Vitória Borges

Exibida no Festival de Veneza de 2025, Bugonia, nova produção de Yorgos Lanthimos, faz parte da seção Perspectiva Internacional na 49ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. O longa, que acompanha a história de dois jovens primos obcecados por teorias da conspiração, busca trazer uma sátira um pouco grotesca sobre os pensamentos políticos da esquerda e da direita.

Conhecido por mergulhar de cabeça em universos absurdos, repletos de humor ácido, sarcasmo e críticas sociais, o diretor grego traz, dessa vez, uma adaptação um pouco diferente do cult Salve o Planeta Verde (2003), do coreano Jang Joon-Hwan. O título de Bugonia é um termo que remete à crença antiga de que abelhas poderiam nascer a partir da decomposição de um boi morto, fazendo jus ao filme ao explorar uma narrativa construída em torno de um ciclo que mistura decadência e vitalidade, morte e criação.

 Com um brilhante elenco, esta ficção científica conta a história de Teddy (Jesse Plemons) e Don (Aidan Delbis), dois primos que acreditam fielmente na existência de alienígenas e na dominação do nosso planeta. Consequentemente, acreditando que ela seja Andromedana, eles sequestram Michelle – CEO de uma empresa farmacêutica bilionária. Interpretada por Emma Stone, a personagem parece esconder um segredo a cada cena em que aparece, bagunçando ainda mais a cabeça do espectador.

Apesar do público estar cansado de ver Stone em mais uma obra do cineasta, parceria que acontece desde A Favorita (2018), é impossível dizer que a atriz não se entrega cem por cento. A americana, que chegou a raspar seu cabelo durante as gravações para dar mais credibilidade à produção, consegue tirar o papel de letra em sua atuação, com muito sarcasmo e uma frieza que só ela sustenta.

Abordando temas como questões ecológicas e destruição do planeta, o roteiro de Will Tracy (O Menu) é capaz de manter o frescor do desconforto clássico do diretor de O Sacrifício do Cervo Sagrado, o que influencia no uso de enquadramentos fechados na fotografia – que consegue contrastar perfeitamente o desequilíbrio da trama. A trilha sonora assinada por Jerskin Fendrix ainda é um grande acerto por parte da produção, que chegou a incluir faixas de artistas atuais como Good Luck, Baby!, de Chappell Roan.

Como todo filme de Lanthimos, a obra gera desconforto, não só pelos gritos e explosões, mas também com momentos de silêncio e cenas completamente perturbadoras que envolvem coisas muito bizarras. Bugonia consegue elevar o Cinema em um novo patamar visual, com situações viscerais e pulsantes, como o universo orgânico que o próprio título evoca.

No fim das contas, é fácil acreditar que a produção nos mostra como alguém que não é um extraterrestre pode viver e salvar as abelhas, e Bugonia transmite essa mensagem melhor do que o título infantil Bee Movie, da DreamWorks. O longa é sobre ousar e apostar que a humanidade precisa ser melhor, tudo pelo bem do mundo e de todos que habitam nele.

Por mais que muitos não compreendam ou que divida opiniões, a trama é uma das mais divertidas de Yorgos Lanthimos, principalmente por cumprir seu papel em meio ao Cinema da previsibilidade. Em um cenário saturado de narrativas lineares e heróis ‘perfeitinhos’, o diretor grego continua a insistir no que sabe fazer de melhor: apostar na beleza do estranho e na vida que brota no que já parecia morto.

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Vitória Borges

Tron: Ares é o terceiro filme da franquia de ficção científica iniciada nos anos oitenta pelo cineasta Steven Lisberger, que revolucionou e introduziu a tecnologia e o universo digital para as telas do cinema. Agora em 2025, a nova produção do diretor norueguês Joachim Rønning marca uma nova fase da trama, abordando a interação entre o ser humano e a Inteligência Artificial nos dias de hoje.

Em seu enredo, o longa acompanha a história do personagem Ares (Jared Leto), uma Inteligência Artificial que ganha ‘vida’ fora das redes e fica encarregada de proteger os códigos e softwares da empresa bilionária comandada por Julian Dillinger, papel de Evan Peters. Nesse meio tempo, Ares se revolta contra seu criador e daí para frente a obra segue o clássico clichê homem versus máquina.

Tentando resgatar a estética das obras anteriores, o ator Jeff Bridges está de volta novamente como Kevin Flynn, o famoso criador de jogos de videogame e do tão procurado ‘Código de Permanência’. Além disso, Tron: Ares marca também o retorno de Greta Lee (Vidas Passadas) para o universo da Disney Studios, que anteriormente deu voz à inteligência artificial Lyla no filme Homem-Aranha: Através do Aranhaverso (2023).

Se em 2010 com Tron: O Legado o longa foi criticado pelo uso abusivo de CGI, com o novo filme a crítica será um pouco diferente, já que o apelo visual é uma das coisas mais impressionantes de Tron: Ares, sem contar os efeitos especiais e cenários digitais (Darren Gilford e David Seager). Com direito à citação de canção do Depeche Mode, a trilha sonora pulsante – produzida pela banda Nine inch Nails – também não pode ser deixada de lado, pois ela consegue completar perfeitamente a atmosfera da obra. 

Em meio a insana batalha de encontrar o Código de Permanência, a produção se perde no meio do caminho tentando equilibrar a nostalgia dos anteriores com a chegada dos novos personagens e acaba falhando gravemente. Sem contar na falta de profundidade emocional entre Ares e Eve Kim, que não consegue criar laços dentro da narrativa da produção e deixa diversas cenas muito vazias e sem impacto para os espectadores.

