Nathan Sampaio

Lendas urbanas sempre existiram na sociedade. Elas servem para nos dar explicações, para assustar, entreter e, em alguns casos, tentar abrandar uma realidade dura demais. Tendo isso como base, chegou aos cinemas em setembro de 2021 A Lenda de Candyman, sequência de O Mistério de Candyman, lançado em 1992. O novo longa busca reviver a franquia, já esquecida pelo grande público, e atualizar as discussões propostas na primeira parte.

A produção de 2021 conta a história de Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II), um jovem artista com bloqueio criativo que descobre uma lenda urbana chamada Candyman, na qual se uma pessoa falar o nome dessa entidade cinco vezes na frente do espelho, ela irá aparecer para matar quem ousou lhe chamar. O protagonista, então, invoca esse ser, o que o levará em uma jornada rumo à loucura.

A temática deste filme são os mitos urbanos. O enredo aborda, com excelência, desde o surgimento dessas histórias até o impacto que elas têm em uma comunidade, e quais os significados que elas carregam para quem as conta. Tendo essa mitologia popular como ponto de partida, o roteiro de Jordan Peele, Nia DaCosta e Win Rosenfeld utiliza-a para discutir temas sociais e raciais de extrema relevância, e a sensibilidade dos roteiristas surpreende e enriquece muito a experiência. 

Intenso, o roteiro trabalha temas sociais juntamente com o terror, de forma que ambos os assuntos avancem juntos de maneira muito orgânica e coerente. O grande trunfo disso é que podemos assistir uma boa história de horror e que ao final irá propor várias reflexões sobre diversas questões. Jordan Peele é diretor e roteirista dos longas Corra! e Nós, muito elogiados e premiados, e que chamam a atenção por causa da mistura de discussão social com terror, algo muito bem replicado em A Lenda de Candyman.

Além de roteirizar, Nia DaCosta também assume a função de diretora. Sendo apenas o seu segundo trabalho no cargo, ela se destaca demais, pois sua abordagem é muito sensível, sutil e extremamente elegante em muitos momentos. Sem sua direção magnífica, o filme poderia ter se tornado esquecível. Um exemplo da genial direção de DaCosta são os créditos iniciais. Na obra original, essa cena mostrava a cidade de cima para baixo, já no novo projeto, ela é invertida, isto é, de baixo para cima. 

Ao fazer isso, a diretora nos conta a diferença de abordagem das duas histórias: no primeiro longa havia uma protagonista branca, então ela via os conflitos sociais do alto de seus privilégios, enquanto nessa nova narrativa, os protagonistas negros, infelizmente, enxerguam e vivenciam os problemas sociais de uma forma completamente diferente. Ou seja, são visões opostas do mesmo assunto, e tudo isso é contado através de um plano simples. 

É muito interessante notar como a trama consegue mesclar perfeitamente problemas sociais, como a gentrificação e a violência gerada pelo racismo, com a lenda do Candyman de forma que em nenhum momento parece forçado ou desconexo. Tudo é muito bem encaixado para engrandecer o mito do antagonista e a cultura daqueles que contam sua história. 

Candyman só existe porque existe racismo, violência, intolerância e outros diversos problemas sociais. Isso nos leva a refletir quais outras lendas ou histórias temos na vida real que só são contadas por causa desses conflitos da sociedade.

Quando a lenda da entidade é ligada às discussões sociais que o enredo traz, cria-se uma história muito mais assustadora do que um assassino sobrenatural, pois ela conta a realidade e toda a violência presente nela. Isso nos faz pensar que a violência impelida pelo vilão é apenas um reflexo do que acontece todos os dias na vida real. 

O Mistério de Candyman também tratava de temas como a exclusão social e o preconceito contra a população negra, porém por ter sido escrito e dirigido por uma pessoa branca, talvez esses assuntos não tenham sido explorados ao máximo. Já neste novo projeto, tem-se a participação de duas pessoas negras no roteiro, além do longa ter sido dirigido por uma mulher negra, e isso muda completamente a visão que se tem acerca dessas problemáticas. Sendo assim, tem-se um enriquecimento da discussão e um aprofundamento maior nessas questões.

Vale ressaltar que embora os dois projetos sejam baseados em um conto escrito pelo autor Clive Barker, dono de outras histórias de Terror como Hellraiser, o roteiro tem uma boa dose de criatividade, pois as discussões sociais têm um maior destaque nos filmes. Além disso, todo o cenário mudou na adaptação, uma vez que o conto se passa em Liverpool, na Inglaterra, e as transposições para o Cinema se passam em Chicago, nos Estados Unidos. 

