Henrique Marinhos

John Wick 4: Baba Yaga reflete e pode ser definido pelo seu subgênero neo-noir, em sua exploração das complexidades do ser humano, desde seus conflitos internos até sua moral ambígua no contemporâneo. Ainda que a subcategoria o descreva tão bem, a ação e o suspense se sobressaem em função de sua construção, tanto pela direção de Chad Stahelski, à atuação do veterano Keanu Reeves. Em contrapartida às motivações triangulares – de construção simples, capazes de suportar grandes tensões e únicas –, todo desenrolar da narrativa segue a busca do protagonista pela vingança de um passado e uma esperança destruídos em atos simplórios em sua prequela, que ocasionaram uma sequência de desestruturações de escala mundial, reais e fictícias.

O epílogo da saga, de quase três horas, passa a impressão de ser insuficiente para fãs da trama e excessivo aos não familiarizados. Com cenas de ação intensas e quase longas demais, o filme amarra as pontas soltas da narrativa – como fazem os assassinos de aluguel – e apresenta adições orgânicas que, felizmente, ainda carregam suas nuances individuais, independente de sua trajetória. 

Entre os novos personagens de Baba Yaga, se destacam Caine (Donnie Yen), um assassino cego da alta cúpula e velho amigo de John, que faz referência ao personagem Zatoichi da série de filmes japoneses de mesmo nome; Mr. Nobody (Shamier Anderson), um caçador de recompensas; e Akira, a filha de Shimazu Koji e concierge do Hotel Continental em Osaka, interpretada por Rina Sawayama. Sawayama foi selecionada para estrear no Cinema devido à exigência de coreografias da personagem, e suas produções XS e Bad Friend impressionaram Stahelski. O roteiro da obra também foi influenciado, segundo o roteirista Michael Finch, pelos clássicos de faroeste Era uma Vez no Oeste e O Bom, o Mau e o Feio; além dos das basilares perseguições cinematográficas feitas em Bullitt e Perseguidor Implacável.

Os diretores Chad Stahelski e David Leitch, ambos ex-dublês, trouxeram suas habilidades em artes marciais e experiência em cenas de ação para a franquia, criando sequências de luta que são consideradas algumas das melhores da história do Cinema de ação. No entanto, dessa vez apenas Stahelski continuou na direção. Assim, é fácil entender que John Wick 4: Baba Yaga não funciona sozinho. O longa é uma parte de um espaço ficcional maior e mais intrincado, cuidadosamente construído ao longo de três filmes anteriores, que inicialmente haviam sido programados para serem parte de uma pentalogia. Longe de uma pancadaria sem rumo, seu sucesso é um reflexo do trabalho anterior dos realizadores e atores envolvidos.

Bem aceita e tecnicamente impressionante, outro ponto certeiro é a fotografia, mais um trabalho primoroso entregue por Dan Laustsen, que estabelece quase uma imagética própria para cada um dos tantos países onde o filme é locado. O contraste de cenas diurnas com noturnas, bem iluminadas, constroem a atmosfera da narrativa e encaminham a um clímax ambientado pelo nascer do sol no Sacré-Cœur de Paris, que também oferece os cenários do Jardim de Luxemburgo, da Igreja de St. Eustache e da perseguição ao redor do Arco do Triunfo. A cidade das luzes ocasionou atrasos nas filmagens que se seguiram para a Alemanha, Nova York e Japão, encerrando as gravações em Outubro de 2022.

Desde sua proposta, talvez sem tantas pretensões, o desafio de como inovar em uma narrativa de ação sempre esteve à espreita, e como fechamento de uma saga principal, a superação dessa meta se tornou um dos focos da produção do último filme. Assim nasceu a cena do tiroteio no apartamento, uma das mais memoráveis da série. Filmada em uma tomada única com a câmera posicionada acima dos personagens, o take foi inspirada em uma sequência semelhante a de Hong Kong Massacre, um jogo lançado em 2019, que apresenta a ação de uma visão aérea. 

Como uma cena que faz valer por si só a ida ao cinema, a equipe de produção relata que se deparou com vários obstáculos em sua criação: desde a construção – em apenas um mês – de paredes altas o suficiente para a câmera seguir o personagem por uma escada e depois flutuar sobre sua perspectiva, até a coreografia de luta e tiroteio, que foi ensaiada exaustivamente pelos dublês antes das filmagens e seguida pelo uso de uma Spidercam acima do estúdio. 

O universo cinematográfico de John Wick é regido por uma sistema de leis único, repleto de regras e códigos de conduta estabelecidos nos filmes anteriores da franquia. O quarto lançamento segue os eventos de toda saga, na qual os coadjuvantes são tão relevantes quanto John Wick. A sequência já apresentou figuras marcantes como Winston, interpretado por Ian McShane, a adjudicadora (que define as regras) interpretada por Asia Kate Dillon, e Charon, interpretado por Lance Reddick.

A solidez e versatilidade de Reddick em seus papéis é uma característica que se reflete na criação de John Wick, que impressiona por ser uma junção harmoniosa de tantas facetas moldadas pelas circunstâncias do enredo. Principalmente, dentro de um gênero tão específico e característico como ação e suspense, não se limita a entreter, se destacando pela sua originalidade e complexidade.

Em seu mundo subterrâneo de assassinos profissionais, John Wick 4: Baba Yaga é inacreditavelmente composto por sequências de ação violentas e deslumbrantes, sobrepostas a uma mitologia impressionantemente construída e um profundo desenvolvimento da relação entre violência e moralidade, com destaque para a ambiguidade da justiça. Sem fôlego, é impossível que a série de filmes seja definida em poucas palavras ou com apenas em um tópico principal. A tentativa da descrição de sua composição cinematográfica em palavras sequer alcança a realidade da experiência criada pelo seu universo.

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Henrique Marinhos

Há três anos estreava a dualista primeira temporada de Hunters. Aos que conseguiram terminá-la, hoje podem apreciar o segundo – e maior – ato do enredo, desenvolvido por David Weil, Mark Bianculli, Nikki Toscano e David Rosen, que divide opiniões. Com um exímio elenco, a série traz Al Pacino de volta às telas, já que seu último papel em uma produção para televisão foi em 2003, em Angels in America. Agora, o ator interpreta Meyer Offerman, um líder de caçadores nazistas à procura de fechar as feridas deixadas pela Segunda Guerra Mundial.

Longa, lenta e detalhada, a obra constrói personalidades profundas cheias de motivações, histórias e nuances. Porém, apenas na segunda temporada a conexão entre essa profundidade e a narrativa deslumbra seu público. Como acontece em um filme de origem, a morte da avó de Jonah Heidelbaum (Logan Lerman) é o ponto de ignição que incentiva o jovem da primeira geração pós-guerra a procurar o assassino que tirou a única família conhecida por ele. Infelizmente, o desenrolar do roteiro apresenta uma transição gradativa e confusa para relacionar as motivações pessoais à causa maior, mas, aos quarenta e cinco do segundo tempo, as lacunas se complementam esplendorosamente.

Produzida por Jordan Peele, a série desenvolve elementos que percorrem uma linha tênue entre o encaixe perfeito de peças totalmente diferentes e o completo caos. Assim, ela permanece intacta do começo ao fim, desde a fotografia  saturada, assinada por John Lindley Asc, em referência direta a Bastardos Inglórios, até a ambientação da época, por Toscano e Weil, que, ironicamente, remete aos filmes de ação protagonizados por Al Pacino na década de 1970. 

