Lucas Barbosa

Turnstile já tinha uma consolidação como uma das maiores bandas do Hardcore, o som pesado com riffs e baterias imponentes, sempre foi uma comprovação do valor da banda formada em Baltimore. Os dois últimos álbuns, Time and Space (2018) e Glow On (2021) serviram como uma ligação entre o punk e as paradas de sucesso, com uma mistura psicodélica de Metal, R&B e Funk mantendo sua originalidade. Então, lançam Never Enough, um disco natural, maduro e promovendo uma experiência nova e surpreendente aos ouvidos.

Durante o processo de criação do novo disco, mudanças dentro da banda ocorreram, a saída do guitarrista e fundador Brady Ebert em 2022 foi uma mudança que pegou os fãs de surpresa, pois era o próprio Brady que escrevia a maioria dos riffs de guitarra. Em seu lugar veio a Meg Mills, que já tinha uma reconhecimento por tocar junto da Big Cheese e da Chubby & The Gang, e a união ajudou a formar o que foi concretizado dentro de Never Enough.

O lançamento de Never Enough foi feito em duas partes em meados de 2025. A banda produziu um álbum visual – o Turnstile: Never Enough –, que foi apresentado no dia 5 de junho, dentro do Festival de Cinema de Tribeca, e um dia depois o álbum musical saiu nas plataformas de streaming e formato físico. O disco foi aclamado pela crítica, recebendo 83/100 no Metacritic, nono lugar na Billboard 200 e em primeiro na Top Hard Rock Albuns, o maior feito da Turnstile.

Never Enough é uma experiência psicodélica, onde é possível ouvir em qualquer momento, ou evento, do mesmo jeito que é possível fazer mosh punk com os amigos, ou escutar fazendo um churrasco com a família. Impressionou como dentro da música, ritmos como funk, R&B e uma pitada de soul, transformaram as músicas em uma coisa com uma intensidade astronômica e uma leveza surpreendente.

Ótimo exemplo disso são Sole, onde tem um ritmo dançante cheio de vibe latina, com um hardcore pulsando dentro da letra e dos riffs, e um lambadacore que te influencia a sair pulando e dançando. I Care e Seein‘ Stars tem um ritmo muito alternativo, uma sonoridade que te manda para os anos 1980 e te diverte ouvindo. Turnstile consegue apimentar todas as músicas com uma leveza fácil e muito madura, conseguindo fluir entre ritmos e ainda sim ser um som pesado.

Dull e Birds são as músicas com a sonoridade mais pesada, riffs secos, e uma bateria que pulsa muito. Sunshower é psicodelia pura, 40% de hardcore e 60% loucura. No geral, Never Enough é uma experiência que te proporciona várias sensações e te leva a diversos lugares, onde todos escutam, dançam, se emocionam e ficam completamente alucinados. É insano, é exotérico, é Turnstile.

O grupo deu um tom diferente para o gênero. Never Enough é a aprimoração de um estilo; não é um rock comum com as pancadas dos graves da bateria e os riffs pesados de uma guitarra; ele tem uma fluidez rítmica que destoa dos demais, quanto mais você escuta, mais estilos musicais é perceptível, o que é o maior diferencial da banda, e assim chegam ao topo, com som híbrido e musicalidade complexa, mas excelente nos ouvidos.

Turnstile chegou para o Grammy com 5 indicações, e ganhou dois gramofones, Melhor Álbum de Rock com o Never Enough e Melhor Apresentação de Metal com Birds. Mesmo disputando com Deftones, Youngblud e Linkin Park, era considerado favorito. Tanto pela musicalidade que é incrível, pelas apresentações, ou pela repercussão do disco ao longo dos meses que antecederam o Grammy. Mostrando ao público que é totalmente possível fazer um som original, pesado e com muita musicalidade.

https://open.spotify.com/intl-pt/album/52yD51X7yDinwlg6tbCtpP?si=6bdc16354e184262

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Ana Beatriz Zamai

O que você estava fazendo aos 18 anos? Independente da resposta, nada será tão interessante quanto o que Mac Miller fez. Quinze anos atrás, o rapper estava em Point Breeze, Pittsburgh, iniciando a vida adulta, quando lançou K.I.D.S., sua quarta mixtape. Foi o primeiro trabalho de Mac após assinar contrato com a Rostrum Records, gravadora americana com quem trabalhou até 2014, quando firmou parceria com a Warner Records. 

Miller se inspira com muita sensibilidade no polêmico filme Kids, de 1995, drama que mostra o conturbado mundo dos adolescentes e o perigo de ser um jovem sem orientação. Na primeira música, Kickin Incredibly Dope Shit [intro], Mac usa um monólogo de Telly, um dos personagens principais da obra, para introduzir o ouvinte ao álbum, trazendo uma sensação de nostalgia mesmo para quem ainda não assistiu. O cantor faz o ouvinte se sentir acolhido, abraçado, pois diz o que pensamos sobre algo que amamos – no caso dele, a música – mas que não conseguimos por em palavras. 

“Quando somos jovens, muita coisa não importa / Quando você acha algo que você se importa / Isso é tudo que você tem / Quando você vai dormir de noite você sonha com [música] / Quando você acorda, é a mesma coisa / Está ali na sua cara, você não pode fugir / Às vezes quando você é jovem, o único lugar para ir é para dentro / [Música], é o que eu amo, tire isso de mim e eu realmente não tenho nada”

A mixtape foi a responsável por lançar Mac Miller aos holofotes do rap. Na época, as redes sociais estavam começando a crescer e influenciar pessoas, e foi através delas que Mac divulgou muito de seu trabalho. Ele mesmo diz na primeira música que não foi ‘normal’ um rapper atingir o sucesso que ele conquistou tendo apenas 18 anos. Ainda na música introdutória, Miller canta “O garoto mais trabalhador da América / jogando com os profissionais”. Apesar de estar feliz com a situação, o cantor ainda não está satisfeito. “Quero a capa da [revista] Time, Homem do Ano, tem minha imagem presa em sua mente”.

Contando com duas de suas 10 músicas mais ouvidas, The Spins – que ganhou um sucesso ainda maior com o crescimento do TikTok – e Nikes On My Feet, K.I.D.S. mostra de forma certeira a visão de um jovem sonhador que ainda quer conquistar o mundo. Mac sabe que a vida é boa agora e que deve ficar mais difícil no futuro, por isso tenta aproveitar ao máximo o momento e não quer envelhecer. “Ser jovem é tão legal / Não quero nunca envelhecer”. 

A vida realmente ficou mais difícil para o cantor quando ele cresceu. Nas obras lançadas após a mixtape, Mac Miller já demonstra maturidade, talvez um cansaço pela ‘vida de adulto’, lidando com a depressão e o vício nas drogas. O contrário acontece em K.I.D.S.: o céu é muito baixo para ser considerado um limite para o rapper, nada pode lhe parar. Mac demonstra isso em Get Em Up, dizendo que independente do que falem ou façam, ele ainda estará aqui, crescendo. “Costumava ser o palhaço da sala / Mas agora eu rio por último”.

No geral, os temas das 16 músicas são quase sempre os mesmos: a vontade de ser criança para sempre; a responsabilidade que está tendo com seu sucesso; a superioridade com os haters, ter várias garotas no seu pé e não se preocupar com mais nada. Porém, com sua originalidade e domínio musical, Mac Miller consegue fazer cada uma se destacar individualmente, com ritmos diferentes e batidas contagiantes. Em Ride Around, por exemplo, a letra é comum e sem significados profundos, mas é a sonoridade que a diferencia das outras músicas. 

