Ana Beatriz Zamai 

Inspirado na obra de mesmo nome, Se Não Fosse Você (2019) é mais uma adaptação literária da controversa Colleen Hoover, autora de best-sellers como É Assim que Acaba (2016) e Verity (2018), que também saíram do papel para as telonas, em 2024 e, futuramente, 2026, respectivamente. Porém, para quem não leu o livro, provavelmente não irá associar o filme à escritora, visto que essa não é uma de suas obras mais famosas – e os fatores negativos da adaptação não são somente associados ao desenvolvimento da trama, como no longa estrelado por Blake Lively. 

A história é entrelaçada por três mulheres da mesma família, Clara Grant (Mckenna Grace), sua mãe Morgan Grant (Allison Williams) e Jenny Davidson (Willa Fitzgerald), irmã de Morgan e tia/melhor amiga/confidente de Clara. Morgan e Jenny namoram seus amores de adolescência, Chris Grant (Scott Eastwood) e Jonah Sullivan (Dave Franco); mas, 17 anos depois, a mãe e o tio de Clara descobrem que talvez os pares estejam invertidos: Jenny e Chris sofrem um acidente trágico juntos e os viúvos descobrem que os dois mantinham um caso secreto há anos.

Em uma das primeiras atuações de Mckenna Grace como uma adolescente vivendo a ‘vida de jovem’ – aqui entende-se o momento da descoberta dos primeiros amores, o fortalecimento de grandes amizades, e as discussões com os pais, típicas de adolescentes incompreendidos –, a atriz exemplifica muito bem a importância de ter feito tantos bons papéis enquanto ainda era criança. Grace entrega mais uma ótima personagem, com uma atuação leve e natural. 

Essa leveza é muito facilitada pela parceria com Mason Thames, intérprete de Miller Adams, um colega de escola de Clara que se aproxima aos poucos, sem saber que a menina já nutria uma paixão por ele há um tempo. Seja pela direção de Josh Boone ou pelo conhecimento de Mason em ser um adolescente conquistador – conhecimento esse que aparentemente conquistou a própria Mckenna Grace –, Miller Adams é muito bem representado como um galã romântico de filmes adolescentes clichês, um tipo de personagem que estava longe dos últimos romances das telonas. A química dos jovens atores é muito evidente e muitos dos momentos de afeto entre o casal soam naturais, e não mecanizados. 

Entretanto, a naturalidade é vista, infelizmente, apenas nos mais jovens. A grande maioria das cenas entre os adultos são constrangedoras, principalmente as que envolvem Morgan e Jonah. É como se o telespectador estivesse na sala de ensaios do filme, escutando Allison Williams e Dave Franco apenas lendo o roteiro, sem qualquer tipo de emoção, seja nos momentos felizes, apreensivos ou tristes. Há uma ressalva para Williams nas cenas em que a personagem expressa raiva: mãe e filha brigam com certa frequência, e é nessa hora que vemos um brilho de esperança na atuação. Seja nas discussões com Clara ou nos momentos em que sente raiva do falecido esposo, Allison consegue expressar muito bem a irritação da mulher através de gritos dignos de filmes de terror e expressões faciais e corporais. Mas essa raiva não é o suficiente para convencer o público a gostar do casal viúvo recém formado. Enquanto Clara e Miller exalam química mesmo em conversas casuais, Morgan e Jonah não chegam perto disso nem quando se esforçam muito. 

Outro fator negativo, novamente relacionado à Alisson, Dave, Scott e Willa, é o fato deles também interpretarem a versão mais jovem de seus personagens. Como já mencionado, os casais estão juntos desde a adolescência, e a produção achou de bom tom colocar o quarteto com roupas, acessórios e penteados ‘de jovens’ para os momentos de flashback, além de um filtro no rosto, como se tivessem sido gravados através de stories do Facebook. O filme tenta, e falha, induzir o leitor a acreditar que a Allison ‘personalizada’ dela mesma no passado teria a mesma idade que Mckenna no presente. 

A divulgação do longa o define como uma mistura de drama e comédia romântica, e a adaptação é, de fato, dramática, mas se sai muito melhor quando assume o lado cômico. As cenas de drama, além de serem rasas e não aprofundadas, seja pelo roteiro de Susan McMartin ou por seguir fielmente ao livro – Colleen Hoover é produtora executiva, garantindo aos fãs seguir precisamente a obra escrita, seja isso bom ou ruim – são prejudicadas pela atuação do elenco mais velho, como já comentado. 

Os momentos em que o roteiro tenta criar cenas engraçadas são as que fazem o telespectador criar um carinho pela produção – além de, óbvio, o romance jovem. A cena em que Morgan encontra a filha em um carro com Miller, descobre que a garota havia usado maconha durante o funeral do pai e a deixa na porta de casa é um acontecimento emoldurado perfeitamente nas clássicas comédias românticas, além de mostrar uma boa química e atuação conjunta de Williams e Grace. Essas cenas podem ser responsabilizadas por Josh Boone, diretor de A Culpa é das Estrelas (2014), um profissional acostumado a lidar com romances em acontecimentos trágicos e a dirigir momentos de alívio cômico nestas situações. Além disso, a adição da personagem Lexie (Sam Morelos) foi uma boa escolha: a melhor amiga de Clara convive com a família Grant como se fosse uma segunda filha, e não tem medo de pesar o clima com frases cômicas. 

No geral, Se Não Fosse Você é um bom passatempo, uma comédia romântica típica de agradar o coração e  logar com 3,75 estrelas no Letterboxd – 3,5 é pouco, mas 4 já é demais. O longa peca em alguns fatores, como na atuação dos adultos e na pressa para terminar: depois que os dois casais passam pela ‘tempestade’ e ambos estão bem, é como se dissessem para a produção que eles só tinham mais dez minutos para finalizar o longa. Dois fatores deixam essa impressão: deixar apenas um mês como espaço de tempo entre a calmaria e o final clichê – Morgan e Jonah sequer mencionaram os falecidos esposos, já estavam juntos e felizes, com Clara, que, de repente, aceitou a situação sem questionamentos – e a escolha em não contar para a garota que o filho de sua tia com, supostamente, seu tio, na verdade é com seu pai. Seja pela pressa em fechar a história, por furo no roteiro ou por opção dos produtores, foram decisões que prejudicaram o que seria um final agradável. 

