Gabriela Bita

Inglaterra, 1761. Rainha Charlotte: Uma História Bridgerton se inicia no momento em que uma jovem chega da Alemanha para se casar com o príncipe George III (Corey Mylchreest). Após ser examinada dos pés à cabeça pela princesa-viúva e futura sogra, Charlotte (India Amarteifio) começa a sentir a pressão que a aguarda em seu novo posto. A aristocrata precisa unir todas as suas forças para cumprir o papel para o qual foi preparada desde o berço, o que não deveria ser algo complicado, afinal, quem não gostaria de ser a rainha da maravilhosa corte inglesa? 

Desenvolvida por Shonda Rhimes, a minissérie do universo de Bridgerton conta a história da querida rainha Charlotte. Após duas temporadas de sucesso, engana-se quem pensa que os únicos que chamaram a atenção do público foram os casais principais das tramas envolvendo a família Bridgerton. Com aparições marcantes, a monarca conquistou o público com sua extravagância, gosto por arranjar casamentos e estar por dentro das fofocas da corte, tanto que ganhou seu próprio espaço na Netflix, após duas temporadas da série principal.

Com figurinos exuberantes e uma trilha sonora — produzida pela Sony Masterworks — certeira, o roteiro de Rhimes desenvolve com excelência a história da amada rainha. Além da forte narrativa, todo o visual da produção é mais do que agradável aos olhos, sendo até mais belo e cativante do que o da série da qual esta se deriva. É difícil se decepcionar com toda a ambientação criada: o espetáculo faz jus a rainha que encomendou pavões para o casamento em seu palácio. 

A abordagem de temas como racismo e machismo ocorre de maneira pontual e explícita. Em quase todos os episódios, observa-se que há uma preocupação em retratar tais questões na sociedade da época, associando a presença de Charlotte (agora na realeza) e sua importância para a mudança ocorrer efetivamente na corte. Outro ponto positivo para Rhimes no spin-off, já que é sua primeira adaptação do universo de Julia Quinn, a roteirista deixou a desejar na abordagem de tais pautas, perdendo a abertura que a série, por si só, produz.

Curiosamente, a história da monarca inglesa não foi inspirada por um livro específico de Quinn. O que ocorreu foi exatamente ao contrário. Somente após o lançamento da série, a nova novela da autora foi escrita e tornou-se disponível para os fãs. Rainha Charlotte: A história de amor que veio antes dos Bridgertons e que mudou a alta sociedade consolida a parceria entre a escritora e a roteirista, que agora dividem também as páginas dos romances de época aclamados por muitos. 

Nesse ponto, o sucesso da franquia já se tornou claro, mas esperamos que haja um ponto final em vista para a saga, ainda mais tendo consciência do histórico de temporadas infinitas produzidas por Rhimes em suas séries. No entanto, em Queen Charlotte, todas as questões são muito bem elaboradas e resolvidas ao longo dos seis episódios, o que não torna necessário uma continuação com foco no casal principal, por mais que eles sejam lindos em frente às câmeras.

Não é possível falar da minissérie sem comentar sobre o elenco. Dando vida a jovem rainha que não suporta seu Lulu da Pomerânia, India Amarteifio encarna a personagem com maestria e, junto com Corey Mylchreest, o jovem George, exala uma química perfeita entre um rei e uma rainha cuja paixão foi à primeira vista. Mylchreest não fica para trás de Amarteifio ao interpretar seu parceiro. A angústia de um monarca com uma condição de saúde que o debilita encenada pelo ator transpassa a tela e emociona em diversos momentos.

Além dos protagonistas, outros personagens também roubam a cena. A jovem Lady Danbury (Arsema Thomas) traz consigo questões sobre o papel da mulher na sociedade e a importância do autoconhecimento. O paralelo traçado entre o passado e o futuro da jovem Agatha lutando por seu lugar e descobrindo quem ela é por si só acrescenta um tom reflexivo para a série e demonstra a habilidade de Rhimes em trabalhar a profundidade de seus personagens secundários.

