Marcela Jardim

Quando Speak Now chegou ao mundo, em 25 de outubro de 2010, Taylor Swift tinha apenas 20 anos, mas já parecia compreender com precisão o peso da própria voz. Em meio ao sucesso meteórico de Fearless (2008) e à transição entre o country e o pop, ela decidiu fazer um movimento arriscado: escrever todas as faixas sozinha. O resultado foi um álbum que soa íntimo e grandioso, misturando a doçura juvenil com a consciência dolorosa de quem já se feriu pela exposição. Speak Now apresenta a resposta de Swift à crítica que duvidava de sua autoria e maturidade artística, tornando-se uma prova de controle criativo e vulnerabilidade, marcada por arranjos orquestrais, confissões e metáforas cintilantes.

O disco é também um retrato de uma jovem artista lidando com as contradições da fama e da feminilidade sob os holofotes. Ao longo das 14 faixas, a loirinha transforma experiências pessoais, como amores, rupturas, críticas e arrependimentos, em narrativas universais, capazes de dialogar com diferentes gerações de ouvintes. 15 anos depois, Speak Now segue como um ponto de virada em sua trajetória: é o momento em que Swift deixa de ser apenas personagem de suas histórias e assume, de forma definitiva, o papel de narradora.

Um eixo emocional que atravessará toda a obra já aparece nas primeiras faixas: o amor como promessa e como ruína. Mine abre equilibrando medo e esperança, como se a ela já soubesse que finais felizes exigem reconstrução constante. Poucas faixas depois, Back to December inverte a lógica tradicional de sua narrativa e apresenta um pedido de desculpas explícito, algo ainda raro naquele momento de sua carreira. Se em trabalhos anteriores, ocupava majoritariamente o lugar da ferida, aqui experimenta o da culpa – movimento que se tornaria mais recorrente em álbuns futuros. 

Esse contraste entre acreditar apesar do trauma e reconhecer os próprios erros cria uma tensão madura para uma artista de 20 anos. Não à toa, o álbum vendeu mais de um milhão de cópias na primeira semana nos Estados Unidos, tornando-se o 16º disco da história a atingir esse feito na época – um número que consolidava não apenas popularidade, mas relevância cultural. A obra, que estreou em primeiro lugar na Billboard 200 e acumulou múltiplas certificações de platina ao longo dos anos, caminha entre o encantamento e o desencanto, entre o impulso de amar e a necessidade de sobreviver ao fim. 

Já o título não é à toa. Em Speak Now, há fantasia, humor e impulso: a ideia de interromper um casamento é exagerada, quase cinematográfica, porém simboliza o desejo de finalmente dizer o que ficou preso na garganta. Já Dear John abandona qualquer verniz lúdico e mergulha em quase seis minutos de exposição crua sobre manipulação e diferença de idade em um relacionamento desigual. A pergunta “Don’t you think I was too young?” (“Você não acha que eu era jovem demais?”) ressoa como marco de amadurecimento público e privado, transformando o que poderia ser mera fofoca em denúncia emocional, marcando um dos momentos mais maduros e dolorosos da carreira da artista.

Enchanted talvez seja o coração sonhador do álbum: um encontro mágico que captura o instante exato entre o olhar e a paixão. É o ápice da cantora, das metáforas cintilantes e dos olhos brilhando sob luzes de cidade. Em contrapartida, Last Kiss desmonta qualquer armadura emocional. Lenta, dolorosa e verdadeira, é talvez uma das canções mais tristes de Swift, uma despedida contida que carrega todo o peso de amar em vão. Essas canções demonstram como o álbum caminha entre o melodrama e a confissão, o início e fim da paixão.

Em outra vertente, Mean converte as críticas em superação, enquanto Better Than Revenge revela a reação impulsiva de quem ainda busca poder através da raiva – uma resposta crua e imatura. Quinze anos depois, Actually, Romantic, faixa de The Life of a Showgirl (2025), retoma esses mesmos temas com distanciamento e autoconsciência, como se revisse o espelho emocional do antecessor. A regravação de Speak Now (Taylor’s Version) (2023) já indicava esse amadurecimento: Swift reconhece os excessos sem apagar a emoção. Essa consciência se torna domínio narrativo novamente em Actually, Romantic: a artista encena o julgamento e transforma a vulnerabilidade em força, revisitando o processo de afirmar sua identidade.