O terror presente em A Lenda de Candyman pode ser dividido em dois núcleos distintos: o primeiro tem o foco no protagonista, já o segundo se foca em personagens invocando a entidade. Há uma grande diferença de qualidade entre essas duas abordagens. 

As partes em que o Horror mais se destaca é quando observamos a jornada de Anthony, que aos poucos vai enlouquecendo e passando por um processo de transformação física muito nojento e angustiante. Tudo isso é apresentado gradualmente, o que nos intriga e causa muito desconforto, algo excelente para um filme de terror.

Porém, as cenas de ataque, em sua maioria, não são tão assustadoras, pois não há uma boa construção do suspense ou um temor pela vida dos personagens. Isso acontece porque a maioria desses trechos dá destaque a personagens desinteressantes e os acontecimentos em nada se diferem do esperado pelo espectador. Por isso, é difícil que fiquemos tensos nesses momentos – talvez só pessoas pouco acostumadas com o gênero fiquem realmente com medo.

Tais trechos de terror só não são piores por causa de DaCosta, que consegue criar sequências e planos lindíssimos nos ataques. Por ser invocada através dos espelhos, a entidade só aparece neles, fazendo necessária uma ótima coordenação de atores para que a figura aparecesse somente nos reflexos e ainda assim conseguisse atacar as vítimas no mundo real. O resultado final é impressionante. 

Além do elemento do espelho, os momentos de assassinato funcionam porque eles são muito diferentes entre si. Uma das cenas ocorre em uma galeria cheia de espelhos, já em outra nós vemos tudo acontecendo através da janela de apartamento – o que torna essas sequências muito mais interessantes e instigantes.

Se as cenas de morte fossem montadas a partir de personagens mais relevantes e se houvesse um suspense melhor construído, A Lenda de Candyman teria sido muito mais memorável do que já é. Isso não é pedir demais quando se tem ótimas sequências de terror dentro desse mesmo longa.

Outro problema presente na projeção é o seu final, o qual é muito apressado e possui reviravoltas que não fazem sentido, como por exemplo a mudança abrupta de personalidade de William Burke, personagem mentor do protagonista. Além disso, parece que todo o ritmo da trama muda, o sutil e o gradual dão lugar ao frenético e a um embate que não tem lógica. Logo, a sequência final não se encaixa com o resto da história.

A figura do Candyman é bastante reconhecida entre os fãs do Terror. Interpretado originalmente por Tony Todd, que faz uma breve aparição neste filme, o vilão possui um visual marcante, usando seu sobretudo e gancho, além de ter uma origem única e que se difere muito de outros nomes do Horror. É uma pena que ele não ficou tão famoso entre o público geral.

Já no longa-metragem de 2021, o vilão é interpretado muito bem por Michael Hargrove. Apesar dele não falar, a sua expressão sempre carrega um sorriso e um tom de mistério, que causam estranheza no espectador. A sua presença em tela é ameaçadora, isso porque ele sempre aparece flutuando ou invisível no mundo real, e isso causa um tensão e ajuda a engrandecer o antagonista. 

Para fazer frente a essa poderosa lenda, era necessário um protagonista marcante e bastante intrigante – felizmente, Anthony McCoy é esse personagem. Yahya Abdul-Mateen II constrói um homem curioso e que está em uma busca ferrenha por inspiração. Com a perda gradual de sua sanidade, o ator mostra sua versatilidade ao se demonstrar atormentado e paranoico com a perseguição do vilão, e até os últimos minutos podemos ver a ótima evolução de seu personagem.

Teyonah Parris interpreta Brianna, esposa de McCoy, e durante a maior parte da projeção sua presença não possui grande impacto, porém próximo ao final sua personagem ganha uma maior relevância na trama, e, mesmo sua interpretação não sendo tão marcante, ela tem seu devido destaque. No meio da história, ela até possui um flashback, mas novamente esse é outro trecho deslocado do resto dos acontecimentos. 

O último aspecto que vale a pena ser exaltado são os efeitos visuais. Utilizando-se majoritariamente de efeitos práticos, o longa consegue passar sensações e emoções muito genuínas, é comum se sentir incomodado, angustiado e chocado com as maquiagens mostradas. Todo ferimento, sangramento e corte tem um trabalho muito bem realizado e que mostra a brutalidade do vilão.