“Abaixe as janelas / aumente o sistema / Nós estamos apenas tentando andar por aí / porque nós não ligamos / Temos um tanque cheio de gasolina e alguma merda para fumar / Ei, vamos pegar a estrada”

Apesar do tom animado na maior parte do álbum, Mac também expõe seus sentimentos em All I Want Is You e Poppy. A primeira é uma música de amor, dedicada a apenas uma garota, e não ‘todas as garotas me querem’, presente em várias músicas da mixtape. “Me falaram para nunca me apaixonar / Isso nunca funciona com você”. A canção já traz referências do que Miller faria em Divine Feminine, um de seus futuros álbuns, na qual se dedica mais a expressar seu amor. 

Já Poppy é dedicada para o avô do cantor, em que Mac parece estar em um diálogo com ele. É uma música mais emocional, já mostrando que o rapper sabe fazer mais do que falar sobre as delícias da vida adolescente, como fez em seus futuros trabalhos Circles e Swimming, álbuns muito mais profundos e que expressam os sentimentos mais íntimos do cantor. “Mas me sinto tão sozinho tentando lidar com sua morte / Segurando minha respiração, querendo que eu tivesse mais um dia / Querendo que você estivesse lá quando eu me formar”.

O fato de Mac ter feito este trabalho com apenas 18 anos é um grande destaque. Kendrick Lamar, rapper americano de muito sucesso, por exemplo, teve seu destaque em 2012, com 25 anos. Kendrick inclusive era uma das inspirações de Miller e os dois artistas chegaram a trabalhar juntos em algumas ocasiões, como nas músicas Fight the Feeling, da mixtape Macadelic e God is Fair, Sexy Nasty, de Swimming. Eminem, outro artista de grande sucesso, começou a brilhar aos 27 anos. Como diz na contagiante The Spins, parceria com a banda Empire Of The Sun, Mac Miller ainda era um adolescente se formando no ensino médio: “Eu me formei / oh yes / eu acabei de me formar no ensino médio / haha”. 

Assim como todos os outros trabalhos do artista, K.I.D.S. conquista os corações dos ouvintes, principalmente por trazer uma vibe de nostalgia, de ser criança, e até por ver Mac tão feliz e animado. Este maravilhoso trabalho faz Mac Miller se diferenciar dos demais, mostrando desde o início da carreira que ainda teria um grande futuro pela frente, com obras ainda mais pessoais e bem produzidas.

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Nathalia Helen

Em um momento em que sua música deixa de ser apenas um fenômeno digital para ocupar um lugar mais sólido na indústria, PinkPantheress chega ao Grammy 2026 com indicações que ajudam a enquadrar sua fase atual. Fancy That concorre a Best Dance/Electronic Album, enquanto Illegal aparece entre as indicadas a Best Dance Pop Recording, colocando oficialmente o som etéreo e acelerado da artista britânica no centro das discussões do pop e da eletrônica contemporâneos. É a partir desse reconhecimento — que valida um projeto originalmente curto, fragmentado e quase experimental — que Fancy Some More? surge como uma resposta direta: maior, mais aberta e consciente de seu próprio impacto.

Se Fancy That, de PinkPantheress, era um disco curtíssimo de 20 minutos com nove faixas – quase uma mixtape condensada de ideias e emoções –, sua nova versão chega com fôlego de sobra: são 31 músicas distribuídas em dois volumes digitais e três CDs, incluindo remixes de DJs e produtores de peso, além de colaborações com vocalistas pop. A proposta, ambiciosa, soa como um exercício de expansão do próprio universo sonoro da cantora: um mundo de batidas aceleradas, vocais etéreos e nostalgia do início dos anos 2000, agora reinterpretado sob dezenas de olhares.

Fancy Some More? não é apenas um relançamento; é quase uma reescrita do próprio mito em torno da cantora. Desde que surgiu no TikTok com canções que pareciam fragmentos de sonhos pop, PinkPantheress construiu uma estética tão precisa que se tornou um gênero em si mesma. Aqui, ela brinca com essa autoimagem, e o resultado é um trabalho que funciona tanto como celebração quanto como experimento.

Entre os nomes mais empolgantes, um grupo de brasileiros se destaca: Anitta, DJ Caio Prince, Adame DJ e Mochakk. A presença deles não é mero detalhe – é um sinal de que o som da artista britânica começa a dialogar diretamente com o calor e a criatividade latino-americana. Agora, ela abre as janelas para o mundo, permitindo que outras vozes e ritmos invadam o seu espaço.

Há uma sensação constante de curiosidade e desprendimento que percorre o disco. PinkPantheress nunca parece querer agradar a todos, mas sim ver até onde seu som pode chegar. Ela dá espaço para outros artistas reinterpretarem suas faixas com total liberdade, e esse risco – de perder o controle sobre a própria identidade musical – é justamente o que torna o projeto tão instigante. Fancy Some More? é um convite para observar o que acontece quando um estilo tão particular é exposto à pluralidade global.

Apesar de tantos acertos, Fancy Some More? é um projeto difícil de ler como um todo. As faixas não foram feitas para serem ouvidas de ponta a ponta – e a própria artista já questionou a importância da ‘ordem’ de um álbum. Mais do que narrativa, ela oferece um mosaico: fragmentos que o ouvinte pode e precisa montar por conta própria. 

PinkPantheress – Stateside + Zara Larsson (Official Audio)

O desafio é garimpar seus favoritos entre tantas versões de uma canção (quatro só de Stateside). Zara Larsson, por exemplo, entrega uma das melhores surpresas com sua leitura da faixa: ela injeta peso e emoção a um dos momentos mais marcantes do disco, até mesmo fazendo uma referência bem-humorada à polêmica envolvendo sua recente turnê com Tate Mcrae: “Estou em turnê pelos Estados Unidos / Beijando meu garoto sueco pelo FaceTime / Quem diria que abrir me tornaria manchete?”

Infelizmente, nem tudo brilha com a mesma intensidade. Colaborações com nomes como Oklou, JADE e Bladee ficam aquém do impacto esperado, e o remix de Joe Goddard para Tonight soa mais como uma interferência do que reinvenção criativa. Ainda assim, há calor o bastante para justificar a empreitada – e alguns remixes chegam a superar as versões originais.

Por outro lado, há instantes em que o excesso de produção e o polimento digital diluem o charme minimalista que sempre definiu a artista. Parte de sua força vem justamente da timidez, da economia e das canções curtas que soam como rabiscos sonoros – suas faixas mais populares no Spotify mal passam de dois minutos e meio. Como ela mesmo já afirmou, “uma música não precisa ter mais de dois minutos e trinta segundos; não precisamos repetir um verso, nem de uma ponte, nem de um final longo”. Essa concisão, que faz dela uma figura tão singular e interessante no pop, acaba se perdendo no meio da grandiosidade do projeto.

Ainda assim, há um mérito em ver PinkPantheress explorando novas texturas e camadas. Se antes ela era vista como uma artista de nicho, agora se coloca no centro do diálogo global do pop alternativo. Ela parece consciente de que seu som é um reflexo de uma geração hiperconectada – aquela que consome e descarta em questão de segundos –, e responde a isso criando uma obra que também se comporta como uma timeline infinita, onde tudo coexiste ao mesmo tempo.