Apesar de seguir caminhos distintos dos outros filmes da franquia, a produção de Rønning nos trouxe uma grande reflexão à respeito das big techs e da humanização das IAs. Tron: Ares chega em um momento em que a ficção científica do mainstream está cada vez mais pressionada a oferecer discussões de maneira mais aberta às produções, e acaba tirando isso de letra ao investir em um debate contemporâneo com a IA, por mais que de forma superficial.

Infelizmente, mesmo com boas ideias a obra acaba tropeçando no meio fio e se limita a diálogos básicos e sem o devido aprofundamento. Por fim, o que torna Tron: Ares o mais fraco da franquia não é somente seu enredo mediano, mas sim a falta de densidade narrativa e inovação por parte das reviravoltas bem questionáveis e desnecessárias.

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Vitória Borges

Os vizinhos mais queridos do Upper West Side estão reunidos novamente, Charles (Steve Martin), Oliver (Martin Short) e Mabel (Selena Gomez) retornam mais uma vez com sua sagaz habilidade em desvendar mistérios. Na terceira temporada de Only Murders in the Building, indicada na categoria de Melhor Série de Comédia no Emmy 2024, o trio apaixonado por crimes reais é encarregado de manter a dinâmica e química que somente eles possuem. Criado por Steve Martin e John Hoffman, o seriado que conquistou uma legião de fãs mistura o humor afiado de Martin e Short com o jovem talento de Gomez. 

Não muito diferente das outras duas partes, a terceira temporada de Only Murders in the Building acompanha o trio reunido para desvendar um misterioso assassinato, dessa vez, fora do Edifício Arconia. A nova fase da série ganha um ar teatral e implementa figuras novas ao seu enredo. A trama, que acompanha o drama do ‘Quem matou?’, segue dando show de glamour e excelência dentro e fora de cena.

Com o desafio de manter o frescor e a originalidade das temporadas anteriores que prenderam a atenção dos espectadores, o Teatro se torna o novo palco para os acontecimentos da série; Meryl Streep, Ashley Park e Paul Rudd se juntam ao elenco da nova parte da trama. A transição entre a teatralidade e o cenário narrativo dialoga entre si, afinal, tanto o Teatro quanto Only Murders in the Building vivem da performance, das máscaras e das revelações inesperadas.

Proporcionando novas vivências e interações entre os personagens, a inclusão de novos rostos é uma grande tentativa de expandir o universo da série e adicionar camadas de complexidade aos episódios. O papel de Rudd como o egocêntrico ator Ben Glenroy, e Meryl Streep, na pele da talentosa atriz Loretta Durkin, dão fôlego à terceira temporada, que é marcada pelo ar cômico, trágico e envolvente.

Características como fragilidade e sagacidade são essenciais para a narrativa de mistério da série, flutuando entre o suspense e a Comédia. No entanto, é impossível não notar que o seriado parece se perder em sua fórmula ‘risonha’ e descontraída. Episódios que poderiam conter excelentes acréscimos à trama acabam se alongando em diálogos pouco produzidos e sem sentido, dispersando o foco do mistério central da temporada. 

Em 2024, Only Murders in the Building foi nomeada em 21 categorias do Emmy. Pelo terceiro ano consecutivo, o seriado foi indicado como Melhor Série de Comédia. A química entre os atores expõe muito o motivo da série ser tão aclamada pela crítica, não é atoa que Steve Martin e Martin Short foram ambos nomeados na mesma categoria como Melhor Ator em Série de Comédia. Eles se uniram a Matt Berry (What We Do in the Shadows), Larry David (Curb Your Enthusiasm), Jeremy Allen White (The Bear) e D’Pharaoh Woon-A-Tai (Reservation Dogs) na busca pela estatueta. No entanto, o vencedor da noite foi Jeremy Allen, o icônico Carmen de The Bear.

Após duas rejeições na premiação, Selena Gomez finalmente foi indicada na categoria de Melhor Atriz em Série de Comédia. A cantora conquistou a posição de produtora com ascendência latina mais indicada na história do Emmy. Ela competiu com Quinta Brunson (Abbott Elementary), Ayo Edebiri (The Bear), Maya Rudolph (Loot), Jean Smart (Hacks) e Kristen Wiig (Palm Royale), perdendo para a protagonista de Hacks.

Visualmente, a cinematografia explorou com maestria os novos ambientes de Only Murders in the Building, o figurino e a direção de Arte contribuíram para a criação de uma atmosfera única e familiar. O novo cenário teatral ofereceu um contraste interessante e excêntrico, expandindo o universo visual da série. Em 2024, a produção foi nomeada à categoria de Melhor Figurino Contemporâneo, porém disputou com fortes concorrentes, como The Crown – que saiu vitoriosa – e The Bear.

Misturar humor com tragédia nem sempre é fácil, mas a tranquilidade que a trama encontra um equilíbrio único entre mistério e Comédia é excitante. A série, que retorna com tudo, cantando e investigando uma temporada criativamente dramática na Broadway, parece confiar demais em seu próprio charme, esquecendo alguns pontos ainda em aberto e os deixando mal resolvidos.

Em resumo, Only Murders in the Building prova que, apesar de ter entregue uma temporada morna, ainda tem muito a oferecer. É impossível dizer que a série anda em uma linha tênue, já que possui erros e acerto durante sua produção. O mistério central da trama acaba não sustentando o peso das subtramas e da expansão narrativa dos personagens, colocando em jogo a necessidade de reavaliar a fórmula e encontrar novas maneiras de surpreender o público.