Entretanto, os fatores que conquistam o público são maiores que os desanimadores: a atuação de Mckenna Grace e Mason Thames conquistam pela química natural e atraente e a história em si é boa, mesmo que não tão bem explorada. Os fãs de comédia romântica lidaram com a falta de obras (boas) do gênero no mercado cinematográfico, mas agora podem ir aos cinemas se deleitar de um bom clichê que te dá esperanças no amor – se ignorarem a tentativa falha de dramatizar o filme.

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Nathalia Tetzner

Poucos diretores sabem explorar o lado mau dos homens como Martin Scorsese e, no campo dos atores, são raros aqueles que, à la Leonardo DiCaprio, sabem se despir para viver na pele uma figura ‘8 ou 80’. Na floresta do capitalismo selvagem, O Lobo de Wall Street surge, em 2013, sem escrúpulos ou moralismo para retratar a trajetória de Jordan Belfort pelos edifícios carnívoros do distrito financeiro mais cobiçado do mundo.

Mais uma vez no universo cinematográfico de Scorsese, o cenário é o mundo dos crimes de Nova Iorque. O roteiro de Terence Winter adapta a biografia homônima de Belfort com uma dose considerável e proposital de glamourização e exagero. Nas telas do Cinema, a luxúria e corrupção do ex-corretor da bolsa de valores estadunidense se transformam em uma Comédia, com momentos desconcertantes que também causam um verdadeiro terror na audiência.

Sentado atrás de escrivaninhas capengas, telefonando incansavelmente na busca de alguém que acredite em suas palavras e visão de mercado, Jordan Belfort passa de caça a caçador. Ao longo dos anos, a única coisa que permaneceu em sua rotina foi a amizade com o colega de trabalho Donnie Azoff, interpretado brilhantemente por Jonah Hill, peça fundamental na organização de todos os tipos de práticas condenáveis na sala que, agora, é enorme o suficiente para o ego inflado de ambos.

O grande despertar de Belfort acontece em uma das cenas mais memoráveis do filme, o almoço com o mentor e ex-patrão Mark Hanna, extremamente ‘charlatão’ graças a atuação certeira de Matthew McConaughey. Ao ouvir de Hanna sobre o suposto poder do uso de cocaína e prostitutas durante o trabalho, o protagonista ganha de Leonardo DiCaprio uma dimensão tão dinâmica e explosiva quanto a Fotografia de Rodrigo Prieto.

Roubando a cena, Margot Robbie traz profundidade para Naomi Lapaglia que, na entrega de qualquer outra atriz, poderia ser considerada apenas como a jovem que acabou com o primeiro casamento de Jordan Belfort. Da futilidade natural de sua personagem, Robbie nasce em Hollywood como uma sex symbol, porém, passados os dois primeiros arcos do longa, demonstra uma potência dramática que justifica o encanto de Martin Scorsese e DiCaprio no casting.

Passados 10 anos desde o lançamento, é de se acreditar que as polêmicas teriam desaparecido, mas não, até porque existem aqueles que continuam sem entender a crítica e realmente se iludem com o espetáculo de Scorsese. Entre os defeitos do longa, o uso condenável de animais em cenas explícitas e a possibilidade de uma interpretação ‘incel’, ou melhor, a ambiguidade que permite a falta de qualquer raciocínio lógico por parte dessas pessoas são, de longe, os piores erros.

Na temporada de premiações, O Lobo de Wall Street garantiu cinco indicações ao Oscar 2014 – incluindo Melhor Direção e Melhor Filme –, porém, a equipe saiu de mãos vazias. Já no Globo de Ouro do mesmo ano, Leonardo DiCaprio levou para casa a estatueta de Melhor Ator em Comédia ou Musical. Em 2019, mais um escândalo atingiu a produção, uma acusação de lavagem de dinheiro contra Riza Aziz, recentemente retirada.

Explícito, violento e viciante, a maior bilheteria da carreira de Martin Scorsese evita saídas fáceis e recusa a ‘moral da história’. Diante de uma década desde sua chegada catapultada por controvérsias, O Lobo de Wall Street se materializa como uma das melhores performances de DiCaprio e a revelação da atriz mais requisitada dos últimos anos, Margot Robbie. Ao final, se para alguns não ficou nítido, é bom lembrar: um dia é da caça e, o outro, do caçador.

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Luiza Lopes Gomez

Inspirado em um quadrinho de comédia, Como Perder um Homem em 10 Dias comemora seus 20 anos de lançamento no ano de 2023. Conhecido como uma das maiores romcoms da atualidade, o longa mantém sua relevância atemporal, mesmo sendo alvo de certa necessidade de reparação mediante concepções antigas e sexistas perpetuadas na época de sua criação. Manter sua notabilidade não é um problema para o filme de Donald Petrie graças ao desenvolvimento de personagens comuns e identificáveis, estrelados pelos renomados atores Kate Hudson e Matthew McConaughey, que formam um par romântico imperfeito, porém certeiro.

A dinâmica amorosa de protagonistas tão parecidos, porém, com propósitos diferentes, marca uma trama repleta de reviravoltas e superações, capazes de promover o riso e a tensão de forma síncrona. Andie Anderson (Hudson), uma jornalista e colunista da revista feminina Composure, batalha pela possibilidade de ser uma autora livre e séria e se libertar da posição de garota how to, responsável por responder os problemas femininos. Benjamin Barry (McConaughey) é um publicitário do ramo de esportes que almeja participar de uma nova campanha de diamantes promovida por seu escritório. Os dois se unem através de um fator: uma aposta. Andie precisa de um homem para largá-la em 10 dias e fazer com que ela comprove os defeitos das mulheres em relacionamentos, e Ben necessita que uma mulher se apaixone por ele nos mesmos 10 dias para que conquiste a campanha milionária.

A obra de 2003 possui um impacto iminente nas comédias românticas, com rumores ainda de um possível reboot. Com a aparição do famoso vestido amarelo e apresentação de músicas memoráveis, não é à toa que o filme se mantém influente após duas décadas. Conseguir alcançar a relação de carinho e fidelidade do público em relação à trama, personagens e seu ‘final feliz’ um tanto quanto inesperado realmente é algo que Como Perder um Homem em 10 Dias faz de forma brilhante. Marcado nas trajetórias dos atores e guardado nas lembranças de fãs assíduos, essa comédia romântica estilo hot-n-cold, com toda a intensidade e efervescência de um amor em construção, consegue conectar entretenimento e ainda certas reflexões sobre as ilusões atreladas à existência de relacionamentos perfeitos.