Os efeitos digitais, embora pouco usados, auxiliam a criar uma aura mística no Candyman. Isso ocorre, pois esses efeitos ajudam o antagonista a aparecer somente nos espelhos, além de deixar ele flutuando em alguns momentos, corroborando com a lenda contada dentro do enredo.

A Lenda de Candyman é um longa recheado de discussões sociais muito importantes. Partindo das lendas urbanas, a história consegue abordar várias temáticas e propor uma reflexão sobre elas. Além disso, é um longa-metragem que mostra uma viagem angustiante através da loucura de um homem e de todos os horrores que ele encontra. É lamentável que o Terror seja fraco em alguns pontos e seu final, assim como, outras partes sejam um pouco desconexas do resto, porque senão esse filme e a figura do Candyman teriam tudo para se tornarem um clássico absoluto do terror.

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Vitor Evangelista

Antes mesmo de lançar sua primeira série de TV, o Universo Cinematográfico da Marvel já usava a estrutura da telinha para contar histórias. Kevin Feige, a mente por trás do império, ligava os filmes entre si, como capítulos na grade semanal. Por conta disso, ao anunciarem a migração do início da Fase 4 para o Disney+, a empresa suscitou a curiosidade: como eles se comportariam frente ao formato propriamente dito? A Marvel seria capaz de sustentar uma narrativa difusa e não condensada nas duas horas e meia que acostumou o público a assistir, com óculos 3D e um baldão de pipoca com manteiga? O fim de WandaVision responde algumas dessas questões.

Foram oito semanas de exibição, passeando entre as eras da Televisão. Cada capítulo ganhava um título sugestivo de seu papel metalinguístico, e os créditos comiam boa parte da duração. As seis horas de conteúdo, prometidas no modelo Marvel televisivo, não passaram de balela. Essa foi a primeira mentira. A direção de Matt Shakman, de cara, soube extrair o ouro das inspirações cômicas na qual o cerne de cada episódio era construído em volta. I Love Lucy, A Feiticeira, The Brady Bunch, não havia maneira melhor de inserir o MCU na TV que não fosse homenageando esse meio.

Algo que Kevin Feige sempre teve em mente enquanto revolucionava o cinema blockbuster com a Saga do Infinito era a ciência de quais fontes beber. Os filmes da Marvel dosaram a mão para, na mesma medida, homenagear e criar cenas memoráveis o bastante para se tornarem referência no futuro. Nesta década de construção da tensão e do clímax de Thanos, a Televisão americana passava por sua própria ascensão. O apreço pelas minisséries tomou Hollywood de solavanco, grandes nomes das telonas fizeram TV e foram reconhecidos e premiados por isso. Estrelas do próprio hall dos Vingadores, como Mark Ruffalo, tiveram performances desafiadoras e ovacionadas. 

WandaVision começou como uma estranha sitcom que homenageava as sitcoms do passado. Cada capítulo mudava completamente o formato, a linguagem, a abertura e até o cenário. Era uma aula de história com personagens da Marvel, algo inédito para o Universo que já fez de tudo, desde romances shakespearianos até óperas especiais e comédias no Ensino Médio. Então, quando saímos do ambiente do Hex, o misterioso domo que abrigava Westview, para entender o que rolou no mundo de fora, a minissérie perdeu o fôlego e nunca mais conseguiu recuperá-lo.

Para quem estava investido em Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) e no Visão (Paul Bettany), de nada importava a quantas andavam as coisas depois do Blip. Mas, mesmo assim, o roteiro encheu a tela com a presença de Monica Rambeau, Jimmy Woo e Darcy Lewis. Coadjuvantes bons? Sem dúvidas! Mas no que eles agregariam à série de origem da Feiticeira Escarlate? Volta à nossa mente, então, que a Marvel já fazia TV e enfiava personagens onde podia para dar o nó narrativo e suspirar no fim: “olha aí, estava na nossa cara sempre”. Quando o último capítulo sobe as letrinhas, e nenhum desses rostos periféricos tem o mínimo de desfecho, WandaVision decepciona.

Uma cena entre créditos de Monica encontrando alguém que pode guiá-la à Capitã Marvel 2 ou à Invasão Secreta não é o suficiente para quem acompanhou sua jornada aqui. A Darcy (Kat Dennings, subaproveitada), coitada, que passa O Grande Final sumida e aparece atropelando o grande chefão do mal, nem ganhou segundos a mais de tela para criar uma ponte com Thor 4. Falando no vilão, que é bunda mole o bastante para nunca representar ameaça alguma, Hayward é o cuspe de todos os generais que a Marvel já usou de antagonistas: sem primeiro nome, sem carisma e sem motivação. Ele queria parar a Wanda, pois! Mas, e o motivo? Ah, porque sim.

