Marcela Jardim

Com As Cores, as Curvas e as Dores do Mundo, a banda mineira Lagum entrega sua obra mais madura até aqui — um disco breve em duração, mas profundo em afetos, estética e intenção. Lançado em maio de 2025, o álbum representa um respiro dentro da cena pop nacional: sem pressa, sem espetáculo e sem a ansiedade de um hit. Em vez disso, o grupo opta por criar um espaço de contemplação e escuta, no qual cada música funciona como uma pincelada em um quadro maior. 

As cores representam as emoções em sua diversidade; as curvas são os desvios e surpresas da jornada, e as dores, os atravessamentos inevitáveis da vida contemporânea. O resultado é uma coleção de dez faixas que transitam entre a leveza, a melancolia e a esperança, costuradas por uma produção minimalista e uma linguagem poética que dialoga com o cotidiano urbano e afetivo de seus ouvintes.

O novo álbum propõe uma escuta atenta ao presente, às pequenas delicadezas do cotidiano e às complexidades dos vínculos afetivos. A valorização do agora, tema central do disco, se manifesta em faixas como Eterno Agora, que usa um arranjo minimalista de voz e violão para afirmar o ‘atual’ como espaço de presença e contemplação. Em contraste, o caos urbano e os sentimentos de alienação que ele provoca também ganham voz — a sensação de deslocamento e introspecção, recorrente nas grandes metrópoles, aparece com força em A Cidade, na qual guitarras densas e letra melancólica constroem um retrato sem perder de vista uma certa beleza possível no cotidiano.

As relações afetivas atravessadas por silêncio, distância ou desejo orientam boa parte das composições. A ausência física, comum em comprometimentos à distância, aparece com delicadeza em As Desvantagens de Amar Alguém Que Mora Longe, que transforma a saudade em matéria poética sem apelar para o sentimentalismo. Esse mesmo universo emotivo ganha novos contornos em Tô de Olho, colaboração com Céu, música marcada pelo desejo de aproximação, que é expressado com leveza e harmonia em um encontro sonoro entre MPB e indie eletrônico.

Há ainda espaço para celebrar o cotidiano e reconhecer seus gestos de cuidado. Vagarosa Manhã ressignifica a rotina como lugar de afeto e presença, descrevendo com ternura os pequenos rituais do início do dia. Já o campo amoroso, com seus exageros e idealizações, é abordado com humor e honestidade em Vida de Novela. Na faixa, a banda trata as emoções intensas sem cinismo, reconhecendo nelas uma forma legítima de se viver e narrar o amor.

Por fim,  A Última Nuvem do Céu encerra o disco com uma delicadeza quase ‘suspensa no ar’ e reforça a dimensão poética e efêmera que permeia todo o projeto. A canção funciona como um suspiro final, um aceno suave antes do silêncio, reafirmando a natureza transitória das emoções e imagens evocadas ao longo do álbum. A escolha da metáfora da nuvem — passageira, bela, impossível de capturar ou fixar — condensa com precisão a sensibilidade da proposta estética. 

Assim como uma nuvem, a música se desenha e se desfaz no instante e convida o ouvinte a contemplar o fugaz, a aceitar a beleza no que se dissolve. Há também, nessa imagem, uma recusa sutil à rigidez: o projeto prefere pairar, flutuar, desaparecer suavemente, a se prender a verdades fixas ou estruturas fechadas. Dessa forma, o encerramento traduz com lirismo e leveza, como se dissesse: o essencial não se retém — apenas se sente, e depois se deixa ir.

Esteticamente, a banda aposta numa paleta sonora e visual coerente. Os arranjos são orgânicos, com presença marcante de violões, bateria acústica e sintetizadores discretos. A produção de Paul Ralphes — vencedor do Grammy Latino — privilegia a clareza das vozes e o calor dos instrumentos reais e confere unidade e sensibilidade às faixas. O projeto é acompanhado por uma série de visualizers que exploram cores pastéis, linhas suaves e movimentos lentos, reforçando a proposta estética sugerida no título. A capa, com suas curvas abstratas e tons suaves, antecipa a sensação de abrigo emocional que o quinto trabalho da formação musical oferece.

Gravado no estúdio próprio da banda em Belo Horizonte, o disco representa também uma retomada das raízes e uma autonomia criativa mais evidente. Sem a pressão de lançar hits ou seguir tendências, Lagum opta por uma obra íntima e autoral, que convida o ouvinte a mergulhar em uma escuta pausada. Em tempos acelerados, onde tudo é feito para ser viral e descartável, As Cores, as Curvas e as Dores do Mundo propõe o contrário: um álbum feito para durar, tocar de verdade, acompanhar dias bons e dias difíceis. Mais do que um conjunto de canções, a coletânea de faixas funciona como um gesto cultural de resistência sensível — e talvez seja exatamente isso o que mais precisamos hoje.

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Caio Machado

A primeira divisão binária que um ser humano encontra ao chegar no mundo é a de gênero. Menino e menina. O primeiro brinca de carrinho, a segunda brinca de casinha. Um veste azul, outra usa rosa, como disse uma figura execrável em Brasília certa vez. Mas por que essa divisão existe? Quem foi que a criou? Deus ou o ser humano? São todos questionamentos que permeiam Hedwig: Rock, Amor e Traição (Hedwig and the Angry Inch), filme que quebra esse muro tão precário com ousadia, Música e revolta.  

Na trama, acompanhamos Hedwig (John Cameron Mitchell), uma mulher transgênero que lidera uma banda de punk rock, a The Angry Inch. Enquanto percorrem os Estados Unidos, seguindo a turnê do astro Tommy Gnosis (Michael Pitt), temos um vislumbre do passado da protagonista, passando pela infância vivida na Berlim Oriental, sua cirurgia de redesignação de gênero forçada (e mal-sucedida) e a vinda aos EUA.  

Assim como Todd Haynes fez em Velvet Goldmine, em Hedwig, o ator e diretor John Cameron Mitchell compreende a Música, especificamente o rock, como um meio de acolhimento para vidas queer. Em flashbacks carregados de delicadeza e humor, o filme mostra a importância que figuras importantes do gênero, como Lou Reed e Iggy Pop, tiveram na formação da protagonista e seu autodescobrimento. O sentimento de identificação com essas personalidades foi fundamental para que se aceitasse como alguém fora do padrão heteronormativo. 

Através de uma cena curta, onde Hedwig ainda criança dança na cama enquanto “we are freaks” ecoa do rádio, o filme consegue demonstrar a melhor sensação que a Música é capaz de proporcionar: a de pertencimento. Sentir que você não está só no mundo e que aqueles versos, naquela melodia, estão conversando diretamente contigo. É um sentimento tão poderoso que devolve cor e força para vidas cinzentas e monótonas. 

A própria vida de Hedwig não foi nada fácil. Desde a infância, o sofrimento e a decepção sempre se mantiveram presentes. Mesmo assim, ela colocava a peruca, passava a maquiagem e seguia em frente, com a cabeça em pé e liderando sua banda. Nenhum personagem precisa falar para ela o quanto é forte pois qualquer momento onde Hedwig canta já diz isso. Performa sempre com uma intensidade capaz de mover multidões, mas seu público é pequeno. O filme faz questão de ressaltar o quanto ela e a banda destoam do ambiente e de quem frequenta o lugar onde se apresentam, mas não entende isso como motivo para chacota. Pelo contrário, vê como símbolo de força, de resistência. Não só Hedwig, mas todos do grupo têm uma confiança que é muito inspiradora. 

Esse espírito tão vibrante, tão corajoso permeia os 93 minutos da produção. Nela, as diferenças, sejam elas de aparência, comportamento ou o que for, são vistas como algo mágico. A magia, repleta de glitter, está presente tanto na vivacidade da fotografia quanto nas cenas onde a obra abraça seu lado fantasioso, como na inserção das letras de uma das músicas para que o espectador cante junto, igual a um karaokê, e nas animações, cheias de personalidade e que servem para ilustrar  as canções e histórias de vida da protagonista. 