A apresentação da série como dualista – ou até multifacetada – não se dá somente por quesitos técnicos. A coexistência do teor reacionário em que a temática ficcional trabalha e a realidade na qual se baseia também é um ingrediente capaz de refletir questões sociais complexas nas quais a arte está inserida. O Museu de Auschwitz, por exemplo, criticou a criação de um tabuleiro de xadrez humano representado na obra após o lançamento e popularização do episódio, mencionando que honram as vítimas preservando a precisão factual e inventar um falso jogo não é apenas uma “tolice perigosa e uma caricatura, mas também dá boas-vindas aos futuros negacionistas”.

Ainda que o criador descreva Hunters como “uma carta de amor à sua avó materna”, a polêmica difundida pelo Museu gerou diversas divergências entre o público. Mesmo assim, não é possível negar que a expressão de determinadas cenas e construções – ainda que fictícias – transgride e minimiza diretamente os pilares da resistência construídos pelos sobreviventes do Holocausto em memória à identidade judaica.

Ainda com as problemáticas bem expressas e válidas, a obra provoca uma imersão desde o começo, sendo possível elaborar um quadro de pistas com todas as conexões e pontos centrais da trama. A série trabalha com reviravoltas constantes e coesas, refletidas em uma cadeia de objetivos. descritos por Joshua Rivera, do The Verge, como “uma lembrança angustiante do sofrimento do Holocausto, uma fantasia de vingança satisfatória, uma peça de época sensacional e uma comédia de humor ácido”. Tudo isso é representado e introduzido de um jeito caótico pelo primeiro teaser da produção, exibido no SuperBowl 2020.

A temática não se restringe a fatos documentais e tampouco a ficções distantes e questões reflexivas. Desde o simples fato de existir, Hunters tenta seguir uma onda de lançamentos de obras históricas que criticam o retrocesso com a recente alta da extrema-direita na mídia, o neofascismo em instituições governamentais e os discursos de ódio. Mas sua referência não é tão bem integrada quanto seus aspectos técnicos e roteiro. Críticas por críticas não promovem reflexão. Além de tudo, sua referenciação histórica é rasa e não desenvolvida, e está entre a lembrança do Holocausto e uma fantasia corajosa.

Por si só, a obra indiscutivelmente apresenta um âmago curioso, imprevisível e ainda instigante. Seja pela produção de Peele, produtor de Corra e Não! Não Olhe!; pelo elenco hipnotizante com Lerman, Pacino, Tiffany Boone, Jennifer Jason Leigh e muitos outros caçando nazistas – o que poderia ter dado errado? -; ou pela estonteante fotografia e direção de câmera. Mas, acima de tudo, pela imprevisibilidade de um roteiro coeso e bem construído.

O penúltimo episódio da temporada performa tudo aquilo que a produção poderia ser: majestosa, intensa, angustiante e representativa. O grande acerto de Hunters foi entregue em seu sétimo episódio, The Home, com performances, cenários e um roteiro de invejar longas-metragens durantes seus hipnotizantes 40 minutos. As referências sutis, em que cada cena aparenta ser milimetricamente pensada, o transformaram em um quebra-cabeças de mil peças, em que mesmo a satisfação provocada por concluí-lo é seguida pela tristeza da imagem formada e da história contada.

Ao fim, o segundo ano se resume a um desenvolvimento inicial clichê, mas capaz de preencher todos os requisitos de uma boa série que reúne a turma na última temporada – agora, com um objetivo maior deixando todo seu desenvolvimento cada vez mais imprevisível. Caminhando para seu encerramento programado, a obra não poderia abrir brechas para quaisquer pontas soltas e seu público sabe disso. Se tratando de uma temática de época, cabe ao contemporâneo refletir sobre o que a história pode nos ajudar a prevenir.

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Nathalia Tetzner e Thuani Barbosa

Inspirada no mangá de mesmo nome, Alice in Borderland retorna ainda mais brutal em sua 2ª temporada. Dirigida por Shinsuke Sato, a trama persegue os protagonistas Ryōhei Arisu (Kento Yamazaki) e Yuzuha Usagi (Tao Tsuchiya) em uma Tóquio apocalíptica e repleta de jogos mortais, criados a partir dos naipes de Reis e Rainhas de um jogo de mesa. A criatividade para executar a sequência dos desafios é surpreendente, além de muito fiel à obra original, agregando valor sentimental para os fãs que acompanham a saga dessa Alice distópica. Sem medo de jogar com quem assiste, a série da Netflix bagunça o baralho e guarda uma carta na manga. 

Se em 2020, ano em que a produção do estúdio japonês Robot Communications Inc. foi lançada, o público enxergou um grupo de personagens extremamente imaturos, confusos e perdidos, ao final de 2022, o desenvolvimento proporcionado pela vivência em meio ao caos desse universo distópico se tornou perceptível. No ápice da violência física e emocional do enredo, as atuações do elenco florescem como nunca antes visto e a assinatura caricata quase inata da Televisão asiática traz uma incoerente harmonia com a composição cinematográfica de Taro Kawazu.

Como toda sequência de produções originais, a comparação entre os diferentes formatos é inevitável, mas Alice in Borderland já está acostumada com suas adaptações do mangá para o anime e do anime para a série. Se nos quadrinhos japoneses as ilustrações adotam linhas cruas, o plano bidimensional da animação permite uma continuidade excepcional e, por fim, o live action consegue parcialmente unir tais qualidades.

Porém, tratando-se da transição de uma temporada para outra, o seriado trabalhou muito bem as mudanças, que conseguem ser perceptíveis e sofisticadas ao mesmo tempo. Em 2022, o roteiro flui com maior agilidade graças ao desenvolvimento do enredo, enquanto o tom adquire uma obscuridade que parece querer acabar com qualquer esperança de um final feliz. Os jogos mantiveram seu respeito pelos naipes, porém todos se tornaram mais psicológicos, moralistas e suscetíveis à manipulação do coração.

Pelo fato de se tratar da segunda e última temporada, a série da Netflix finalmente procura revelar a estrutura detrás desse mundo nefasto e desconhecido tanto pelos aprisionados na destruição quanto por quem assiste no conforto do sofá de casa. Uma das principais surpresas descobertas pelo protagonista Arisu é a diferenciação entre pessoas como ele, meros jogadores, e os criadores dos jogos, representantes dos naipes e classificados como cidadãos da cidade de Tóquio.

Responsáveis pela agonia das personagens e pela satisfação dos espectadores, os jogos brutais são, desta vez, exclusivamente elaborados pelos reis e rainhas do baralho, o que significa que as mortes nunca foram tão sangrentas, repugnantes e, ainda, constantes. Afinal, a presença do mercenário Rei de Espadas atirando a quase todo minuto chega a ser traumatizante até para quem está do outro lado da tela.

O romance entre Arisu e Usagi começa a ser desenvolvido ainda na primeira temporada, de um jeito costumeiro dos dramas asiáticos, ou seja, com muita sutileza e atenção aos pequenos detalhes, como respirações pesadas ao conversar, longos olhares e um bom jogo de câmera. Porém, é na continuação que esse affair se desenvolve, carregado de dúvidas e cumplicidade que beiram um amor adolescente, entregando momentos sensíveis mesmo em um universo tão mortal. 