Ainda sobre figuras não principais, Brimsley (Sam Clemmett) e Reynolds (Freddie Dennis), os fiéis mordomos de suas majestades, seriam mais do que perfeitos para uma possível segunda temporada. Em Joias da Coroa, último episódio da série, chega a ser difícil segurar as lágrimas com as cenas nas quais ambos dividem a tela. A partir disso, é de se esperar que o público cativado pelos serviçais de George e Charlotte façam com que a história dos dois não seja esquecida, assim como ocorreu com a protagonista da minissérie.

O episódio que finaliza a série demonstra sua bela execução não só pela emoção causada nos telespectadores, mas também, por suas duas nomeações ao Emmy de 2023. Joias da Coroa marca presença entre os indicados por Melhor Figurino de Época em Série e Melhor Cabelo de Época. As equipes responsáveis pelas caracterizações exuberantes contam com a presença de Lyn Elizabeth Paolo, Laura Frecon, Jovana Gospavic e Alex Locke, na produção e supervisão dos figurinos, enquanto Nic Collins e Giorgio Galliero lideram a produção dos volumosos e característicos penteados.

Apesar dos protagonistas não terem sido indicados em nenhuma categoria, Julie Andrews, que dá voz a Lady Whistledown na narração da produção, acumulou sua terceira nomeação na categoria de Melhor Performance de Voz. O episódio responsável pela presença da atriz na disputa é o segundo da minissérie, denominado Lua de Mel ou Lua de Fel. Das quinze indicações de Bridgerton nos Emmys de 2021 e 2022, Andrews disputou a mesma categoria em ambos os anos, mas infelizmente não levou a estatueta para casa. Torcemos para que três seja o número da sorte e que a série — indicada em três categorias, com a atriz concorrendo pela terceira vez em 2023 — seja a vencedora.

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Lavínia Battoni Ferreira

Após o sucesso da primeira temporada, Bridgerton tem seu segundo ano focado em Anthony Bridgerton (Jonathan Bailey), o primogênito, que decide encontrar uma viscondessa. Ao longo dos oito episódios, é possível acompanhar a trajetória do personagem desde o seu passado até o que virá a se tornar seu futuro. Sem apelação com cenas explícitas, a estreia rendeu para o público, mesmo com algumas ressalvas. A sucessão foi de agrado da crítica, não surpreendendo por mais duas indicações ao Emmy para sua coleção.

Assim como em O Visconde Que Me Amava, foi possível rir, se emocionar, se apegar e desgostar de alguns personagens. Fugindo um pouco do livro, a série trouxe diferenciais para a história. O feito dividiu a opinião de alguns fãs, já que a primeira temporada acabou sendo fiel a O Duque e Eu, mas, por outro lado, também recebeu críticas pela quantidade de cenas explícitas nos episódios. Com personalidades e acontecimentos diferentes, algumas figuras não se tornaram tão queridas como nas páginas. Isso faz o público acreditar que daqui para frente a tendência seja apenas usar o nome dos livros e dos personagens, ainda levando em consideração que a terceira obra foi totalmente ignorada pelo streaming da Netflix ao anunciar a terceira leva sobre Colin Bridgerton.

Bridgerton também estreou duas novas personagens extremamente importantes para toda a história. A atriz Charithra Chandran deu um show durante toda a temporada e recebeu muitos elogios no papel de Edwina Sharma. Além dela, Simone Ashley, depois do papel em Sex Education, se tornou a grande queridinha ao interpretar a irmã mais velha de Edwina, Kate Sharma. Entretanto, mesmo com os diversos elogios, nenhum ator foi indicado ao Emmy, premiação que reconhece os melhores da TV. Para mais, as demais figuras continuam presentes, com exceção do amado Duque de Hastings (Regé-Jean Page), o qual teve seu arco totalmente finalizado na primeira temporada. O ator disse em abril do ano passado que não voltaria para a série, e recentemente reforçou isso através do seu Instagram. Phoebe Dynevor, a mais nova Duquesa, fez aparições em alguns episódios, e é perceptível que a tendência seja apenas essa.

A narrativa não deixa a desejar. Deixando de ser apenas mais um romance de época, a trama trata do triângulo amoroso entre duas irmãs e um dos homens mais influentes da Inglaterra do século XIX. Com direito a muito fofoca, especulação e flashbacks, o telespectador fica esperançoso para que finalmente todos descubram quem é Lady Whistledown, já que, na finale da primeira temporada, é revelado ao público quem está por trás da fofoqueira mais amada e odiada da cidade. 