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A produção venezuelana Zafari, presente na seção Perspectiva Internacional da 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, conta a história de uma família em situações precárias vivendo em uma Caracas distópica. Produzido por Mariana Rondón, o longa mostra a cidade dividida entre uma sociedade que está à beira de desmoronar e a ânsia pela fuga do país – fazendo uma clara comparação com a situação da Venezuela contemporânea.

Ambientado em um nobre apartamento que se encontra em estado de decadência, o filme nos apresenta uma família composta por Ana (Daniela Ramirez), Francisco (Francisco Denis) e Bruno (Varek La Rosa), o filho do casal. Acompanhando o dia a dia do trio que mora nas redondezas de um zoológico, nos deparamos com a chegada de um hipopótamo chamado Zafari, que, de maneira bem irônica, é alimentado em um mundo onde falta comida para as pessoas sobreviverem.  

Explorando as nuances e as complexidades da decadência de uma sociedade, Zafari se assemelha muito bem com outra produção de Mariana Rondón, Pelo Malo (2013), que combina o olhar para a barbárie em uma Caracas marcada pela desigualdade social e a crise econômica. E, que aos trancos e barrancos, tenta se recompor para escapar de um país distópico que está fadado à miséria e pobreza.

O longa de Mariana Rondón desestabiliza a situação de uma nação inteira, assim, ele erra a mão em querer mostrar esse lado da miséria em um país que passa por acontecimentos muito complexos como a Venezuela. Além disso, à medida que a produção avança entre as cenas, a história se torna mais confusa e incoerente, escapando completamente da lógica sobre a fome pela qual os personagens passam.

Zafari é, acima de tudo, uma obra que busca impactar o espectador ao oferecer o retrato de um país em situação de calamidade geral. Ao abordar essa temática de sociedade encurralada entre a necessidade de fuga e o peso da perda de identidade, a produção tenta colocar o público frente a frente com a precariedade vivida pelas pessoas que, ao poucos, estão envolvidas dentro de um espaço sem saída.

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Vitória Borges

Exibida nos prestigiados Festival Internacional de Cinema de Munich e Festival do Rio, a produção brasileira Continente faz parte da seção Mostra Brasil na 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. O longa, que acompanha a história de um simples vilarejo nas planícies do Sul do país, mostra uma narrativa muito distópica que aborda o colonialismo, misturando drama com horror. 

Produzido por Davi Pretto e distribuído pela Vitrine Filmes, Continente mergulha na vida de Amanda (interpretada por Olivia Torres) que está de volta ao Brasil após passar 15 longos anos morando na França com seu namorado Martin (Corentin Fila). Na trama, a jovem retorna ao país pois seu pai, Agenor, adoece e está à beira da morte, o que acarreta diversos rumores a respeito da saúde do velho fazendeiro que comanda a pequena cidade pacata sulista.

Com uma estética ruralista que se aproxima a Bacurau (2019), a obra de Davi Pretto carrega muito suspense e mistério, que fazem parte da construção narrativa, criando uma atmosfera de tensão e expectativa no espectador. Personificando os trabalhadores rurais através de atos vampirescos, os zumbificando e deixando à mercê de seu patrão – que explora sua mão de obra –, os moradores da pequena cidade se veem em uma posição que remete a escravidão.

Sobrepondo o peso de que “a mentira corrói a alma de quem mente”, a Fotografia de Luciana Baseggio adota um tom sombrio, com cores escuras e elementos filmados pela câmera que nos deixam desconfortáveis. Apesar de ter uma ótima trama, seu ritmo delibera sua atmosfera e acaba tornando-a muito lenta, o que deixa a desejar em determinados frames do longa, abrindo abas para a falta de clareza e entendimentos de certos acontecimentos.

Através de componentes que remetem a Desejo e Obsessão (2001) de Claire Denis, a sonoridade é o que mais chama atenção dentro de Continente. O prazer no apetite voraz dos personagens pelo sangue e o perturbador ‘acordo’ que os moradores possuem com dono da grande propriedade cumprem com seu objetivo de abordar um lado feroz e metafórico, ressaltando a crítica sobre  ‘dar o sangue pelo trabalho’ feita pelo longa.  

Apesar de buscar um apelo para o lado visceral do Cinema, Continente apresenta uma história um tanto macabra e selvagem. Em um ato metafórico e explícito que caminha entre a persistência de um sistema hierárquico e as marcas do colonialismo, o longa se sobrepõe como uma excelente produção de horror brasileira.

Continente entrega um enredo profundo, em que as relações de poder são tanto elementos de conflito quanto de reflexão, ecoando as vozes do presente e do passado em um Brasil que é, ao mesmo tempo, uma herança e uma prisão. Os símbolos e valores se rompem em um grande mar de sangue, nos deixando uma reflexão: no fim, quem suga o sangue de quem?

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Vitória Borges

Nenhuma visão de mundo é igual. É isso que a produção brasileira Precisamos Falar mostra. O longa, exibido na seção Mostra Brasil da 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, aborda os limites da moralidade e acompanha as turbulências no relacionamento intrafamiliar de duas famílias do Rio de Janeiro. Inspirado no livro O Jantar, de Herman Koch, o filme mostra a reflexão sobre até onde os pais vão para proteger seus filhos.

Produzido por Pedro Waddington e Rebeca Diniz, o thriller psicológico explora o pior do alto escalão da classe média carioca. Acompanhando os casais Sandra (Marjorie Estiano) e Paulo (Alexandre Nero), e Celso (Emílio de Mello) e Anna (Hermila Guedes), a trama gira em torno da descoberta de um terrível homicídio cometido por seus filhos adolescentes – o que acaba ocasionando tensões nas relações das famílias.