Todo o enredo da corrupção da S.W.O.R.D. já foi feito melhor em Soldado Invernal. Os momentos fora do Hex e longe da série da Wanda ajudaram a tornar enfadonha a experiência de acompanhar uma história honesta sobre perda e dor, protagonizada pela personagem mais interessante da Marvel. No episódio 8, Wanda participa do Arquivo Confidencial do Faustão ao lado de Agnes, e a bruxa revê uma de suas primeiras interações com o futuro marido, logo após a morte de Pietro em Era de Ultron.

Quando expressa o vazio que sente, Wanda ouve um Visão, ainda confuso com as emoções humanas, declarar em forma de dúvida, “o que é o luto, se não o amor que persevera?”. A Marvel nunca antes havia mergulhado com vontade em temas inerentes ao comportamento social dos heróis. Essa fala do robô acontece uma semana depois da minissérie homenagear Modern Family para mostrar o estado depressivo da protagonista. A mudança das décadas entre sitcoms ajudou a denotar a fricção do modelo de família americana que os Estados Unidos representava.

O que começa com os anos 50, a esposa de saia rodada e com a capacidade de cozinhar uma refeição enorme em poucos minutos, se tornou uma desconstrução do papel das narrativas televisivas na vida de quem assistia. Ninguém é perfeito no mundo real, então isso não deveria ser feito na ficção. A casa muda de tamanho, os bebês nascem e crescem. O protagonismo é compartilhado. Quando chegamos nos anos 2010 e Modern Family vira o papel-carbono da semana na Marvel, eles falam sobre depressão, sobre medicamentos e sobre como aceitar essa condição é o primeiro passo para a melhora, por menor que seja.

Super-herói tem direito a terapia? A minissérie tinha tudo para responder isso, fugir do clichezão das lutas aéreas e justificar seu papel como precursora televisa, abrir a Fase 4 e reapresentar a Feiticeira nesse contexto pós-Thanos, sem irmão, sem marido e completamente instável. Ela vivia sua própria e autoinduzida quarentena, enquanto o mundo fazia o mesmo, mas sem o poder de escolha. Wanda Maximoff, uma mutante nos quadrinhos, era peça central das histórias dos X-Men, a minoria que lutava por respeito. O que é WandaVision, senão a Marvel finalmente adereçando temas sensíveis e usando heróis de collant e látex no processo?

Não houve equívoco maior. A razão está ligada ao vício da série em querer se justificar e explicar cada frase e cada cena. O Arquivo Confidencial do episódio 8 foi eficiente por revisitar os traumas em favor do desenvolvimento de Wanda. Assistimos o momento onde sua infância mudou para sempre. O passatempo da família em Sokovia era devorar séries americanas (a-há!), até que uma bomba explodiu os pais dos gêmeos, que passaram dias esperando um míssil Stark ser acionado e finalmente acabar com o sofrimento dos Maximoff, matando-os. 

A bomba nunca fez o seu trabalho. Agnes revelou que Wanda usou magia de probabilidade para salvar sua pele e a de Pietro. A Joia da Mente, na verdade, apenas despertou uma parte dormente dos poderes da jovem Wanda. Um artifício de retcon interessante e pertinente, colocando a jovem mulher como um receptáculo muito maior do que os filmes da Marvel nos mostraram. Numa conferência da S.W.O.R.D., Hayward pergunta enfaticamente se Maximoff tem algum ‘apelido engraçado’, para o que algum coadjuvante nega. WandaVision cai nas armadilhas que a própria Marvel tem feito de piada nas produções recentes, jogando a isca para Wandinha ser chamada do que sabemos que ela será chamada.

O que resulta no pensamento e terrível constatação que as personagens femininas necessitam de tramas engessadas e momentos de batismo clichês, pelo fato dos homens terem feito isso oito anos atrás, e, agora, essas batidas narrativas soam tão fracas e gratuitas (uma pausa para falar que a cena de Agnes nomeando Wanda é sensacional e não deve nada aos heróis babões dos Vingadores). Capitã Marvel, primeira mulher a ganhar um filme solo, só conseguiu o feito 2 anos atrás. Viúva Negra morreu e só terá história própria agora. Wanda era até anteontem pintada como a deusa, louca e feiticeira do grupo, sem personalidade própria ou tempo de tela suficiente para ganhar apelo para além do carisma de Olsen. 