Em paralelo, no último episódio do segundo ano, é apresentado o grande plot: Eloise (Claudia Jessie) descobre que sua melhor amiga está por trás do folhetim que espalhou seu grande segredo. Lady Whistledown sem dúvidas foi um grande destaque dos capítulos, tanto nas mãos de Nicola Coughlan quanto na voz de Julie Andrews, que, pelo papel, concorreu ao Emmy de Melhor Performance de Voz pelo capítulo Um Grande Libertino. Não restam dúvidas que o trabalho da intérprete com sua voz foi excepcional, criando uma identidade própria para a personagem.

Ainda sobre Eloise Bridgerton, nesse ponto da história a figura mostra sua personalidade forte ao engajar em temas sociais, fugindo totalmente do rumo que se esperava de uma dama de 1800. Talvez seja por isso que a quinta irmã receba um carinho tão grande do público. Assim como ela, Kate expressa fortemente sua vontade de não casar todas as vezes que insistem em perguntar para a garota como ela ainda não arrumou um marido. Por conta disso, e de que em certo momento houve uma interação entre as duas sobre o assunto, se esperava maior desenvolvimento nessa amizade, que infelizmente não aconteceu. O que cabe agora é esperar para ver se esse sonho realmente vai se concretizar.

No segundo ano de Bridgerton destaca-se também a trilha sonora nas redes sociais. Sucessos como Material Girl, da Madonna, Diamonds, da Rihanna e Wrecking Ball, da Miley Cyrus, compuseram a incrível playlist da série. Assim como foi feito na primeira temporada, as canções foram regravadas em sua versão instrumental, deixando apenas a melodia ao som de uma orquestra. Nem mesmo Harry Styles escapou, e Sign of The Times tocou em um dos momentos mais marcantes e polêmicos: o grande casamento. Porém, para a tristeza de muitos, a série não entrou para a categoria musical do Emmy neste ano.

Bridgerton carrega um grande histórico de indicações no Oscar da TV, mesmo com apenas duas temporadas. Em 2021, a produção foi indicada a 12 categorias, mas venceu apenas uma: Melhor Penteado de Época e/ou de Personagem, pelo episódio A Arte de Desfalecer. Em 2022, no entanto, a obra recebeu três indicações: Melhor Figurino de Época, para Danny Glicker, Jessica Fasman e Adam Girardet, Melhor Penteado de Época e/ou de Personagem, para Erika Okvist, Jenny Rhodes-McLean e Sim Camps, e Melhor Performance de Voz, para Julie Andrews, por Um Grande Libertino, respectivamente. A série levou para casa o prêmio técnico de Melhor Penteado, graças ao episódio O Visconde Que Me Amava.

Por mais que o Emmy não tenha sido entregue para Julie Andrews em 2021 e 2022, que ficou para Chadwick Boseman e sua interpretação de T’Challa em What If…?, é inegável a expectativa que se teve para as edições da premiação. Quanto aos figurinos da série, ainda que se tenha contradições quanto a imprecisão dos trajes da época, o trabalho feito entre a fusão de referências do período com as modernas resulta em uma grande admiração pelo trabalho. Porém, tal admiração não garantiu que Bridgerton levasse todos os prêmios aos quais foi indicado nas noite do Creative Emmy Awards.

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Mariana Chagas 

Representatividade importa. Mesmo hoje sendo uma obviedade, tal fato só me foi percebido quando entendi que existia um motivo pelo qual eu, meu irmão e meu pai passávamos tanto tempo assistindo Todo Mundo Odeia O Chris. É claro que a gente ria das falas absurdas da Senhorita Morello, afinal também já tivemos de lidar com professoras racistas em nossas vidas.

No mundo das sitcoms, Chris Rock é apenas um dos nomes que criou comédia evidenciando situações ridiculamente absurdas que a população negra sofre diariamente. Um Maluco no Pedaço (1990) e Eu, a Patroa e as Crianças (2001), também fizeram história. Alguns anos mais tarde, no outono americano de 2014, estreou black-ish. A família composta por Dre, Bow, Zoey, Junior, Jack, Diane, Ruby e Pops é grande, mas muito unida pelas dificuldades que passam, sendo os únicos negros em um bairro branco de classe média alta. 