Abordando a banalidade do mal, sobre os direitos humanos para humanos direitos, o longa nos convida a uma dolorosa introspecção sobre a natureza da nossa responsabilidade. Apesar de tratar de um assunto muito batido e que bate sempre na mesma tecla de ‘criticar a elite brasileira’, a produção de Waddington e Diniz foi bastante perspicaz ao abordar o negacionismo justamente em um período pós-governo bolsonarista.

A maturidade artística dos atores mais novos de Precisamos Falar propõe uma construção muito bem interpretada, já os adultos deixam um pouco a desejar. O personagem de Alexandre Nero é intragável, um homem nazifacista que é contra todos os direitos da população pobre, que se vê na posição de julgar o que acha certo e errado dentro da sociedade. Já o núcleo adolescente da produção contempla um desenvolvimento excelente, além de alimentar a curiosidade do público sobre os acontecimentos da trama. 

Apostando em ângulos que enfatizam o desconforto moral dos personagens, o longa permite a escolha de uma narrativa que contemple a incerteza. Em meio a diversas chantagens, a cultura contemporânea brasileira é apresentada de forma extremamente provocativa e fragmentada. Como em Taxi Driver – Motorista de Táxi (1976), a ‘libertação’ que Michel (Thiago Voltolini) tanto fala e reproduz está pautada no seu senso de exclusão e eliminação do outro, como um paradoxo aos pactos conservadores de direita, que utilizam de atos de violência como forma de ‘limpar’ o ambiente ao seu redor.

Precisamos Falar encara o lado direitista, negacionista e narcisista da população brasileira. A obra, que causa desconforto no espectador do início ao fim,  vai além do entretenimento e nos faz questionar sobre até que ponto a impunidade é dada às riscas para o ser humano. O que nos resta, é esperar sentados e aguardar por uma resposta. Afinal, “a verdade ama se esconder” – como mostra o slogan do filme.

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Vitória Borges

Você já imaginou uma versão melhor de si? E se você soubesse que existe um produto que pode te mostrar uma parte mais jovem, bonita e perfeita? A Substância (The Substance, no original) pode te dar isso e um pouco mais. A produção, que promete revirar o estômago, é uma diversão exageradamente nojenta e bizarra sobre o espetáculo visual do Cinema e o gênero de horror corporal.

Aclamado durante o Festival de Cannes, o longa dirigido e roteirizado por Coralie Fargeat conta a história de Elizabeth Sparkle (Demi Moore), uma atriz ‘cinquentona’ que está prestes a perder seu ‘prazo de validade’ no mundo do showbiz e que, ao se ver nessa situação, resolve usar a substância que promete criar “uma versão melhor de si”. É, então, que sua nova personalidade, Sue (Margaret Qualley), uma bela jovem com vinte anos de idade que tem o que quer na palma de sua mão, entra em cena. 

Fadada ao sucesso ao viver a vida de Sue, Elizabeth se vê na obrigação de sobreviver em cima do status da personagem de Qualley. Como uma espécie de doppelganger, as personagens dividem uma vida dupla, são sete dias para cada corpo e, caso desrespeite essa regra vital, as coisas começam a desandar e causam circunstâncias brutais. Afinal, elas são apenas uma.

A beleza de Margaret Qualley, igualada a perfeição de Moore, elevam o nível de atuação do longa. A eloquência entre as atrizes é, de certa forma, visionária. A talentosa atriz de Pobres Criaturas (2023) atua de forma fresca e legítima, já Demi Moore mantém sua relevância cumprindo um papel excepcional. Colocar a veterana para interpretar uma personagem ‘acabada’ e sem rumo, talvez, possa ter sido forçado, mas podemos concordar que esse foi, de longe, um de seus melhores papéis em anos.

Ao mesmo tempo que se preocupa em revelar e reciclar imagens de horror, ao estilo Carrie, a Estranha (1976), a trama de A Substância foca em apresentar um horror ácido que faz uma severa crítica à sociedade e à busca desenfreada pela beleza. A posição de Fargeat ao abordar a cultura ocidental hollywoodiana é sutil e perceptível; seu temor por mostrar o apelo pela ‘velhice’ no Cinema acaba se transformando em algo torturante e disfórico. 

Apesar de parecer bem desenvolvido, o filme necessita de certo cuidado ao abordar o retrato de um sistema tão delicado quanto este. A linguagem do male gaze, acrescida do viés do olhar perturbador, é evidente durante todo o período do longa. A valorização pelo grotesco é como uma consequência direta da obsessão pela juventude e perfeição.

A necessidade da produção em deixar os diálogos em segundo plano mostra a falta de sagacidade para explorar temas delicados. Ao mesmo tempo, é excitante ver a forma como Coralie Fargeat reproduz ideias escandalosas com linguagens vulgares e, até mesmo, grosseiras em determinados momentos do longa. A grande metáfora da substância, que se resume a cirurgias plásticas e procedimentos estéticos, é antiquada e desagradável aos olhos femininos, sua crítica se baseia nos mesmos vícios que captam a obsessão pela juventude. 

O ritmo de A Substância pode parecer, em alguns momentos, lento e repetitivo, porém, é considerável dizer que a trama funciona como uma grande bomba relógio prestes a explodir. O terror bruto é insensível, não oscila e muito menos foge de suas sequências que estão perturbadoramente interligadas. A crise de conflito interno busca despertar uma reação sensorial no espectador a cada singela cena, causando certo interesse nessa produção sangrenta.