O álbum também funciona como um estudo sobre autoria e controle artístico. Ao abrir mão da centralidade, a compositora desafia o conceito tradicional de ‘dona da obra’. Em vez de proteger seu catálogo, ela o oferece como matéria-prima, permitindo que outros o distorçam, reinventem e, às vezes, até o superem. É um gesto de coragem e desprendimento raro na indústria atual, onde a imagem e o som costumam ser rigidamente protegidos por contratos e egos.

Mesmo assim, Fancy Some More? é uma celebração do agora – um gesto de abertura e curiosidade que confirma o status da cantora como uma das artistas mais inventivas de sua geração. Ao revisitar e remixar seu próprio repertório, ela testa os limites da sua estética e convida o público a fazer o mesmo. O resultado é um banquete irregular, mas generoso: pode não haver coerência perfeita, entretanto, há algo para todos os gostos – e, acima de tudo, a sensação de que o universo de PinkPantheress está só começando a se expandir.

https://spotify.link/6oDy6OcmOXb

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Eduardo Dragoneti

Lançado em 12 de setembro de 1975, o álbum Wish You Were Here do Pink Floyd se tornou um marco, não só em sua discografia, mas na história do post-rock e da música conceitual. Surgido em um contexto de esgotamento criativo e crescente desilusão com a indústria fonográfica, o disco é, antes de tudo, uma homenagem profunda dos integrantes da banda (David Gilmour, Roger Waters, Richard Wright e Nick Mason) ao ex-membro Syd Barrett (1946-2006), cuja a ausência pairava sobre eles de forma incômoda após o artista sair do grupo.

Barrett havia deixado o conjunto musical em abril de 1968, após episódios de instabilidade mental associados ao uso abusivo de LSDs e a um diagnóstico nunca confirmado de esquizofrenia. Apesar disso, sua influência e seu legado artístico ecoaram notavelmente nos trabalhos seguintes do Pink Floyd, seja no próprio Wish You Were Here ou em álbuns posteriores, como em Animals e o aclamado The Wall. Já em A Momentary Lapse of Reason, faixas como Sorrow e One Slip falam sobre a fragilidade da mente e a perda de alguém próximo, temas que os fãs relacionam à história do ex-vocalista e guitarrista.

A faixa que abre e encerra o álbum, Shine On You Crazy Diamond, é uma suíte em nove partes composta por Waters, Wright e Gilmour, dedicada a Barrett – o “diamante louco” a quem o título faz referência. Os primeiros 13 minutos e meio do disco introduzem de forma lenta, instrumental e muito bem elaborada a dor da perda, diferente da causada pela morte, mas a de saber que um alguém querido está em algum lugar, que não é mais tão perto quanto antes (física e afetivamente).

Na mesma faixa, Waters escreve: “Você foi apanhado no fogo cruzado / Da infância e da fama / Soprado pela brisa de aço” – um retrato aguçado da trajetória de Barrett e de seu desaparecimento dentro de si mesmo. No encerramento da canção, o sintetizador de Wright emula as notas de See Emily Play, composição de Barrett que abre o primeiro disco da banda, The Piper at the Gates of Dawn. A escolha não foi à toa. Segundo os próprios integrantes do Pink Floyd, Emily é uma personagem que foi fruto de um sonho de Syd Barrett, possivelmente induzido por LSD. Ele dizia ter visto uma garota etérea brincando em um bosque, e que a imagem ficou em sua mente como uma pintura viva.

A mistura de fantasia e realidade, típica das composições de Syd nesse período, passou a ser vista como uma espécie de prenúncio de seu colapso. Décadas depois, muitos fãs e críticos enxergam a música como uma despedida simbólica de uma mente criativa que estava se afastando da realidade, justificando a escolha de Wright como uma espécie de ‘adeus’ não-verbal ao amigo.

A certeza da saudade se concretiza na canção homônima do álbum. Wish You Were Here chega como um tiro no peito sem aviso prévio, como é de costume para canções do Pink Floyd. A faixa inicia com uma curta conversa gravada nos corredores do Abbey Road Studios, interrompida rapidamente pelo famoso riff da música, impactando o ouvinte que nem tem tempo de compreender o diálogo. Ao fundo, um violão ‘falso’ soa abafado e distante, como se vindo de um rádio velho. Em seguida, o toque real de Gilmour entra em primeiro plano, limpo, criando um contraste sonoro que traduz exatamente o sentimento da canção: estar ao lado e, ao mesmo tempo, distante de alguém. As risadas e respirações no início parecem espontâneas, quase casuais, até que a melodia se impõe de maneira íntegra.

Segundo Roger Waters, compositor da música, Wish You Were Here não fala apenas de Syd Barrett, mas de um sentimento mais amplo e existencial. Em suas palavras em entrevista ao documentário Pink Floyd: The Story of “Wish You Were Here” (2012): “Você consegue se libertar o suficiente para experimentar a realidade da vida e como ela acontece diante de você? Porque, se não conseguir, você vai continuar parado na estaca zero até morrer. É disso que essa música trata.” Já para David Gilmour: “Embora ‘Shine On’ seja a que fala especificamente sobre Syd, e Wish You Were Here tenha um escopo mais amplo… eu não consigo cantá-la sem pensar nele.” Assim, a canção torna-se um lamento que é pessoal e universal ao mesmo tempo, a ausência de alguém que está presente demais para ser esquecido.

Welcome to the Machine e Have a Cigar formam o núcleo mais ácido do disco, funcionando como uma espécie de dupla crítica ao universo da indústria fonográfica. Se a primeira traduz a engrenagem impessoal do sistema, a segunda dá rosto e voz aos executivos bajuladores que movem essa mesma máquina. Juntas, as duas canções revelam o olhar desencantado do Pink Floyd diante de um mercado que transforma sonhos em mercadoria, e deixam claro que o sucesso também podia ser uma prisão – ideia que, inevitavelmente, remete àquilo que afastou Syd Barrett do grupo.

Em Welcome to the Machine, a banda constrói um diálogo entre a Máquina –metáfora para o capitalismo e o próprio mercado musical – e um jovem sonhador, disposto a se entregar para alcançar reconhecimento. O suposto acolhimento é, na verdade, uma manipulação: “Com o que você sonhou? / Tudo bem, nós te dissemos com o que sonhar / Você sonhou com uma grande estrela”. O sistema não apenas dita as regras, mas também escolhe seus desejos. A voz de Gilmour, carregada de pesar ao cantar: “Ele tocava uma guitarra bestial / Ele comia sempre no bar / Ele adorava dirigir seu Jaguar / Então, bem-vindo à máquina”, expõe o sonhador agora como um personagem do passado, alguém que foi engolido pela engrenagem que o consagrou. Inevitavelmente o trecho foi associado à trajetória de Barrett.

Já em Have a Cigar, a abstração dá lugar à caricatura de um executivo da indústria, ignorante e interesseiro, que os trata como produto e não como Arte. Com vocais de Roy Harper, convidado para substituir Waters e Gilmour, insatisfeitos com suas próprias tentativas, a faixa carrega ironia do início ao fim. O famoso verso – “A banda é fantástica, isso é o que eu realmente acho / Oh, por sinal, qual de vocês é o Pink?” – expõe o desdém de quem só enxerga cifras e fama, sem nenhum interesse pelo grupo em si. A canção também é interpretada como uma exposição do preço que os integrantes pagaram para chegar a ascensão astronômica. O personagem executivo é a materialização de um sucesso sem alma, justamente o que afastou o ex-membro.