Um símbolo de legado e comunhão entre gerações de swifties Never Grow Up e Innocent formam dois polos complementares dentro de Speak Now, ambos marcados pela vulnerabilidade e pelo desejo de amadurecer sem perder a doçura. A primeira é um lembrete agridoce da passagem do tempo, um retrato terno da inocência que se esvai; já a segunda, lançada após o episódio humilhante no VMA de 2009, é um gesto público de perdão – não apenas para Kanye West, mas para si mesma, ao afirmar que ainda há pureza mesmo após o erro. Juntas, revelam como Swift equilibra fragilidade e força, sarcasmo e empatia, mostrando que crescer também é se reconciliar com as próprias falhas. Nas duas faixas, a artista traduz a dor em arte, oscilando entre o íntimo e o épico, uma sensibilidade que define o coração do disco.

O encerramento com Long Live é quase mítico, um tributo à própria jornada e aos fãs que a acompanharam desde o início. Ao celebrar as vitórias e as cicatrizes, a loirinha muda sua história pessoal em lenda compartilhada, uma canção sobre a glória efêmera e a memória duradoura. Mais de uma década depois, o impacto da faixa ganhou novas dimensões com a The Eras Tour, em que Swift a incluiu como clímax emocional dos shows, transformando estádios inteiros em corais de vozes unidas por um sentimento de pertencimento e continuidade. A música, antes um agradecimento íntimo à banda e aos fãs de sua juventude, tornou-se

No Brasil, Long Live ainda carrega um significado especial por causa da versão em parceria com Paula Fernandes, lançada em 2012. A regravação, cantada em inglês e português, representou um raro gesto de aproximação cultural e marcou profundamente o público brasileiro, que adotou a canção como hino afetivo. A obra permanece como um testemunho de autoconfiança, mas também de crescimento. É o disco de uma jovem que aprendeu a se defender com poesia e a se reconstruir com melodia. Falar, ou cantar, foi o gesto que a libertou, e essa coragem ecoa até hoje em cada verso de sua carreira. Speak Now é sobre o poder de reivindicar o próprio enredo, mesmo quando o mundo tenta escrevê-lo por você.

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Arthur Caires

Após muitas especulações de qual seria a próxima regravação de Taylor Swift – como easter eggs em merchs indicando 1989 e Speak Now, referências no clipe de Bejeweled do álbum Midnights, e a presença de nada mais nada menos que  Enchanted na setlist da The Eras Tour – Speak Now (Taylor’s Version) finalmente está entre nós. Originalmente lançado em 2010, a regravação do terceiro disco de estúdio de Swift foi anunciado em um grande telão de seu show em Nashville, e chegou para reafirmar o desejo da artista de recuperar os direitos de seus seis primeiros trabalhos, ao mesmo tempo que presenteia nostalgia para os fãs.

O disco contém 22 faixas, sendo dezesseis regravações e seis da parte From The Vault – coleção de músicas originais nunca lançadas que foram produzidas na época do álbum, mas não entraram na seleção final. Além disso, com o intuito de provar sua habilidade de compor no início de sua carreira, todas as canções foram inteiramente escritas por Swift. Dentre as canções, Mean, uma resposta a um crítico que disse que a artista não sabia cantar, conquistou dois Grammys nas categorias country em 2011. Agora, em sua regravação, a canção se torna ainda mais irônica com os vocais aprimorados da cantora e sua posição atual na indústria da Música.

Embora seja um feito simbólico, ao priorizar faixas apenas escritas por ela, Swift acabou limitando a regravação e deixando algumas outras de lado. No início da The Eras Tour, a cantora liberou a nova versão de If This Was A Movie, inicialmente da versão deluxe do Speak Now, mas que foi jogada para a era Fearless (Taylor’s Version), por ser co-escrita por Martin Johnson, vocalista da banda Boys Like Girls. Além disso, Drama Queen – também assinada pelo cantor – e Battle (Let’s Go) são dois descartes conhecidos pelos fãs que não entraram no álbum regravado. Junto deles, as versões acústicas de Haunted e Back To December foram também encontrar Long Live, com participação de Paula Fernandes, no quase literal cofre da loirinha.