Criada pelo escritor e produtor Kenya Barris, a obra conta com sete temporadas e dois spin-offs. Acumulando uma lista gigante de indicações ao Emmy e com atores incríveis no elenco, black-ish é atual e completamente viciante em seus mais de 100 episódios, que acompanham personagens em busca de entender e valorizar sua identidade. 

O piloto direciona bem o caminho a ser seguido: três gerações correndo atrás do tão famoso sonho americano. Mas, quando se é preto, esses desejos são diferentes e muito mais difíceis de serem atingidos. Nenhum obstáculo, porém, é grande o suficiente para derrubar o casal principal, cuja maior meta sempre foi dar para os filhos uma vida mais fácil do que a que tiveram. Mesmo situados em uma  confortável estabilidade financeira, a sitcom não esconde o passado complicado de Andre e Rainbow Johnson.  

Dre (Anthony Anderson), o pai da família e narrador da série, é um publicitário que luta para ser visto como mais do que a cota negra no próprio serviço. A empresa em que trabalha é um dos ambientes principais da série, onde sua equipe escuta suas reclamações sobre raça – e muito drama familiar. É com lentidão que seus colegas vão criando mais respeito pelo protagonista. 

Desenvolver personagens brancos em uma série negra é de extrema importância, e black-ish entende o porquê. Sendo o racismo uma criação da população branca, de que outra forma ele pode acabar se não pelas mãos dos que o construíram? A figura de Peter MacKenzie é, além de hilária, uma das maiores evoluções da história. A consciência que o chefe toma sobre sua cumplicidade no sistema é necessária e bem desenvolvida.  

Além de abalar a vida dos seus parceiros de trabalho, Dre faz muito barulho em casa. No meio do caminho entre ser sensível e agressivo, o homem tenta – e na maior parte do tempo consegue – ser um bom pai. O personagem de Anthony Anderson ensina seus filhos os contratempos que vão viver e sobreviver sendo pretos nos Estados Unidos. 

A atuação de Anderson é digna de Emmy. O comediante levou indicação não apenas por uma, mas por todas as sete temporadas de black-ish. Concorrendo na categoria de Melhor Ator em Comédia, é uma pena que a Academia ainda não tenha reconhecido seu talento o suficiente para deixá-lo levar para casa o tão merecido prêmio. E 2021 ainda não deve ser seu ano da sorte, tendo um concorrente tão forte quanto Jason Sudeikis, o famoso Ted Lasso. 

Já a mamãe da família é vivida por Tracee Ellis Ross. Carismática e agitada até demais, Rainbow traz tanta cor para a série que seu nome faz sentido. Dividida entre cuidar das crianças e da casa, ela ainda é médica. Ser mulher e negra em um emprego tão estimado é raro, e a sitcom não cansa de reforçar isso.

Também acumulando uma lista gigante de indicações no Emmy, a premiação ainda não entregou nenhuma estatueta a filha de Diana Ross. Para os que acham que não a conhecem, esta é a lendária cantora da música escutada por Chandler no seu meme imortal segurando um vinil enquanto sofre por Janice.

Em 2021, Tracee concorre novamente como Melhor Atriz em Comédia junto a Jean Smart, Kaley Cuoco, Aidy Bryant e Allison Janney. Mesmo que não ganhe, a atriz poderá pelo menos se divertir na premiação, como em 2002 quando confessou ter usado uma bolsa birkin falsa. A energia de Tracee é quase tão caótica quanto a personagem que ela dá vida em black-ish. 

A lista de discussões trazidas pela mãe é inumerável. Além do racismo, Bow debate sobre colorismo e machismo na narrativa. Uma das melhores e mais marcantes cenas é na sexta temporada, quando no episódio Feminisn’t ela descobre que a luta das mulheres não a inclui completamente. “Você está me pedindo para escolher entre ser mulher ou ser negra. Eu não tenho esse privilégio”, desabafa para a personagem branca e feminista que quer excluir questões raciais de seus protestos.