Entre essas histórias, está o relacionamento conturbado com Tommy Gnosis. Há uma inocência muito bonita que acompanha as cenas no início da relação dos dois, onde o amor dela faz com que descubra mais sobre ele. À medida que Gnosis desbrava a própria sexualidade e não a aceita, o clima das interações entre os dois se torna profundamente melancólico e o filme se aproveita do drama gerado para ressaltar a ironia: é o que Tommy carrega no nome artístico, o conhecimento (gnosis), que causou a ruína de seu relacionamento com Hedwig. Mais uma vez, dor e decepção passaram pela vida da protagonista.  

À medida que a narrativa avança, a cantora e a banda têm seu instante de fama. A própria montagem do filme fica mais frenética para acompanhar a maior atenção que o grupo passa a receber. O ambiente onde apresentam muda, o antigo amor de Hedwig retorna, desta vez para pedir desculpas pelo erro do passado. A linearidade da trama é abandonada e a obra toma para si o caos, cheio de guitarras raivosas e ruído de amplificadores, para representar outra metamorfose da protagonista. 

Sem a peruca loira e sem roupas, a aceitação desta nova fase é chocante, mas também traz a liberdade. Agora, é um homem? Mulher? Nenhum dos dois e ambos. Definir sua existência nesses termos é muito simplista. De qualquer forma, continua caminhando. No Mês do Orgulho, sua história é uma incrível fonte de inspiração para todos que fazem parte da comunidade LGBTQIA+. É um incentivo maravilhoso para ser quem você é, sem medo, porque viver de acordo com as divisões que a sociedade impõe desde a infância só traz angústia. Somente abandonando esses “padrões” do século passado é que seremos livres de verdade. 

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Vitória Silva

Há 10 anos, Twenty One Pilots vem fazendo barulho ao redor do globo terrestre. Desde Regional at Best, o duo original de Columbus, Ohio, formado por Tyler Joseph e Josh Dun, luta constantemente para manter a unicidade de sua musicalidade, caracterizada por uma junção de elementos que vão desde o rap até o pop dançante. Característica essa  inegociável para a banda, que fez questão de manter seus gritos estridentes mesmo após assinarem o contrato com a gravadora Fueled by Ramen.

Mas a identidade de Joseph e Dun vai muito além de se aventurar em diferentes estilos musicais, usar gorros na cabeça e moletons com desenho de esqueleto. Desde o lançamento do Blurryface – que, de fato, revelou Twenty One Pilots mundo afora – a dupla vem materializando a construção do seu próprio universo no meio musical. Muito mais do que apenas uma era, essa concepção contempla, agora, 3 álbuns completos, e contando.

Tyler é a grande fonte originadora de todas as letras dos discos, e sempre teve como teor principal abordar sobre questões que envolvam sua saúde mental e transtornos psicológicos. A partir disso, nasceu a persona do Blurryface, como forma de materializar todos os seus medos e inseguranças. “Meu nome é Blurryface e eu me importo com o que você pensa” é como ele decide se apresentar ao público na faixa Stressed Out, presente no álbum que carrega o mesmo nome do personagem.

Mais tarde, o duo ampliou a narrativa para o que seria a cidade de DEMA, uma espécie de local representativo da mente de Tyler, capaz de aprisioná-lo em seus próprios conflitos, representados por 9 bispos. Tyler e Josh seriam, então, dois insurgentes tentando fugir desse sistema, unidos aos rebeldes locais: os Banditos. E é nessa narrativa que o álbum Trench se constrói, sob uma sonoridade mais densa e representativa de toda essa revolução idealizada na mente do cantor. Com os toques melancólicos de Leave The City, a trajetória do disco acaba com Tyler sendo aprisionado pelos bispos.

Uma turnê mundial depois, um nascimento na família Joseph e o início de uma pandemia, surge o Scaled And Icy. O isolamento social com certeza foi um fator impulsionador para a mente criativa da dupla, que até teve como lançamento à parte a faixa Level of Concern, abordando o atual contexto que o mundo vem enfrentando. O que ninguém esperava era que a estética sombria e turbulenta até então característica de Twenty One Pilots daria origem a um universo colorido em tons pastéis, com dragões mágicos, arco-íris e todas as outras coisas fofinhas e nada associáveis aos dois esquisitões. 

Como porta de entrada para esse “novo” mundo, somos bem recepcionados ao som de Good Day, que soa como a abertura de um programa matinal (e talvez essa seja exatamente a intenção). Numa jogada à la Pumped Up Kicks, a sonoridade alegre e otimista esconde o teor perturbador da letra que a acompanha. Em meio a um ukulele e um piano simpáticos, Tyler canta sobre uma situação hipotética de perder a sua esposa e filha, passando pela fase de negação do luto.

E não poderia haver uma forma melhor de introduzir o universo de Scaled And Icy se não com essa canção que é o puro suco do dualismo presente no álbum. O pop e as guitarras animadas que dominam as faixas não escondem a mensagem obscura que existe por trás dele, por mais que tentem. Retornando para a narrativa criada pela banda, SAI não passa de uma propaganda muito bem arquitetada por DEMA. Com Tyler aprisionado, o disco seria uma forma de manipulação para fingir normalidade, mascarada pela fantasia. Metaforicamente falando, uma autossabotagem do vocalista para fingir que está tudo bem, apesar de ainda aprisionado por seus demônios.

O videoclipe do primeiro single, Shy Away, evidencia essa nova realidade. Trazendo luz a um pop oitentista, a dupla está enclausurada em uma sala iluminada por luzes neon. Em paralelo, Tyler aparece em uma cidade sombria em ruínas, com o mesmo dragão azul da capa do disco a sobrevoando. A cada novo clipe, vamos conhecendo outras partes dessa localidade. Em Choker, é apresentada uma loja de brinquedos com referências da propaganda de DEMA e até de personagens já conhecidos. Enquanto em Saturday, somos levados ao alto mar da região, em uma viagem submarina, com o Trash The Dragon dando as caras novamente. 

Se as evidências dos vídeos não forem suficientes para materializar esse universo, Twenty One Pilots já o desenhou para o público, literalmente. Para revelar o Scaled And Icy, a dupla realizou uma live de lançamento diferente de tudo já feito. Voltando aos palcos de forma virtual, Tyler e Josh construíram a cidade de DEMA na tela, composta por todos os elementos anteriormente apresentados no Trench e no Blurryface. Ambientada em uma espécie de Encontro com Fátima Bernardes – com uma certa faixa de abertura -, a transmissão nos leva a um passeio imersivo na genialidade da construção presente em suas mentes, e que agora tomou forma, além de voltar para eras passadas. 

Twenty One Pilots nunca esteve tão bem, isso é fato. Tyler Joseph e Josh Dun já são dois homens adultos vivendo comodamente seus relacionamentos com as respectivas esposas, além da forte relação que também existe entre eles mesmos. Joseph ainda desfruta a beleza da paternidade com sua filha Rosie, e vai ser pai pela segunda vez, como anunciado ao final da performance no VMA 2021, e sua batalha incansável contra questões como a depressão e ansiedade parece cada vez mais distante. Donos de um Grammy, turnês inesquecíveis, um recorde mundial e um sucesso que já alcança todas as pontas do globo, a dupla se tornou imbatível. Scaled And Icy é o prato ideal para elucidar toda essa euforia. 

