Guilherme Barbosa

Dois anos após o lançamento de um de seus álbuns mais majestosos, o Dangerous Woman, Ariana Grande lançou o doce Sweetener. Mas foi apenas seis meses depois, em Fevereiro de 2019, que ela apresentou ao público um de seus trabalhos mais poderosos, íntimos e bem sucedidos de toda sua carreira. thank u, next, seu quinto disco de estúdio, nasceu após um ano conturbado e movimentado na vida da cantora.

Depois de enfrentar uma série de acontecimentos marcantes em sua trajetória pessoal, Ariana Grande encontrou na Arte uma forma de expressar suas emoções. Durante as 12 faixas que compõem o álbum, ela aborda temas delicados e, de certa forma, comuns – como saúde mental e perda –, com sinceridade e vulnerabilidade, gerando no seu público, identificação e empatia com a artista.

Embora as temáticas da obra sejam delicadas e os vocais da cantora impressionem, a produção, que contava com nomes como Victoria Monét e Tommy Brown, deixou a desejar. Trazendo fórmulas genéricas do pop, com batidas familiares e arranjos que não se destacam, o projeto resultou em algumas faixas se fundindo umas nas outras, como em bad idea e break up with your girlfriend, i’m bored, que possuem sonoridades parecidas, prejudicando a distinção e a memorabilidade do disco como um todo.

Além de questões de superação de relacionamentos com os singles thank u, next e 7 rings, a artista também trouxe mensagens de autossuficiência e empoderamento feminino que perduraram no seu sucessor, o Positions (2020). Contudo, é importante observar que, nos versos, há uma certa superficialidade na abordagem dos temas, sem aprofundamento e desenvolvimento, os deixando menos impactantes.

O disco foi bem recebido pela crítica especializada, que o classificou como o mais maduro da carreira da artista, chegando a receber uma nota 7.9 do website Pitchfork. Será, então, que usar fórmulas genéricas faz com que uma obra se torne necessariamente ruim? Ariana provou que não e trouxe alguns desses elementos para os álbuns sucessores, Positions e Eternal Sunshine (2024), que também agradaram os críticos.

A evolução e o sucesso de Ariana Grande como artista é inegável, seja explorando novos estilos musicais ou promovendo causas importantes, ela evidenciou seu crescimento e consolidou sua trajetória na indústria com thank u, next. Hoje, transitando entre a atuação e a Música, Grande mostra como pode ser uma artista versátil e comprometida com sua Arte. Mais do que uma artista; ela é uma voz poderosa para uma geração, inspirando milhões com suas músicas.

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Costanza Guerriero

No dia 15 de Agosto, o Twitter ficou polvoroso com o lançamento de Campo de Morango, o lead single do terceiro álbum de Luísa Souza, Escândalo Íntimo. Tanto o videoclipe quanto a música em si pareciam ser uma confirmação de que a cantora só sabe compor letras vulgares e superficiais. Contudo, aqueles que estavam bem atentos sabiam que essa pequena prévia serviria para provar um ponto, que é uma das premissas do novo projeto: Luísa Sonza, como antes se conhecia, é uma fraude. Nesse lançamento, a artista potencializa sua voz e traz sua trajetória de amadurecimento como o centro da narrativa. Ela elabora conceitos visuais e sonoros acurados, apresentando referências explícitas e cristalinas, para que até mesmo aqueles que não querem possam enxergar. 

Escândalo Íntimo brinca com a expectativa e a falácia do público, na sua estratégia de lançamento, e ao decorrer de suas 24 faixas, das quais seis foram lançadas posteriormente. Segundo a própria artista, o álbum conta a história de um relacionamento, desde o momento do flerte inicial, passando por noites tórridas, decepções e a superação dos traumas. Porém, seria mais interessante entender o disco como o processo de autoanálise da cantora, sob a ótica do contraste entre como a definiram e como ela se vê. O disco é dissecado em quatro blocos, que revelam momentos diferentes de um relacionamento, ou ainda, diferentes faces da Luísa Sonza, mostrando sua versatilidade e disposição de explorar diferentes ritmos e gêneros, desde o pop até a bossa nova. 

É de se admirar o quanto foi feito em um tempo relativamente curto. O álbum foi produzido em cerca de três meses em estúdios em Los Angeles, na Califórnia, e contou com Douglas Moda, Roy Lenzo e Tommy Brown como diretores musicais. A produção ganha uma índole plurinacional, não apenas por ter músicas cantadas em português, inglês e espanhol, mas também pelo envolvimento de diversos colaboradores de nacionalidades distintas. A artista contratada para fazer a arte da capa e contracapa do projeto, por exemplo, é a russa Olga Fedorova. Ainda para a parte visual, Sonza contou com auxílio da artista plástica e psicanalista Nathalie Nery, responsável pela exploração do conceito lúdico de sonhos versus realidade, que o disco tanto trata.