A Substância é tudo que se pode esperar de um filme no estilo body horror. Com um toque extremamente físico e visceral, o longa promete e cumpre seu papel com uma trama feroz e intensa. A produção tem tudo para deixar o espectador desconfortável e tirá-lo de sua zona de conforto. Com seu olhar afiado para o bizarro e sede pela monstruosidade, a obra expõe o desejo pela beleza ao limite. Afinal, qual é o preço da substância que o público procura? Você pode pagar para ver.

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Chegando a sua 27ª edição, a Bienal Internacional do Livro de São Paulo –  o maior evento literário da América Latina – ocorreu dos dias 06 a 15 de Setembro de 2024. A editoria do Persona esteve presente no primeiro domingo, 08/09, para conferir lançamentos, estandes e discussões que compuseram a programação do dia. Os integrantes acessaram o espaço credenciados como Imprensa para realizar a cobertura.

Com um público visitante de 722 mil pessoas no total do ano, a Bienal de 2024 se consagrou como a maior dos últimos dez anos. O evento, que é promovido a cada dois anos pela Câmara Brasileira do Livro (CBL), foi realizado no Distrito Anhembi, região central da Grande São Paulo. O cronograma extenso se debruçou em autores nacionais e internacionais, trazendo grandes nomes como Hayley Kyoko (Girls Like Girls), Vitor Martins (Quinze Dias), Rafael Montes (Jantar Secreto) e Jeff Kinney (Diário de um Banana).

Divididos por blocos identificados por letras, estavam dispostos 227 expositores e mais de 500 selos editoriais para o público escolher, sendo alguns deles a Companhia das Letras, Editora Intrínseca, PANINI, Sesc, Rocco e Editora Record. Em alguns estandes as filas davam voltas, com leitores animados para aproveitar promoções e descontos especiais oferecidos nas compras dos exemplares.

No dia 08, o autor Vitor Martins, dono de sucessos do nicho LGBTQIA+ e Young Adult, compareceu a uma mesa da Amazon para falar sobre processos de escrita, relembrou a representatividade e destacou o lançamento de seu novo livro intitulado Mais ou menos 9 horas. O escritor, que também é tradutor, assina textos como Quize dias, Um milhão de finais felizes e Se a casa 8 falasse. Em suas declarações, refletiu sobre como o acolhimento nas páginas pode mudar as perspectivas de pessoas e minorias que se encontram menos em espaços de identificação.

Na arena cultural, o tema se voltava a outra ótica, com o autor de suspense e literatura policial Raphael Montes, que, por meio da Cia das Letras, trouxe um debate sobre os gêneros literários que escreve. Além dele, a Companhia também trouxe a vencedora do Prêmio Jabuti de Romance Literário de 2023, Micheliny Verunsky para um bate-papo sobre a herança do passado nos discursos da contemporaneidade, no Salão de Ideias. 

Embarcando em outro tipo aspecto do perfil de leitores e escritores, o Sesc Edições ainda promoveu a mesa “Vozes Negras na Literatura” que trazia Camilla Dias, assistente social, crítica literária e curadora literária, Mario Medeiros, autor do livro “A descoberta do insólito”, Sidney Santiago, ator e performancer, e Midria, poetisa e mestranda em antropologia. Fazendo leituras de referências como Conceição Evaristo e Mirian Alves, o debate trouxe discussões sobre espaços, pertencimento e acessos da comunidade negra.

“Mas independentemente da idade, tem muita gente que se sente como se não pertencesse a essa ‘paulicéia’ desvairada. É que tem muita gente que não se apropria desse espaço – maior da América Latina, maior do Brasil – uma cidade tão grande, mas que se perde em dinheiro…” – Mídria

Os integrantes do Persona gostaram muito de encontrar a diversidade dos livros e contam um pouco mais sobre o momento especial e suas novas aquisições literárias abaixo.

Dicas do mês + relatos

O Pequeno Príncipe – Antoine de Saint-Exupéry

O Pequeno Príncipe é um clássico da literatura e quase um clichê. É o equivalente a quando se pergunta a uma pessoa qual o filme favorito dela e ela responde Harry Potter, ou qual a série favorita e a resposta é Friends. Porém, diferentemente desses exemplos, a história de Antoine de Saint-Exupéry não se saturou com o tempo. Ao contrário, ganha um novo significado conforme ficamos mais velhos.

Minha relação com este livro é engraçada. Comecei a leitura quando tinha 16 anos na biblioteca da minha cidade, mas nunca cheguei a terminar. Sempre que voltava ao lugar eu recomeçava, na esperança de ler de uma vez só. O tempo se passou e nunca mais havia sequer pensado nessa história, foi quando o encontrei novamente em um estande da Bienal e decidi levá-lo para casa com a intenção de finalmente conhecer O Pequeno Príncipe. – Arthur Caires

Pessoas Normais – Sally Rooney

Em 2023, eu li pelo Kindle a obra Pessoas Normais, da irlandesa Sally Rooney, e o meu mundo mudou. Quando fomos para a Bienal, decidi comprar a versão física para voltar ao mundo criado pela autora. A trama se concentra em Connell e Marianne, dois jovens que estão em grupos diferentes no que se relaciona à pirâmide social do ambiente escolar. Enquanto ela é a odiada do colégio, o jovem é querido por todos.