A própria capa do álbum é um retrato da nova fase. Dentro do mapa de energia do feng shui, o bagua, mencionado em No Chances, existem oito áreas conectadas a certos aspectos da vida. Rosa, azul e branco estão associados a relacionamentos, família e amigos, um retrato mais do que exato do que representa a banda hoje. Sem deixar a temática sobre problemas psicológicos de lado, ressoado principalmente na sensibilidade de Choker, o otimismo vem com força em versos como os de Shy Away, que falam sobre buscar seu propósito. Temas esses que ainda conversam com o trágico cenário da pandemia, em que as tristezas recorrentes desse contexto foram mais um impulso para buscar mensagens motivadoras e o apoio para lidar com perdas. 

O controle de DEMA também não passa despercebido nas letras, com alusões diretas em No Chances: “Nós viemos por você”. E aqui a dualidade se faz mais do que presente, abrindo a diversas interpretações. O domínio da cidade e dos bispos é relativo tanto às inseguranças que assombram nossas próprias mentes quanto à manipulação da indústria midiática, alvo frequente de críticas da dupla. O que é melhor para mostrar a alienação do público do que lançar um disco repleto de batidas mais simplistas que facilmente hitariam no TikTok? 

Para quem bate o pé para falar que o novo álbum foge completamente da identidade de Twenty One Pilots, talvez seja preciso retornar um pouco para os primórdios da banda. Desde o início, Joseph e Dun nunca buscaram se restringir apenas a um gênero, e sim passear por uma fusão de elementos de todos eles, e Scaled And Icy é apenas um trajeto diferente desse caminho que ambos têm trilhado, mas longe de ser o destino final. Sempre muito preocupados com a narrativa criada pela ordem das faixas de cada disco, o peso presente no encerramento de Redecorate já é um indicativo do que está por vir em um próximo trabalho.

Apostando mais na guitarra que Tyler finalmente aprendeu a tocar, o álbum ainda conversa e homenageia trabalhos passados da banda. O monólogo de Choker é quase um diálogo direto com o de Taxi Cab, enquanto Never Take It e The Outside ecoam o que já vinha há muito tempo sendo falado em We Don’t Believe What’s on TV. E se as sextas já eram melhores que o suicídio dos domingos, os sábados se tornaram o dia de pintar a cidade. 

Scaled And Icy subverte toda e qualquer expectativa que alguém possa ter de um trabalho de Twenty One Pilots. Pode não ser seu melhor álbum, melhor estética, melhor era ou qualquer outra caixinha que o público tente estabelecer para uma banda que já cansou de se definir pela autenticidade. Mas o disco é uma peça necessária para esse quebra-cabeça maluco que constitui a mente da dupla de Columbus. E a prova mais do que precisa de que nunca foi apenas sobre Música. 

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Marcela Zogheib

Spice Girls, TLC, Destiny’s Child, o que não faltava nos anos 90 eram girlbands para a gente admirar e sonhar com um reencontro. A série Girls5eva traz essa realidade para o grupo fictício de mesmo nome e conta a história dos dias atuais de quatro mulheres que um dia fizeram muito sucesso com seu grupo musical, mas hoje vivem realidades bem diferentes. 

As protagonistas são Dawn (Sara Bareilles), Wickie (Renée Elise Goldsberry), Gloria (Paula Pell) e Summer (Busy Philipps). Vinte anos depois da separação, quando um rapper usa o maior sucesso delas, Famous 5eva, como sample para seu novo lançamento, o grupo se reencontra e resolve dar mais uma chance para a vida na Música. O grande empecilho que encontram na busca pela realização de seus sonhos é simples, aos 40 anos, o mundo não é mais o mesmo de quando faziam sucesso. Agora, com novas rotinas que incluem empregos, filhos e famílias, conciliar uma carreira musical se mostra muito mais complexo do que poderiam imaginar.

O elenco é um dos principais destaques da série e as quatro protagonistas agregam muito para o desenvolvimento das personagens. Sara Bareilles, intérprete de Dawn, tem uma familiaridade especial com a história de sua personagem, e quem assistia MTV vai lembrar imediatamente do seu rosto pela música Love Song, que não saía dos programas de ranking da época, mas depois disso ela ficou sumida até esse retorno com a estreia da série.

Busy Philipps já é um rosto conhecido da Comédia, com atuações no filme As Branquelas e na série Community, a sua participação traz muita verdade na interpretação de uma personagem essencial para a trama e conhecida na cultura pop, a que não superou a fama e na primeira oportunidade está pronta para voltar a buscar o sonho. Paula Pell também já tem carreira no meio, fez parte do elenco do programa estadunidense Saturday Night Live em meados dos anos 70 e participou de episódios da série 30 Rock, estrelado pela produtora de Girls5eva, Tina Fey. Aqui ela é quem traz as cenas mais divertidas do show, muitas vezes carregando o humor da série nas costas.

Talvez o rosto mais conhecido do elenco principal seja Renée Elise Goldsberry, intérprete de Elizabeth Schuyler no musical Hamilton, pelo qual está concorrendo ao Emmy de Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. A personagem Wickie foi uma grande surpresa para quem é fã da atriz, ao vê-la em um papel tão diferente dos que ela costuma apresentar.

Esse ano, a série original do Peacock está concorrendo ao Emmy de Melhor Roteiro em Comédia, indicação creditada à criadora Meredith Scardino, que já trabalhou como roteirista em Mr. Mayor, Unbreakable Kimmy Schmidt e Colbert Report, essa última pela qual recebeu 4 Emmys na categoria Roteiro em Série de Variedades. Com Girls5eva, ela concorre pelo Piloto.

O final da série, de apenas 8 episódios, deixa pontos a serem resolvidos em uma próxima temporada. Mas, apesar de trabalhar bem as referências da época em que para ouvir seu grupo favorito era necessário ter um Discman, e das composições do Girls5eva grudarem na cabeça como toda boa canção dos anos 90, as temáticas abordadas sobre a vida e carreira de mulheres acima dos 40 anos, embora importantes, são abordadas de forma um pouco batida, sem muitas inovações.

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Nathalia Tetzner

“O Chorão era tipo uma carreta, com um monte de problema que ele ia carregando, está ligado? De várias pessoas, assim. Nessa carreta, velho, cheia de problema, eu não sei se sobrava espaço para os dele, velho”. A declaração de Glauco Veloso, a quem o músico ajudou a ser liberto da prisão, resume a narrativa sobre os dias de luta e glória do vocalista da banda Charlie Brown Jr., presente no documentário Chorão: Marginal Alado. Esse tipo de apelo emocional faz o espectador desconsiderar os defeitos técnicos da direção de Felipe Novaes, que acabou se perdendo na riqueza dos arquivos pessoais disponibilizados pela equipe de Alexandre Magno Abrão.

A história do cantor e de seu grupo de rock nacional é contada de maneira confusa até mesmo para os familiarizados com a trajetória do Charlie Brown Jr., ou seja, grande parte dos brasileiros nascidos nos anos 90 e 2000. Entre as entrevistas excepcionais com personalidades da música, amigos próximos, membros da família e do CBjr, a participação do baixista Champignon se destaca.

Cabisbaixo e visivelmente abalado, Champignon, que cometeria suicídio sete dias depois dessa entrevista, revela um pouco mais sobre a sua relação de amor e ódio com Chorão, morto seis meses antes, por uma overdose. Descoberto quando tocava baixo pelas ruas de Santos, Champs, como era apelidado, entrou para a formação original da banda aos 12 anos. A partir dessa interação, a obra explora a amizade intensa entre essas duas figuras que protagonizaram diversos confrontos.

Assim, a personalidade forte e a intimidade são os principais focos de Chorão: Marginal Alado. Onde a sequência de momentos controversos e descontraídos propõem a dualidade do vocalista, expressada de forma genial pelo relato cômico de João Gordo. Segundo ele, Alexandre pediu paz após agredi-lo no bastidor de uma premiação. As falas de Graziela Gonçalves e Alexandre Ferreira Lima Abrão, sua ex-esposa e seu filho, também demonstram um lado do músico até então desconhecido pelo público.