O trabalho é marcado por diversas colaborações com artistas como Marina Sena, Banco Exu do Blues, Duda Beat e até mesmo Demi Lovato. Ainda assim, a característica mais marcante do álbum é a maneira como reúne um grande número de samples e referências a outros músicos, o que por um lado pode beirar o exagero, por outro pode ser visto como uma carta de amor aos ídolos de Sonza, como Rita Lee, Alcione, Cazuza, The Beatles e Queen. 

Escândalo Íntimo é aberto pela faixa homônima, um sample da música Quarto de Hotel de Hareton Salvanini, trilha sonora do filme A Virgem de Saint Tropez, do diretor polonês Zygmunt Sulistrowski. A faixa expressa a melancolia de se sentir as inseguranças e as angústias, que as letras a seguir irão abordar, mas sem deixar de, ao final, se misturar a uma agitação e batidas mais eufóricas, a chamada para o primeiro bloco.

As músicas iniciais, como Carnificina, pintam a Luísa Souza já bem conhecida, a BRABA, a MULHER DO ANO, provocadora e sensual. Essa apresentação mostra como a personagem criada pela artista se sustenta e é vista por parte do público. Apesar de todo o hate, a Dona Aranha continua a subir, numa pegada femme fatale. Contudo, o miolo do álbum nos revela uma Sonza apaixonada, romântica e que depende emocionalmente de um relacionamento. Curiosamente, é nesse bloco que se encontra Campo de Morango, a polêmica faixa em 150 BPM, que é, na verdade, a mais metafórica. Enquanto carrega uma letra extremamente explícita e frívola, faz referência à música Strawberry Fields Forever, dos The Beatles, que diz “nada é real (…)/ viver de olhos fechados é fácil/ não compreender o que você vê”. A canção seria, então, um sonho, no qual ela se boicota, contaminada com aquilo que o público projeta dela. 

Desde o lead single, Escândalo Íntimo é apresentado com um álbum visual. Junto de seu diretor criativo, Flávio Verne, Sonza buscou integrar no visual seus sonhos e a ludicidade, somados aos elementos das fazendas interioranas do Rio Grande do Sul, local no qual a artista cresceu. No terceiro bloco do disco, se faz presente uma estética de ‘fazenda dos pesadelos’, onde a gaúcha precisa vivenciar seus traumas e se reconhece em um relacionamento abusivo, seja com o parceiro ou parceira, com a mídia ou consigo mesma. Em músicas como Penhasco2 e Outra Vez, ela se despede da ‘cachorrinha artista pop’ e são revelados medos e inseguranças, mostrando que a imagem da ‘braba’ era pura encenação, uma fraude.

A última e quarta parte do álbum vem traduzida no alívio de conseguir sair da ansiedade e na libertação da expectativa alheia e autocobrança, como é cantado em Principalmente Me Sinto Arrasada, música estilo boneca russa que dá a sensação de haver várias dentro de uma só. Outro grande destaque é a faixa Lança Menina, uma clara referência e reverência a Rita Lee, em uma explosão de positividade e esperança, a qual muitos jovens artistas podem se identificar. Nessa última etapa, Sonza se enxerga e se apresenta como realmente é: nem boa, nem má, uma mulher que gosta de fazer música, suscetível a erros e acertos, que pode ser amada e odiada. 

Não acho que eu seja nem boa, nem má
Se todos caíram na minha laia
Falando a verdade, não me importa mais
Eu só faço o que todo mundo faz

Eu acho legal essa coisa de artista
E sei que não sou nenhuma especialista
Mas se me der um palco pra eu cantar
Desmonto e derrubo todo esse lugar

Ao fazer um paralelo de Escândalo Íntimo com DOCE 22, o último álbum da artista, vê-se como ela vem construindo uma trajetória coerente. No trabalho anterior, a cantora já havia mostrado ser capaz de sair da superficialidade das letras de Pandora e arriscar-se em melodias mais densas e pessoais. No novo lançamento, ela consolida ainda mais esse retrato e se lança em conceitos sonoros e visuais, preocupada em trazer uma narrativa coesa, que deveria dispensar grandes explicações. Com toda certeza, o álbum se torna um marco na carreira de Luísa Sonza, que adentra uma nova era, vivendo em um dos maiores momentos do pop nacional.