Precisou uma pandemia mundial e o desgaste monstruoso do cinema para as mulheres ganharem o protagonismo e fugirem do arquétipo do par romântico, da maluca ou da personagem poderosa demais, mas estranhamente sem minutos suficientes para trabalhar com essas habilidades. E querer usar a Feiticeira como arma clichê do gênero não representa algo maléfico, mas WandaVision fez representar. A escolha de exibir semanalmente os curtos capítulos abriu espaço para um alvoroço e para a criação das mais mirabolantes teorias.

E elas foram a bênção e a maldição da série criada por Jac Schaeffer. Tudo começa com a notícia de que a trama WandaVision desembocaria diretamente em Doutor Estranho 2, que tem Multiverso no título. O que vem de antes, considerando a compra da Fox pela Disney, e lê-se aqui que os X-Men agora podem aparecer no MCU. Eis que, no meio de uma discussão entre o casal principal, alguém bate à porta. Ding-Dong. É um homem branco, jeito de moleque e de cabelos intencionalmente prateados. Evan Peters, que fez o Mercúrio na saga dos Mutantes anos atrás, dá as caras aqui vivendo o mesmo personagem, velocista alado e irmão da Wanda.

As pessoas perderam a cabeça. Dúvidas e teorias se multiplicaram como coelhos no inverno. A interpretação de Evan Peters remete ao ar jocoso do Pietro da Fox, mas toda sua origem é a da versão que morreu em Era de Ultron. Quais são os planos da Marvel? No fim, o estúdio apenas confirmou o receio já latente de que a simplicidade comanda o Universo. Esse Mercúrio, que era ponto central da história de WandaVision e uma demonstração física da estranheza proposital do seriado, some e nunca mais é dedicado a ele tempo para se justificar ou, ao menos, para existir ali

O que foi repetido pela presença de Agnes. A vizinha enxerida passa o começo da série citando seu marido Ralph e fazendo piadas de duplo sentido com o Inferno e o Diabo, mas nada evolui. Parece que o time de roteiristas tinha ideias, mas elas morreram no processo de solução dos mistérios e mesmo assim foram mantidas. Foi a Agatha o tempo todo! Ainda bem, pois o que não precisávamos era de mais um vilão genérico homem e sem qualquer carisma ou singularidade. A presença iluminada de Kathryn Hahn, acostumada ao formato de sitcoms na carreira, é o fator determinante do saldo positivo de WandaVision.

Um saldo positivo que a cada semana ia extraindo tudo de bom e focando nos fatores mais prejudiciais da série como série. A simplicidade ter reinado por 8 semanas não era um bom sinal. O que não significa que WandaVision precisava de cameos malucas, teorias confirmadas ou a aparição do Quarteto Fantástico, nada disso. A cultura da teoria tem reivindicado esse lugar de barulho, onde algo só é bom e vale a pena se o Luke Skywalker aparecer de surpresa e salvar o Baby Yoda de todo o mal.

A revelação da Agatha sozinha funciona por influenciar a jornada de Maximoff sem soar gratuita. A série da Feiticeira e do Visão não precisava de nada além da Feiticeira e do Visão. O que nasceu com a promessa de desvendar o luto, os traumas e as consequências da tristeza em alguém super humano, acabou renegando esse caráter de sensibilidade e força. Qual a solução que fica? O luto é passageiro e tudo vai dar certo porque seu marido robô ainda pode viver e os filhos mágicos estão em algum lugar por aí? WandaVision começa com Wanda sem controle dos poderes e buscando maneiras de controlar seus sentimentos, e acaba com ela tendo feito exatamente isso, mas pulando o momento de viver com a perda e entender o papel eterno e duradouro das ações de Thanos. 

A metamorfose das décadas televisivas em WandaVision não teve papel na narrativa, fora a estética e a graça de piscar para os nerds da TV. Se o Visão voltou, as crianças têm chance de retornar, e ninguém de Westview se revoltou contra a bruxa, então de que serviu a jornada dela por 9 episódios? Passar de superpoderosa descontrolada para superpoderosa controlada não é um arco narrativo satisfatório, e foi feito mesmo assim. E a parte triste é que a mente por trás dessa escolha tinha total ciência das consequências. Agora, aguardemos para ver Wanda ao lado do Doutor Estranho, torcendo para a Marvel não decidir jogar tão baixo novamente.

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