Se em sua vida particular Chorão escondia a sua dependência química até da própria esposa, o documentário faz diferente. Ainda que Felipe Novaes bagunce a ordem cronológica dos eventos que levariam ao falecimento, nada impede a comoção causada pelos depoimentos dos convidados e pelas gravações em que o cantor diz estar cansado do sucesso.

Mas, como acabar com tudo, quando centenas de famílias são sustentadas pelo trabalho do Charlie Brown Jr.? Não tão complicado demais, mas nem tão simples assim, Chorão: Marginal Alado desenvolve a dificuldade do compositor em resolver seus problemas pessoais, principalmente após a morte de seu pai. Uma equipe gigantesca, milhares de fãs e discos vendidos, nada impediu Alexandre Magno Abrão de sofrer uma overdose de cocaína e morrer sozinho em seu apartamento no dia 6 de março de 2013.

O skate também é uma peça fundamental do legado de Chorão, o que torna perfeita a escolha da filmagem do músico limpando sua própria pista para a abertura da obra. Essa cena torna explícita a sua conexão com o esporte referenciado em suas tatuagens e, até mesmo, nas músicas do CBjr. O skatista que costumava chorar ao errar manobras, se transformou em uma referência para os seus fãs que se recordam dos seus momentos juntos com carinho.

Chorão: Marginal Alado retrata Alexandre não só como um dos maiores nomes do rock nacional, mas também, como o menino que se apresentou pela primeira vez em um bar, quando o vocalista da banda que ali cantava deixou o palco para ir ao banheiro e, ao voltar, se deparou com o público querendo o Chorão. Emocionando e cativando a audiência apesar das falhas técnicas, o documentário narra os problemas vividos pelo músico para além das letras cheias de reflexões do Charlie Brown Jr..

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Leticia Stradiotto 

E agora, será que John Frusciante vai voltar assim como na primeira vez? Esse era o questionamento dos ouvintes de Red Hot Chili Peppers após a segunda saída do tão querido guitarrista em 2009. No entanto, a resposta para tal pergunta é simples: não. John Frusciante não voltou e, agora, depois do grandioso Stadium Arcadium (2006), temos um novo álbum: I’m with You. Sem Frusciante, mas com o fofíssimo Josh Klinghoffer. A expectativa era grande, e apontar o dedo para a nova performance da banda é inevitável.

Completando 10 anos de lançamento, o disco da banda formada pelos californianos Flea, Anthony Kiedis, Chad Smith e o calouro Josh Klinghoffer é resultado de um projeto um tanto quanto acomodado de musicalidade, uma vez que soa como obras antecedentes e não conta com um imenso destaque de criação, como o memorável Blood Sugar Sex Magik (1991). Com I’m with You, fica claro que Josh Klinghoffer é ótimo, mas pouco inovador e muito menos destemido para criar riffs com atitude. No fim das contas, a produção fica totalmente sob comando de Flea, em razão da maioria das músicas iniciarem com o baixo. Não é uma reclamação, o baixista manda muito bem e a gente sabe disso.

I’m with You não é ruim, mas falta pimenta. Red Hot Chili Peppers é para quem tem cabeça aberta e consegue apreciar a versatilidade. É fato que a musicalidade do grupo é repleta de originalidade, nos trouxe um mix maneirasso do rock alternativo, punk e rap, enquanto muitos novatos de bandas alternativas fazem um grande copia e cola dos veteranos. Nenhuma banda consegue ser criativa o tempo todo, e tá tudo bem! Dessa forma, o álbum traz músicas sem grandes revoluções, são sons apenas para curtir a vibe de vez em quando, afinal, é isso que os californianos querem: diversão.

Com 14 faixas, o disco inicia com um ótimo tira gosto, Monarchy of Roses abre com a guitarra do, desde então, misterioso Josh Klinghoffer. É a típica música chiclete. Por outro lado, reflete a parte mais obscura da vida de Anthony Kiedis, de quando o vocalista tinha problemas com drogas na adolescência. Seguida por Factory of Faith, que retrata justamente a recuperação dele, é importante para enaltecer a persistência como ser humano frente aos problemas. Com um baixo magnífico do Flea, segmentado pela bateria de Chad Smith, traz uma batida agitada dando a vontade de seguir em frente e pular toda vez que toca o refrão.

E então as coisas saem um pouco dos trilhos, estava muito bom para ser verdade. Brendan’s Death Song e Annie Wants a Baby, como afirma o vocalista Anthony Kiedis em entrevista, foram escritas imediatamente pela banda, logo no começo da ideia do álbum. Talvez por isso seja um trabalho bem razoável. Ambas tem uma melodia boa, a voz de Anthony Kiedis flui bem, mas soam extremamente genéricas, como um pop não muito agradável para quem esperava um disco com aquele rock de bater cabelo. Rock de bater cabelo é definitivamente algo que não temos em I’m with You.

Nisso surge Ethiopia, com o típico estilo californiano criado desde o começo do Red Hot Chili Peppers, foi inspirada em músicas africanas e reflete uma espiritualidade diferente do grupo. Na letra, escolhem substituir as drogas e o álcool pela paz e o amor. Com a guitarra do novo integrante, a mudança no estilo característico da banda é notável, uma vez que comparado ao antigo guitarrista, o som de Josh Klinghoffer é mais poético e sútil. O que não deixa de ser bom, mas, obviamente, causa uma sensação estranha aos ouvintes de longa data. Look Around continua na mesma linha, porém garante um groove mais estilizado e o grande ressalto vai para o refrão.

Nisso chegamos à primeira metade do álbum com o primeiro single da banda, que na realidade foi vazado antecipadamente. The Adventures of Rain Dance Magic dá um up na expectativa para o restante da obra e é a transição perfeita para a próxima faixa, Did I Let You Know. É de longe o maior destaque de I’m with You e, sem dúvidas, a melhor canção. 

Com um enorme alcance criativo, tem o trabalho impecável de Chad Smith na bateria, o encaixe prazeroso da guitarra de Klinghoffer e, obviamente, tudo no comando de Flea no baixo. Achou pouco? Toma, um trompete para você! Com um swing encantador e contagiante lembra muito a musicalidade latina e, para a maior felicidade, tudo funciona perfeitamente bem.

Goodbye Hooray traz o bom e velho som dos californianos, é um acalento para quem gosta das antigas músicas da banda, uma vez que soa exatamente como o esperado. A faixa Happiness Loves Company conta com uma pequena novidade: o singelo piano. E é só isso mesmo. Sem sal e, muito menos, pimenta.

Assim, o álbum – na medida do possível – tem seu último engate para terminar da melhor maneira. Police Station ganha – perdendo para Did I Let You Know – o segundo lugar de destaque. A faixa conta a história da polícia de Los Angeles com casos de abusos do poder e manifestações raciais na virada do século. Dessa forma, a banda usa seu destaque global como forma de protesto às atrocidades. Com uma apresentação que já é muito marcada pelo RHCP durante seus anos de carreira, ouvimos um tom mais denso e reflexivo, que lembra a querida Under the Bridge.

Even You Brutus? é a tentativa de fazer algo diferente, que deu certo graças ao Flea. A música começa com uma introdução animadora, com muito estilo, e assim segue com aquele gostinho de “Nossa, imagina ouvir essa ao vivo!”. O que é raridade, a faixa é pouquíssima tocada em shows. E voltamos para a estaca zero, Meet Me at the Corner não impressiona. Por fim, Dance, Dance, Dance, que na realidade não dá a mínima vontade de dançar, encerra o álbum de maneira suave. Ridiculamente suave.