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Laís David

Um rito de passagem natural da indústria da música é a popularização das ‘eras good girl gone bad’. Se distanciando de letras reverentes e se aproximando de um conteúdo mais adulto, esses lançamentos são marcados pela ascensão da persona Femme Fatale e a maturação de suas narrativas. Essa transição é referência para artistas que começaram cedo: Miley escandalizou com Bangerz, Taylor declarou a morte de sua antiga versão em reputation e Aguilera esteve à frente de seu tempo com Stripped. Em 2016, foi a vez de Ariana Grande e o majestoso Dangerous Woman.

Depois de dois álbuns de sucesso massivo, foi difícil enxergar qual direção Grande iria seguir. Com My Everything, ela conseguiu estabelecer seu nome como artista pop, emplacando mais de cinco sucessos consecutivos dentro da Billboard Hot 100. O desenrolar bem-sucedido entre Problem, Bang Bang e Break Free foi surpreendente dentro da indústria, e não demorou muito para que a Republic Records começasse a preparar o lançamento do disco subsequente. 

O início da era foi conturbado. Focus, o primeiro single, soava como uma versão Walmart de Problem e não agradou o público ou a crítica especializada. Para ajudar, Grande viu seu primeiro escândalo explodir nas revistas ao afirmar em um vídeo que odiava a América enquanto lambia um donut da prateleira de uma padaria. Com o single mais falho de sua carreira e a demissão de seu empresário Scooter Braun, parecia o fim ridículo da era de ouro da cantora.

Foi reinventando o conceito do disco que ela conseguiu salvá-lo. O romantismo do trabalho original, que iria se chamar Moonlight, foi totalmente descartado. Grande deixou os vestidos longos de lado e aderiu às roupas de látex; as orelhas de gatinho foram substituídas por orelhas de coelho, à la Playboy; sua sonoridade já não remete a inocência de seu passado, e sim a confiante feminilidade de seu presente. Nasce, então, o seu trabalho mais pop: Dangerous Woman.

Para um álbum recheado de canções dançantes, era impossível não contar com a participação do gigante Max Martin. O produtor trabalhou em quase todo o disco, dividindo o espaço no trabalho com o parceiro onipresente na carreira de Ariana, Tommy Brown. A produção do LP é bem mais consistente que o nada coeso My Everything, e Grande se mostra uma vocalista ilustre em todo o trabalho.

Se, até então, a floridense tinha experimentado pouco dentro do R&B, ela mergulha de vez nesse ritmo dentro do disco. Moonlight abre o álbum com sua serenidade romântica e angelical reverência – que são refutadas com a canção seguinte, a sensual  faixa-título Dangerous Woman. Essa mudança radical é precursora do trabalho extrovertido e nada ortodoxo que vem a seguir.

A americana conseguiu reunir um compilado de proficiência pop em um único álbum. Into You é talvez o maior feito de sua carreira: a construção do refrão e a mistura entre o dance pop e o R&B carregam a faixa para a lista de canções pops atemporais da década passada. O mesmo pode ser dito da memorável Side to Side, que é a mistura perfeita entre reggae, pop e o flow vultoso da rainha do rap, Nicki Minaj. Tais canções foram fundamentais para a consolidação de Ariana Grande como artista pop naquele ano.

Ela também passeia por sons retrôs de forma formidável. Leave Me Lonely é um soul moderno e polido, trazendo para Ariana o desafio (bem realizado) de colaborar com a prolífica vocalista Macy Gray. Já Greedy precedia a volta do disco com a produção recheada de pitadas de funk e motown: a mudança de tom no último refrão é inesquecível. A comparação com Mariah Carey, muito comum no começo de sua carreira, já não é mais tão comum aqui: sua sonoridade é muito mais original.

Dentro da discografia de um artista, é normal que músicas sejam esquecidas ou pouco trabalhadas. No entanto, é quase criminoso ver canções como Bad Decisions serem escondidas em tracklists deluxe e versões especiais. O mesmo acontece com a obra prima Touch It, um synth-pop proficiente e a melhor canção do disco.

Uma crítica comum dentro da indústria musical é que artistas mulheres sentem a pressão da reinvenção de seu conteúdo mais do que artistas homens. Por mais que válida, essa realidade não se aplica para Grande: essa reinvenção foi necessária para colocá-la no status que ocupa. A persona romântica e delicada do passado se transformou em uma mulher envolvente e confiante. Mais que tudo, Dangerous Woman consolidou Ariana Grande como uma artista de destaque e traçou o caminho para trabalhos ainda mais autênticos em sua discografia. 

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