Na universidade, os papeis se invertem: o rapaz se torna um mero estudante, e a garota encontra um grupo de amigos e se torna conhecida e amada. Muito mais do que apenas amigos, Connel e Marianne são a pessoa da vida um do outro. O que torna o romance tão único é a forma como, de alguma maneira, eles sempre se desencontram. Não se limitando a tópicos amorosos, o livro também aborda situações mais sensíveis, como depressão, ansiedade e abuso. O maior feito de Rooney ao escrever Normal People (título original) é comprimir em 262 páginas todo o medo, insegurança e excitação que vêm com a chegada da vida adulta. – Guilherme Leal

Fumaça Branca – Tiffany Jackson

Quem disse que um livro não pode ser escolhido pela capa? Na minha primeira vez visitando a Bienal Internacional do Livro em São Paulo, as capas brilhantes e cheias de ilustrações instigantes com certeza foram um dos principais motivos de um colapso no meu cartão de crédito, que não pode deixar de ser usado para um bem maior. Em uma dessas armadilhas envoltas em boa estética, encontrei Fumaça Branca, escrito por Tiffany D. Jackson e traduzido por Solaine Chioro.

A escolha foi certeira, já que o texto repousa sobre meu gênero literário favorito: o suspense. Em uma reinvenção da ideia clássica dos filmes e contos do nicho, a narrativa escolhe retratar o conceito de casa mal assombrada com elementos de reviravolta e mistério. Assim, ir contra o famoso ditado “Não escolha o livro pela capa” parece ter sido uma das melhores ideias que uma leitora poderia ter no maior festival literário da América Latina. – Jamily Rigonatto

Na Ponta da Língua: Reflexões sobre Linguagem e Sentido – Peter Brook

O estande das Edições Sesc na Bienal é uma constante: todo ano vale a pena entrar. As prateleiras se enchem de Arte, Cultura, História, Política, Filosofia e tudo que é humano. Para cada cantinho que você olha, tem joias escondidas, e foi nessa que Na ponta da Língua me chamou a atenção. O livro é definido em sua contracapa como uma investigação da relação entre a palavra e seu verdadeiro sentido, por Peter Brook, grande nome do teatro contemporâneo europeu. 

O senhor inglês, de 94 anos na época, traz uma perspectiva única sobre a linguagem, a partir de sua carreira e vivências internacionais. Nascido na Inglaterra, mas residente da França há meio século, o artista explora no livro as diferenças e semelhanças entre sua língua materna e a segunda língua. Sobretudo, Na Ponta da Língua é um depoimento e uma análise dos elementos mais básicos da comunicação humana, que exercemos todos os dias. – Giovanna Freisinger

Holocausto Brasileiro – Daniela Arbex

Sou apaixonada pela escrita da Daniela Arbex há anos, li o Holocausto Brasileiro: Genocídio: 60 mil mortos no maior hospício do Brasil durante o meu primeiro ano de faculdade e logo me senti no caminho certo da graduação. Talvez o fato dela ser uma excelente jornalista investigativa tenha me incentivado a continuar acompanhando, também, suas outras produções. Quando soube que iríamos à Bienal, logo pensei em comprar seu livro físico para ler novamente e (quem sabe um dia) conseguir seu autógrafo.

Em Holocausto Brasileiro, a jornalista reporta, por meio de entrevistas, documentos e relatos, a chocante realidade do Hospital Colônia de Barbacena, em Minas Gerais, onde cerca de 60 mil pessoas foram mortas. O livro denuncia o tratamento impiedoso e a negligência extrema com que os internos foram submetidos, de maneira surpreendente, Arbex reconstrói a história de um dos maiores fatos cruéis, trazendo à tona um capítulo tão sombrio da história brasileira. – Vitória Borges

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Vitória Borges

Carinhosamente conhecida como a ‘primeira latina do mundo’ pelo público do X, antigo Twitter, a colombiana Shakira finalmente lançou seu tão aguardado 12º álbum. No intitulado Las Mujeres Ya No Lloran, a artista traz, em suas composições, dores e vivências após o divórcio do ex-marido Gerard Piqué, que ganhou grande repercussão nas redes. A obra possui uma profundidade emocional que ressoa fortemente em cada uma das faixas.

Lançado pela gravadora Sony Music Latin, o sucessor do hipnótico El Dorado – ganhador do Grammy de Melhor Álbum Pop Latino em 2018 – compartilha o recomeço em meio ao caos, combinando sentimentos com a clássica assinatura sonora de Shakira. A produção não foge muito do estilo da cantora, que consegue ‘dar sua cara a tapa’ nas faixas da obra e fazer uma saborosa limonada com os limões que foram jogados em seu colo.

O álbum surge após um período turbulento marcado por desafios pessoais, profissionais e problemas fiscais. A cantora, que agora administra as tarefas domésticas sozinha e desempenha seu papel como mãe solo honrosamente, soube muito bem transformar suas angústias em lucro ao cantar sobre ‘sofrência’ e traição, assim como a eterna Marília Mendonça.

Seja no amor ou no ódio, a intérprete de Waka Waka sempre prezou por compôr canções dedicadas a Piqué. Mas, dessa vez, a principal inspiração para o conceito do álbum foi o remorso que a artista guardou pelo ex-marido. O disco, que conta a história desde o rompimento doloroso até sua recuperação, simboliza um novo recomeço na vida da cantora. As letras falam de saudade e o quanto ela se esforça para conseguir seguir em frente, afinal, assim como a ‘mãe da América Latina’, muitas pessoas também já sofreram e sabem o peso da dor de uma traição.