Como um todo, I’m with You é divertido, mas de longe não é um destaque. Com faixas que alternam entre muito boas e sem graça nenhuma, o disco perde a empolgação encontrada em outros álbuns do Red Hot Chili Peppers. Contudo, é aceitável que toda mudança precise de uma adaptação, com o novo guitarrista existe um processo de amadurecimento evidente na obra. E, mesmo após 10 anos de lançamento do álbum, é perceptível que o envelhecimento do grupo não atinge o modo de produção, os californianos permanecem criando obras com faixas totalmente atemporais e bem trabalhadas.

A escolha de adicionar instrumentos diferentes no álbum foi importante para a complementação do estilo da banda e é porta de entrada para mais experimentos musicais futuros. Red Hot Chili Peppers permanece versátil, porém sem inovações. Independente disso, Josh Klinghoffer executa seu papel com maestria e não deixa de produzir músicas ótimas. Falta pimenta em I’m with You, mas sobra rock’n’roll.

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Bruno Andrade

Desde o assassinato de John Lennon, nos anos 80, não se lidava, na cultura pop, com uma representação tão intensa do fim de uma época. A invasão grunge de Seattle tomou forma como movimento revolucionário à medida que as letras, melodias pesadas e o estilo de vida sem regras — flertando com o punk e o heavy metal — se confundiam em meio às camisas xadrezes e calças rasgadas. O início dos anos 90 prometia não somente trazer o futurismo, mas também ser carregado de uma aura melancólica difícil de assimilar. O sucesso teve seu contexto alterado drasticamente pela indústria cultural, e, em meio ao choque geracional, o Pearl Jam surgiu com Ten, álbum que marcou o grunge e que completa trinta anos em 27 de agosto. 

A história do primeiro álbum do grupo naturalmente se entrelaça com o seu surgimento. O guitarrista Stone Gossard e o baixista Jeff Ament estavam na ativa desde os primórdios do grunge, na banda Green River, de 1984 a 1987. Posteriormente, os dois integrantes se juntaram a Andrew Wood para compor a Mother Love Bone, que durou pouco mais de dois anos e terminou pela morte de Wood, em decorrência de uma overdose. Gossard decidiu então chamar Mike McCready, um antigo amigo, e gravaram, junto ao baixista Ament, uma fita demo a procura de vocalista e baterista. A fita foi encaminhada para Jack Irons, o primeiro baterista do Red Hot Chili Peppers, e, após ele declinar o convite, encaminhou a fita para um amigo em San Diego, chamado Eddie Vedder. Depois, a chamado de Ament, Dave Krusen assumiu a bateria, e o Pearl Jam surgiu de maneira silenciosa. 

O silêncio foi deixado de lado muito em breve, e algo que eles sempre souberam fazer foi barulho. Ten é considerado um clássico atualmente, mas foi extremamente radical quando lançado. Eddie Vedder mantinha uma presença de palco totalmente distinta, cuja personalidade se destacava pela sinceridade autoconsciente. Diferente de Kurt Cobain, que expressou sua revolta de forma poética e misteriosa, Vedder demonstrava seu incômodo de forma literal. Frases do tipo ser-contra-o-mainstream eram recorrentes no grunge, pois existia raiva e ela era retratada nas músicas, mas as letras de Eddie Vedder não passavam nenhum clichê, e o que se prezava era a veracidade. O Pearl Jam deixava a música falar por si mesma, e as faixas eram cruéis, pesadas, e até sombrias, mas retratavam exatamente aquilo que queriam dizer. 

No entanto, qualquer obra, na melhor das hipóteses, está aberta a interpretações. Quando Ten chegou às lojas de discos, em 1991, teve uma recepção morna. É verdade que o Nirvana já havia lançado Bleach dois anos antes, e que o Soundgarden já havia lançado Ultramega OK (1988) e Louder Than Love (1989), e também é verdade que isso ofuscou um pouco qualquer sucesso imediato do Pearl Jam. Mas o fato é que a crítica estava, naquele momento, de olho no disruptivo Facelift (1990), de Alice in Chains, e a indústria fonográfica ainda se adaptava ao formato Compact Disc (CD-ROM) — que a revolucionou —, pois havia sido desenvolvido há poucos anos, em 1985, e a maneira de capitalizar essa nova onda originada em Seattle estava em fase de testes.

O Nirvana lançou Nevermind em setembro de 1991 — um mês depois de Ten —, e, posteriormente, esses dois álbuns tornaram-se marcas permanentes e referências claras do grunge. Ao longo dos meses que se seguiram, Ten popularizou-se e conseguiu emplacar, de forma orgânica e sem grandes investimentos, o segundo lugar na Billboard. Assim como Nirvana, o Pearl Jam bradava — mesmo que com menos intensidade — contra o mainstream, mas, curiosamente, acabou virando uma das referências iniciais para qualquer banda de rock que almejava o sucesso nos meios de comunicação de massa. 

As onze faixas que compõem Ten foram escritas por Vedder, e o álbum emplacou hits atemporais. Nas letras, sucídio, solidão e alienação são temas recorrentes. Jeremy, um dos grandes sucessos do álbum, foi baseada em uma notícia real. Vedder inspirou-se para compor uma espécie de homenagem ao jovem Jeremy Delle, após ler em um jornal que ele havia tirado a própria vida em frente aos colegas de classe, no Texas. A música se inicia com uma intro de baixo marcante, com a posterior entrada da bateria, de forma crescente, e a típica voz rasgada de Eddie Vedder.

Alive, terceira faixa do disco, é parcialmente biográfica. Ela conta a história de Vedder ao descobrir que seu pai biológico faleceu antes de seu nascimento, e que o homem casado com sua mãe era, na realidade, seu padrasto. A canção é uma adaptação da primeira versão demo, presente na fita que Vedder recebeu, cujo instrumental foi criado por Stone Gossard. 

Já Even Flow é praticamente uma evocação ao estilo de vida sem normas, e romantiza a falta de moradia como algo transcendente, encaixando a letra em um ritmo frenético entre as guitarras e a bateria — ela demonstra muito bem o que o Pearl Jam conseguia fazer com um tema tão vago. Depois da pesada Why Go — uma das mais ferozes e indignadas do álbum, ao lado de Once —, entra a solene Black, conhecidamente dramática e que figura nas playlists de músicas-para-chorar. De qualquer modo, é musicalmente agradável, e de certa forma destoa das demais faixas do álbum — mesmo se comparada a Oceans, que também é lenta, porém sem a mesma dramaticidade. 

Em retrospecto, Ten e Nevermind foram os dois álbuns que auxiliaram de forma mais significativa a reinventar o rock popular. Todos queriam imitar, e bandas contemporâneas que fazem algo mais próximo do grunge não conseguem escapar das comparações. Mas, apesar de sua influência nítida, é difícil pensar em algum disco que soe parecido com Ten, composto em uma aura obscura e musicalmente competente. Assim como The Strokes fez, alguns anos depois, com seu Is This It (2001), o Pearl Jam chegou trazendo a novidade que a indústria procurava. Eles não foram os primeiros a fazerem grunge, mas poucas bandas faziam bem — e isso era novo.

O instrumental pesado da banda e a voz dilacerante de Eddie Vedder compunham a raiva generalizada pelo conformismo visível na sociedade. Não era um chamado à luta, ou um chamado à aventura, mas um grito de advertência, um preste-atenção-em-mim que definiram muito bem o grunge dos anos 1990. Era o fim de uma era, nem melhor ou pior, mas aquela que todos conheciam e começavam a se familiarizar. Os anos 2000 batiam à porta, e a sensação era que, de repente, tudo foi pelos ares. 

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Vitória Silva

No dia 8 de julho de 2011, chegava ao mundo o álbum Regional at Best, do duo Twenty One Pilots. Considerado também o primeiro trabalho da banda, pelo menos na formação que conhecemos hoje, com Tyler Joseph e Josh Dun. O disco lançado anteriormente, em 2009, que carrega o mesmo nome do grupo, ainda tinha Chris Salih como baterista e Nick Thomas no baixo. A entrada de Josh assumindo as baquetas se deu quase que juntamente à saída do baixista, iniciando, assim, a dupla imbatível entre ele e Tyler. 