No âmbito das regravações, a nova versão do terceiro álbum foi a que mais gerou controvérsias entre os fãs. Enquanto o relançamento de Fearless melhorou o disco original em todos os aspectos – vocais, produção e mixagem – e Red (Taylor’s Version) teve seus grandes pontos altos, como a versão de 10 minutos de All Too Well, e alguns baixos, como a perda de força nas faixas co-escritas por Max Martin, Speak Now (Taylor’s Version) sente falta da voz jovem e embargada de emoções da versão de 2010.

É necessário muito mais tempo para se acostumar e apreciar os vocais maduros da cantora nessas canções que há tanto tempo fazem parte do nosso repertório musical. Essa transição se torna particularmente notável em faixas como Last Kiss, em que a característica respiração trêmula na ponte desaparece, e em Enchanted, na qual, apesar da produção ganhar uma grandiosidade notável, os vocais ingênuos que anteriormente capturavam o encanto de um amor à primeira vista parecem se dissipar.

Outra mudança contraditória foi a alteração de uma frase polêmica do refrão de Better Than Revenge. A música que sempre foi conhecida, até mesmo pela própria cantora, pelo seu teor misógino teve em sua regravação uma reparação histórica: “Ela é mais conhecida pelas coisas que faz no colchão” se transformou em “Ele era uma mariposa para a chama, ela segurava os fósforos”. Por um lado, a mudança é uma forma de Swift passar uma mensagem diferente para as novas gerações; por outro, se Paramore pode cantar Misery Business com a consciência de seu significado pejorativo, a loirinha também é capaz.

Embora a perda das emoções à flor da pele da artista seja algo que apenas os grandes fãs irão notar, ainda mais por se tratar de algo fora do alcance da cantora de reproduzir, o novo nível técnico dos vocais faz valer a pena. Apesar de tudo, músicas como Mine e The Story Of Us ganham uma imensa qualidade, sobressaindo sua voz e praticamente se transformando em um instrumento junto com a produção, que está superior à original em todas as faixas.

Além destas, a quinta música do disco, Dear John, é outra que foi cuidadosamente regravada. A canção, que teve como inspiração o relacionamento da artista com o cantor John Mayer, ganhou um novo significado após o lançamento da Would’ve, Could’ve, Should’ve da versão 3am de Midnights, de 2022. Saber que esta relação de grande diferença de idade – Swift com 19 e Mayer com 32 – assombra a cantora até hoje em versos como “Eu me arrependo de você o tempo todo”, faz com que, ao ouvirmos a regravação, se sinta um gosto amargo ainda maior.

Enquanto isso, na seção From The Vault, temos como destaque a faixa I Can See You, com uma produção um tanto quanto diferente em relação ao resto do disco e até mesmo dos últimos trabalhos originais de Swift. Trata-se de um pop/rock delicioso à la Fleetwood Mac, mas com um toque do estilo de Daisy Jones & The Six. Como um todo, essa nova coleção de músicas teve como propósito celebrar a nostalgia da época com as participações de Fall Out Boy e Paramore, e mostrar que até mesmo os descartes da artista têm um valor significativo.

Com a The Eras Tour programada até o fim de 2024 – incluindo uma parada no Brasil em novembro deste ano – os próximos passos de Taylor Swift são incertos. Uma das certezas é o álbum 1989 (Taylor’s Version), anunciado durante seu último show dos Estados Unidos, com cinco faixas adicionais e diversas capas colecionáveis. Mas a questão é: irá Swift lançar as duas últimas regravações até o fim de sua turnê? Ou um disco de inéditas pode estar a caminho com a cantora entrando e saindo de estúdios? Nada se sabe ao certo, mas com certeza há um easter egg perdido com a resposta para todas essas perguntas.