Em um dos episódios mais marcantes da história do Pink Floyd, Syd Barrett apareceu inesperadamente no Abbey Road Studios em 5 de junho de 1975, enquanto o grupo finalizava as gravações de Shine On You Crazy Diamond (Pts. 6-9). Estava irreconhecível: obeso, com a cabeça raspada, sem sobrancelhas e o olhar distante. Seus antigos colegas demoraram a reconhecê-lo, e o encontro foi carregado de tristeza e simbolismo. Waters e Gilmour, em especial, ficaram profundamente abalados, caindo em lágrimas ao verem o amigo por muito tempo perdido. Gilmour relata no documentário que: “Foi uma grande perda. E imaginar o que ele teria feito… especular sobre isso, se você preferir… Ele poderia ter se tornado tão grandioso”.

“Ninguém sabe onde você está / O quão perto ou o quão longe / Brilhe, seu diamante louco”. A certeza de que, independente de onde Syd Barrett estivesse, o Pink Floyd só queria que ele brilhasse loucamente, como fez enquanto esteve na banda. Aqui, o álbum finaliza voltando a melancolia da qual foi iniciado, a sensação de que o recado foi passado, mas com a incerteza de que chegará ao destinatário.

Wish You Were Here é essencialmente um disco sobre ausência, seja a de Barrett, seja a de autenticidade no mercado musical ou seja a desconexão entre os próprios membros do grupo. É também uma carta de amor a um amigo perdido, um lamento musical que, meio século depois, ainda ecoa com intensidade. O álbum é um lembrete de que algumas presenças continuam a se fazer sentir, mesmo que estejam absolutamente perdidas.

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Gabriel Diaz

Em 2 de outubro de 2000, o Radiohead lançou um álbum que declarou guerra às certezas da música convencional. Kid A emergiu no alvorecer do século XXI como um manifesto involuntário contra a estagnação do rock, no qual a tecnologia e alienação se colidiam. Thom Yorke, à beira do colapso criativo após a turnê de OK Computer, transformou sua crise em ambientes dissonantes e letras fragmentadas – um afastamento radical das guitarras e estruturas previsíveis. Se o término do século XX foi marcado pela nostalgia, o disco foi o primeiro grito do novo milênio: caótico, digital e profundamente humano.

A abordagem histórica revela o quanto a produção foi um termômetro de seu tempo. No início dos anos 2000, a internet engatinhava como força cultural, e a banda, ironicamente, tornou-se um dos primeiros fenômenos a sofrer (e se beneficiar) com o vazamento no Napster. O mesmo experimentalismo que afastou fãs puristas – como em Treefingers, uma peça ambiente que mais parece uma paisagem sonora da franquia Blade Runner – acabou por normalizar a eletrônica no mainstream.

Coldplay e Muse, formações musicais que posteriormente dominariam as paradas, devem a Kid A a ousadia de mesclar sintetizadores com a grandiosidade do rock. Mas a verdadeira revolução foi psicológica: o disco provou que o público estava pronto para consumir uma proposta ‘difícil’, desde que embalado em uma narrativa de ruptura autêntica em meio à recuperação da banda.

Tecnicamente, a obra é um estudo de como destruir e reconstruir um grupo. Os acordes de Jonny Greenwood o transformaram no arquiteto de um som que oscila entre o orgânico e o artificial. Em The National Anthem, o caos controlado dos metais e a linha de baixo repetitiva antecipam a ansiedade hiperconectada das redes sociais. Já How to Disappear Completely, com seus violinos flutuantes, é um contraponto emocional: a melancolia como refúgio, não como derrota de si próprio. Porém, há algumas falhas nessa reinvenção. In Limbo soa mais como esboços do que obras-primas, e a deliberada anti-melodia de Yorke pode frustrar quem busca a catarse de Paranoid Android.

A crítica emocional expõe a dualidade do álbum: é tanto um retrato da depressão de Yorke quanto um farol de esperança. Everything in Its Right Place sintetiza vocais distorcidos e transmite claustrofobia, mas também uma estranha aceitação – como se o caos fosse, afinal, seu lugar natural. Em Motion Picture Soundtrack, o verso “Nos encontraremos na próxima vida” transforma a despedida em transcendência. Essa ambiguidade é seu maior trunfo: Kid A não se entrega a conclusões, e sim a reflexões. É uma produção que dita adversidades sobre o mundo em colapso ou o primeiro suspiro para recomeços – depende apenas de quem segura o espelho.

No entanto, os detratores têm pontos válidos. A rejeição inicial ao disco não veio apenas de puristas saudosistas, todavia de quem enxergou pretensão em sua fuga das estruturas tradicionais. Optimistic foi ironicamente a mais maltratada por parecer uma concessão tardia, sendo a faixa majoritariamente ‘rock’ dentre as demais. Além disso, a influência de artistas como Aphex Twin e Björk, já consolidados na vanguarda eletrônica, levantou questões sobre originalidade: seria o projeto um pastiche elitista de referências underground? Ainda assim, é inegável que o Radiohead as filtrou através de uma lente única, transformando-as em algo acessível sem perder a complexidade.

O impacto cultural ecoa até hoje. O longplay democratizou o experimentalismo, pavimentando o caminho para artistas como Arcade Fire e Tame Impala, que equilibram o cerebral com o pop. Mas também gerou uma contradição: um álbum concebido para escapar do mainstream tornou-se um ícone justamente por chegar às massas. Essa dicotomia define sua herança, pois, enquanto OK Computer previu a alienação tecnológica, Kid A a internalizou, antecipando a era dos algoritmos e da desconexão afetiva. Sua maior lição foi mostrar que a inovação não precisa ser completamente enigmática – pode ser dolorosamente bela.

Vinte e cinco anos depois, o lançamento permanece como um divisor de águas, menos pelo experimentalismo e mais pela sua humanidade. Para muitos, a produção ressoa como uma criação transcendental, transmitida de algum lugar entre as estrelas e o inconsciente ao invés de um estúdio comum. Ao desmontar sua própria arte, Yorke revelou que a verdadeira ruptura não está nos instrumentos, mas na coragem de criar a partir do vazio. Se o século XXI começou com a estética Y2K e o terror global, Kid A foi sua primeira obra-prima – uma produção musical que, como o novo milênio, não promete respostas, apenas a inquietante liberdade de se perder. E, talvez, de se achar.

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Marcela Jardim

Com As Cores, as Curvas e as Dores do Mundo, a banda mineira Lagum entrega sua obra mais madura até aqui — um disco breve em duração, mas profundo em afetos, estética e intenção. Lançado em maio de 2025, o álbum representa um respiro dentro da cena pop nacional: sem pressa, sem espetáculo e sem a ansiedade de um hit. Em vez disso, o grupo opta por criar um espaço de contemplação e escuta, no qual cada música funciona como uma pincelada em um quadro maior. 

