Guilherme Veiga

Pensar na revolta das máquinas é naturalmente evocar elementos da Skynet, passando pelos andróides da saga Alien, a destruição estroboscópica da Família Mitchell e chegando nas ficções de Interstellar e 2001 – Uma Odisséia no Espaço. Por mais que essas produções de certa forma tratem também da condição humana, comum de toda boa ficção científica, muitas vezes a vilania da história está voltada aos seres formados por compostos eletrônicos. Em Love, Death + Robots, a carcaça metálica e (às vezes não tão) bem polida, reflete uma humanidade vilã, que, por falta de disputa na cadeia alimentar do poder, arranja um jeito de se voltar contra si própria.

Chegando a Netflix a princípio como uma prima animada de Black Mirror, a obra entrou de mansinho e bagunçou a ordem das coisas, a começar pela sua estrutura. Fora da fórmula de 8 a 13 episódios da empresa, o primeiro volume nos entregava 18, e muito antes da Quibi fracassar, a leva de histórias oferecia algo que não passava dos 20 minutos. O formato de antologia para animação também inovou, por mais que isso já existisse, só que menos difundido. Graças a ela, produtos como Star Wars: Visions, The Boys: Diabolical, e What If… puderam sonhar com um futuro.

Porém, logo a ideia se consolidou e virou uma jóia da locadora vermelha, ultrapassando e muito – tanto em aceitação como em qualidade – o espelho preto da Tudum. Criada por Tim Miller (Deadpool) em parceria com David Fincher (Seven, Garota Exemplar) a antologia partiu da premissa de adaptar os quadrinhos da Heavy Metal ao mesmo tempo que funcionava como portfólio para vários estúdios de animação (Miller, por exemplo, tem o seu próprio, o Blur Studios). A ideia deu tão certo que a série foi renovada para a segunda temporada, que apesar de não manter a obra à altura, é satisfatória e também garantiu mais um ano. Por isso, nessa terceira leva de episódios, assim como os três robôs que deram início a essa jornada recheada de amor, mortes e robôs, foi preciso revisitar a obra para entender sua caminhada, acertos e erros.

Isso já pode ser percebido logo nos primeiros minutos do novo ano de Amor, Morte & Robôs. Os mais desavisados e que tem em mente o conceito de antologia certamente estranham ao ver os três simpáticos robôs de personalidades excêntricas, os responsáveis pelo início de tudo, novamente em tela. Comparadas a primeira temporada, as novas andanças dos robôs não deixam de ser mais do mesmo. Sua versão inicial talvez ainda seja melhor, porém isso mostra que o bom filho, depois de desviar de sua essência no segundo ano, está voltando para casa. 

O trio de robôs se prova uma ótima solução de roteiro, assinado por John Scalzi, pois mesmo com histórias desconexas, é através deles que o tom da temporada é dado. Mesmo que não se leve nem um pouco a sério (o que rende piadas ótimas, principalmente envolvendo os gatos), ver aqueles pedaços de lata extremamente sarcásticos caçoando da nossa espécie e tentando entender o que aconteceu nos coloca com essa mesma dúvida. Fica a cargo do restante dos episódios não de dar as respostas mastigadas, mas sim de soltar pequenas fagulhas que estimulem os questionamentos do espectador.

Outros que retornam para o Volume 3 são os estúdios de animação. Sem deixar de lado seu caráter experimental, a obra usa dos anos anteriores para filtrar quais estúdios melhor desempenharam seu trabalho. Para esse ano, a Blur, empresa que mais assina capítulos, como A Era do Gelo, no primeiro volume, e O Gigante Afogado, do segundo, volta para o excelente Viagem Ruim. Já os espanhóis da Pinkman.TV, depois de entregarem o frenético e ótimo A Testemunha, retornam para criar Jibaro, a maior obra-prima da antologia.

Viagem Ruim, aliás, é quando Fincher arregaça as mangas e sai da cadeira de produtor para dirigir o conto, e é aqui que fica muito claro a diferença que os anos ímpares têm para o segundo. A série provou que sabe entregar Animação de encher os olhos, logo no primeiro segundo de cada play. Agora, é em como tratar essas histórias que está a alma de LD+R, e o diretor, como um ótimo contador de narrativas, dá ao conto de Neal Asher um toque próprio para a já difundida mitologia de monstros marinhos, ao mesmo tempo que crava a ganância e ambição humana com discussão central dos episódios.