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Luiza Lopes Gomez

Reflexões na madrugada, nostalgia de inquietudes antigas e diálogos internos marcam as composições do décimo álbum de estúdio de Taylor Swift que reafirma seu posto como artista flexível e inovadora, capaz de movimentar multidões e quebrar recordes. Com o anúncio do disco em meio ao seu discurso de agradecimento no VMA 2022, Swift introduziu ao público uma nova era. Permeado por mistérios e noites sem dormir, Midnights foi apresentado de forma instigante e milimetricamente arquitetada antes mesmo do seu lançamento, partindo de uma coleção de vídeos postados nas redes sociais, revelando os nomes das composições e recheados de easter eggs, referências já tão próprias da artista.

Como uma mescla de toda a trajetória de Taylor Swift na Música, o álbum, com 13 faixas em sua primeira versão e 20 composições na edição 3 am, é introduzido na carreira da cantora norte-americana de forma a recapitular sua história e, paralelamente, revelar facetas não expostas anteriormente ou aprofundá-las após mais de dez anos de atividade. Com tom irônico, a compositora explora a melancolia e o amargo de momentos que cercam sua sensibilidade e confusão interna. Ao fazer isso, porém, Swift não segue uma linha delicada e nebulosa a fim de ressaltar seu medo, mas sim apresenta uma atmosfera dançante e imersiva, com toques de sensualidade e mistério. 

A mistura entre o íntimo e a descontração tornam o álbum uma união de opostos, revelando trajetórias não lineares na vida da cantora que quebram expectativas e conquistam a adoração de seus fãs e da crítica. Desse modo, o disco coleciona recordes de acesso em plataformas musicais, consagrando Taylor Swift como “a indústria musical”. A combinação da batida pop com composições mais densas demonstra a superação de barreiras temáticas e sonoras da artista, desvinculando-se de qualquer rigidez e imobilidade lírica. Assim, ela promove uma viagem ao passado que, por outro lado, possui uma visão nova, madura e sofisticada sobre questões complexas acerca de crescimento, perda e pertencimento. 

A jornada para a composição de certas faixas passa por um grande processo de imersão na sua juventude. Would´ve, Could´ve, Should´ve, presente na versão deluxe, é uma das músicas mais intensas e vulneráveis criada pela artista. Com a apresentação de canções tão potentes e dilacerantes, Taylor Swift emociona ao detalhar os arrependimentos antigos que a assombram até hoje, retomando relacionamentos tóxicos vivenciados e cicatrizes ainda abertas em seu coração. Além de transmitir seus sentimentos de forma esplêndida e comovente, Swift é capaz de aproximar o ouvinte de suas feridas mais profundas e marcantes através de letras que, pela sua voz, mostram sua potência, sendo responsáveis por influenciar a forma de ver o mundo e receber o amor.

O que também chama a atenção dos fãs mediante a liberação de faixas do disco são as relações diretas traçadas com outra obra da cantora, seu segundo álbum, Speak Now. No ano de 2022, novas citações sobre o sofrimento em uma relação dual e dilacerante, apresentada anteriormente de forma menos profunda em Dear John (2010), constituem momentos comoventes no que diz respeito à destruição de sua inocência e do abuso emocional suportado, apresentando reflexos em sua personalidade e autoconfiança. De tal forma, Taylor Swift transmite toda sua genialidade e sensibilidade, ressaltando seu extenso talento à medida em que transpõe todo seu medo e remorso em versos incomparáveis.

Em um processo de imersão no seu ‘eu’ mais particular, Taylor Swift, como  compositora árdua e experiente no ramo musical, passa por sonhos e pesadelos para construir uma ponte entre seu passado e presente, reconhecendo seus pontos fracos e destacando-os em uma perspectiva que beira a autodepreciação, às vezes perdida entre batidas dançantes que superam os vocais reflexivos. O lead single do décimo disco da cantora, a faixa Anti-Hero, representa justamente este conflito entre o caos interno e a sua visão perante uma sociedade maniqueísta que oprime a expressão individual resultante da instabilidade interior. 