As cores representam as emoções em sua diversidade; as curvas são os desvios e surpresas da jornada, e as dores, os atravessamentos inevitáveis da vida contemporânea. O resultado é uma coleção de dez faixas que transitam entre a leveza, a melancolia e a esperança, costuradas por uma produção minimalista e uma linguagem poética que dialoga com o cotidiano urbano e afetivo de seus ouvintes.

O novo álbum propõe uma escuta atenta ao presente, às pequenas delicadezas do cotidiano e às complexidades dos vínculos afetivos. A valorização do agora, tema central do disco, se manifesta em faixas como Eterno Agora, que usa um arranjo minimalista de voz e violão para afirmar o ‘atual’ como espaço de presença e contemplação. Em contraste, o caos urbano e os sentimentos de alienação que ele provoca também ganham voz — a sensação de deslocamento e introspecção, recorrente nas grandes metrópoles, aparece com força em A Cidade, na qual guitarras densas e letra melancólica constroem um retrato sem perder de vista uma certa beleza possível no cotidiano.

As relações afetivas atravessadas por silêncio, distância ou desejo orientam boa parte das composições. A ausência física, comum em comprometimentos à distância, aparece com delicadeza em As Desvantagens de Amar Alguém Que Mora Longe, que transforma a saudade em matéria poética sem apelar para o sentimentalismo. Esse mesmo universo emotivo ganha novos contornos em Tô de Olho, colaboração com Céu, música marcada pelo desejo de aproximação, que é expressado com leveza e harmonia em um encontro sonoro entre MPB e indie eletrônico.

Há ainda espaço para celebrar o cotidiano e reconhecer seus gestos de cuidado. Vagarosa Manhã ressignifica a rotina como lugar de afeto e presença, descrevendo com ternura os pequenos rituais do início do dia. Já o campo amoroso, com seus exageros e idealizações, é abordado com humor e honestidade em Vida de Novela. Na faixa, a banda trata as emoções intensas sem cinismo, reconhecendo nelas uma forma legítima de se viver e narrar o amor.

Por fim,  A Última Nuvem do Céu encerra o disco com uma delicadeza quase ‘suspensa no ar’ e reforça a dimensão poética e efêmera que permeia todo o projeto. A canção funciona como um suspiro final, um aceno suave antes do silêncio, reafirmando a natureza transitória das emoções e imagens evocadas ao longo do álbum. A escolha da metáfora da nuvem — passageira, bela, impossível de capturar ou fixar — condensa com precisão a sensibilidade da proposta estética. 

Assim como uma nuvem, a música se desenha e se desfaz no instante e convida o ouvinte a contemplar o fugaz, a aceitar a beleza no que se dissolve. Há também, nessa imagem, uma recusa sutil à rigidez: o projeto prefere pairar, flutuar, desaparecer suavemente, a se prender a verdades fixas ou estruturas fechadas. Dessa forma, o encerramento traduz com lirismo e leveza, como se dissesse: o essencial não se retém — apenas se sente, e depois se deixa ir.

Esteticamente, a banda aposta numa paleta sonora e visual coerente. Os arranjos são orgânicos, com presença marcante de violões, bateria acústica e sintetizadores discretos. A produção de Paul Ralphes — vencedor do Grammy Latino — privilegia a clareza das vozes e o calor dos instrumentos reais e confere unidade e sensibilidade às faixas. O projeto é acompanhado por uma série de visualizers que exploram cores pastéis, linhas suaves e movimentos lentos, reforçando a proposta estética sugerida no título. A capa, com suas curvas abstratas e tons suaves, antecipa a sensação de abrigo emocional que o quinto trabalho da formação musical oferece.

Gravado no estúdio próprio da banda em Belo Horizonte, o disco representa também uma retomada das raízes e uma autonomia criativa mais evidente. Sem a pressão de lançar hits ou seguir tendências, Lagum opta por uma obra íntima e autoral, que convida o ouvinte a mergulhar em uma escuta pausada. Em tempos acelerados, onde tudo é feito para ser viral e descartável, As Cores, as Curvas e as Dores do Mundo propõe o contrário: um álbum feito para durar, tocar de verdade, acompanhar dias bons e dias difíceis. Mais do que um conjunto de canções, a coletânea de faixas funciona como um gesto cultural de resistência sensível — e talvez seja exatamente isso o que mais precisamos hoje.

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Luiza Lopes Gomez

Angústias, perdas, negação e reencontro. Estas são algumas das palavras que caracterizam e são usadas como base para a criação do quarto álbum da banda mineira Lagum. Depois do Fim é lançado como um olhar diferenciado sobre o mundo e traz à tona questões filosóficas talvez nunca aprofundadas nos últimos discos – pelo menos, não na mesma intensidade. A chegada do projeto recorre a jornadas internas em meio ao entendimento do despertar depois do fim, abordando temáticas como o destino e o acaso, a saudade, o reconhecimento pessoal e esclarecimentos internos na mente de um jovem reflexivo. 

O álbum e a turnê que o segue já garantem seu impacto inicial a partir da escolha do título. Questionamentos tão profundos e pouco decifráveis perante uma realidade limitada são abordados em resposta a uma possibilidade de existência após desfechos por vezes inesperados, interpretado de forma complexa e traduzido nas relações interpessoais, espirituais e internas construídas em meio a uma jornada de vida que possui prazo de validade. Assim, o disco adquire sua notoriedade com base na apresentação de abordagens e perspectivas de um futuro muito mais amplo e mutável, traduzindo sensações que, mesmo partindo de um ‘eu’, são compartilhadas por tantos ouvintes. 

O caráter mais livre e de experimentação poética em meio às composições, unido a melodias e batidas envolventes, constrói um ambiente envolvente para quem escuta, acompanha as experiências e reflexões do eu lírico, e desenvolve uma proximidade intensa e, ao mesmo tempo, reconfortante com as faixas. A transformação da mentalidade em desenvolvimento e a transição entre um ser coberto de máscaras sociais para um indivíduo autêntico e presente pode ser percebida facilmente em Depois do Fim. Uma nova fase e a percepção acerca do início de uma diferente jornada de autoconhecimento por parte da banda pode ainda ser explicitada através da comparação com seu segundo álbum, Coisas da Geração, imerso em um universo muito mais jovem e descontraído, distante de certa profundidade emocional e preocupação com seu próprio desconhecimento.

Ouvir a discografia da Lagum é permitir-se reinventar conceitos e abordar olhares diferentes sobre temas às vezes tão conhecidos. Desde maior complexidade romântica, até interpretações e críticas sobre nossa geração, como a canção Habite-se, lotada de reflexões e analogias potentes, o grupo consegue transpor de forma animada e contagiante sentimentos únicos. Essa característica tão particular é reforçada em Depois do Fim, capaz ainda de desenvolver passagens sentimentais e até mesmo temporais de forma muito mais íntima e menos romantizada, podendo ainda ser reconhecido como um álbum muito subjetivo, interior a mentes fragilizadas em decorrência das inúmeras passagens de ciclos e vivências talvez não tão confortáveis, porém importantes.

As composições seguem ainda um caminho poético e metafórico condizente com o momento de amadurecimento e desprendimento. A exposição das dores reprimidas em meio a tentativas incessantes de parecer curado e leve, bem como a dificuldade de ver o agora e tomar ação mediante o presente, exprimem um pouco da abordagem atual das faixas. Funcionando como uma representação de uma nova fase de percepção da realidade e da existência em meio a jornada da vida adulta, as trilhas unem-se em um decorrer de acontecimentos que permeiam os conflitos de uma vida mais equilibrada e realista com o espírito do eu lírico em crescimento. 