O manejo dessas duas sensações é muito bem feito pela direção de Shinsuke Sato e pelo roteiro escrito junto a Yoshiki Watabe e Yasuko Kuramitsu, que conseguem colocar delicadeza e choque na mesma obra, sem que uma machuque a outra. A cena em que o casal se banha em águas termais no meio de destroços e são surpreendidos por elefantes é o exemplo de um timing bem feito: mesmo em um ambiente desfavorável para que o amor aconteça, o menos esperado se revela cativante.

Derivado do mangá do artista Haro Aso, a produção audiovisual é fiel às características dos quadrinhos, seja no comportamento das personagens ou nas cenas dramatizadas. Shuntarō Chishiya (Nijirō Murakami), um dos coadjuvantes, exala a personalidade de anti-herói costumeira de alguns animes: silencioso, observador e insensível, de um jeito atrativo que chega a ser justificável; tal qual Itachi Uchiha, de Naruto. 

Em contrapartida, é interessante ver a forma que a adaptação se desvencilhou do exibicionismo sexual recorrente desse gênero. Mesmo que o uso de biquínis e shorts por Hikari Kuina (Aya Asahina) e Ann Rizuna (Ayaka Miyoshi) ainda seja incoerente para a narrativa, não se equipara à sexualização corriqueira dos desenhos asiáticos. 

Em evidência na 2ª temporada, os distintos passados dos criadores dos jogos, os fatídicos cidadãos de Tóquio, trazem profundidade para os oito episódios inéditos de Alice in Borderland. Ainda que os jogos sejam divididos em naipes, nos quais as Espadas significam a exigência física, Paus necessita da união em equipe e Ouros clame por inteligência, todos parecem ter em comum a carga emocional de uma partida de Copas.

Em especial, o terceiro e sexto capítulos atingem o primor da sensibilidade do audiovisual. Neles, o imponente e confiante Rei de Paus se revela um vocalista movido pelo laço com os amigos de sua banda e, igualmente a flor-da-pele, o Rei de Ouros ensina sobre o valor da vida para Chishiya, finalmente se libertando de erros nostálgicos. 

Não recomendada para menores de 16 anos, a série da Netflix coloca em cena enormes explosões, ferimentos expostos e embates grotescos pela sobrevivência. Frente a este desafio, a equipe de caracterização e maquiagem faz um trabalho surpreendente ao conseguir trajar o realismo com fidelidade; afinal, são muitas as personagens que nasceram após horas na cadeira do camarim. 

Entre elas, o irritante e completamente desfigurado após a primeira temporada, Suguru Niragi (Dori Sakurada), renasce do fogo e está de volta para provocar o nojo e o ódio. Já Morizono Aguni (Sho Aoyagi), também retorna com rancor em excesso, mas acompanhado de Heiya (Yuri Tsunematsu), a jovem arqueira que precisou ter a perna amputada e a quem ele protege com todo o seu coração de gigante.

Dividindo opiniões e separando os espectadores em fãs e haters, a cena final, diferente de tudo que foi mostrado ao longo de duas temporadas, não tem nada de mirabolante, deixando uma série que percorreu um caminho cheio de plot twists, com um final comum até demais. O que pode parecer um problema, acaba sendo o preço pela fidelidade da adaptação ao final do mangá, que o mantém idêntico ao produzido por Aso. 

Repleto das referências mais óbvias a Alice no País das Maravilhas o jogo de críquete, as rosas brancas e a risadinha cínica da Rainha de Copas aumentam a animosidade para as últimas cenas que levam a atriz Riisa Naka ao melhor de sua atuação. Além de Arisu, a Rainha de Copas é a referência mais óbvia ao clássico de Lewis Carroll: manipuladora e bem humorada, a vilã consegue ser a favorita de muitos.

“Vida, vida, vida, que seja do jeito que for“. Inesperadamente, a canção Maravida de Gonzaguinha poderia facilmente ser a inspiração para as salas de jogos dessa temporada. Adicionando aprofundamentos morais baseados em suas trajetórias antes dos jogos, os reis, valetes e rainhas carregam algo em comum: os questionamentos sobre o valor da vida. Mesmo que rodeados pela morte, a vivência de cada um carrega significados profundos.

Sutilmente mostrado na primeira temporada com o exemplo de Chapeleiro e Aguni, os ideais sobre ela são reforçados por cada representante de jogo; carregando suas próprias peculiaridades, mas com a mesma intenção, mostrar o quão preciosa e o quanto precisa-se de fidelidade a si mesmo para conhecer sua jornada, dando a Arisu a lição mais valiosa da temporada. E quanto a você, já descobriu sua própria razão de viver?

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Caio Machado

O Cinema é capaz de mostrar mundos fantasiosos, realidades alternativas, novas perspectivas de grupos marginalizados da sociedade… As possibilidades são infinitas. No caso de Leonor Jamais Morrerá, produção filipina que faz parte da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, a Sétima Arte é utilizada como meio de reconciliação entre mãe e filho. 

Na trama, Leonor Reyes (Sheila Francisco) já foi uma figura consagrada do cinema de ação filipino, responsável pela criação de uma série de filmes de sucesso, mas agora sua família sofre com dificuldades para pagar as contas. Após ver o anúncio de um concurso de roteiros no jornal, ela decide continuar um esboço inacabado sobre a jornada de Ronwaldo (Rocky Salumbides), que busca vingança pelo assassinato de seu irmão. Enquanto a imaginação ajuda Leonor a escapar das dificuldades da vida real, um acidente envolvendo a queda de uma televisão a deixa em coma, transportando-a para dentro da obra inacabada. Agora, ela pode descobrir o melhor final para a história.  

O longa da estreante Martika Ramirez Escobar parte de uma abordagem cotidiana tão próxima do documentário para estabelecer a rotina de Leonor e seu filho, Rudi (Bong Cabrera), que não torna difícil se perguntar se aquelas pessoas exibidas em frente às câmeras existem mesmo ou estão interpretando personagens. O carteiro entrega a conta atrasada, Leonor canta enquanto cozinha, Rudi conversa com alguém ao telefone sobre seu desejo de sair de casa e a câmera de Martika capta tudo isso sem denunciar que está lá, estática. Desde o início, a fronteira entre realidade e ficção é quase inexistente. 

Em meio aos atritos de Rudi e Leonor, a tentativa de um homem para se eleger como líder comunitário e uma criança que vende DVDs piratas em uma banca, o Cinema está sempre presente, mais especificamente o de ação. O olhar sensível da cineasta mostra o poder que a arte tem para dar vazão à criatividade, ajudar na conexão com um ente querido e provocar sentimentos intensos em uma pessoa ou em multidões. De forma bem-humorada e emotiva, o longa reconhece que um filme nunca é “só” um filme. É algo trabalhoso, envolvendo muitas pessoas e, por ser uma atividade profundamente humana, é capaz de mexer com questões internas de um indivíduo, como o luto pela morte trágica de um filho. 