A forma como diversas crises e a falta de confiança são expostas, tão próxima do público no quesito relacionável, remonta a situação de exaustão mediante dilemas morais de madrugadas que condenam. Por outro lado, tanto na faixa principal como em outras que flertam com o lado sensível do ser, suas questões morais e de cunho emocional, é a versatilidade de suas músicas que se manifesta. Para tal, percebe-se a grandiosidade da cantora a partir da construção de um ambiente efervescente para o público, funcionando como uma espécie de teatro vicentino de teor musical, em que os ouvintes se envolvem com a produção e musicalidade atrativas mas, ao mesmo tempo, refletem sobre as realidades complexas e identificáveis presentes em seu âmago.

Além do single de Midnights, outras composições do álbum dialogam com o tema dos arrependimentos e da aceitação, se perdendo em lembranças e, posteriormente, entendendo seus resultados em quesitos de personalidade e ação na vida adulta. Uma das canções que segue tal temática e atraiu os olhares do público e da mídia foi a faixa You’re on Your Own, Kid. Solidão, perda e transformação se entrelaçam e dão vida a um cenário nostálgico da jornada de Taylor Swift, que desenvolve a música a partir de inseguranças de seu passado, dificuldades de aceitação e de reconhecimento da independência como algo positivo. 

Destaca-se a fórmula de sucesso de Taylor Swift em seus lançamentos como resultado de uma entrega impecável para o público, criando ambientes de identificação do ouvinte com as faixas, o que garante ainda que ela acerte em cheio no teor emotivo de suas obras. Ao trocar experiências e expor trajetórias tortuosas até atingir seu momento de estima, a cantora cumpre com uma visão engrandecedora em suas canções, provando a capacidade de superação em relação a dilemas tão próprios do mundo moderno e da juventude, alarmados em madrugadas ruidosas. Torna-se evidente, ainda na continuação do álbum, a forma majestosa com que a artista abre o seu universo, abraçando o sentimento de conforto e afabilidade nas faixas mais lentas e pessoais do disco.

No quesito musicalidade, a credibilidade dos projetos de Taylor Swift mostra-se ainda maior a partir da percepção de sua forma de criação na indústria ao inserir o seu clássico pop, como o do inesquecível 1989, em conjunto com a delicadeza e complexidade de composições próximas das músicas atemporais de seu oitavo álbum, folklore. A unicidade de Midnights parte justamente do relacionamento diferenciado entre suas batalhas psicológicas e sua incapacidade de negar a tentativa pela perfeição, satirizando suas dores e revelando novas emoções que tomam espaço a partir de decepções como vingança, indiferença e karma. 

A partir da produção de planos não tão polarizados e distantes entre tristeza e ânimo, presente nas batidas do disco, Swift concebe ao público canções com toques mais poderosos e que expressam o tom sensual e amargo da norte-americana, distanciando-se de composições somente românticas. Com isso, a artista amplia seus horizontes e expressa sua capacidade em permear diferentes territórios de forma avançada e impecável, construindo um ambiente comum de envolvimento e atração contínua.

Primeiro álbum realizado totalmente em parceria com Jack Antonoff, o disco une vocais incríveis de duas parceiras de longa data do produtor musical: Taylor Swift e Lana del Rey. As artistas se juntam em uma das canções mais metafóricas de Midnights, combinando seus toques românticos e paradoxais em Snow On The Beach. Considerando toda a ansiedade envolvida no feature, a faixa deixa a desejar no que diz respeito à participação de del Rey. A composição bela e estranha, que mistura emoção e desilusão constantemente, tem sua potencialidade exaltada em decorrência da maestria na condução de versos e estrofes dramáticas, porém, não capazes de esconder a ausência da voz da cantora convidada nos ápices da faixa. 

Assim como a parceria com Lana del Rey e os outros dez álbuns de Taylor Swift, o romance está presente em Midnights de diferentes formas, transpondo desde a sensação de arrependimento até a conquista de um amor guerreiro e vencedor. No disco, o sentimento modela-se de maneiras distintas, traçando um percurso não linear que começa na negação da paixão em Labyrinth até a conquista da tranquilidade e transparência em um relacionamento, como detalhado em Sweet Nothing. Esse processo, no entanto, envolve possíveis mudanças no caminho até chegar ao ponto de destino do conforto.