Destino não é bem o nome certo para descrever o encontro entre os dois personagens. É a partir de um plano por parte de duas publicitárias da empresa de Ben, que estão encarregadas da campanha de joias pela qual ele tenta concorrer, que eles se encontram em um bar. As concorrentes do galã, sabendo da nova matéria de Andie, buscam colocar Benjamin em um caminho com fim já definido, pensando na nova performance requisitada pela colunista. Por outro lado, é em um momento inicial da interação entre o par que a questão do destino é questionada: uma conexão e correspondência pode ser logo percebida em suas tentativas de encantar um ao outro.

O desenvolvimento da história cria cenas memoráveis de um romance rodeado de loucuras, que vai desde seu primeiro encontro com Ben perdendo a final do jogo de futebol americano para buscar a Coca-Cola Diet de Andie, até a aquisição de um cachorro e de uma “planta do amor” para o casal. Cada um luta para atingir seu propósito final, sem desconfiar dos absurdos protagonizados pelo outro, porém impressionando-se com a capacidade de insistência de ambos. A situação conturbada e correlacionada à narrativa de ‘inimigos à amantes’ assinala a atratividade do longa-metragem que, mostrando os pontos de vista de ambos os personagens, caminha por clichês, mas escapa da obviedade. 

A percepção da relação entre dois indivíduos com gostos semelhantes e contextos complicados é construída ao longo do filme de modo a ressaltar a dificuldade em se portarem de forma diferente. Por outro lado, a conexão entre dois solteiros manipuladores e altamente competitivos não seria desenvolvida de forma tão brilhante sem as dicotomias de sua relação única e pouco provável no contexto da obra. Observar a formação de laços reais entre ambos, indo de encontro a todas as tentativas incessantes de se desvincularem durante alguns dias, cresce o sentimento de paixão e a importância de suas devidas apostas torna-se cada vez menor e ainda mais intrigante.

Ao mesmo tempo que as comicidades da trama envolvem o telespectador, temáticas importantes são colocadas em pauta, citando a baixa autoestima feminina e o poder masculino como fatores de discussão, mesmo que abordados de forma um tanto quanto superficial. Os estereótipos acerca das atitudes femininas e suas tendências de apego emocional e despreparo racional são constantes na obra, sendo ainda tema da matéria de Andie, que, por outro lado, esconde a seriedade e contradição do tema em meio a incentivos de mudança por parte de outras mulheres. De tal forma, é nítida a dicotomia contemporânea presente no clássico dos anos 2000, visto que paralelamente ao uso da manipulação da parceira como forma de controle do relacionamento, temos a inferiorização de seus comportamentos e quaisquer erros em relações atrelados a suas falhas. 

Além disso, o clichê do homem herói que salva a garota após os problemas é, de certa forma, contraposto na narrativa a partir de atitudes machistas retratadas por um personagem masculino que reproduz estereótipos e hierarquias sexistas em momentos isolados, fato capaz de ser observado até mesmo na forma de lidar com a garota imperfeita criada por Andie. Por outro lado, sua postura por vezes agressiva e com ar de superioridade é deixada em segundo plano devido sua insistência no relacionamento e o início de sua paixão verdadeira pela jornalista. No fim, pode-se dizer que o clichê é conquistado, com o ar heroico voltando para o publicitário à medida que luta pela manutenção de sua relação.

A construção narrativa elaborada com base nos conflitos entre o casal, na chegada do décimo dia de teste e no desenvolvimento de sentimentos amorosos na relação é imprescindível no que diz respeito ao envolvimento do telespectador mediante à trama. É a partir da conquista de tal engajamento do público perante o casal e as cenas cômicas e em sintonia promovidas pelos protagonistas que Como Perder um Homem em 10 Dias torna-se um sucesso no ramo das comédias românticas. Além disso, a obra, que alcançou o prestígio no meio cinematográfico dos anos 2000, engrandece-se a partir da construção e quebra dos comportamentos pouco guiados pela moral de Andie e Ben, que não se enquadram totalmente na integridade geralmente protagonizada por personagens principais comuns.

Ainda assim, a exposição de certos desvios de caráter na personalidade dos protagonistas durante a elaboração e extensão do filme é esquecida em meio a culminância dos atos sendo encontrada no amor verdadeiro. Diferentemente de outras produções da época e da explosão de diversas comédias românticas no Cinema, a obra de Donald Petrie traz algo a mais para uma narrativa meramente cômica e superficial. Ao mesmo tempo que certas problemáticas são observadas na histórica, com a inferiorização feminina tomando espaço em meio aos conflitos da trama, também tem-se como diferencial a posição de ambos os personagens como indivíduos errôneos, dividindo a culpa dos conflitos provocados por comportamentos egoístas e despreocupados, o que geralmente é atribuído estritamente às atitudes das mulheres. Dito isso, a congruência entre ambos é ainda ressaltada como par romântico a partir de seus desvios e irresponsabilidades comuns, capazes de uni-los.

Apesar da sintonia eletrizante dos protagonistas, nota-se certa falta de aprofundamento em narrativas paralelas do filme, deixadas de lado em prol do romance. Mesmo com o enfoque estando na relação do casal, é certo apontar um deslize um tanto quanto significativo no que diz respeito à apresentação de novas dinâmicas secundárias na trama e seu pouco aprofundamento futuro. Um exemplo disto, que expõe o desinteresse na construção individual dos personagens, é observado na falta de aperfeiçoamento das questões como a futilidade no ramo jornalístico feminino e a dificuldade de inserção em cenários sérios e politizados por parte das mulheres. De tal maneira, a complexidade do machismo na narrativa e no contexto da época é, de certa forma, ignorada pela produção junto de uma possível pretensão de conscientização feminista. 