Leonor Jamais Morrerá se destaca por mergulhar na própria metalinguagem cada vez mais, depois que Leonor entra em coma. Até então, o longa mantinha os pés no chão, com um clima fácil de ser confundido com a realidade. Depois, a obra se liberta das amarras do convencional e se permite experimentar. Em dado momento, próximo do fim do filme, há três linhas narrativas: a de Rudi, no hospital, aguardando a mãe acordar do coma; a de Leonor, inserida em sua jornada como heroína dentro do produto de ação; e a de uma criança que possui o DVD do filme em que Leonor está inserida e assiste-o na TV. O espectador assiste a um longa-metragem, que possui outro dentro dele, enquanto um personagem também assiste a esse segundo. Se pareceu confuso, é porque realmente é. Tentar refletir sobre isso é um convite para se perder ainda mais no raciocínio e a produção sabe disso, convidando o público a aceitar e embarcar nessa reta final explosiva e sentimental.

Como fechar uma obra assim, tão imersa no próprio mundo? É difícil. A própria diretora faz uma pausa para refletir. O caminho optado é o da alegria e é impossível não terminar Leonor Jamais Morrerá com um sorriso no rosto, assim como a protagonista. A produção filipina, apesar de um pouco confusa, vale a pena de ser vista por apresentar um exercício inovador de metalinguagem, testando os limites entre real e ficcional. Com bom humor e sinceridade, a película mostra como a Sétima Arte mexe com cada ser humano, desde a infância à velhice, e serve como uma poderosa forma de conexão com outras pessoas. É um belo e mágico trabalho de estreia de Martika Ramirez Escobar. 

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Bruno Mael

Desde sua estreia como cineasta em 1995, o cineasta Michael Bay tem a ação junto a uma certa dose de niilismo como grandes marcas do seu trabalho. Premiado diretor de comerciais e videoclipes, Bay funde o apelo visual e a iconografia americana de seu predecessor Tony Scott, com o niilismo e antipatia de seu sucessor Zack Snyder, em filmes de ação saturados e apelativos que pouco se importam de fato com seus personagens. Talvez seja por isso que o americano se encontrou nos robôs da franquia Transformers, literais dispositivos de ação e frases de efeito, que a cada filme tinham mais tempo de tela e davam menos valor à vida humana.

Nessa perspectiva, Ambulância – Um Dia de Crime é quase uma antítese a essas características típicas do diretor, se opondo ao auge de sua antipatia em Sem Dor, Sem Ganho (2013), mesmo que também tenha a falência do sonho americano como tema. Na trama, o veterano Will Sharp (Yahya Abdul-Mateen II), fica desesperado para pagar as contas médicas de sua esposa e pede ajuda de seu irmão adotivo, o criminoso e carismático Danny (Jake Gyllenhaal), que propõe um grande assalto a banco. Porém, quando a fuga dos irmãos dá espetacularmente errado, Will e Danny sequestram uma ambulância com um policial ferido e a paramédica Cam Thompson (Eiza González) a bordo.

A partir dessa proposta, o filme segue a fuga interminável da ambulância pelas ruas de Los Angeles, repleto de cenas filmadas com drones como a grande novidade técnica. Se antes Bay não pedia para o público empatizar com mais de 2 ou 3 personagens, enquanto matava os outros ou os fazia de piada, agora o diretor tenta fazer o espectador tomar as dores de variadas pessoas envolvidas na perseguição do longa. Parte da responsabilidade nesse âmbito é do roteirista Chris Fedak, que tem em seu histórico produções simpáticas como as séries Chuck e Lendas do Amanhã.

No trio principal, Will tem o drama de sua esposa como força motriz e ponto de empatia com o público, enquanto Danny tem sua relação com o irmão e Cam tem dificuldade em se conectar — agindo quase como um metacomentário sobre os universos do diretor. Mesmo fora da Ambulância, os policiais e autoridades de Los Angeles, apesar de alvos de algumas piadas, também tem suas vidas pessoais expostas o suficiente para o público se importar minimamente. Em uma narrativa que se inicia tentando borrar a linha entre certo e errado, Bay nos convida a se importar e sentir junto a uma grande gama de personagens, desde os protagonistas, passando pelas autoridades e chegando até mesmo ao cartel que encomenda o roubo.

A tentativa, exposta no roteiro e na dramaticidade do diretor ao introduzir os personagens, se mostra necessária agora que o filme trata menos de ação, e mais de tensão. Em entrevistas, Bay destaca a troca do foco em ação e explosões, por uma tentativa de construir e manter a tensão dos assaltos e perseguições, o que também transparece nas referências feitas ao filme Heat: Fogo Contra Fogo. Apesar de igualmente acompanhar assaltantes de banco sob pressão em Los Angeles, Ambulance acaba sendo mais inchado e exagerado do que sua contraparte de 1995, ou do que a produção dinamarquesa homônima que inspirou o roteiro do longa.

Esse inchaço aparece com clareza no terço final do filme, onde o diretor parece se cansar do thriller que construiu até então. Bay troca o possível catarse do fim da perseguição, por paradas com setpieces de tiroteios e explosões. Ironicamente, visto que Will e Danny chegam a repetir a frase “Nós não paramos” como um mantra. Ainda assim, os montadores Doug Brandt, Pietro Scalia e Calvin Wimmer trabalham arduamente para tentar manter o estresse e a inquietação do longa, contribuindo muito para o thriller de perseguição proposto.

Nesses momentos, se torna claro como os atores contribuem muito para a imersão do longa. Yahya Abdul-Mateen II traz todo o drama e seriedade necessários para levar a sério a trama, enquanto Jake Gyllenhaal carrega carisma e exageros para seu personagem instável, que, a exemplo de atores como John Turturro e Nicholas Cage, brilha ao casar perfeitamente com o mundo saturado do diretor. Toda o estresse em que esses personagens são inseridos acaba servindo para revelar arquétipos em meio a crise, tanto na vilania do instável Danny, quanto no heroísmo de Will e especialmente de Cam, que Eiza González interpreta com uma dose necessária de estoicismo, enquanto Bay a trata com a reverência e exaltação que costuma dar aos “trabalhadores braçais”.

Apesar do peso negativo das paradas no ritmo, que devem cansar o espectador, os minutos finais encerram o longa-metragem de forma tensa, dramática e catártica. Mesmo que falho em parte de sua execução, Ambulância – Um Dia de Crime ainda é o melhor filme do diretor em alguns anos, surpreendentemente também é um de seus projetos menos caros, e uma boa opção de entretenimento. Resta agora saber se o futuro de Michael Bay continuará em projetos menores fora dos blockbusters, ou de volta aos projetos explosivos, custosos e saturados. 

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A protagonista Grace (Samara Weaving) é uma jovem que, após se casar com Alex Le Domas (Mark O’Brien), inocentemente aceita participar de um jogo que faz parte da tradição da família do marido (que, aparentemente, tem sua fortuna voltada aos jogos). Visando, principalmente, aprovação dos novos parentes, visto que a maioria destes não gostaram da união dos dois por ela não ter o mesmo poder aquisitivo, Grace tira a carta da má sorte (Hide And Seek) e é obrigada a jogar uma partida de esconde-esconde, que até então não tinha conhecimento do quão mortal se tornaria. 

O jogo se inicia ao som de uma música bizarra (que se encaixa perfeitamente) com a letra e o ritmo com sentidos ambíguos, transitando entre uma brincadeira normal e uma ameaça, sendo tocada através de uma vitrola e ecoando à casa toda. Cria-se, então, um momento icônico onde frames vão se intercalando para montar uma cena que mostra a nova integrante da família se escondendo sem entender o real perigo, e os Le Domas que vão se armando para a caçada literal e obstruindo toda possível saída da casa; enquanto Alex vai se desolando com a morte iminente de sua recém esposa.