A intensidade e o mistério de certas canções da obra de Taylor Swift são intensificados através de mecanismos de sobreposição e modulação de vozes, como nas faixas Midnight Rain e Maroon, que abordam jornadas frustradas da cantora e inserem o ouvinte em um meio sensível e imersivo que clama pela potência e força de tal experiência. O álbum configura-se de tal forma como uma companhia para todos os momentos, caminhando desde a vulnerabilidade até o poder de se sentir livre e brilhante. Característica obviamente planejada por Swift, Midnights oferece de tudo um pouco, sendo capaz de te acompanhar nas madrugadas e se mostrar compatível com diferentes dores, incentivando, porém, a expressão do brilho interno de cada um, assim como preciosos diamantes.

O lançamento de Midnights não foi a única surpresa de Swift em sua mais nova era. Meses após o debut de seu décimo álbum, a cantora retornou aos holofotes com o anúncio de sua turnê mundial, a The Eras Tour. Narrando toda sua trajetória na Música através de diferentes composições, cenários, figurinos e uma produção impecável e esplêndida, Taylor Swift comove multidões com shows de mais de três horas que não perdem a intensidade e emoção por um minuto sequer.

Recebendo ainda o reconhecimento do Grammy como a “turnê mais lendária desta geração”, a cantora norte-americana reafirma através do espetáculo toda sua genialidade e talento em uma carreira que já supera 17 anos. A energia do evento é capaz de ultrapassar quaisquer barreiras de diferentes estádios e transparecer todo o empenho, excelência e comprometimento de Swift com seu público.

Sua jornada de sucesso na indústria tem como base todo seu magnetismo e dedicação no que se propõe a fazer e inovar na Música. Traçando uma linda caminhada desde suas primeiras aparições em 2006 com o primeiro álbum Taylor Swift, até a consagração de seu legado através de Midnights. Nenhuma porta encontra-se inteiramente fechada para ela, uma compositora em ascensão há anos e extremamente criativa e ambiciosa em todas as suas produções, emplacando hits e marcando vidas a cada momento. 

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Pedro Gabriel

Miami, 1964. Após uma vitória espetacular de Cassius Clay (Eli Goree) sobre o campeão dos pesos-pesados Sonny Liston, um grupo de amigos se junta para comemorar o feito. Essa noite poderia ser apenas mais uma história de diversão, com uma festa regada a bebidas alcoólicas. Mas isso não ocorre. O grupo citado é formado pelo ativista Malcolm X (Kingsley Ben-Adir), o pai do soul Sam Cooke (Leslie Odom, Jr.), o jogador de futebol americano Jim Brown (Aldis Hodge) e o campeão Cassius Clay, que futuramente seria chamado de Muhammad Ali.

Uma Noite em Miami… desenrola os conflitos entre o quarteto ao discutir suas participações no movimento negro. Enquanto Malcolm X lutava de forma aberta, outras personalidades como Sam Cooke utilizavam de diferentes artifícios, travando uma luta mais silenciosa. Logo no início do filme, há a apresentação dos personagens em situações delicadas, em que sofrem com o racismo nos Estados Unidos. A primeira cena, que traz Jim Brown indo visitar um senhor branco muito rico, dói na alma de assistir, uma vez que ele é muito bem recebido logo de cara, mas, quando oferece uma ajuda, é prontamente impedido de entrar na casa por conta de seu tom de pele.

O filme é uma adaptação da peça homônima escrita por Kemp Powers, que também assina o roteiro do longa. A estrutura da história acaba seguindo os mesmos caminhos de outras produções teatrais, como a também indicada ao Oscar 2021, A Voz Suprema do Blues, e The Boys in the Band. Todos esses filmes trazem uma construção de espaço muito parecida, mesmo que as histórias sejam completamente diferentes. Os cenários são concentrados em apenas um local, o número de personagens é pequeno e os diálogos são extensos e pesados. Cada vez que alguém começa a falar, as palavras são direcionadas para afetar o interlocutor de uma maneira extremamente forte.