A necessidade de habitar-se, entender-se como um ser incluso na sociedade que o rodeia e as dificuldades atreladas a isso são responsáveis por construir uma setlist variada, porém centrada na emoção, na intensidade e nos sentimentos. De tal forma, é perceptível a gradação das dores em meio as faixas e minutos de música como uma maneira de representar o desespero humano em meio a escassez de resoluções ou confusões emocionais, sem ver um futuro confortável por perto. Assim, Lagum traz para Depois do Fim composições recortadas por poesias faladas. Ainda, consegue mesclar canto e versos recitados que atingem profundamente o ouvinte, como uma forma de imersão dentro dos pensamentos mais profundos do outro, criando momentos de tensão e maior proximidade com o espectador, receptor direto da mensagem.

Mesmo que em segundo plano, perdendo o foco principal na maioria das canções, a temática amorosa aparece como forte fator de percepção do eu lírico. Aparecendo ainda como uma espécie de ferramenta de momento de virada na vida de quem sofre em meio a devaneios de insegurança e fragilidades, tal percepção auxilia na busca por reviver um passado favorável em prol do esquecimento da dor das perdas. Tal construção pode ser percebida em faixas como Ou Não, Sobre Mim e Nem Vi que o Tempo Voou. A conexão entre as três composições e o sentimento de saudade e tentativa de resgate de um eu mais concreto, não tão perdido no mundo, se dá como forma de demonstração da angústia pessoal em se ver só e ter que olhar para dentro de si, deixando claro a transição entre a leveza da união e o sofrimento da solidão, responsável por crises existenciais que incendeiam a mente.

A casa em chamas, a estética destrutiva e o desconforto são pontos fortes de Depois do Fim, exprimindo visualmente uma tentativa de encontro em meio às turbulências da vida e os embates entre acaso e destino. O falecimento de um importante membro da banda em 2021, o baterista Tio Wilson, surge como ponto de início para a criação do álbum, bem como inspiração para drásticas mudanças de olhar perante o presente e futuro de nossa existência. Isso vem como uma lembrança de jornadas compartilhadas entre indivíduos em desenvolvimento e ascensão, e também como representação do luto, da perda e muito da introspecção. 

Aproximar o público de um contexto tão humano, porém tão pouco falado, é usado como ferramenta de engajamento e reflexão em Depois do Fim. O álbum aparece na atualidade como uma conversa muito mais íntima do que qualquer um dos outros discos do quarteto, deixando como mensagem final que, mesmo com longos processos de caos, saudades e sofrimento, o cenário pós-instabilidade pode ser esclarecedor, e não só amedrontador. Os versos do single-título explicitam a relação conflituosa, mas libertadora, proveniente do reconhecimento de um novo eu em formação. Assim dito, com a estrofe “Não olha pra trás que eu to seguindo em frente/tem gente que começa só depois do fim” pode-se observar o processo de aceitação e renovação do indivíduo perante a vida, desabrochando e iniciando um novo ciclo mais real e intimista. 

Além disso, o desprendimento do passado é simbolizado eficientemente e de maneira tocante através da construção visual, com o indivíduo em reinvenção sendo afastado de memórias antigas e a prisão emocional existente no passado em decorrência do incêndio de sua morada, com o antigo tornando-se cinzas e a necessidade do novo surgindo como fator existencial. Buscando retratar tal transcendência vinda de vivências difusas e transformadoras, tem-se na canção De Amor Eu Não Morri os dizeres “Ainda é tempo de ser bem maior/ainda é tempo de ser bem melhor”. A reflexão proposta torna-se clara: a vida passa, momentos são efêmeros e temos que aproveitar verdadeiramente cada dia olhando o passado como nascente de aprendizado, presente como fase de experimentação e renovação, e futuro como uma tela vazia prestes a ser pintada.

É um desafio descrever a emoção que envolve Depois do Fim, bem como os desafios em trilhar novos caminhos honestos a cada dia. O álbum pode ser consagrado como uma união de cumplicidades e poesias reais responsáveis por refletir um panorama tão amplo que rodeia a experiência de viver sem medo, errar, reconhecer e se encontrar inúmeras vezes em ambientes diferentes. A inspiração para a criação de uma nova era com certeza deixa cicatrizes irreparáveis na vida de cada um dos integrantes da Lagum e dos fãs. Por outro lado, também aparece como uma porta de entrada para ensinamentos tão sagrados e poéticos, compartilhados como joias nas mãos de amantes de músicas leves, intensas e que combinam razão e emoção. O depois do fim é incerto, mas as jornadas prometem recomeços estrondosos. 

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Henrique Marinhos

A cantora, compositora e produtora Rosalía nasceu em Sant Esteve Sesrovires, na Catalunha, em 1992 e se tornou um fenômeno da música pop com o lançamento de seu segundo álbum, El mal querer, há 5 anos. A obra conceitual mistura elementos do flamenco, pop e urban com vocais e visuais esplendorosos e surpreendentes para um projeto de conclusão de curso na Escola Superior de Música da Catalunha. 

A sonoridade das músicas foi criada a partir das influências de outros gêneros literários, como a poesia, que é evidente nas letras e fazem parte de concepção artística que vai além da história em si, questionando se realmente aprendemos algo ao longo do tempo e explorando o mal querer. Em 11 capítulos inspirados na literatura de um autor desconhecido, a cantora expõe a narrativa de uma mulher humilhada em seu relacionamento, através de temas como violência doméstica e machismo. 

O sucesso do álbum permitiu que Rosalía alcançasse reconhecimento internacional, levando de cara quatro estatuetas de Álbum do Ano, Melhor Álbum Pop Vocal Contemporâneo, Melhor Arte Visual e Melhor Engenharia de Gravação no Grammy Latino, e, no ano seguinte, El mal querer também ganhou o Grammy Awards como Melhor Álbum Alternativo. O lançamento atraiu não apenas os fãs de flamenco, mas também fãs do pop em geral. No entanto, gerou polêmica e certa rejeição da comunidade gitana espanhola, devido a queixas de apropriação cultural do gênero e sobre seu pertencimento ou não na música latina enquanto cantora espanhola, tema discutido há eras.

As músicas de Rosalía misturam elementos tradicionais e modernos, mas às vezes tendem mais para a tradicionalidade. Consequentemente, parte das faixas não tem tanto reconhecimento quanto às principais e as mais conhecidas seguem o padrão da indústria popular, como MALAMENTE (Cap.1: Augurio), que a lançou ao estrelato. Com uma batida forte e envolvente, misturando elementos do flamenco com o pop e o urbano, a canção entrou para a lista da Billboard de músicas que definiram a década.

Em contrapartida, RENIEGO (Cap.5: Lamento) e BAGDA (Cap.7: Liturgia) são baseadas em uma melodia clássica do gênero espanhol e apresentam uma produção mais minimalista do que outras. Sua composição tem elementos mais suaves e menos percussivos, que não foram tão aceitas pelo público geral por serem vistas como simples ou monótonas, mas sem dúvidas são composições muito bem-vindas na obra como um todo.