Logo após esse acerto na produção, não demora para que os erros comecem. As relações entre o elenco vão sendo construídas ao longo do filme, o que na maioria das vezes acontece de forma sucinta e funcional, porém, existem algumas exceções que não possuem um embasamento e acontecem por acontecer, com cenas que tão pouco acrescentariam algo à produção. Algumas piadas vão perdendo o timing e as mortes vão acontecendo e sendo tratadas de maneira não danosa , até mesmo, sem importância.

Aos poucos, o telespectador passa a entender que os perigos trazidos por quem de fato deveria caçar Grace, são dos menores. Tal qual o momento em que uma das crianças sobrinhas dela (que teoricamente não deveriam participar, tanto que as colocaram para dormir) é responsável por dar um tiro em sua mão, sem ao menos os que deveriam estar fazendo isso saberem onde ela estava escondida. O mesmo acontece quando o mordomo da família persegue e chega mais perto de capturar a noiva do que os demais, sendo os dois protagonistas das principais agressões feitas a ela.

Isso é demonstrado também quando membros dos Le Domas, que seriam caçadores, a ajudam a escapar em vários momentos. Como Alex, que destranca o sistema de segurança para que ela saia da mansão e seu irmão Daniel (Adam Brody), que possui a segunda melhor construção (perdendo apenas para a protagonista) e até redenção de erros antigos. Em dadas ocasiões, ele encontra a heroína e a deixa fugir livremente, envenenando temporariamente seus próprios entes nada queridos e levando parte dos créditos pelo desdobramento final. 

Mas por que os outros membros da família Le Domas não estarem realmente engajados é um erro? Ao longo de Casamento Sangrento, descobrimos que, na realidade, a fortuna deles vêm de um pacto demoníaco firmado pelas gerações anteriores e que esses jogos funcionavam como sacrifícios para que estes continuassem a ter prosperidade nos negócios. E o principal: se caso não realizassem o objetivo (que, no caso dessa carta, era dissipar a vida da noiva antes do amanhecer) estes morreriam, portanto, não é crível o pouco empenho, observando principalmente que estes foram gananciosos a ponto de comprometerem suas vidas em troca de sucesso financeiro em outra oportunidade. 

No papel principal, Samara Weaving, que já era conhecida por seu trabalho em A Babá (2017), entrega uma atuação maravilhosa e carismática. Sua personagem se desenvolve a cada situação, indo de inocente e enganada pelo próprio marido (que sabia da tradição, do risco de que ela retirasse a carta e, mesmo assim, se casou sem ao menos avisar sobre tudo) à determinada a sobreviver a qualquer custo, incluindo matar. Weaving entrega tudo isso com maestria, dando enfoque às emoções e transmitindo-as muito bem ao público, criando uma empatia e sentimento de torcida pela vitória de Grace. 

Uma outra menção honrosa vai para toda a construção gráfica do longa. Desde a escolha dos cenários e as paletas de cores que combinam bastante com o objetivo central de cada momento e dando dicas sobre o desenrolar dos acontecimentos, que vão se apagando e tornando violentos conforme o filme vai ficando mais tenso, voltando a clarear lá pelo fim. Como a sala de jogos, que já apresentava elementos cheios de referências a caçadas, com armas e animais empalhados, antes mesmo da revelação de como o jogo iria funcionar.  Até os detalhes da maquiagem, conseguem enriquecer minuciosamente a trama, que ironicamente deixam a personagem principal mais suja ao ponto que ela vai chegando mais perto de vencer.   

A direção ficou na responsabilidade de Tyler Gillett e Matt Bettinelli-Olpin, que fazem um trabalho no mínimo competente. Eles já haviam trabalhado juntos em outras 4 produções, com destaque para O Herdeiro do Diabo (2014) e V/H/S (2012), ambas pertencentes também ao gênero Terror/Horror. Com o sucesso ocasionado, a dupla assinou outros filmes conjuntamente, e inclusive está encarregada do quinto filme da franquia Pânico, que será lançado em janeiro de 2022. 

O final de Ready or Not é um dos pontos altos do filme, trazendo uma traição anunciada desde o início, mas que precisa acontecer de fato para que se perceba e amarre bem toda a sequência de fatos, com o bônus de deixar o espectador e as próprias personagens um tanto quanto surpresos e reflexivos por alguns segundos. Vale ressaltar também que se trata de uma conclusão bem gráfica, com direito a muito gore. 

Entre pontos positivos (visual gráfico, atuação da protagonista e timings muitas vezes assertivos) e negativos, Casamento Sangrento prende durante seus 95 minutos que passam rapidamente e consegue se manter relevante (ainda mais durante a Spooky Season trazida pelo mês de outubro). Por fim, o filme revela ser um bom entretenimento momentâneo, sendo uma boa dica principalmente aos amantes de Horror cômico.

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Caio Machado

Xadrez é um dos jogos de tabuleiro mais antigos de todos os tempos. Caracterizado pela estratégia e controle, é um elemento temático importantíssimo em Sem Remorso, filme lançado diretamente no Amazon Prime Video e baseado no romance homônimo de Tom Clancy lançado em 1993. Na trama, o fuzileiro naval John Kelly (Michael B. Jordan) se vê em meio a uma grande conspiração internacional enquanto busca vingança pelo assassinato de sua esposa, Pam (Lauren London).

Em Sem Remorso, o diretor Stefano Sollima nos convida a participar de um jogo inquietante, sobre o qual temos tão poucas informações quanto o protagonista. Observamos tudo com o olhar desconfiado de John Kelly e só descobrimos algo quando ele também descobre. Por isso, cenas como as conversas com os agentes do governo, Clay (Guy Pearce) e Ritter (Toby Kebbell), sempre carregam um ar de suspeita que se reflete tanto na postura rígida dos atores quanto na impessoalidade dos escritórios e salas de reuniões. O clima desconfortável realça o quanto aqueles personagens carregam segredos que não virão à superfície com facilidade.

Toda essa raiva sentida pelo protagonista explode como uma bomba nas cenas de ação. O diretor trata os cenários dos confrontos como um amplo tabuleiro, posicionando Michael B. Jordan na linha de frente para que ele possa dar tudo de si. Vê-lo agir, tão solitário e conflituoso enquanto passa por cima de vários inimigos em seu caminho, confirma o que outros filmes, como Creed, já diziam: ele é perfeito para papéis do gênero.

A violência causada pelo protagonista é trabalhada num ritmo mecânico, de ataque e defesa bem demarcados, que assusta por causa de seu tom rotineiro. A movimentação calculada dos atores expõe o quanto a brutalidade torna-se comum quando se é treinado para matar a serviço de um governo que não vê os soldados como pessoas. Eles são como máquinas que defendem um ideal norte-americano de “liberdade”, inserido em suas cabeças à força e que não deve ser questionado de jeito nenhum. 