Toda a estrutura do filme pode não agradar uma grande parcela do público, uma vez que são histórias mais contidas e pontuais, e que, em sua maioria, terminam com finais abertos. No caso de One Night in Miami…, a história é o que promete em seu título — contar o desenrolar dessa noite, cheia de atritos na forma como cada um se relaciona com o ativismo negro e mostrar as fragilidades e diferenças de pensamentos no movimento na época. Nesse ponto, ele consegue seguir um caminho mais fluido que outros filmes baseados em peças. Os diálogos são muito bem construídos, amarrando os desenrolares da história sem parecer que querem colocar dias em apenas uma noite. 

A relação dos personagens, como suas diferenças e ligações, são um ótimo fio condutor. Mas, dentre os quatro personagens, Aldis Hodge acaba ficando ofuscado dentre os demais, uma vez que a atuação de Leslie Odom, Jr. é impecável. O ator mostra os nuances de toda a sua frustação na carreira e na forma como ele atua na manutenção do movimento negro. Não apenas Leslie, mas os demais personagens possuem momentos de maior destaque. 

Eli Goree entrega uma ingenuidade em seu Cassius Clay, que está prestes a se converter ao islamismo, e tem como guru Malcolm X. Inclusive, Kingsley Ben-Adir entrega uma atuação formidável em demonstrar essa figura paternalista, que está atenta a todo momento, e que vive o que luta. O contraponto do seu personagem com o de Sam Cooke movimenta a maior parte das discussões do filme, com diálogos grandes e profundos, deixando claro as divergências, mas aprofundando suas relações.

Mesmo com todos seus acertos no roteiro e nas atuações, o filme poderia facilmente se perder. Mas não é o caso, uma vez que a já premiada Regina King é a diretora desse longa. Esse é o primeiro trabalho da atriz no backstage de uma produção cinematográfica, e já começou o com o pé direito sendo muito elogiada pela crítica. A direção de King consegue situar quem assiste em poucos minutos na realidade dos personagens, com cenas impactantes. 

Além disso, atua com maestria ao emplacar com fluidez os diálogos. As decisões de como festejar, se posicionar, na forma como são vistos pela sociedade, tudo toma uma proporção ideal para a proposta de Uma Noite em Miami…. É conciso e trabalha de forma exemplar a história, que, mesmo sendo fictícia, mantém o peso e importância dessas figuras na sociedade. O que se vê em tela é apenas uma amostra do que viria um ano depois, com o assassinato de Malcolm X. 

A produção foi muito bem recebida nas premiações, com grandes indicações em seu repertório. No Oscar 2021, especificamente, está indicado em três categorias: Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Ator Coadjuvante para Leslie Odom, Jr. e Melhor Canção Original com Speak Now. Infelizmente, as chances do filme não são as melhores. Em todas as categorias em que foi indicado, a de Canção Original é a mais forte. Nas demais, terá que bater de frente com o favorito para roteiro, Nomadland, e de ator com Daniel Kaluuya, por Judas e o Messias Negro, que tem vencido todas as premiações, inclusive a do Sindicato dos Atores, o SAG Awards.

Mas, o filme merecia mais prestígio em outras categorias. O trabalho de Regina King merecia um lugar entre os indicados a Melhor Direção. Em outras premiações, a diretora foi mencionada, mas no Oscar acabou sendo esnobada. Mesmo que não levasse o prêmio, pela primeira vez na história, a Academia indicaria três mulheres na categoria. Além disso, em Melhor Filme, onde pode-se ter até dez indicações, duas vagas ficaram sem serem preenchidas, dando espaço tanto para Uma Noite em Miami…, quanto para A Voz Suprema do Blues. Entretanto, é gratificante ver o número de filmes sobre os movimentos negros sendo prestigiados, além de artistas negros indicados e com grande probabilidade de vencerem, após alguns anos não terem nenhum concorrente. 

One Night in Miami… está disponível no Prime Video, juntamente com outros indicados como O Som do Silêncio, Borat: Fita de Cinema Seguinte e Time. A história dessas grandes figuras, festejando em um quarto de hotel com um pote de sorvete pode não agradar a todos pelo seu formato, mas é uma narrativa muito bem construída e que marca a entrada triunfal de Regina King na direção de cinema. 

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