A terceira leva de capítulos configura uma temporada que prefere atenuar o amor e os robôs para focar na morte. Claro que a tecnologia ainda é muito presente, mas a série se mostra extremamente inteligente ao desmistificar a ideia pseudo-romantizada de que a derrocada humana só se dará através de inovações. Nós somos nossa principal ameaça por natureza, e a série, prolongando a batida afirmação de Einstein, frisa que não importa se tal ameaça será com bombas nucleares ou paus e pedras, enquanto existirmos, ela sempre existirá.

Essa discussão consegue passear de forma extremamente competente pela miscelânea de gêneros e formatos já característicos da obra. Desde a história com toques lovecraftianos de Sepultados na Caverna, passando pelo resultado da fusão entre Exterminador do Futuro e Stuart Little que é Os Ratos de Mason, todas as narrativas, mesmo que com seus antagonistas bem estabelecidos, sabem conduzir o texto para escancarar ao espectador como, mesmo com tais perigos, é preciso redobrar o cuidado com nós mesmos.

Por mais que a produção tenha dado um passo para trás para replicar elementos que funcionaram ou são difíceis de fugir, a originalidade ainda dita o show. O fato de manter a média de episódios do segundo ano, contando com apenas um conto a mais que o volume anterior e tendo a metade do primeiro, é possível perceber uma curadoria mais cuidadosa por parte dos criadores. Não sendo contínua, a obra tem alguns episódios abaixo que precisam se calcar única e exclusivamente no gosto pessoal de quem assiste, como Matança em Grupo e Enxame. Em um panorama geral, a régua ainda está bem alta.

Entre os pontos altos, é possível citar a jornada psicodélica e minimalista por uma das luas de Júpiter em O Mesmo Pulso da Máquina, as histórias de pescador recontadas por Fincher, em Viagem Ruim, e a curiosa e divertida aventura de 7 minutos ininterruptos de destruição de um planeta Terra, confeccionada em diorama e que entrega um apocalipse zumbi de botar muitas obras do gênero no chinelo, em Noite dos Minimortos. 

O terceiro ano de Love, Death + Robots carrega 6 Emmys Criativos conquistados nos últimos volumes, o que já a desponta como favorita em suas categorias. Na 74ª edição da premiação, uma das mais importantes da TV estadunidense, a antologia figura nas categorias de Melhor Programa Curto de Animação, pelo episódio O Fazendeiro, em que disputa com as novatas Star Wars: Visions e The Boys Presents: Diabolical, e Melhor Mixagem de Som em Série de Comédia ou Drama (Meia-Hora) e Animação, por Sepultados na Caverna e disputa com nomes como Arcane e Ted Lasso. Além de já ter presenteado a categoria de Realização Individual Excepcional em Animação para o diretor Alberto Mielgo, a mente por trás do já vencedor do Emmy, A Testemunha, após ele ser responsável pela maior obra-prima da antologia, O Fazendeiro.

A complexidade e perfeição de Jibaro

Se Love, Death + Robots se destaca quando sabe contar uma história, o último episódio do terceiro ano, Jibaro, que garantiu uma das passagens da série para o Emmy, é uma verdadeira aula no assunto. Antes mesmo do capítulo em questão, Mielgo já provara sua competência ao integrar o departamento de animação de Homem-Aranha no Aranhaverso e, recentemente, pelo Oscar de Melhor Curta de Animação por The Windshield Wiper. A tradução do curioso termo que dá nome ao episódio varia dependendo da localidade, indo desde “selvagem”, em Cuba, até “fazendeiro”, em Porto Rico. A última opção é a mais aceitável, pois a ambientação indica uma floresta porto-riquenha e até mesmo a adaptação do título para o Brasil ficou como Fazendeiro.