Alguns membros da comunidade espanhola gitana acusaram a artista de se apropriar do flamenco, uma expressão artística típica de populações marginalizadas na Espanha, e de não respeitar a tradição e a cultura de seu povo por dar uma nova roupagem ao gênero, incorporando-o a outros. Além disso, eles também viram sua obra como uma tentativa de comercializar o estilo para um público mais amplo, o que dilui a autenticidade e a essência do gênero musical.

No entanto, outra visão é de que a cantora traz o flamenco para um público mais jovem e diverso, ajudando a expandir a audiência do gênero musical e mantê-lo vivo para as gerações futuras, com “máximo respeito”, como a ela se pronunciou em entrevista à GQ. As polêmicas se difundiram novamente no lançamento de seu último álbum, Motomami, de 2022

El mal querer é inspirado no livro Flamenca, um romance medieval de um autor desconhecido que narra a vida de uma jovem casada com um homem que enlouquece de ciúmes e a acaba encarcerando em uma cela. Nas músicas, por exemplo, seus títulos seguem as denominações do livro: CAP. 1. AUGURIO – Malamente, CAP. 3. CELOS – Pienso en tu mirá, CAP. 4. DISPUTA – De aquí no sales e CAP. 7. LITURGIA – Bagdad.

Algumas das citações mais marcantes de El mal querer que ajudam a basear sua formação e influências em poucas palavras incluem “Aquele pedacinho de vidro quebrado, eu senti como rangia antes de cair no chão, já sabia que ia se quebrar” e “Não permito que nenhum homem dite minha sentença“. O trabalho de Rosalía inspirou muitos outros no sentido acadêmico, com muitas citações e análises de sua obra sendo disponibilizados em sites de pesquisa.

Através de uma relação íntima e perigosa com o lírico e gêneros não tão conhecidos ou aceitos popularmente, Rosalía se arriscou no que poderia ter sido apenas uma conclusão de sua graduação. Ela também gerou polêmica quanto sua suposta reinvenção do flamenco, desafiando o status quo cinco anos atrás e catapultando sua carreira ao reconhecimento mundial do atual cenário da indústria 

Com El mal querer, Rosalía conseguiu não apenas conquistar prêmios e reconhecimento internacional, mas também provocar reflexões sobre temas como o amor, a violência, a liberdade e a identidade feminina, se fazendo um exemplo de como a arte pode ser transformadora e inspiradora para as novas gerações. Além disso, também reivindica seu espaço como uma das vozes mais interessantes da música contemporânea, não se limitando a seguir padrões estabelecidos, inovando e experimentando novas formas de expressão e da própria Arte, feitos incomuns para um TCC.

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Costanza Guerriero

No dia 15 de Agosto, o Twitter ficou polvoroso com o lançamento de Campo de Morango, o lead single do terceiro álbum de Luísa Souza, Escândalo Íntimo. Tanto o videoclipe quanto a música em si pareciam ser uma confirmação de que a cantora só sabe compor letras vulgares e superficiais. Contudo, aqueles que estavam bem atentos sabiam que essa pequena prévia serviria para provar um ponto, que é uma das premissas do novo projeto: Luísa Sonza, como antes se conhecia, é uma fraude. Nesse lançamento, a artista potencializa sua voz e traz sua trajetória de amadurecimento como o centro da narrativa. Ela elabora conceitos visuais e sonoros acurados, apresentando referências explícitas e cristalinas, para que até mesmo aqueles que não querem possam enxergar. 

Escândalo Íntimo brinca com a expectativa e a falácia do público, na sua estratégia de lançamento, e ao decorrer de suas 24 faixas, das quais seis foram lançadas posteriormente. Segundo a própria artista, o álbum conta a história de um relacionamento, desde o momento do flerte inicial, passando por noites tórridas, decepções e a superação dos traumas. Porém, seria mais interessante entender o disco como o processo de autoanálise da cantora, sob a ótica do contraste entre como a definiram e como ela se vê. O disco é dissecado em quatro blocos, que revelam momentos diferentes de um relacionamento, ou ainda, diferentes faces da Luísa Sonza, mostrando sua versatilidade e disposição de explorar diferentes ritmos e gêneros, desde o pop até a bossa nova. 

É de se admirar o quanto foi feito em um tempo relativamente curto. O álbum foi produzido em cerca de três meses em estúdios em Los Angeles, na Califórnia, e contou com Douglas Moda, Roy Lenzo e Tommy Brown como diretores musicais. A produção ganha uma índole plurinacional, não apenas por ter músicas cantadas em português, inglês e espanhol, mas também pelo envolvimento de diversos colaboradores de nacionalidades distintas. A artista contratada para fazer a arte da capa e contracapa do projeto, por exemplo, é a russa Olga Fedorova. Ainda para a parte visual, Sonza contou com auxílio da artista plástica e psicanalista Nathalie Nery, responsável pela exploração do conceito lúdico de sonhos versus realidade, que o disco tanto trata.

O trabalho é marcado por diversas colaborações com artistas como Marina Sena, Banco Exu do Blues, Duda Beat e até mesmo Demi Lovato. Ainda assim, a característica mais marcante do álbum é a maneira como reúne um grande número de samples e referências a outros músicos, o que por um lado pode beirar o exagero, por outro pode ser visto como uma carta de amor aos ídolos de Sonza, como Rita Lee, Alcione, Cazuza, The Beatles e Queen. 

Escândalo Íntimo é aberto pela faixa homônima, um sample da música Quarto de Hotel de Hareton Salvanini, trilha sonora do filme A Virgem de Saint Tropez, do diretor polonês Zygmunt Sulistrowski. A faixa expressa a melancolia de se sentir as inseguranças e as angústias, que as letras a seguir irão abordar, mas sem deixar de, ao final, se misturar a uma agitação e batidas mais eufóricas, a chamada para o primeiro bloco.

As músicas iniciais, como Carnificina, pintam a Luísa Souza já bem conhecida, a BRABA, a MULHER DO ANO, provocadora e sensual. Essa apresentação mostra como a personagem criada pela artista se sustenta e é vista por parte do público. Apesar de todo o hate, a Dona Aranha continua a subir, numa pegada femme fatale. Contudo, o miolo do álbum nos revela uma Sonza apaixonada, romântica e que depende emocionalmente de um relacionamento. Curiosamente, é nesse bloco que se encontra Campo de Morango, a polêmica faixa em 150 BPM, que é, na verdade, a mais metafórica. Enquanto carrega uma letra extremamente explícita e frívola, faz referência à música Strawberry Fields Forever, dos The Beatles, que diz “nada é real (…)/ viver de olhos fechados é fácil/ não compreender o que você vê”. A canção seria, então, um sonho, no qual ela se boicota, contaminada com aquilo que o público projeta dela. 

Desde o lead single, Escândalo Íntimo é apresentado com um álbum visual. Junto de seu diretor criativo, Flávio Verne, Sonza buscou integrar no visual seus sonhos e a ludicidade, somados aos elementos das fazendas interioranas do Rio Grande do Sul, local no qual a artista cresceu. No terceiro bloco do disco, se faz presente uma estética de ‘fazenda dos pesadelos’, onde a gaúcha precisa vivenciar seus traumas e se reconhece em um relacionamento abusivo, seja com o parceiro ou parceira, com a mídia ou consigo mesma. Em músicas como Penhasco2 e Outra Vez, ela se despede da ‘cachorrinha artista pop’ e são revelados medos e inseguranças, mostrando que a imagem da ‘braba’ era pura encenação, uma fraude.