A produção do álbum conta com múltiplos produtores, como Lexuz, Ciey e até mesmo a própria artista. Em 51 minutos de duração, a colombiana apresenta oito canções inéditas, além de outras sete já lançadas nos meses anteriores. Nas composições, ela passa a limpo todo o turbilhão de sentimentos que passou em sua vida pessoal e no seu relacionamento. “A produção desta obra foi um processo alquímico. À medida que escrevia cada música, eu me reconstruí. Quando as cantei, minhas lágrimas se transformaram em diamantes e minha vulnerabilidade em resiliência”, disse a cantora em um post no Instagram.

Repleto de colaborações que somam para a qualidade sonora do álbum, a obra conta com artistas de peso e de atual relevância na comunidade latina. Ostentando suas raízes colombianas, em TQG, temos, de um lado, Shakira sofrendo por Piqué e, do outro, Karol G lamentando seu antigo relacionamento com o rapper porto-riquenho Anuel AA. A mecânica das colaborações consegue extrair excelentes ideias musicais, tornando a característica de cada um dos convidados em algo único e ornado com seus talentos melódicos.

Seu primeiro lançamento em sete anos é um manual de capacitação para qualquer pessoa que tenha sofrido por perdas, independentemente de qual seja, mas que já tenha superado ou que esteja em processo de superação. Navegando pelas adversidades da produção, a dona do hit Hips Don’t Lie concentra a obra em um pop latino acentuado com letras bem escritas.

Quem conhece Shakira sabe que ela é a própria idealizadora de todos os seus projetos musicais profissionais. Ao combinar pop, reggaeton e hip-hop, a cantora transforma, sem esforço, a dor em arte. A artista, que um dia já dedicou Me Enamoré para Piqué, não parece a mesma que dedica BZRP Music Sessions #53 ao seu ex. Em Las Mujeres Ya No Lloran, a colombiana constrói uma narrativa formidável de força e espírito.

Depois de ter seu coração arrancado no clipe de Monotonía, uma das canções que deu início de fato à era do novo álbum, Shakira começou a passar por um período conturbado em sua vida. Em entrevista para o jornal The Times, do Reino Unido, a cantora diz que os pedaços de sua vida foram desmoronando diante de seus olhos e que precisava reunir os cacos do chão e juntá-los de alguma forma. Ela conclui que a música foi o adesivo para se unir novamente e curar toda a dor.

Algo que não passa batido é o fato da obra ser uma verdadeira lavagem de roupa suja com seu ex-marido. Shakira consegue fazer da dor o seu alicerce mais forte para enfrentar seu conturbado término. Apesar de considerarmos que águas passadas não movem os moinhos do pop, ela foi capaz de construir perfeitamente uma narrativa divertida e reflexiva.

Shakira soube muito bem usar as dores de uma traição para criar um álbum pop coeso e com um semblante ousado. O disco é um testemunho íntimo e reflete a superação vivenciada pela cantora, destacando o poder da Música para transformar até mesmo as experiências mais difíceis em momentos memoráveis. Cómo Dónde y Cuándo e Nassau são músicas que se completam com seus versos tocantes; ambas nos fazem entender a angústia e a procura de um motivo ou qualquer acontecimento que fizesse sentido para a dor.

O encerramento da obra vem com Última, single que a artista gravou por último para este álbum. A faixa é cheia de dor, arrependimento e decisões definitivas que a impedem de voltar ao passado. Ela deixa o ritmo do álbum lento e é possível sentir o sofrimento e a angústia em cada palavra, mas, ao mesmo, a súplica em ser ouvida e vista.

Apesar de faltar ambição e inovação, o álbum se mescla fortemente com o mundo pop em faixas contagiantes, e é inegável afirmar que a colombiana carrega certa tristeza em suas composições. Com Las Mujeres Ya No Lloran, Shakira expõe seu lado mais frágil e sensível ao cantar canções que transmitem seus sentimentos após o término de seu casamento. Além disso, a cantora também simboliza que “as mulheres não choram, elas faturam!” onde conseguimos entender que, de fato, as mulheres não estão mais chorando. Afinal, se você não se identificou com esse manifesto pessoal da obra, está claro que você nunca sofreu por uma traição e no final saiu por cima.

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Vitória Borges

O Batidão Tropical Vol. 2 está entre nós e a drag queen mais amada do Brasil mais uma vez não nos decepciona. Trazendo suas raízes do forró do Nordeste e Norte do país, Pabllo Vittar faz a releitura de alguns clássicos que marcaram sua vida, além de cantar músicas inéditas. O projeto da artista dá continuidade ao Volume 1 do álbum homônimo, que também conta com regravações de hits,  como Zap Zum da Companhia Calypso.

Indo do pop ao funk com os aclamados Não Para Não (2018), After (2023) e, agora, o forró do Batidão Tropical, Vittar mostra, novamente, sua versatilidade artística, entregando um disco coeso e dançante. É facilmente possível atestar esse destaque da artista em cada faixa da obra, mostrando sua capacidade de interpretar e se conectar com diferentes ritmos, reinventando-se a cada trabalho.

Com batidas quentes e envolventes, a produção conta com 14 canções – três delas, posteriormente reveladas. Nas faixas ocultas, a  cantora faz uma quebra da quarta parede sonora ao falar diretamente com o ouvinte e indagar que logo elas seriam desbloqueadas. Já nas redes sociais, os fãs de Pabllo Vittar especularam que as músicas que ainda não haviam sido lançadas seriam novas regravações ou contariam com colaborações inéditas.