Usando de um plot simples, porém extremamente inventivo, o curta, bebendo principalmente do mito grego de Ulisses e as sereias, conta a história de um colonizador espanhol surdo, que, após o encontro com uma criatura mitológica que enlouquece quem escuta seu canto, desperta a paixão dela, justamente por não ser afetado. Ao adaptar esse conceito, a produção consegue exaltar seu maior trunfo: as entrelinhas de seu subtexto.

Sem nenhuma palavra, o segmento, assim como as sereias, hipnotiza através de sua beleza e traz para a trama discussões que vão desde o genocídio de povos originários pelos espanhóis, na época de colonização, até relacionamentos tóxicos. O próprio idealizador diz que a obra se trata de uma relação entre dois predadores. Mais uma vez, assim como na maioria dos outros episódios, a mensagem está em torno da ambição e ganância humana. Aqui, porém, a série consegue subvertê-la em uma história poeticamente melancólica e, ao mesmo tempo, maravilhosa.

O design artístico de Jibaro precisou de 117 pessoas para suprir a complexidade que as técnicas de animação exigiam. Por conta disso, Mielgo exala um domínio no que está fazendo e dirige o segmento se aproveitando de elementos, como uma câmera mais subjetiva, montagem frenética e mesclada com uma música acelerada. Driblando os empecilhos que o método escolhido pode trazer, a produção consegue montar um gigantesco espetáculo sensorial e entregar o melhor episódio de toda a série.

Após uma ótima estreia e um segundo ano que não supriu expectativas, o terceiro volume da coletânea soube analisar sua própria jornada para, mesmo não abandonando sua originalidade e caráter experimental, entender quais são suas fundações. Em função disso, aqui, Love, Death + Robots entrega seu ano mais maduro e regular. Longe disso ser no sentido pejorativo, pois, em uma obra tão grandiosa em qualidade, buscar a estabilidade e fugir dos altos e baixos é uma ótima estratégia. E nesse melhor de três, todos ganhamos.

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Pedro Gabriel

Um dos motivos para eu acordar cedo quando tinha meus nove anos era sentar na sala, ligar na Cultura, e assistir a todos os desenhos que passavam no Quintal da Cultura. A manhã era recheada de Doug (1991-1999), Madeline (1993-2001), Cocoricó (1996-atualmente no YouTube), Os Sete Monstrinhos (2000-2003) e por uma pequena ovelha aventureira chamada Shaun, o Carneiro (2007-presente). Dez anos se passaram, e cá estou eu revivendo todas essas manhãs após assistir Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca na Netflix. A animação é uma continuação do longa de 2016 e traz Shaun em uma nova aventura. 

Como era de se esperar, o filme não tem nenhuma conexão com o anterior, sendo como um longo episódio da série. Sob a direção de Will Becher e Richard Phelan, a história segue um caminho simples: Shaun e seu rebanho estão vivendo suas vidas pacatas na Mossy Bottom Farm e tentam sanar o tédio. Mas, tudo o que fazem é altamente repreendido pelo cão Blitzer, o melhor amigo e maior inimigo de Shaun no desenho. Paralelamente com a história na fazenda, uma nave espacial pousa em uma floresta, e uma criatura sai dela. Após a histeria da população, inicia-se uma investigação do Ministério de Detecção Alienígena (M.D.A).

Na perseguição do ser extraterrestre com um homem, ele acaba parando na fazenda de Shaun. Tudo isso é tratado de forma descontraída, com humor físico presente em todos os momentos, uma vez que não se é falado nada. Eles fazem amizade, e a história transita na volta do alien, chamado Lu-La, para sua nave, no M.D.A tentando capturá-lo — uma das piores coisas da trama —, e no parque de diversões que O Fazendeiro (sim, esse é o nome dele) está construindo para ganhar dinheiro em cima do fenômeno que se instaurou na cidade com o surgimento de um OVNI. 

O longa, como na série original, não possui uma linha de diálogo entendível. O máximo que temos são grunhidos, ou onomatopeias, como “vrum vrum” para identificar um veículo. Mas isso não é um problema. Como é um filme em que o público alvo são as crianças, tudo é simples para que a história seja entendida. Você consegue compreender o que eles querem dizer, seja os diálogos, a trama em si, os sentimentos de cada personagem, mesmo que não seja falado nada. 

