depois do seu lançamento, todos fazem parte do imaginário popular, podendo ser até mais populares do que os heróis clássicos, como Superman ou Mulher-Maravilha. 

Após o imenso sucesso da obra, diversos estúdios buscaram ter seus próprios heróis. A Warner Brothers criou seu mal estruturado universo compartilhado com os personagens da DC Comics, o Amazon Prime Video investiu na desconhecida HQ The Boys e a Netflix lançou séries como O Legado de Júpiter e The Umbrella Academy, entre outras produções. 

Pode-se dizer que, atualmente, a indústria cinematográfica vive a era dos heróis, na qual a maioria dos filmes lançados nas salas de cinema são voltados a essa temática. O frenesi não se aplica apenas aos estúdios, já que a busca do público também está voltada para essa vertente, tornando assim, as histórias de super-heróis as mais lucrativas nos dias de hoje. Os Vingadores é um filme icônico, seja pela catarse ao ver o crossover entre vários heróis da Marvel Comics ou por sua qualidade invejável e cativante. Todas as qualidades e acertos do longa ainda repercutem, criando tendências na indústria cinematográfica e projetando o MCU para lugares cada vez maiores na indústria do entretenimento. 

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