O caráter especial da produção não se deve apenas por esse marco, mas também por ela já não existir mais como cópia física ou mesmo estar disponível na maioria das plataformas digitais. Em 2012, a banda assinou com a gravadora Fueled by Ramen e, como parte do contrato, os direitos do LP foram transferidos. Dessa forma, com o lançamento do Vessel, o Regional at Best teve que ser descontinuado. 

Na obra autointitulada, o trio formado por Tyler, Nick e Chris, apostou em faixas que iam desde o pop até o rock oitentista. Com um som bem orgânico, dando um enfoque maior para os toques de Tyler ao piano, e até genérico, se formos considerar tudo que Twenty One Pilots já foi capaz de criar até aqui. Algumas tendências foram se mantendo para os trabalhos desse início, como os constantes versos de rap e letras que fazem menção a questões familiares e às inseguranças do vocalista. 

Nesse primeiro disco, o cantor parece, inclusive, bem otimista e autoconfiante para lidar com seus problemas psicológicos. Algo que vai se tornando perceptível ao longo das faixas, que se iniciam com tons mais alegres e esperançosos até evoluírem para músicas melancólicas e lentas, em que ele se mostra relutante ao lidar com seus pensamentos suicidas. O álbum se encerra com Isle of Flightless Birds, em que Tyler menciona ser o clímax da história, como se sua depressão tivesse atingido o ápice. O desenrolar dessa afirmação ficaria para o trabalho seguinte, e, assim, se inicia o Regional at Best.

Este que não poderia ser definido por outra coisa se não uma fusão de todos os sentimentos e pensamentos conturbados da mente do vocalista. Deslanchando com Guns For Hands, Tyler canta sobre a necessidade de pedir ajuda ao enfrentar problemas psicológicos e como a ideia de saber que outras pessoas têm pensamentos suicidas é perturbadora para ele mesmo. “Estou tentando dormir, mas não posso quando todos vocês têm armas nas mãos”. 

Essa intenção de ajudar e salvar o próximo repercute em diversas faixas. Ao mesmo tempo, Joseph parece tentar mascarar a sua dor com isso, em que não se mostra capaz de enfrentar nem seus próprios problemas. Em Glowing Eyes, ele clama diversas vezes não ter a certeza de querer abandonar os demônios internos (os tais olhos brilhantes), enquanto em Slowtown deseja fortemente poder fugir das dificuldades da vida adulta. 

A técnica de narrativa é utilizada ao longo das músicas, em que até mesmo a mudança brusca na sonoridade causa o sentido de virada na história que está sendo contada. É difícil concluir se o papel de Tyler estaria sempre no eu lírico de suas composições, por ele se contradizer diversas vezes. Esse dualismo é retratado em Anathema, na separação de duas partes conflitantes de si mesmo. E, mais tarde, também seria materializado na criação da persona do Blurryface.

Regional at Best é uma erupção caótica de autotunes e sintetizadores desconcertados. Não é nem de longe o melhor trabalho do grupo, afinal estamos falando da mesma banda que deu origem a obras como Blurryface e Trench. Mas é, sem dúvidas, um de seus passos mais importantes, por ser o início da construção de sua identidade. Foi a partir dele que as máscaras passaram a ser vestidas e os devaneios ecoados da mente de Tyler foram se consolidando no que daria origem ao universo de DEMA.

O disco torna nítida a evolução do grupo ao longo de suas produções, em que aprenderam a domar a explosão sonora em batidas harmoniosas, sem perder sua liberdade artística e autenticidade, criando quase que o seu próprio estilo musical pop-rock-metal-eletrônico-rap-e seja lá mais o que for. As regravações que foram feitas para o Vessel escancaram esse desenvolvimento, em que a incômoda Trees, por exemplo, se transformou em uma das faixas mais dignas de encerrar praticamente todos os seus shows, e assim o fez.

Sem contar que Regional at Best também registrou o nascimento de uma de suas canções mais importantes, e um verdadeiro hino para os fãs assíduos da banda. Entre todas as letras que expressam a genialidade de Tyler, Car Radio é, com toda certeza, a mais sincera. Ao narrar uma situação em que o rádio do seu carro foi roubado e a dificuldade em distrair seus pensamentos por conta disso, ele acaba mostrando, um tanto metalinguísticamente, a sua relação e dependência com a música como uma forma de alívio. Encerrando a letra, ele interpola uma série de pensamentos reflexivos e existenciais, para exemplificar o estado da mente vazia: “às vezes o silêncio é violento”. 

Ao longo do álbum, Tyler torna ainda mais evidente essa relação com a Arte e como isso é uma fonte de energia para ele. Como ressoado em Ode to Sleep, “Pegue esta arma, forjada na escuridão. Alguns veem uma caneta, eu vejo um arpão”. Em Kitchen Sink, ele reafirma a necessidade de encontrar um propósito na vida, e realizá-lo independente do que os outros vão pensar ou entender sobre isso, porque “uma pia de cozinha para você não é uma pia de cozinha para mim” (quase uma releitura moderna e bizarra do quadro de René Magritte). 

Mesmo que passe um pouco batido, a espiritualidade e fé do vocalista são uns dos temas mais presentes ao longo da produção. Holding On To You expressa a sua crença em Deus também como uma forma de salvação, e Clear encerra o disco com ele se assumindo um impostor e não merecedor de ser seu filho. Como sempre, as entrelinhas permitem uma variedade de interpretações que vão além das questões religiosas, já que sua capacidade em articular versos que assumam outros sentidos também não é de agora. 

A banda também lançou uma websérie sobre Regional at Best, disponibilizada no YouTube, que acompanha a produção e a turnê do mesmo. No primeiro episódio, é apresentada a saída de Nick Thomas, quando Josh já estava presente na formação, e Tyler se mostra inseguro em conseguir sustentar um show apenas em duas pessoas. Essa mesma insegurança se reflete no próprio nome do disco, que significa “regional na melhor das hipóteses”, como se a expectativa máxima do duo fosse conseguir atingir a região da cidade de Columbus.

O que os dois esquisitões de Ohio não sabiam é que eles não iriam apenas ganhar todo o globo terrestre com a sua musicalidade única, como também teriam como marca registrada proporcionar uma experiência inesquecível ao subirem em qualquer palco, alcançando níveis extasiantes para quem os assiste. Regional at Best foi apenas o início da caminhada para Twenty One Pilots se tornar muito maior do que um dia sonhou em ser. 

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Ana Júlia Trevisan

Como continuar a carreira após um hit? Como produzir o segundo álbum quando o   primeiro conta com a música que estourou nas rádios e marcou toda a trajetória da discografia? Era nesse embate que os Los Hermanos se encontravam após seu disco de estreia ter emplacado Anna Júlia, a famigerada fim de festa que tirou o Grammy de Chico Buarque e, até hoje, é responsável por registros em cartório (vide a pessoa que vos escreve).

É em meio às brigas da banda, confusão com a gravadora e uma aliança fiel com fãs que, em 2001, nasce Bloco do Eu Sozinho, reforçando ainda mais a parceria musical entre Marcelo Camelo e Rodrigo Amarante, e marcando toda a escola de MPB unida ao rock alternativo construída pelos cariocas. Quebrando os próprios padrões, um dos discos mais importantes da música nacional alternativa foi criado e dita até hoje o rumo do gênero, servindo como fonte, direta ou indiretamente, dos trabalhos nacionais que o sucedem. 

Se no começo de Los Hermanos o rock se faz presente e memorável, em Bloco do Eu Sozinho a banda aposta na poesia com um leve toque de samba. Mesmo sem abandonar as guitarras e bateria, o álbum se desprende daquilo que havia sido proposto no anterior, não forçando a repetição da fórmula mágica dos singles que os levaram para as paradas nacionais e para os principais programas de TV. 