A última e quarta parte do álbum vem traduzida no alívio de conseguir sair da ansiedade e na libertação da expectativa alheia e autocobrança, como é cantado em Principalmente Me Sinto Arrasada, música estilo boneca russa que dá a sensação de haver várias dentro de uma só. Outro grande destaque é a faixa Lança Menina, uma clara referência e reverência a Rita Lee, em uma explosão de positividade e esperança, a qual muitos jovens artistas podem se identificar. Nessa última etapa, Sonza se enxerga e se apresenta como realmente é: nem boa, nem má, uma mulher que gosta de fazer música, suscetível a erros e acertos, que pode ser amada e odiada. 

Não acho que eu seja nem boa, nem má
Se todos caíram na minha laia
Falando a verdade, não me importa mais
Eu só faço o que todo mundo faz

Eu acho legal essa coisa de artista
E sei que não sou nenhuma especialista
Mas se me der um palco pra eu cantar
Desmonto e derrubo todo esse lugar

Ao fazer um paralelo de Escândalo Íntimo com DOCE 22, o último álbum da artista, vê-se como ela vem construindo uma trajetória coerente. No trabalho anterior, a cantora já havia mostrado ser capaz de sair da superficialidade das letras de Pandora e arriscar-se em melodias mais densas e pessoais. No novo lançamento, ela consolida ainda mais esse retrato e se lança em conceitos sonoros e visuais, preocupada em trazer uma narrativa coesa, que deveria dispensar grandes explicações. Com toda certeza, o álbum se torna um marco na carreira de Luísa Sonza, que adentra uma nova era, vivendo em um dos maiores momentos do pop nacional.

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Isabela Domingos 

Juras de um amor eterno e um pedido de casamento marcaram o lançamento de um dos casais mais queridos do mundo pop. Enquanto os fãs se decidiam entre Versace e Louis Vuitton para o matrimônio do ano, a notícia que ninguém esperava veio à tona: Rosalia e Rauw Alejandro se separaram. Para os filhos do divórcio, felizmente, restou um álbum impecável marcado pela mistura de estilos e vocais que definem o fim da era RR. 

Pouco mais de três anos depois do início do relacionamento, a intérprete de La Combi Versace se uniu ao então namorado e também cantor Alejandro para produzir um disco em conjunto como forma de celebrar sua união. Não à toa (muito menos por coincidência), o projeto conta com apenas três faixas, uma representação de fases do romance. Um ponto que impressiona na obra é a forma como eles harmonizam o estilo melancólico da cantora com o reggaeton dele: ainda é possível notar a presença do techno pop com batidas urbanas, elementos bem presentes nas últimas produções de ambos. 

RR é formado por duas peças que representam as iniciais dos cantores e ex-casal Rosalía e Rauw Alejandro. A primeira peça do ‘R’ não cansa de surpreender os fãs: sua última turnê mundial, intitulada Motomami, entregou lindas performances vocais, dança e figurinos únicos – e sua ligação com a moda vai além dos palcos. Por exemplo, a artista já soltou a voz além dos próprios shows, como durante o desfile da Louis Vuitton na Paris Fashion Week de 2023. Além de vê-la nos palcos, também passamos a presenciá-la nas prateleiras do mercado, graças a sua colaboração com a Coca-Cola. A edição limitada de Movement trouxe, além do novo sabor, uma campanha incrível que mistura elementos do último álbum dela, Motomami, ao som do single LLYLM, que já dava spoilers do projeto RR.

O outro ‘R’ do trabalho, Rauw Alejandro, iniciou sua turnê Saturno, que também é o terceiro disco do cantor – ao que parece, o número 3 tem um significado muito importante para o casal. O “astro do reggaeton moderno” representa a nova geração de cantores porto-riquenhos, que contam com grandes nomes, como Bad Bunny e Daddy Yankee. Uma de suas colaborações mais conhecidas, Te Felicito, é com a colombiana Shakira e juntos conquistaram o troféu Pop-Urban no Prêmio Lo Nuestro 2020. Assim como sua ex-noiva, ele também já ganhou o Grammy Latino como Melhor Álbum em 2023 e Melhor Álbum de Música Urbana por dois anos seguidos (2022 e 2023), além de várias nomeações como Canção do Ano, Gravação do Ano e Melhor Interpretação de Reggaeton. 

Em meio às correrias das turnês e dos lançamentos, Rosalía e Rauw Alejandro conseguiram se unir em um estúdio e entregaram conceito e aclamação em apenas três faixas (eles realmente gostam desse número). A forma como as canções misturam elementos característicos dos dois, como a voz melancólica flamenca da espanhola e o reggaeton animado de Alejandro, chama muita atenção. O álbum é uma combinação perfeita, mesmo não sendo inovadora – afinal todas as três canções seriam facilmente encontradas no álbum Motomami. Mesmo assim, o clipe de BESO bateu recordes assim que lançado.

O single é a cereja do bolo antes mesmo da receita pronta. A faixa BESO é uma verdadeira declaração de amor, cantando “Estar perto de você é uma paz” embalada por gravações feitas durante as viagens do casal, em que a cantora mostra o anel de compromisso com um diamante nada simplório. O fervor tomou conta das redes: o anúncio do noivado emocionou os fãs que acompanham o trabalho de ambos – para a infelicidade dos mesmos, o rompimento veio pouco mais de quatro meses após o lançamento. 

“Ela é de Barcelona, mas está em Carolina” marca os primeiros versos da faixa VAMPIROS, acompanhados de uma batida envolvente e animada no melhor estilo reggaeton. A letra deixa bem claro que eles não se importam com as opiniões alheias e sabem que combinam. As vozes mixadas ao fundo junto com as batidas de bateria abrilhantam ainda mais a música e é possível visualizar o casal dançando ao som de “Você sabe que essa noite nós perdemos o controle”.

No entanto, para quem conheceu a cantora na era El Mal Querer e estava sentindo falta do flamenco, a última faixa de RR traz os vocais melancólicos de Rosalía semelhantes aos de Sakura e Pienso En Tu Mira. Imersa em juras de amor – “Eu quero cantar e fazer um desenho para você” – PROMESA finaliza o trabalho com um espetáculo lírico repleto de dramaticidade, ecos e beats eletrônicos. Podemos dizer que a faixa é a mistura perfeita do clássico e pop que a rainha do catalã entrega com maestria em seus projetos.

Além das músicas, outro ponto de RR que chama muito atenção é a estética, que traz as letras R duplicadas e entrelaçadas na cor preta sob um fundo vermelho, simbolizando a união e amor que os artistas possuem um pelo outro. Tanto a capa das faixas quanto a página oficial segue o mesmo estilo do single LLYLM – letras finas como se fossem escritas por lápis.

Para os amantes de Rosalía e Rauw Alejandro, o álbum cumpre seu papel e conta o desenrolar do relacionamento da melhor forma possível, com a harmonia perfeita entre o reggaeton e o flamenco. O disco também é um ótimo ponto de partida para quem não conhece o trabalho de cada um deles e nos tira do eixo estadunidense. Com conceito, aclamação e muita declaração, o RR chegou com tudo. Infelizmente, a felicidade dos fãs durou pouco e a promessa de casamento foi por água abaixo. Felizmente, o projeto saiu antes e todos podem admirar essa obra do pop atual.

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