Este é apenas um dos diversos episódios que abordam temas relevantes no seriado. A homofobia que Raven-Symoné, irmã de Dre, sofre por ser lésbica, a virada repentina de Jackson (Miles Brown) para se tornar vegano, os traumas de Dre por conta da relação conturbada de seus pais e tantos outros assuntos são base para o roteiro rico do programa. 

A amplitude de problemáticas que a família Johnson discute durante as temporadas é um perfeito exemplo para os telespectadores terem uma visão mais rica do que sofre uma família afro-descendente. Racismo não é a única dificuldade enfrentada, pois cada personagem carrega sua própria bagagem e individualidade. 

Os irmãos são a maior prova de que a sitcom não falhou em dar uma identidade forte para cada personagem. Zoey, a mais velha, é metida, debochada e ainda assim querida com todos os caçulas. Sendo a primeira a ir para a faculdade, a jovem vivida por Yara Shahidi ganhou um spin-off, grown-ish. 

Junior (Marcus Scribner), o filho do meio, só não é o alívio cômico porque a série já é de comédia. Ao longo das tempos, o vemos passar de uma criança para um adulto, conseguindo manter sua sensibilidade – palavra que usarei para não chamar o garoto de chorão. A relação do menino com a mãe é uma das mais hilárias, e Rainbow nem tenta esconder que ele é seu preferido. Não era de se esperar outra coisa, já que nenhum outro filho parece ter tanta paciência – e gosto – para jogar sudoku com ela.

Assistir esse personagem crescer não é apenas divertido, mas também muito fácil de se identificar. Diferente da irmã-prodígio, Junior leva os pais à loucura quando, depois de apenas dois dias na faculdade, decide desistir. Ou melhor, tirar um ano sabático. “Essa merda de gente branca” – palavras de Pops (Laurence Fishburne), não minhas -, acabam sendo o passo que o jovem precisava para construir seu futuro.

Os gêmeos são dois lados da mesma moeda. Diane manda, Jack obedece, Diane é popular, Jack mal tem amigos… Os opostos se atraem e formam a dupla mais icônica de black-ish. Marsai Martin e Miles Brown dão conta dos papéis desde pequenos, quando entraram para o elenco. Ambos provam seu talento em todos os episódios, mas uma cena da jovem se destaca. 

Em Black Like Us, o delicado e muito evitado tema do colorismo é trazido à tona. A briga que envolve todos os parentes é interrompida quando a caçula confronta a família sobre ter a pele mais escura. “Está em todo lugar que eu olho, qualquer pessoa que eu converso”, desabafa a menina sobre a consciência que tem sobre ser retinta. Com apenas 14 anos, Marsai entregou uma das falas mais marcantes de todo o roteiro.

Já Miles nasceu para fazer os outros rirem. Quando seu personagem se apresenta na escola cantando um rap cheio de uma palavra proibida, é hilário a forma que o garoto dança inocentemente enquanto os outros alunos, pais e professores entram em desespero. É óbvio que muitos ainda se sentem desconfortáveis com uma criança sem medo da n-word. 

Outra dupla que dá o que falar é Ruby (Jenifer Lewis) e Pops, os pais de Dre nada fáceis de lidar. O típico ódio de sogra e esposa transforma a relação de Ruby com Bow em uma eterna briga, mas é difícil não rir com as provocações entre as mulheres mais importantes na vida do protagonista. Em cenas mais emocionantes, porém, fica escancarado que, por baixo de cada ofensa, há uma das mais bonitas amizades do seriado. Pops, o vovô mal humorado, também tem vários problemas com Ruby. O casal, que se separou quando Dre era ainda criança, se une novamente nesta sétima temporada. 

Um verdadeiro enemies to lovers, o relacionamento dos dois é bagunçado e muito fofo. E é na celebração desse amor que nasce um dos episódios mais bonitos do novo ano. Our Wedding Dre concorre ao Emmy nas categorias de Melhor Figurino Contemporâneo e Melhor Penteado Contemporâneo. Stacey Morris e Nena Ross foram as cabeças por trás dos looks do casamento, e em entrevista contaram que quiseram ousar: “Queríamos fazer algo mais criativo, mais elegante, um pouco mais estiloso para combinar com o episódio. Essa foi nossa meta”.