Reverenciando grandes nomes do forró e do tecnobrega, a obra possui participações de cantores do Norte e Nordeste do Brasil como Gaby Amarantos, Taty Girl, Will Love e Maderito. “Dessa vez, nosso objetivo principal era dar um passo à frente do que fizemos no Volume 1. Por isso, incluímos mais músicas do que no primeiro e também temos diversas colaborações no disco”, conta Rodrigo Gorky, produtor de Vittar.

Dentre as músicas escolhidas para serem relidas pelos produtores musicais de Pabllo Vittar, Pede Pra Eu Ficar é o carro-chefe da nova era da artista, sendo uma regravação da canção Listen To Your Heart, da banda sueca Roxette. Ai Ai Ai Mega Príncipe – um grande sucesso nortista da banda paraense Batidão – também foi refeito na voz de Vittar e se tornou segundo single do álbum. Ambas as composições possuem a presença marcante da estética musical da drag queen.

Ao dar play no álbum, já nos deparamos com o estilo único que Vittar tem de ‘dar sua cara’, aderindo seus icônicos vocais ao ritmo do forró e completando com seu clássico toque de cultura pop, como nas canções Me Usa e Nas Ondas do Rádio. Nelas, Pabllo Vittar diz: “Se estiver ouvindo essa minha canção/Pense em mim, eu fiz pra você”, fazendo com que seus fãs se sintam mais próximos dela, como se estivesse cantando a música especialmente para eles.

Ornando muito bem com a ‘pegada’ das faixas relidas, Idiota é a única canção de composição autoral presente no Batidão Tropical Vol. 2. O arranjo contagiante e cheio de detalhes excelentes de produção dão a cara à tapa, a deixando melodiosamente harmônica com os outros sons do álbum. Além disso, a música é considerada uma das favoritas entre o público.

A escolha seletiva de Vittar para criar a tracklist de regravações do álbum foi genial. As canções relidas pela artista contam com vocais impecáveis e assertivos, essenciais para dar o seu toque especial. As composições conversam com o ouvinte não só pela letra, mas também pela forma de cantar, que nos foi entregue algo incrível sem perder a sua originalidade. A faixa São Amores comprova esse ponto, sendo a mais carismática do disco com seu icônico “PEW PEW” dentre as frases do refrão que fixam, do início ao fim, a música na cabeça de qualquer um – o que só ajudou na visibilidade na plataforma TikTok.

Com faixas viciantes e insaciáveis, a cantora combina muito bem o tecnobrega com o hyperpop, e seus vocais abusam de efeitos e aparelhos eletrizantes de instrumentação eletrônica, criando uma vibe muito próxima a After, seu trabalho anterior. Em Não Vou Te Deixar (I Don’t Want to Get Hurt), colaboração com Gaby Amarantos, as artistas souberam justamente sintonizar as batidas do techno com os sons do teclado. A faixa, inclusive, integra o disco TecnoShow (2022), o álbum mais recente de Amarantos.

Infelizmente, a obra carece muito de canções inéditas, trazendo somente Idiota como de autoria própria. Num geral, as faixas do Batidão Tropical Vol. 2 parecem bem fundamentadas e injetam uma gama muito diversa de releituras pop. A coletânea presente no álbum mostra que ainda existe muito potencial a ser explorado e frutos a serem colhidos. 

O disco em si, deságua sobre amores e paixões em suas mais diversas densidades. Os vocais da drag queen, ornados com as canções melosas de término de relacionamento, brilham por cima de sintetizadores que refletem as sonoridades regionais do Norte e Nordeste do país. Mais uma vez, a união entre Pabllo Vittar e a Brabo Music trouxe canções absurdamente divertidas e de som arrebatador.

E não para por aí: os visuais do projeto também são muito bem coesos e significativos. A cantora soube usar e abusar de elementos como reggaeton e o hyperpop, alinhados às vertentes do forró eletrônico e tecnobrega. Vittar soube captar impecavelmente o sentimento dos projetos que foram relidos e o furacão envolvente causado pelos sons dos aparelhos, provocando um misto de emoções no ouvinte.

Pabllo Vittar é tão esperta que, dias depois do lançamento do álbum novo, já fez sua primeira apresentação ao vivo com o trabalho inédito. Como headliner do festival Hopi Pride, que celebra o orgulho LGBTQIAP+, a artista cantou seus maiores hits, além do Batidão Tropical Vol. 2. Após uma performance estrondosa, a drag queen viu que o disco foi muito bem aceito entre seus fãs e que todos já estavam com as letras na ponta da língua. Ela inclusive agradeceu aos admiradores pela repercussão do projeto dentro das plataformas de streaming.

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Apesar das poucas músicas autorais no projeto, ouvir o sucessor do estrondoso Batidão Tropical é, de longe, muito prazeroso. Ver a intérprete de Triste com T nos apresentar o ‘seu lado’ do Brasil só mostra a força e a paixão da música popular no Norte e Nordeste do país. “As músicas e letras que aqui serão mostradas podem soar inédito para muitos, enquanto que para outros vai transmitir uma nostalgia de um tempo bom”, disse a artista em uma publicação no Instagram.

Por fim, Batidão Tropical Vol.2 é considerado um dos melhores álbuns de Pabllo Vittar. Sua versatilidade e habilidade de referenciar alguns dos nomes mais importantes da Música nortista e nordestina do país, dão significado muito importante em sua composição. Com a sua mistura única de melodias e mensagens instigantes, o disco não apenas diverte, mas também desafia as convenções do tecnobrega e, até mesmo, do pop chiclete cantado pela drag queen. É uma obra que alia alegria e carisma, reforçando a excelente qualidade artística de Vittar e reafirmando o fato dela ser referência no que faz.

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