A personalidade de ambos os personagens é atrativa e provocante ao público, em uma constante tentativa de prever qual será o próximo dilema de uma aposta tumultuosa. Uma cena garante ainda certa exclusividade no que diz respeito a memória do filme, sendo repercutida e lembrada há anos pela sua junção de comicidade e tragédia. Essa, composta pela performance conjunta de Andie e Ben em meio ao evento promovido para a campanha tão sonhada pelo publicitário, é marcada pelo dueto desajeitado e tenso da canção You´re So Vain, de Carly Simon, já mencionada anteriormente na obra cinematográfica em meio a uma das declarações pegajosas de Andie seguindo seu plano de futura perda. Com muita emoção e declarações sobre o egoísmo e vaidade promovidos um pelo outro em meio a suas apostas, a cena é um dos pontos-chave da exposição das falhas e traições de ambos. 

Seguindo a linha narrativa de um filme romântico, o público já tem noção de uma conquista futura do final perfeito, porém ainda é colocado à prova das lamentações e sofrimento provenientes de uma evidente, porém não mais desejada, desvinculação dos personagens. A expectativa de reconciliação e a forma pela qual essa se realizará permeia os telespectadores à medida que o conflito final de arrependimento, confissão da paixão e tentativa de fuga de uma realidade sofrida é protagonizado por Andie. Porém, a peça cinematográfica, como prometido, consegue entregar o clichê característico e tão esperado em seu fim, dando espaço para uma relação real, sem apostas ou fingimentos entre dois apaixonados e confusos jovens-adultos que não previam seu futuro, concretizando a batalha de sentimentos compartilhada entre obra e público.

Após percorrer as complexidades e acertos de um filme reconfortante e leve, há de se ressaltar a influência e alcance de uma obra que já alcança uma trajetória de 20 anos. Além de cenas icônicas, momentos de pura mistura entre emoção e humor e um legado incontestável, Como Perder um Homem em 10 Dias carrega toda a potência de uma obra lotado de altos e baixos, pontos de virada e uma construção amorosa gradativa e efetiva, não conseguindo escapar de qualquer classificação que não o renomeie como um clássico dentro das comédias românticas. A união de todas suas potencialidades, com destaque no elenco e na performance impecável do casal principal, resulta na fama e carinho externalizado e perceptível advindo da produção, público e crítica. 

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Gabriel Gomes Santana

“Por que você veio até mim antes de ir à Polícia prestar queixas?”, disse o grande padrinho, Don Vito Corleone, no início de O Poderoso Chefão. Aclamado pela crítica, vencedor de três Oscars e dono da mais alta charmosidade cinematográfica, o filme de Francis Ford Coppola celebra cinco décadas. Você conhece aquela expressão “old but gold”, ou “velho, mas brilhante”? Se encaixa perfeitamente para resumir essa fantástica ascensão de um império americano à moda italiana. Este texto traz como tema central as nuances e razões que fazem da obra algo irrecusável, à frente de seu tempo e referência na arte de expor a máfia nas telonas.

Impossível não amar!

Utilizada como referência artística em diversos âmbitos da cultura pop, está para nascer um filme que tenha tanto reconhecimento do grande público. Se você mora no Brasil e nunca viu pelo menos uma pizzaria, barbearia, tabacaria ou qualquer outro estabelecimento com o nome inspirado nesse clássico das telonas, você vive no país errado. Diante disso, não confie em nenhuma classificação que coloque O Poderoso Chefão abaixo do ‘top 3’ de ‘Melhores Filmes de Todos os Tempos’. Digo isso por três óbvias razões: enredo, produção audiovisual e construção cênica. 

A começar pelo enredo, que por si só já é irrecusável, as propostas de cena e as planificações de filmagem fazem da trama única e enigmática. O fervor dramático é mesclado com cores quentes e trilhas sonoras épicas. As composições de cenário revivem os tempos do pós-Guerra e trazem consigo o ‘sonho americano’ de todo imigrante que busca crescer na América. Mas para que tudo isso fosse possível, era necessário escalar um elenco de peso que fizesse jus aos retratos que ali foram propostos.

O fardo de ter um elenco dos sonhos 

Figurinha carimbada de Hollywood, Marlon Brando foi escalado para atuar no filme que seria o mais emblemático de sua carreira. Àquela altura de sua fama, o ator estava sendo ‘jogado a escanteio’ para outros projetos, sem o merecido respaldo da crítica. Além disso, somente através de O Poderoso Chefão que Brando conseguiu desvincular qualquer rumor que o colocasse como um profissional limitado, que ainda gozava de um brilho ultrapassado nos tempos de sua adolescência. Don Vito, assim como Rocky (Sylvester Stallone), é um dos poucos personagens do Cinema em que encontramos assimilação imediata com seu intérprete. Não tem como enxergar em Marlon Brando outro personagem senão Don Vito.

Porém, se engana quem pensa que o ator topou de imediato protagonizar o papel de Vito Corleone. A convite de Coppola, o profissional teve árduas discussões com o jovem diretor até acertar os acordos comerciais da produção. Ao que tudo indica, Marlon teve que abdicar de cerca de 250 mil dólares de seu cachê pessoal. Enquanto o garanhão dos anos 1950 era veterano de sucesso, Al Pacino, por outro lado, ainda estava longe de ser uma estrela hollywoodiana.

De origem pobre e envolvido em diversos problemas de relacionamento, Al Pacino fugiu de casa aos 19 anos para bancar a escolha pela atuação. Sim, é como se o ator tivesse sido predestinado a seguir carreira artística, afinal sobrava talento. Após ganhar o prêmio Obie Award de Melhor Ator pela peça The Indian Wants the Bronx, os holofotes vieram para que, em 1971, surgisse o convite para atuar pela primeira vez no Cinema em O Poderoso Chefão como Michael Corleone, também a pedido de Coppola.

Já imaginou arriscar um papel tão importante nas mãos de um pupilo estreante? E não é que deu certo? É claro que ter o experiente Marlon Brando na equipe também ajudou, mas a atuação de Al Pacino deu de dez à zero em qualquer suspeita sobre suas qualidades cênicas. Em uma entrevista durante o Tribeca Film Festival, Robert De Niro confirmou que estava sendo sondado para o papel de Michael, no entanto, confirmou que não haveria ator melhor para executá-lo senão Pacino. 