O roteiro de Will Staples e Taylor Sheridan aproveita um diálogo no qual o personagem principal está desiludido para contestar essa lavagem cerebral e a própria reputação do governo, culminando num final em que um personagem confirma que as instituições norte-americanas trabalham para favorecer os mais ricos, em detrimento do cidadão comum. Além disso, tenta comentar sobre a polarização política nos Estados Unidos e o poder que as ideologias exercem nas pessoas, mas não é nada aprofundado e dura somente um diálogo.

A sensação é a de que, por serem assuntos extensos (e até polêmicos), Sem Remorso opta pela saída mais fácil ao despejá-los num clássico desabafo de vilão, para serem esquecidos e não discutidos como deveriam. Dessa forma, faz chacota de assuntos sérios para evitar controvérsias. 

O mais triste é passar por tudo isso para, na última cena, o filme abandonar as críticas ao sistema e fazer as pazes com ele. Por que um homem, que agora se assemelha mais a um robô, voltaria a ter relações com uma estrutura de poder que tirou tudo dele, até mesmo sua própria identidade? Não se sabe. Talvez isso seja respondido numa eventual continuação, junto com outras questões deixadas pela reviravolta em seu clímax tão catártico e explosivo. 

Assim, Sem Remorso funciona como um tenso jogo de xadrez político no qual o protagonista atua como um peão que desvenda os podres da política internacional norte-americana. Tropeça ao tentar fazer comentários sociopolíticos, mas entrega confrontos crus e brutais, nos quais a ação de seus atores expressa o processo de desumanização pelo qual os soldados estadunidenses são obrigados a passar para que consigam voltar vivos para casa. Fazer o espectador acompanhar isso é muito mais doloroso do que qualquer cena de violência explícita. 

Sua contradição na última cena é decepcionante, claro, mas isso já era esperado de uma produção de um país conhecido pelo imperialismo como os Estados Unidos. No entanto, só de ser um filme de ação disposto a ser um pouco mais crítico e consciente das próprias atitudes já o destaca perante outras obras do gênero lançadas recentemente.

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Ana Beatriz Rodrigues

Diferentemente de modelo, ser uma miss vai além de desfiles em passarelas e ensaios fotográficos. A miss é responsável por representar sua cidade, estado ou país em uma competição. Ela precisa ser carismática e possuir um talento que impressione os jurados, e, além disso, é necessário seguir os terríveis padrões de beleza impostos pela sociedade. Em 2001, Sandra Bullock confirmou essas características em Miss Simpatia, filme roteirizado por Marc Lawrence. Nesse ano, a obra completa 20 anos e não poderia deixar de ser esquecida. Misturando ação e comédia, o filme que embalou muitas Sessões da Tarde explora esses concursos enquanto se desenrola um mistério envolvendo o Miss Estados Unidos. 

O FBI investiga um possível atentado na maior competição de Miss nos EUA. Preocupados e com intenção de prender o culpado por isso, eles precisam se infiltrar para estudar o caso de perto. Para isso, eles escolhem a agente Gracie Hart, interpretada por Sandra Bullock, para se passar pela candidata do estado de Nova Jersey na competição. Só que Gracie não se comporta do jeito que o concurso pede. O resto da equipe não acreditava no seu potencial de se transformar de maneira tão rápida e ela surpreendeu deixando todos de boca aberta. 

Histórias em que as mulheres precisam se transformar para chegar em algum objetivo ainda são comuns. Muitas crianças cresceram acompanhando séries e filmes em que a protagonista mudava completamente seu visual para conquistar o mocinho ou algum sonho. Um dos nomes mais comuns que retratam essa narrativa é O Diário da Princesa, o filme que mostra a garota Mia de 15 anos que passava por uma transformação radical para se tornar princesa do seu país. Ela abandona seus óculos e alisa seu cabelo para essa nova fase.  

Esse discurso é extremamente perigoso para a formação de garotas na nossa sociedade. E a não correspondência com os padrões pode trazer consequências em diversos setores na vida do público. É, mais uma vez, o papel da Arte transmitir uma mensagem que seja saudável. Miss Simpatia possui alguns deslizes, mas não podemos assistir filmes mais antigos com um olhar anacrônico. Além do mais, a obra também coloca uma mulher em uma posição conhecida por ser ocupada majoritariamente por homens e isso também é importante. 

Apesar desses defeitos, o filme é bom de assistir e traz conforto por fazer parte da vida de muitas pessoas. O efeito nostálgico ao acompanhar as quase duas horas do longa é significativo. O romance típico dos anos 2000 também é ponto importante de Miss Congeniality. O diretor Donald Petrie também é responsável por Como Perder um Homem em 10 Dias. Amigos do trabalho que se implicam, mas na verdade se amam, é uma história comum porém agradável para uma obra como esse. E o toque que incorpora ainda mais o longa é a trilha sonora. Com Dancing Queen e One In a Million, o filme se torna uma obra perfeita do início do milênio. 

A protagonista vai além de sua beleza no concurso e mostra ser uma mulher engraçada e inteligente. Ela ainda descobre o verdadeiro suspeito pelo atentado e encerra o caso com um plot twist que até hoje pode surpreender o público. Infelizmente, seu talento tocando copos com água não foi capaz de conquistar os jurados e ela não se tornou a Miss dos Estados Unidos. Porém, Gracie Hart conquistou o coração de todos do concurso e se tornou a Miss Simpatia. Ela conseguiu cativar todos no filme e aqueles que assistiram a obra. 

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Em 11 de abril de 2019, Hellblade: Senua’s Sacrifice foi lançado para o Nintendo Switch, marcando a chegada de um dos jogos mais revolucionários da atual geração para o último console que faltava. Lançado para PC e PlayStation 4 em agosto de 2017, e posteriormente para o Xbox One em 2018, Hellblade se propôs a entregar uma experiência single player de apenas algumas horas e com pouco valor de rejogabilidade, custando apenas metade do preço de um grande lançamento.

Mais do que isso, Hellblade marca uma mudança fundamental no desenvolvimento de jogos digitais, pois entrega uma experiência que não pede ao jogador que se divirta ou que esqueça o mundo a sua volta, mas que antes escute: escute sua protagonista, escute as vozes na cabeça dela e escute a si mesmo, no final das contas.

Quando o jogador inicia Hellblade: Senua’s Sacrifice pela primeira vez, ele acha que sabe exatamente o que esperar. Após ter visto alguns dos trailers lançados até então e um gameplay simples de 10 minutos, alguns dos diários de desenvolvimento publicados no YouTube, ele acha que o jogo será uma narrativa linear que, com sorte, vai explorar a psicose de sua protagonista de alguma maneira narrativa nova e interessante. Por um lado, o jogador não está enganado, mas por outro – ele não faz ideia do que o espera.

Hellblade não usa a psicose de Senua apenas como um adereço narrativo ou como um artifício barato, mas sim como uma mecânica conceitual aplicada em cada aspecto de seu design.

O primeiro nome que aparece nos créditos iniciais é o de Paul Fletcher, creditado como Mental Health Advisor (Consultor de Saúde Mental), seguido por Elizabeth Ashman Rowe, Historical Advisor (Consultora Histórica). Fletcher é professor de neurociência na Universidade de Cambridge, especialista em psicose, enquanto Rowe é uma historiadora, também da Universidade de Cambridge, especializada em história e cultura escandinavas durante a Era Viking e a Idade Média.

É estranho esses serem os primeiros nomes creditados no desenvolvimento de um jogo digital, mas após jogar algumas horas de Senua’s Sacrifice, a importância desses dois nomes se torna aparente.