Solidão, términos conturbados, paixões, indiretas, são esses os cordões que o Bloco segue. Os sentimentos, tratados de maneira menos mercadológica, passam a sensação de liberdade em amplos aspectos. Se, em 1999, a primavera se foi levando o amor, em 2001 somos tomados pelas cicatrizes e traumas desse fim. As canções crescem conforme o álbum avança, e a melancolia envolvida aos sons do baixo se mantém do início ao fim.

Os instrumentos de Bruno Medina e Rodrigo Barba tem sua incontestável importância dentro da produção. Não é qualquer um que faz o trabalho de Barba, que tocou o samba miudinho na bateria. Mas, são Marcelo Camelo e Rodrigo Amarante que constroem toda a imensidão do disco. Juntos, a dupla divide as composições, guitarras e os vocais, que são a peça-chave do diferencial irresistível de Bloco do Eu Sozinho. É o desalento misturado ao amargo sabor da saudade e traduzida nos exatos arranjos que nos aproxima das lembranças de Los Hermanos.

Sentimental é a canção que melhor explica a tese. Marcada como um dos momentos mais tensos do álbum, a letra quase biográfica nos invade a cada belo verso melodramático e cresce exponencialmente até chegar em seu refrão, que é o grito dos sofridos e apaixonados. É na pergunta “Quem é mais sentimental que eu?” que fãs e artistas se misturam em um ser só. É a exatidão da música explicando aquilo que não temos palavras para definir.

A gritante ruptura de Bloco do Eu Sozinho começa logo em sua primeira faixa. Quem esperava por uma música seguindo todos os padrões do mainstream e  intitulada com nome feminino foi surpreendido por Todo Carnaval Tem Seu Fim. Nela, o rock, o indie e o ritmo carnavalesco se mesclam para formar uma das melhores canções da banda. Ela chega com os dois pés na porta mostrando para que o álbum veio ao mundo, encerrando toda a produção do disco de 1999 e declarando que, a partir dela, os instrumentais serão mais completos, complementares e melódicos.

Todo Carnaval Tem Seu Fim é seguida por A Flor, que, carregada de beleza, traz uma sonoridade diferente, reiterando a dedicação e a destreza que a banda teve em construir o Bloco. Os metais que abrem a música ajudam a composição da letra a explodir. O choque entre o coração de Marcelo Camelo e a razão de Rodrigo Amarante reverbera em seus versos nada sutis, que contam a história de uma desilusão amorosa. 

Após as duas canções deixarem suas digitais, quem ganha espaço é a absurda Retrato Pra Iaiá. Com sua simplicidade, ela é o primeiro respiro do álbum, trazendo uma melodia mais despojada, sem perder toda a beleza que é marca registrada de Bloco do Eu Sozinho. É essa tríade que abre o disco e prende o ouvinte de maneira intimista, dançando entre personalidades e fazendo brotar todos os questionamentos da dualidade entre presente e futuro.

O desamor também é decorrente do Bloco do Eu Sozinho. Assim Será e Adeus Você doem em lugares diferentes. A falsa superação de alguém que não consegue enganar a si próprio é um tapa na cara de quem se envolve na suave sonoridade das duas canções. Tão Sozinho traz o mesmo tema de forma mais drástica. A mão pesa no instrumental e o rock vem veloz e furioso. Aos que já estavam se sentindo viúvos de um bom barulho dos Los Hermanos, a música, que destoa do resto do álbum, é encarada como um presente. 

Mas é na leveza que o Bloco se encontra. A letra de Casa Pré-Fabricada revela toda a sensibilidade de Marcelo Camelo. De forma simples e direta, a guitarra serve apenas de adereço para a poesia da canção. Já no sambinha Veja Bem Meu Bem, o eu-lírico conversa diretamente com o ouvinte. Somos descaradamente trocados pela saudade, que ganha seu desprazeroso espaço causando uma quebra inesperada na letra da canção, reafirmando que o disco é composto por versos ímpares.

Com um álbum tão pessoal e de desagrado do mercado, o Los Hermanos não perde a oportunidade de criticar a indústria fonográfica. Cadê Teu Suin? é uma das mais sagazes da banda. Com uma letra rápida e recheada de jogo de palavras, a música pode soar estranha na primeira vez, mas ganha seu sentido quando conhecemos a história de Bloco do Eu Sozinho. Com a primeira versão do disco rejeitada pela Abril Music, os Los acertam em criticar o andamento insano da gravadora, que prejudica a originalidade dos compositores.

Os caras ainda fazem bonito e cantam alguns versos em francês (aposto um rim que essa foi ideia do Rodrigo Barba). Ok que o francês de Amarante beira a precariedade, mas a engraçada Cher Antoine é um alívio na porradaria emocional que o conjunto dessa obra representa. Mais uma Canção tenta lidar com todo o sentimentalismo de uma maneira mais sóbria. Os sopros quase esquecidos durante o álbum servem para acalmar a melodia dessa faixa, que conta a história de maneira literária e simbólica.

Para entender todo o dinamismo do álbum e o porquê dele ter mudado o rumo da Música brasileira em 2001, Fingi na Hora de Rir basta. A música sintetiza o jogo instrumental em letras românticas – com intenso toque sombrio – que é proposto nesse trabalho de Los Hermanos. Com uma composição que facilmente se encaixaria num samba, os arranjos não lineares e com forte apoio no baixo resumem a transformação provocada por Bloco do Eu Sozinho no dito indie brasileiro.

O que hoje entendemos como rock alternativo brasileiro – ou, até mesmo, como a nova MPB – deriva desse álbum carnavalesco melancólico, que completa seus vigésimo aniversário em um ano que não enchemos nosso corpo de glitter nem fomos para a rua, beijar e comprar quatro latas de cerveja por dez reais. É, mais uma vez, o destino gostando de ser poético com um povo sofrido. 

Los Hermanos criaram quatro álbuns distintos, fugindo da sonoridade das Primaveras e Anna Júlias. Cada trabalho da banda tem seus destaques com efeito de suas particularidades, e Bloco do Eu Sozinho conquista seu espaço por ser um disco definitivo da carreira. Quem decidiu acompanhar os Los mesmo depois desse álbum, fugiu das mesmices do rádio e presenciou a supremacia das rimas amorosas que influenciaram toda uma geração. Bloco do Eu Sozinho ainda é responsável por abrir as portas para aquele que é o melhor disco da banda: Ventura.

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Henrique Gomes

Desde sua criação, o Boogarins permanece inquieto, nunca estagnado. A banda goiana imprime, em cada movimento que faz, um recorte da essência que compõe os corpos de seus integrantes. Mesmo que comparada com nomes como Tame Impala e Unknown Mortal Orchestra, eles sabem que vão muito além da neo-psicodelia. É uma espécie de música transcendental, algo desconexo e intenso, mas puramente honesto. Isso é visto em seus shows, onde faixas de três minutos viram grandes sessões de dez minutos e toda a energia que ali habita explode na catarse das improvisações, como em Desvio Onírico (2018), EP ao vivo do grupo. Os LP’s passam a ser carcaças completamente diferentes entre si, porém que carregam a mesma mística única das texturas e camadas sonoras da alma dos membros. O que prevalece é a beleza da primeira ideia, nua, crua e imperfeita por  definição, como visto nos ruidosos sucessos Lucifernandis e Foimal.

Manchaca Vol. 1 (A Compilation Of Boogarins Memories Dreams Demos And Outtakes From Austin, Tx) nasce da tentativa de manter todo esse movimento em tempos de quarentena. Se nos shows eles expandem o som em níveis espirituais, nos discos eles se concentram e o manipulam em colagens e rasgos sônicos para dizer exatamente do que se trata o tal do Boogarins. Sendo assim, é óbvio que existam milhares de experimentos durante as gravações. E, como o próprio nome diz, o álbum é a compilação de tudo que se originou do período de maior efervescência criativa da banda, nas gravações do Lá Vem A Morte (2017) e Sombrou Dúvida (2019), e serviu como demo ou ficou guardado no baú.