Nas cenas do hospital e do batizado de seu enteado, Michael Francis Rizzi (filho de Connie), percebe-se a absurda transformação de Michael de um personagem tímido e confuso, no início, para alguém frio, calculista e inabalável. Num ritmo frenético, a trama expõe como o destino está ligado às escolhas da vida que, apesar de serem imprevisíveis, podem ser irreversíveis. Da mesma forma, pode-se concluir que a caracterização de Al Pacino como um dos protagonistas da família Corleone também reflete na trajetória de um profissional misterioso, porém preparado para executar um personagem desafiador, assim como a carreira e vida pessoal do intérprete.

Uma história impecável

Cinco famílias mafiosas detinham o domínio político, militar e econômico na cidade de Nova York dos anos 1950. Porém, apenas uma conseguira conciliar ambição, poder e respeito em suas atitudes: os Corleone. Liderado por seu patriarca siciliano, Don Vito, um homem que administrava seus negócios segundo seus próprios valores éticos e morais, o clã era sinônimo de prestígio e popularidade nas comunidades nova-iorquinas. Construir um império baseado na confiança de terceiros não foi tarefa fácil, mas derrubá-lo através do asssassinato de seu líder seria impensável, devido à rede de alianças firmada entre as cinco famílias – Corleone, Tattaglia, Barzini, Cuneo e Stracci – e o governo yankee que os sustentava.

Apesar dessa política clientelista, a regra número um dos Corleone é zelar pelos seus e manter os casais sempre unidos. Como toda estrutura patriarcal, sobretudo daquela época, o legado é passado para o primogênito que, inevitavelmente, será o futuro Don Corleone. Só que nem sempre o mais velho é o mais preparado. Este é o caso de Sonny (James Caan), o filho mais intenso e explosivo dos quatro sucessores de Vito. Mulherengo, esquentado e super emocional, Sonny age por impulsos para defender a honra da família e, consequentemente, isso o leva a um destino desastroso, longe de assumir a liderança.

É curioso notar como Vito coordena seus negócios através de um código de conduta que tenta desvincular suas atividades ilícitas ao crime. A palavra ‘máfia’ sequer é mencionada pelo capo (em italiano, o termo é designado para se referir ao cabeça, líder, chefe). Na visão dele, cassinos e apostas são vícios ligados ao prazer, mas que não são destrutivos como as drogas. Essa recusa em se envolver no narcotráfico, junto aos Tattaglia e Barzini na clássica reunião com Sollozzo, foi justamente o que desencadeou a guerra entre as cinco famílias.

O conflito tem início com um ataque brutal a Vito Corleone, que sofre um atentado à bala e permanece fragilizado no hospital. A partir desse momento, entra em cena o caçula, Michael, um militar aspirante que não possui ligação com os negócios da família. As reviravoltas acontecem e, no final, somos surpreendidos com a rendição dos tiranos e a ascensão de uma nova era. Qual caminho é viável para se manter no poder? A linha tênue entre justiça e vingança realmente existe? Indagações profundas que são lançadas ao espectador que, possivelmente, esteja chocado com as escolhas do sucessor de Don Vito.

Qualquer semelhança não é mera coincidência

Enaltecer O Poderoso Chefão hoje em dia é moleza perante a difícil coragem que Allan Rudy e Coppola tiveram, ainda nos anos 1960, em insistir numa obra polêmica, autêntica, irreverente e perigosa como o livro homônimo de Mario Puzo, que deu origem ao enredo. Isso porque, na conjuntura de sua época, seria bem mais convincente investir em ficções que não tivessem vínculo com facções da vida real. Naquele tempo, a Paramount Pictures, gigantesca produtora hollywoodiana, já angariava milhões de dólares com roteiros clichês de western e não pretendia se arriscar em conflitar com a grande massa.

Fato é que, para a nossa sorte, existia em paralelo o interesse de dois gênios escritores e roteiristas, Rudy e Puzo, em retratar no Cinema aquilo que era um tabu na sociedade: os mafiosos. Apesar de serem excelentes escritores, ambos jamais haviam trabalhado à frente de um projeto tão gigantesco, sobretudo, sequer haviam escrito e produzido para Hollywood. Porém, era inegável o empenho e força de vontade em levar para a Sétima Arte uma história que se aproximasse mais do povo.

O jeito de agir, se comportar e relacionar, e muitos outros elementos sociais presentes na família de Don Vito Corleone assustavam e incomodavam os verdadeiros chefões do crime organizado. O compromisso com a verossimilhança era tanto que o filme sofreu ameaças e boicotes por parte das comunidades italianas. Nem isso impediu o triunfo do clássico O Poderoso Chefão. 

Há boatos de que a mera apresentação do romance escrito por Mario Puzo também desagradou a classe artística. Em especial, músicos ítalo-americanos que se apresentavam em restaurantes e cassinos badalados dos anos 1960. Sim, ele mesmo: Frank Sinatra. Segundo relatos de Puzo, Sinatra teria ido contra o livro por pensar que o personagem Johnny Fontane era inspirado em sua autobiografia. Além de temer que as pessoas o associassem ao cantor decadente da obra, o astro do jazz argumentava que O Poderoso Chefão prejudicava a imagem da comunidade italiana.

Antes de produzir um filme, no momento de seleção de elenco, é natural que se escolha atores que melhor se encaixem no perfil estereotipado do roteiro de gravação. Mas e quando, sem querer, se descobre que a vida pessoal dos atores casa perfeitamente com o propósito das personagens? Foi o que aconteceu com o ator Alfredo James Pacino, também conhecido como Al Pacino. Nascido e criado no Bronx, Pacino era neto de imigrantes italianos, naturais de Corleone, província siciliana que também é retratada no filme de Coppola.

Além dos elementos técnicos essenciais de filmagem, outra característica marcante se dá pela quebra de clichês presentes nas obras contemporâneas ao seu lançamento. Clint Eastwood, Clark Gable e Sean Connery são fantásticos, mas alimentavam fantasias previsíveis. Assassinar o protagonista e frustrar a jornada desses heróis estava fora de cogitação. Para falar a verdade, até hoje é raro encontrar narrativas que saibam romper com as expectativas do público positivamente, quem dirá permanecer durante meio século como modelo de dramaturgia.  