A ponte para Hel

A história conta a jornada de Senua (interpretada por Melina Juergens), uma guerreira celta que deve atravessar Hel, o reino que na mitologia nórdica é o lar daqueles que não morreram de maneira honrada, para reaver a alma de seu amado das mãos da deusa Hela.

Apesar do jogo contar com inimigos físicos tais como guerreiros nórdicos desonrados e deuses vingativos, fica claro a partir da cena inicial que o maior inimigo será a própria percepção de Senua. O mundo a sua volta reage à sua psicose e as vozes que falam o tempo todo em sua cabeça podem rebaixá-la ou guiá-la, dependendo da situação.

E elas estão sempre lá, então é melhor ir se acostumando. Premiado por seu excelente design de som, Hellblade é com certeza  melhor apreciado usando um bom fone de ouvido ou um headset poderoso. As gravações binaurais das vozes que se conflitam o tempo todo na mente de Senua tem um efeito bizarro sob a psique do jogador: no lugar de ícones de mapa ou de saúde para indicar onde ele deve ir ou quantos golpes ainda pode levar, tudo o que o jogo oferece são essas vozes.

No meio de um confronto, elas alertam quase sempre que um golpe estiver vindo ou quando um inimigo estiver esperando para atacar por trás, enquanto que em exploração, comentam o progresso de Senua até então e pressionam a personagem cada vez que ela fizer uma curva errada ou demorar para se movimentar.

Mas as vozes e os conflitos são apenas uma parte dessa jornada: Senua irá se deparar com desafios e quebra-cabeças que distorcem sua percepção de tempo e espaço e que vão pouco a pouco torcendo sua sanidade até que tudo que ela possa ver sejam sombras.

Num dos mais comuns, ela é obrigada a procurar formações no ambiente que se assemelham a runas nórdicas para passar por portas que, até ali, parecem completamente desobstruídas. Esses tipos de quebra-cabeça, assim como muitos outros, são referências aos sintomas obsessivo-compulsivos na psicose que aflige Senua. Ela é fisicamente incapaz de abrir as portas antes de achar as runas, mas nada indica que as portas não possam ser abertas além de um símbolo fantasmagórico pairando sobre elas.

Mais tarde no jogo, Senua é obrigada a passar por quatro desafios para reforjar a lendária espada Gramr, dada por Odin ao herói Sigmund e mais tarde usada matar o dragão Fafnir, descrita como uma das únicas coisas capazes de matar um deus.

Durante um desses desafios, Senua perde sua visão, no que é provavelmente uma das passagens mais tensas e bem construídas da atual geração: nela, o jogador e Senua são ameaçados por inimigos  que emitem sons grotescos, possuem formas apenas vagamente definidas e que nunca são completamente visíveis. Se há uma expressão que possa descrever essa sequência, ela é “terror absoluto”. O que a segue é, obviamente, gratidão absoluta.

É uma marca na qualidade do design das criaturas e do ambiente que esse trecho não é, por si só, difícil: as criaturas são lentas e a velocidade com que elas detectam Senua varia muito entre os ambientes pelos quais ela transita. Mas a Ninja Theory sabe que a dificuldade não é a raiz do medo, não para Senua; o medo está na possibilidade de se deparar com algo que não se possa descrever, algo que seja impossível de se entender, e chegar apenas perto o suficiente para que o medo se aposse de você por inteiro.

Na sua espada ainda pulsa um coração

Melina Juergens era apenas uma editora de vídeo na Ninja Theory quando foi chamada para fazer testes de maquiagem e iluminação enquanto a desenvolvedora procurava por uma atriz para viver a personagem. Três anos depois, Melina sobe ao palco das maiores premiações da indústria dos jogos para receber diversos prêmios por sua performance como Senua.

Não foi uma tarefa fácil, como a própria Melina explica em um dos diários de desenvolvimento do jogo: não só ela nunca havia atuado profissionalmente antes, mas atuar era um verdadeiro pavor seu. Durante as primeiras gravações, em que pediram para ela ler algumas linhas de diálogo, ela pediu a todos que se virassem de costas para que não pudessem vê-la. Mas isso acabou servindo como uma vantagem para interpretar Senua, já que seu medo refletia o medo da própria Senua ao se deparar com as multitudes de horrores em Hel e ao inferno de sua própria mente.

Hellblade também ganhou um prêmio por sua tecnologia de cinematografia em tempo real na GDC (Game Developers Conference) de 2016, e que permitiu ao diretor e roteirista do jogo, Tameem Antoniades, trabalhar diretamente com a performance de Juergens enquanto ela ainda trabalhava com a captura de movimentos da personagem, com câmeras apontadas diretamente nos seus olhos em todas as horas e pontos de referência milimetricamente espaçados em seu rosto.

Além disso tudo, Melina também buscou apoio fora de tela, se consultando com pessoas que sofrem de psicose e esquizofrenia, acompanhando as experiências delas para construir uma performance que, diferente de muitas outras, respeitasse aqueles que vivem diariamente com esses sintomas e ainda assim não fazer pouco caso deles.

E tudo isso valeu a pena. Melina Juergens entrou para a história dos jogos digitais com uma das melhores performances de captura de movimento e dublagem já vistas em um jogo. Em dezembro de 2017 ela subiu ao palco do The Game Awards, uma das maiores premiações da indústria, para receber a estatueta de Melhor Performance das mãos de ninguém menos do que Andy Serkis.

Toda expressão do rosto e todo movimento do corpo de Senua é também uma expressão de sua personalidade e de suas capacidades físicas e mentais. A sua condição nunca é vista como algo que a impeça de ser uma guerreira funcional: os demônios que a assolam são mais fundos e mais complexos do que isso.

Nem a sua jornada se resume a “derrotar” sua psicose, porque nenhuma condição mental é tão simples assim: as vozes em sua cabeça são as vozes dela mesma, vozes que contam a sua história de diversas maneiras, vozes que expressam seu medo, sua dúvida e sua raiva e toda uma miríade de emoções, algumas vezes interrompendo uma a outra e se repetindo de maneira excruciante, enquanto outras vezes oferecem palavras de apoio a uma Senua quase derrotada e abatida. Na introdução, o próprio jogador é recebido e identificado por uma dessas vozes, chamado para acompanhar a busca da protagonista.

O dano que Senua sofre ao longo do jogo não é só físico, mas também mental, e mais uma vez a mecânica do jogo brilha ao ser capaz de traduzir os sintomas da psicose para elementos tangíveis. Após seu primeiro conflito com os homens do norte (que o jogador é incapaz de vencer, não importa por quanto tempo tente), ela tem uma visão de si mesma morrendo e apodrecendo e, quando acorda, percebe uma escuridão se formando em seu braço direito.

O jogo então diz para o jogador: “A podridão sombria irá crescer cada vez que você falhar. Se ela alcançar a cabeça de Senua, sua busca estará terminada e todo o progresso será perdido.” Esse é um sistema conhecido como permadeath, em que a morte de um personagem jogável acarreta na perda do progresso na narrativa e o jogador é forçado a reiniciar o jogo, e é um sistema controverso até no melhor dos casos.