Partindo para a animação do desenho, não podemos deixar de enaltecer o trabalho da Aardman Animations. É simplesmente impecável. O estúdio é responsável por filmes como A Fuga das Galinhas (2000), Por Água Abaixo (2006), e uma das melhores animações da história, Wallace e Gromit: A Batalha dos Vegetais (2005). Novamente é utilizado a técnica de stop-motion — o estilo marcante da empresa. A qualidade continua perfeita. Diferente de filmes com animação 3D computadorizada, que envelhecem muito rápido, com o stop-motion a história muda. A sensação é que tanto A Fuga das Galinhas quanto A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon, no original, foram feitos na mesma época, mesmo com seus quase 20 anos de diferença.

Enquanto a dupla principal consegue trazer uma química gostosa, fazendo você se divertir com sua aventura, o núcleo do M.D.A. é vergonhoso. Em um primeiro momento, quando Red, a diretora da organização, aparece, sua semelhança com outras vilãs sanguinárias do estúdio conduz para uma personagem que passaria por cima de qualquer coisa para chegar aos seus objetivos. Mas não foi isso que aconteceu. 

Primeiro que toda essa instituição é uma verdadeira piada. São um bando de incompetentes trabalhando lá, um robô inspirado nos clássicos Spirit e Opportunity, mas que diferente de outras obras, é apenas chato, e uma diretora que mais parece ter saído de um episódio de Os Trapalhões. Mesmo que suas intenções sejam plausíveis, e você acabe tendo uma empatia pela personagem quando entendida sua história, ainda sim é um potencial desperdiçado.

A trama da dupla é um clássico dos filmes de sci-fi. Basicamente é o extraterrestre conhecendo os prazeres da vida na Terra, como sua comida. Mesmo que batida, a dinâmica é engraçada de se seguir as peripécias dos dois. Já na fazenda, toda a sequência de construção do parque Farmageddon, da interação do Fazendeiro com o Blitzer e com as demais ovelhas do rebanho, são pontos altos de Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca, criando uma grande expectativa em como ficará o parque no final.

O roteiro de Mark Burton e Jon Brown é recheado de referências a filmes clássicos, como 2001 – Uma Odisseia no Espaço (1968), E.T – O Extraterrestre (1982), Alien, O Oitavo Passageiro (1979), entre outros do gênero, além dos easter-eggs de outras obras do estúdio. É uma narrativa que é simples, bem executada e que não é cansativa. Sua história é uma bomba de emoções. 

O filme tem sido indicado nas principais premiações na categoria de Melhor Animação, inclusive no Oscar 2021. A Netflix já afirmou que pretende bater a Disney na produção de animações, mas ainda está muito longe disso se concretizar. O serviço de streaming tem conseguido emplacar grandes obras nos últimos anos, como Klaus (2019), que foi extremamente injustiçado, e  A Caminho da Lua (2020), uma das grandes concorrentes da noite, mesmo que não seja tão amada por quem vos escreve. Mas no final, ainda ficam na sombra da montanha de troféus do senhor Mickey Mouse.

Desde a criação da categoria no Oscar em 2002, foram um total de 13 prêmios para a Disney, sendo divididos entre Walt Disney Animation Studio e Pixar, fora as outras duas vezes que ganhou o Oscar Honorário, pelas contribuições tecnológicas em Branca de Neve e os Sete Anões (1937) e Toy Story (1995). Salvo algumas exceções, o estúdio sempre leva o prêmio, às vezes, tirando de obras que acabaram sendo melhores. O sentimento que fica é de uma previsibilidade enorme nas premiações quando um dos indicados é um filme da Disney ou da Pixar. 

Novamente, mesmo com todos os acertos de Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca, ou até mesmo dos demais indicados, como Wolfwalkers (2020), a vitória da categoria está nas mãos de Soul (2020), que foi altamente aclamado pela crítica do mundo todo. Mais um ano passa, e a Aardman Animation continuará com apenas a estatueta de Wallace e Gromit na estante. 

Mesmo que tenha sido uma grande estranheza à primeira vista as indicações da animação, Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca é uma obra gostosa para toda a família. Consegue emocionar e divertir, além de criar uma máquina de nostalgia para toda uma geração que sintonizava na Cultura em suas manhãs.

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