Em meio a isso tudo, está mais do que provado ser impossível não amar este icônico trabalho que, não à toa, foi indicado e ganhou diversos prêmios da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas. O Poderoso Chefão coleciona, ao todo, 17 prêmios, das 25 vezes em que foi indicado. Talvez o descrédito do público que queria boicotá-lo tenha sido o combustível necessário para fazer do filme o melhor de todos os tempos. Depois de receber, merecidamente, o Oscar de Melhor Filme em 1972, o seu nobre reconhecimento mundial o fez pioneiro na arte de encenar a máfia nas telonas.

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Nathan Nunes 

Poucos momentos na história do Cinema podem ser considerados verdadeiros milagres. Um deles foi a estreia de O Poderoso Chefão, em março de 1972. A produção do filme foi um verdadeiro caos, indo de um estúdio que não queria aceitar um jovem Al Pacino como protagonista e que estava, a todo momento, pronto para demitir o diretor Francis Ford Coppola, até um boicote de figurões como Frank Sinatra e o envolvimento da máfia por debaixo dos panos na produção, entre diversos outros perrengues. Por sorte, sabemos como essa história terminou muito bem para todos os envolvidos e pavimentou o caminho de muitos artistas estreantes na indústria cinematográfica. Agora, 50 anos depois da obra-prima familiar de Coppola ter conquistado o público, a minissérie The Offer estreou no Paramount+, contando os bastidores do longa pelo ponto de vista do produtor Al Ruddy (Miles Teller). 

Recém-saído do seriado de sucesso Guerra, Sombra e Água Fresca nos anos 1960, ele começou sua carreira trabalhando para a Paramount Pictures no início da década de 1970, quando o estúdio precisava desesperadamente de um novo sucesso de bilheteria. É nesse cenário que Ruddy é encarregado da tarefa de levar o livro de Mario Puzo (Patrick Gallo) – até aquele momento o mais vendido da história – para os cinemas. 

É plenamente justificável olhar para The Offer com cinismo e desprezo, devido a atual tendência da produção dos grandes estúdios estar atrelada muito mais ao conteúdo do que às ideias originais. Além disso, o fato da Paramount – a responsável por fazer das vidas dos envolvidos no projeto original um inferno – estar capitalizando em cima dessa experiência conturbada poderia soar como um mea-culpa cafajeste, ou até mesmo desrespeitoso. Por sorte, isso não acontece aqui, e a série, mesmo com seus problemas, consegue oferecer ao público uma perspectiva honesta sobre como funcionam as coisas em Hollywood e sobre como o Cinema é uma Arte colaborativa. 

Colaboração, inclusive, é a palavra-chave para o sucesso em The Offer. Acompanhar um bando de pessoas diferentes se empenhando e dedicando o máximo de suas vidas para a realização de uma obra de arte única é o barato do roteiro. O acerto está em nos dar uma recompensa satisfatória ao final da maioria dos episódios – aquele gostinho clássico da vitória dos underdogs em cima dos bullys. No cenário da série, são os artistas sonhadores em cima dos engravatados sem alma que só pensam no lucro. 

Contudo, a narrativa é a mais maniqueísta possível, pois O Poderoso Chefão é uma obra tão importante para a História do Cinema que qualquer produção atrelada ao seu nome vem com o risco de não ser tão boa como o filme que começou tudo. Nesse sentido, os showrunners Michael Tolkin e Nikki Toscano decidiram apostar no seguro e construíram seus personagens e arcos dramáticos em cima de arquétipos tradicionais, que se provam uma faca de dois gumes: por um lado, garantem a eficiência do projeto, mas, por outro, apagam o brilho da novidade, ao passo que The Offer dificilmente será lembrada da mesma forma que o clássico. 

Ninguém representa tão bem isso como Joe Colombo (Giovanni Ribisi), um mafioso que tentou impedir o longa de ser produzido. Sua composição como personagem é extremamente caricata, indo da maquiagem pesada até um sotaque italiano tão forçado quanto os de Casa Gucci. Curiosamente, uma de suas grandes preocupações é que o filme trate os italianos de forma estereotipada, exatamente a maneira com a qual ele próprio é tratado pela série. 

Apesar dos pesares, o elenco consegue driblar as caracterizações batidas dos personagens entregando boas performances. Miles Teller, por exemplo, está bem como um Al Ruddy determinado e com bom jogo de cintura para lidar com os egos conflitantes na produção. Já Dan Fogler diverte com seu Francis Ford Coppola doce, sensível e até um pouco ingênuo, com aquela passionalidade evidente através de sua Arte. Enquanto isso, Juno Temple impressiona como a esperta Bettye McCartt, secretária e fiel escudeira de Ruddy. 

No entanto, quem brilha mesmo em cena é Matthew Goode ao interpretar Bob Evans, lendário produtor da Paramount, responsável por outros clássicos como Love Story, O Bebê de Rosemary e Chinatown. Conhecido pela sua personalidade impactante e carismática, Evans é retratado com nuances bem interessantes por parte de Goode, como uma petulância quase infantil, um charme de bon vivant (não à toa, ele deu seu aval para uma adaptação de O Grande Gatsby na mesma época) e um arco próprio de queda e redenção, baseado no polêmico fim de seu casamento com a atriz Ali MacGraw (Meredith Garretson).

Tecnicamente, poucas coisas impressionam. A série é bem fotografada por Salvatore Totino (Homem-Aranha: De Volta ao Lar) e Elie Smolkin (Dirty John: O Golpe do Amor) e encenada, mas nada chama muita atenção para além de algumas boas rimas de linguagem feitas com cenas antológicas, como um assassinato que se mescla às filmagens do atentado a Don Vito Corleone (Marlon Brando no filme de 1972, Justin Chambers aqui). Na verdade, esse sentimento pouco instigante da série como técnica diz muito sobre a sua natureza particular.

No fim das contas, The Offer funciona mais como uma curiosidade do que como um projeto sólido por si próprio, pois a sensação que permanece é a de que já vimos coisa parecida antes e, até mesmo, um pouquinho melhor; mas isso não é necessariamente ruim. Desde o seu lançamento, poucas obras chegaram aos pés de O Poderoso Chefão, tanto na produção cinematográfica como na televisiva. Então, não é de se espantar que a série de 2022 não tenha chegado também. Em outras palavras, é uma oferta que não é irrecusável, mas, no geral, competente e mediana. 