Em Hellblade: Senua’s Sacrifice, não fica claro exatamente quantas vezes o jogador pode morrer antes que a podridão chegue a cabeça de Senua, mas é um sistema muito efetivo justamente por causa disso. O combate em Hellblade nunca fica repetitivo porque cada luta é percebida pelo jogador como uma nova oportunidade de perder todo o progresso feito. É um sistema injusto, muito como a própria condição de Senua, que é capaz de deixar paranóico até o mais experiente em jogos de combate.

Não haverão mais histórias depois desta

É estranho tentar por a experiência de se jogar Hellblade: Senua’s Sacrifice em palavras. É uma experiência tão intimista e tão diferente de tudo o que você já viu que é fácil se sentir sobrecarregado. Quando chegamos ao final do jogo, o que se segue não é uma explicação lógica para o que você acaba de presenciar, muito pelo contrário: o final de Hellblade é emocionalmente devastador, perturbador e complicado. Não é algo que você compreende tanto quanto sente. Assim como o resto do jogo, é difícil pôr em palavras.

Em seu cerne, é um jogo sobre solidão e companheirismo, compaixão e crueldade, covardia e sacrifício: coisas diametralmente opostas que são frequentemente encontradas juntas. O caminho pelo qual Senua segue é tortuoso e exaustivo; ela é constantemente atormentada por espectros do passado e vozes que imploram para que ela dê meia volta e esqueça da missão que ela se comprometeu a realizar. Senua sabe que isso não é mais possível, como uma das vozes não se cansa de lhe dizer:

“A escuridão te tocou. Todo mundo pode ver no vazio dos seus olhos, um olhar afastado da vida. […] E você queria se render? Abandoná-lo para encontrar paz com os deuses? Não. A escuridão não vai permitir. Então, você caminhará para o covil da fera, olhar no olho dela e ir à guerra. Esta é a sua missão. Esta é a sua jornada. É tudo que você tem.”

Mas essa não é a única voz na cabeça de Senua, é apenas a mais cruel: a que fala nos lugares mais escuros, quando ela se encontra mais vulnerável aos pensamentos mais sombrios que beiram ao comportamento suicida. Há ainda a voz de uma mulher, que reflete melancolicamente sobre a condição de Senua após todas as vitórias e derrotas, nos dando um insight duplo sobre Senua e sua psicose:

“Dizem que sonhos são visões de nossas memórias, pensamentos e medos vistos por nosso olho interior. Mas e se cada um de nós está sempre dormindo, mesmo quando acordado? E se nós somente vemos o que o nosso olho interior cria para a gente? […] Talvez seja por isso que as pessoas tinham medo de ver o mundo pelos olhos dela. Pois se você acredita que a realidade de Senua é distorcida, você deve aceitar que a sua também pode ser.”

Escrever essa crítica até aqui foi relativamente fácil: foi ao mesmo tempo uma maneira de reviver uma experiência muito especial e de extrair novos sentidos dela e assim, apreciá-la ainda mais. Mas tirar uma conclusão disso tudo? Parece quase impossível. Mas assim como a maioria das coisas impossíveis, é só uma questão de tempo até aparecer alguém idiota o suficiente para tentar.

Hellblade: Senua’s Sacrifice é um jogo sobre dor e sofrimento: as dores que causamos uns aos outros, quer queiramos ou não e o sofrimento que só aqueles mais próximos de nós são capazes de infligir. Mas a verdade é que, se Hellblade fosse apenas sobre isso, nada o distinguiria de outras produções que visam retratar estados mentais diferentes da “norma”.

O que o jogo da Ninja Theory faz e o que o torna tão revolucionário é que ele não fetichiza o sofrimento por qual Senua passa ou tenta fazer com que o jogador sinta pena dela. O que o roteiro de Tameem Antoniades faz tão bem é apresentar Senua primeiro como uma personagem e explorar sua psicose à partir daí. Em poucas palavras, Senua nunca deixa de ser a protagonista de sua própria história e sua psicose não é descrita como o único aspecto definitivo de sua personalidade.

Ela vive em um mundo cercado por vozes que querem confundi-la e fazê-ela achar que está amaldiçoada. A jornada pela qual ela passa, no jogo, é a jornada pela qual ela conta sua própria história e acha sua própria voz.

Hellblade é também um jogo sobre esperança; sobre como nos lugares mais escuros costumamos formar as amizades mais intensas, sobre como o amor é capaz de nos salvar de nossos impulsos mais sombrios, sobre como as memórias ruins não apagam as boas e, finalmente, sobre os sacrifícios que fazemos.

Se você ainda não se convenceu a pelo menos tentar dar uma chance à jornada de Senua, só há uma coisa que ainda pode te convencer. Duas semanas após seu lançamento, a Ninja Theory publicou, através do canal oficial da PlayStation no YouTube, um vídeo de elogios ao jogo.

A única diferença é que esses elogios não vinham de críticos especializados, mas sim dos próprios jogadores, que mandaram mensagens à desenvolvedora parabenizando-a por seu sucesso estrondoso ao retratar a experiência de se viver com psicose. O vídeo também é delineado por imagens feitas a partir do Modo Foto presente no jogo:

Desde seu lançamento original em 2017 e seu relançamento para os consoles da Microsoft e da Nintendo, Hellblade vendeu mais de um milhão de cópias, ganhou 11 prêmios diferentes por seu design de som, sua narrativa e seu revolucionário retrato da saúde mental.

Em abril, após as metas de venda no novo console serem atingidas, a desenvolvedora fez uma doação de 25 mil dólares ao Mental Health America, uma instituição que tem por objetivo promover o bem estar mental nos Estados Unidos. Em outubro de 2018 o estúdio também ajudou a financiar uma bolsa de estudos promovida pela organização beneficente Head to Toe, que teria como enfoque treinar profissionais capacitados em lidar com pessoas com transtornos mentais. O nome da bolsa é “Senua’s Scholarship”.

Hellblade ganhou edições físicas para todas as plataformas e hoje a Ninja Theory faz parte da Microsoft, trabalhando em um novo título ainda não anunciado.

Para que se dê continuidade a revolução iniciada por Hellblade: Senua’s Sacrifice e jogos como What Remains of Edith Finch, que também exploram transtornos mentais como depressão e ansiedade usando a interatividade inerente a jogos digitais, é preciso que mais desenvolvedoras, tanto as independentes quanto as já estabelecidas na indústria, percebam o verdadeiro potencial desse entretenimento: jogos digitais são capazes de nos transportar para espaços mentais radicalmente diferentes dos nossos. Capazes de criar vínculos com pessoas que não existem e de ao mesmo tempo retratar o mundo em que vivemos de maneiras inteiramente novas. São capazes de representar coisas que o cinema, a televisão e a literatura apenas sonham em fazer e dão espaço a vozes que nunca foram ouvidas. Então, por favor, vamos ouvir essas vozes, pelo menos dessa vez.

Quando contamos uma história sobre um de nós, contamos uma história sobre todos nós.

“Nunca esqueça como é ver o mundo como uma criança: onde cada folha de outono é uma obra de arte, cada nuvem que se move, um filme, cada dia, uma nova história. Nós também emergimos dessa magia, como uma onda no oceano, apenas para retornar ao mar. Não lamente pelas ondas, pelas folhas e pelas nuvens. Mesmo na escuridão, as maravilhas e belezas do mundo não nos abandonam – sempre estão lá, esperando serem vistas.”

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