Levando o nome da avenida em que moravam em Austin, no Texas, enquanto gravavam entre 2016 e 2019, o compilado remete a um espaço confortável, mesmo que caótico. Sem uma linearidade de produção, tema e tom, a própria ambiência caseira e disforme se torna a conexão entre as músicas e o conceito do disco. Como uma tarde de celebração entre quatro amigos sobre o próprio caminho que trilharam, que os levou ao Coachella, Lollapalooza, Primavera Sound, SXSW, Rock In Rio, Grammy Latino, e, principalmente, à eles mesmos.

Nos primeiros dois álbuns, As Plantas Que Curam (2013) e Manual (2015), havia uma busca jovial e solar pelas respostas no jardim de suas casas, um escapismo caleidoscópico dos anos 60, cheio de fuzz e vozes reverberantes. Já nos dois últimos,  Lá Vem A Morte (2017) e Sombrou Dúvida (2019), o amadurecimento os leva ao obscuro da mente, uma colcha de retalhos repleta de questões e à fuga das respostas, com a experimentação dos elementos eletrônicos e colagens sonoras. O Manchaca Vol. 1 retrata uma síntese de tudo: desde as músicas sessentistas guiadas pela guitarra do Dinho, até os experimentos mais tortos e dissonantes em beats e sintetizadores de Fefel.

Inclusive, temos o próprio Fefel, baixista da banda, nos vocais. Os singles Inocência e Tanta Coragem são composições do próprio, sendo a primeira uma encomenda do Benke Ferraz, como um presente. Guiada por dois acordes junto da kalimba sobre uma batida eletrônica intimista, algo como uma mistura entre Portishead e cantiga de ninar, é uma canção viciante e singela, você a sente derreter sobre a sua cabeça. Segundo os integrantes, o refrão “facilmente poderia ser um pagode ou um forró: ‘isso é coisa que se diga?’”.

As letras e composições de Dinho se casam pela cor das palavras somadas à sonoridade. Não necessariamente a fim de lhe dizer algo diretamente, e sim, de criar uma imagem para o ouvinte. Ele que sempre canta sorrindo e de olhos fechados, como se estivesse te manipulando e contando algo que só você não sabe, enquanto sua voz aguda ecoa no fundo da alma. Como na faixa Cães do Ódio, que surgiu no projeto Boogarins na Casa das Janelas Verdes, produzido pela Void, em que o vocalista provoca dizendo “Com toda essa angústia, que que cê faz?/ Se o fundo te puxa, que que cê faz?” sobre a bateria hipnotizante de Ynaiã, que perdura enquanto os graves distorcidos do moog sobrevoam e até confundem com um riff cheio de fuzz, que rasga o som do meio para o fim. Uma melodia eufórica repleta de vazios que dão intensidade à dança entre vocal e percussão.

Tais características de composição do frontman atraem outros artistas, como Ava Rocha e Céu, que gravaram duas das músicas existentes no compilado. Presente no disco Trança (2018) da Ava, a faixa João 3 Filhos tem sua versão feita pelo Boogarins. Focada nos tambores e no violão de nylon, essa é a canção mais MPBzistica do Manchaca Vol. 1. O grupo soa como um noise-olodum, cheio de cortes e ruídos espalhados, até o fim catártico em coral: “Vida de beija-flor é voar/ E ter pra dar amor/ Sonhos que vêm e vão/ E me levam pela imensidão”. 

Outro momento é em Make Sure Your Head Is Above, que, segundo Dinho em entrevista para a Rádio 89, é um áudio de Whatsapp dele tocando a primeira versão da sua música presente no último álbum da Céu, o Apká! (2019), com um microfone, uma drum machine e uma guitarra. Essas canções demonstram a influência da tal brasilidade sobre a banda goiana, junto de Espera Fala de Novo, faixa guiada por uma batida de samba tortuosa com vocais mântricos de Benke e Fefel, e que explode na distorção de teclados sintetizadores ao final. Inclusive, os últimos dez segundos dela soam como se Kanye West tivesse invadido o estúdio e brincado com três notas desse som de moog semi modular.

O estranhamento para quem não é fã da banda acaba sendo inerente ao propósito do Manchaca Vol. 1. Afinal, logo após Aquele Som – faixa de abertura do disco que mais remete ao início do Boogarins, repleta de palmas, pandeiros, vozes e guitarras à la Beatles -, temos Água, versão demo de Sombra ou Dúvida, porém com uma instrumentação muito diferente da conhecida. Apesar do riff e do refrão maravilhosos abrirem o som, uma série de ruídos que soam como uma fita voltando para trás invadem o vácuo e a ilógica sonora toma conta do espaço, para a alegria de uns e afastamento de outros.

Além de Água, o experimentalismo toma conta de vez na instrumental Are You Crazy, Julian?, em que cada instrumento caminha numa melodia ensolarada, ao mesmo tempo que são interrompidos pelas guitarras rasgadas nos entremeios, até que passam a se desordenar numa queda em espiral. E na maravilhosa ASMR Manchaca, faixa com tom jazzístico em que um órgão toca aleatoriamente, enquanto invadem o som coisas como lambidas no microfone, comunicações extraterrestres, rosnados, vozes em variações de pitchs e reverses, e sonoplastias de poderes do Dragon Ball, coisas absurdas. Em ambas é possível ver que Ynaiã, que já tocou na grande Macaco Bong, transmite a melodia do Boogarins através da bateria como ninguém, com versatilidade para momentos atmosféricos entre pratos a ecoar, e momentos caóticos em que o bumbo soca o ouvinte no âmago.

O ápice está ao final do álbum: Noite Bright, penúltima música das 13 que compõem a viagem. Escutando ela, vi que é uma síntese do Manchaca Vol. 1, que é a síntese da metafísica da banda como um todo. Começa aflita com a distorção pontuda do synth e a repetição de um riff que cutuca o ouvinte por séculos, até que a voz do Dinho te empurra para a canção de fato. Baseada na construção de um som disperso e reverberante até o infinito, o casamento de todos os níveis instrumentais que se sobrepõem dão uma sensibilidade tão doce, que logo é interrompida com uma guitarra que corta a melodia e te joga de novo para uma variação da introdução ardida de antes.

A partir daí, vê-se a letra como um relato em mantra de um mergulho mútuo entre dois corpos. E então, a calmaria toma conta novamente, até que a faixa é de vez destruída em migalhas. O baixo e a voz seguem como o último pilar, enquanto a guitarra e a bateria se destroem entre si: como se a música virasse um grande solo de todos os integrantes, uma supernova sonora que celebra a desordem na velocidade do socar rítmico e no fuzz do berro entre cordas. Está feita a bagunça, ainda bem.

A produção de Benke, na manipulação dos ruídos e no retrato do irretratável através de corpos sonoros, dão a autoria dessa que é uma das bandas mais interessantes da atualidade. O primitivismo das ideias se faz base para o conceito do Boogarins. Em meio à improvisações e na construção desse universo anti-narrativo das composições, a liberdade é celebrada em cada movimento do conjunto, e movimento é algo que não falta aqui.

Como dito no documentário que saiu junto do álbum, o grupo se “lapidou muito mais do que extraiu algo de fora”. É, de fato, a construção do acaso. Os homens de agora comemoram como os garotos de antes, e humildemente convidam os fãs para se juntarem a eles. Com uma origem simples, Manchaca Vol. 1 toma um rumo catártico sob o deleite de quem ouve, servindo como mais uma analogia ao crescimento deste ser que é o Boogarins.

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