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Nathan Nunes

Desde que nos entendemos por gente, somos ensinados a não julgar um livro pela capa. Esse ensinamento é válido em diversos contextos, e um deles é o Cinema. Uma prova recente disso é a comédia Cidade Perdida, cujo pôster principal possui duas imagens pavorosamente retocadas e artificiais dos protagonistas Channing Tatum e Sandra Bullock na parte superior, além de uma colagem dos coadjuvantes Brad Pitt, Oscar Nunez e Da’Vine Joy Randolph em meio a um efeito de explosão que parece saído do pacote mais básico do Photoshop. 

Não bastasse isso, seria fácil olhar com desdém para um filme como esse baseando-se em sua premissa, que já foi retratada diversas vezes no Cinema e cujas batidas se repetem: o romance desenvolvido em meio a uma trama de arqueologia, o casal que não se gosta no começo e vai se aproximando ao decorrer  do filme, o vilão caricato, entre outros. De fato, Cidade Perdida não se distancia de nenhuma dessas convenções e nunca tenta reinventar a roda desse subgênero, assumindo-se como pleno entretenimento escapista do início ao fim; e é justamente por isso que funciona tão bem. 

O filme começa acompanhando a rotina de Loretta Sage (Bullock), autora de uma famosa saga de livros de aventura e romance. Vivendo reclusa desde a morte de seu marido, ela relutantemente aceita participar da turnê de lançamento de seu novo trabalho, ao lado de Alan Caprison (Tatum), modelo que faz o papel do herói da saga Dash McMahon. Loretta acaba sendo sequestrada pelo bilionário Abigail Fairfax (Daniel Radcliffe), que está obcecado em encontrar um tesouro mencionado no mais recente escrito da autora. No fim, tudo se direciona para que Alan vá atrás de Loretta e ambos fiquem perdidos na selva, com o único objetivo de sobreviverem e encontrarem o tal tesouro. 

O roteiro – escrito a cinco mãos por Oren Uziel, Dana Fox e os também diretores Aaron e Adam Nee (além de crédito de história para Seth Gordon) – se calca muito mais na dinâmica do texto entre Bullock e Tatum do que em qualquer outra coisa, e felizmente ambos estão sensacionais dentro da proposta. A química entre os dois é divertida e funciona através da diferença de personalidade. Loretta é decidida e intrépida, enquanto Alan é medroso e desastrado. Eles convergem para a clássica linha dos opostos que se atraem.

Mesmo operando em uma linha familiar, ainda há espaços dentro da história para algumas sacadas bem inspiradas. Uma que se destaca é a revelação acerca do famigerado tesouro, que se conecta ao arco narrativo de Loretta e reflete a sua evolução ao longo da rodagem, indo de uma mulher abatida pelo luto para uma pessoa muito mais espirituosa do que antes. 

Outra sacada interessante na trama envolve a participação de Brad Pitt como Jack Trainer, a personificação clássica do herói de ação: alto, forte, atlético, sedutor e com uma peruca loira absurda. Pitt – claramente se divertindo no papel, diga-se de passagem – é colocado para contracenar com Tatum, que não só é o exato oposto enquanto personagem como também é vendido para o público dentro do filme com base nesses mesmos arquétipos. É uma oportunidade que o roteiro aproveita para brincar de uma forma metalinguística com esse tipo de figura do gênero. 

Ainda assim, é evidente que a narrativa possui seus desfalques, e o maior deles recai sob os ombros de Daniel Radcliffe como o vilão Abigail Fairfax. Divertido e intencionalmente exagerado, o personagem passa a ser pouco explorado a partir do segundo ato, deixando um gostinho de quero mais devido a boa performance do ator. Da’Vine Joy Randolph e Oscar Nunez passam por uma situação parecida: “não fedem, nem cheiram”, e somente estão ali para entreter rapidamente.

Se narrativamente Cidade Perdida não se compromete com grandes pretensões, visualmente tampouco. A direção dos já citados irmãos Nee não chama atenção na sua construção da mise-en-scène, sendo bastante formulaica e burocrática. Não que isso seja um problema quando se leva em conta a proposta do projeto, mas um aproveitamento mais inspirado das belas locações na República Dominicana certamente seria muito bem-vindo. 

Contudo, há uma cena que se destaca: antes da virada que inicia o terceiro ato da projeção, temos um momento de dança entre Tatum e Bullock filmado em frente a uma fogueira. A junção da canção suave com a dança lenta, a iluminação baseada no fogo de fundo e os figurinos belíssimos (o vestido vermelho que Bullock utiliza nessa cena é fantástico) realçam a beleza do casal principal, bem como a crescente de intimidade que está se formando entre os dois. 

Indo além dos elogios e reclamações comuns, é inegável reconhecer a influência de filmes passados sob a história de Cidade Perdida. A mais óbvia dessas referências é Tudo por uma Esmeralda (1984), dirigido por Robert Zemeckis. Ambos são comédias românticas ambientadas em um contexto de aventura arqueológica e possuem como maior atrativo de marketing a presença de duas grandes estrelas de Hollywood como protagonistas (Michael Douglas e Kathleen Turner no filme de Zemeckis, Bullock e Tatum aqui). No fundo, Cidade Perdida é uma ode bem feita a esse tipo de filme que não se vê mais com frequência por aí. 

Dito isso, se The Lost City irá influenciar uma futura geração de diretores e interessá-la em revitalizar esse subgênero daqui 40 anos (exatamente o que Tudo por uma Esmeralda está fazendo hoje), cabe apenas ao tempo nos responder. Hoje, o que se deve ter em mente é que Cidade Perdida é um conforto que estávamos precisando há um tempo e definitivamente não sabíamos.

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Nathan Sampaio 

Um Lugar Silencioso, de 2018, foi um sucesso inesperado. Com sua proposta intrigante de extrair o terror do silêncio absoluto, a produção faturou mais de 340,7 milhões de dólares na bilheteria, além de dar a Emily Blunt o prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante no SAG Awards de 2019. Então, havia uma grande expectativa para a sua sequência, que, infelizmente, teve seu lançamento adiado por causa da pandemia de covid-19, e estreou mais de um ano depois do planejado. Mas fica a dúvida, será que a sequência foi tão boa quanto o filme original?

Este segundo capítulo começa imediatamente após o final dos eventos do primeiro longa. A família Abbott, composta pela mãe Evelyn (Emily Blunt) e seus filhos Regan (Millicent Simmonds), Marcus (Noah Jupe) e seu bebê recém nascido, partem em uma jornada em busca de outro local seguro para morar, e tal trajetória será marcada por perigos, desafios e antigos amigos.

Um Lugar Silencioso – Parte II faz jus ao seu título, por contar uma história que segue diretamente os eventos do primeiro filme, em dois longas-metragens que se complementam, formando uma unidade. Ao fazer isso, esse projeto consegue mostrar todos os desdobramentos da história anterior, tendo assim progressão e evolução coerentes, tanto da trama quanto dos personagens. 

John Krasinski, diretor e roteirista, adota um  estilo de narrativa que permite a trama iniciar sem muitas apresentações ou enrolações, uma vez que essa já possui toda a situação inicial já apresentada, basta colocar os personagens dentro das novas problemáticas e desafios, conferindo assim um grande dinamismo ao enredo. Essa movimentação constante na história permite que o espectador raramente descanse, uma vez que ele está sempre imerso em novas problemáticas ou descobertas. 

É bem comum que continuações, principalmente no gênero de terror, busquem repetir as situações do filme anterior em maior escala, para que assim atinjam a mesma sensação no público. Esse recurso raramente funciona e tende a enfraquecer o projeto, uma vez que não há novidades sendo mostradas. Felizmente, esse não é o caso de A Quiet Place Part II. Krasinski aborda novos perigos em uma grande variedade de cenários ainda não explorados, e cria a sensação de novidade necessária em uma sequência. Tememos pela vida dos personagens, que precisam ser mais criativos para escapar das situações com vida.

Outro elemento importante que o filme traz é a exploração do mundo: logo nas primeiras cenas é mostrado o início do apocalipse, cena realizada em um plano sequência muito bem executado e tenso, que mostra todo o caos no começo de tudo. Além disso, o longa-metragem aproveita essa cena para introduzir personagens novos que serão relevantes, portanto, essas cenas de expansão do universo são muito boas por saciar nossa curiosidade e por servirem à história. 

Um dos pontos fortes de Um Lugar Silencioso (2018) foi a construção dos personagens e das suas relações entre si, e, neste segundo capítulo, isso continua sendo um grande acerto. A família Abbott se mostra impactada pelos recentes eventos, perceptível nos vários diálogos e também nas atitudes tomadas por eles. 

Evelyn é, com certeza, a pessoa que mais está sofrendo com o ocorrido, e Emily Blunt se esforça para mostrar isso em cada cena e em cada conversa: com apenas um olhar conseguimos entender todos os seus pensamentos. A personagem se mostra quebrada com as recentes perdas e tensa com a jornada que a família precisa enfrentar, porém, pelos seus filhos, Evelyn tenta ir sempre em frente, sobrevivendo um dia após o outro, e isso é muito bem proposto no roteiro e na atuação. 

Os filhos possuem um grande destaque nesse novo longa, tomando para si o protagonismo tanto do filme quanto da sua própria vida. Regan demonstra um amadurecimento vindo do último capítulo, já Marcus é um retrato da perda e preocupação com outros membros da família. Definitivamente, Regan é melhor trabalhada. Krasinski e Simmonds criam juntos uma personagem forte, madura, mas com toda a esperança de uma jovem, e ela é um dos pontos altos do longa.

Seu irmão, Marcus, já não é tão bem trabalhado, pois embora ele protagonize cenas importantes e impactantes, ainda há alguns resquícios de clichês de filmes de terror nele, principalmente com relação às atitudes questionáveis que  toma. Isso destoa um pouco do resto dos personagens, que são muito mais reais e tomam atitudes lógicas. 

Um ator estreante na franquia é Cillian Murphy, que dá vida à Emmett, um personagem completamente destruído emocionalmente pelo apocalipse. Há um grande destaque nele e na sua interação com Regan, e juntos eles são responsáveis por cenas muito emocionantes. Vemos uma evolução de seus pensamentos e convicções durante a projeção, mas nada abrupto, é tudo realizado de maneira natural e coerente. A performance de Murphy também é digna de elogios, visto que ele consegue transmitir toda a tristeza, dor, rigidez e, até mesmo, breves momentos de doçura com excelência. Um dos maiores destaques do filme.

A trama acerta em dividir os personagens em dois núcleos. Krasinski permite que a história adquira um dinamismo, indo de um grupo para outro, e mostrando as dificuldades que cada um enfrenta. Essa intercalação também é feita de forma exemplar durante momentos de tensão, deixando-nos apreensivos pelo que pode vir em seguida.

É interessante destacar o esforço do filme na construção de suas cenas de tensão e suspense. Nesse longa, embora os personagens tenham uma vantagem contra os inimigos, ela nem sempre pode ser usada, ou então a tensão gira em torno da possibilidade de perder essa tal vantagem, sendo assim, não há espaço para que o espectador ou os protagonistas relaxem durante a história. 

O silêncio volta a ser muito bem utilizado nesta continuação. O diretor usa-o com excelência e precisão para construir o suspense nas cenas, além dele sempre permear todo aquele mundo, deixando-nos apreensivos com qualquer barulho feito.

Há uma diferenciação excelente e curiosa entre a cena inicial, em que cada som, por menor que seja, é muito alto, e o resto do filme, no qual o silêncio domina completamente. Nos apresentando assim o antes e depois do apocalipse através da nossa audição, e essa transição gradativa que o filme faz do barulho à quietude é perfeita.

Há breves momentos em que a trilha sonora se coloca à frente do silêncio, prejudicando um pouco nossa imersão naquele mundo quieto e sem ruídos. Felizmente, esses momentos são tão breves que não incomodam quando se olha o todo. Um Lugar Silencioso – Parte II é uma continuação excelente, que se coloca à altura do original e o complementa de maneira tão coesa que é difícil dissociar as duas obras.

Esse filme jamais se rende a clichês ou tenta repetir fórmulas para atingir sucesso, ele apresenta ótimas novidades e adições à franquia. Embora haja momentos que quebram a imersão no filme, eles jamais chegam a prejudicar a experiência como um todo, uma vez que a história é bem conduzida, traz personagens cativantes, expande o universo apresentado e nos proporciona uma jornada tensa, assustadora e muito gratificante. 

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