O vestido todo estampado de Jenifer Lewis foi não apenas surpreendente, mas superior a qualquer tecido branco que ela pudesse usar. E Junior, em seu terno todo vermelho, quase roubou toda a atenção da noiva para si. O garoto já é lindo, mas com uma roupa que destaca sua beleza ele ficou um absurdo. 

Além do emocionante casamento, a sétima temporada é uma das  mais engraçadas da série. Produzida e lançada em 2020, ela está mais atual do que nunca. Dessa vez, acompanhamos a família presa em casa por conta da quarentena. 

Dre, gente como a gente, surta. Tentando dar conta do trabalho online e cuidar das crianças que agora estudam a distância, o pobre do homem perde a cabeça. É triste e engraçado o quanto nos vemos nos personagens que agora trabalham de pijama, não aprendem nada no EAD, namoram virtualmente e passam tempo demais em chamadas de vídeo.

Quem se destaca com esse plot que a série roubou da vida real é Rainbow. A médica cuida de pacientes com coronavírus e a mensagem que black-ish passa é dolorosamente realista. A atenção que a série dá para a personagem e seu esforço é uma bela homenagem a todos os trabalhadores de saúde que arriscaram suas vidas todos os dias ao irem trabalhar na linha de frente em combate a covid-19. 

Mesmo no meio de tanta tragédia, o programa segue sendo positivo e divertido. Criada por Kenya para falar sobre racismo, a sitcom sabe que é melhor rir para não chorar. Com as doses certas de momentos sérios e outros descontraídos, a obra devolve para a população negra aquele sorriso que nos é sempre roubado.

Concorrendo também ao Emmy 2021 na categoria de Melhor Série de Comédia (com créditos de produção para Anderson, Fishburne e Ross), black-ish merece cada reconhecimento recebido e muito mais. Retratar com amor um povo que foi sempre tratado com ódio é um ato de coragem, e a série não tem medo de ser corajosa. Com sua oitava temporada confirmada para ser a última, a jornada da família Johnson vem chegando ao fim. Só nos resta, então, torcer para que as lições deixadas se mantenham vivas.

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Nathalia Franqlin

Finalmente chegou na Netflix a tão esperada continuação de Big Mouth. A série animada de comédia estreou em 2017, surfando nessa onda nova de animações para adultos nas plataformas de streaming. Ela conta com a participação de nomes relevantes no gênero, como seu co-criador Andrew Goldberg, que já participou do roteiro de Uma Família da Pesada. O criador da série, e amigo de infância de Andrew, Nick Kroll, também não é um novato nessa área, ele fez parte do elenco de Festa da Salsicha, que é – de fato – uma predecessora das animações esteticamente infantis, de gosto duvidoso e explicitamente sexuais.

Cada temporada de Big Mouth seguiu o desenvolvimento dos pré-adolescentes, em especial os melhores amigos Nick (Nick Kroll) e Andrew (John Mulaney). No primeiro ano, temos a chegada dos famigerados monstros hormonais na vida dos protagonistas, esse foi o começo do fim, o início da puberdade e o encerramento da infância. A priori, a série chocou e até repercutiu negativamente nas redes sociais entre os mais conservadores, pelo seu linguajar explícito e cenas grotescas. 

Já na segunda temporada, a trama perdeu um pouco o fôlego, diminuindo a quantidade de episódios escatológicos e tentando tomar um tom mais didático. Para isso, tratou de temas como ISTs e prevenção sexual, coisa que acabou por deixar Big Mouth cansativa, tediosa e, até mesmo, incoerente, já que, enquanto tomava um rumo educacional, continuava por mostrar de forma imprudente o uso da pornografia. 

Os anos recentes conseguiram se recuperar do catastrófico segundo. O terceiro chegou com um enredo muito mais interessante, buscando aprofundar os problemas pessoais dos personagens principais e focando na questão da masculinidade tóxica. Finalmente, a cereja do bolo: o quarto ano da série. O melhor até agora, mostrou o amadurecimento da narrativa e dos personagens, agora, adolescentes. Essa foi a única temporada da produção que conseguiu 100% de aprovação no site Rotten Tomatoes. 

A trama continua com foco nos melhores amigos. Mas, cada episódio desta temporada segue sendo um mais interessante que o anterior, e, apesar de todos  terem um certo nível de autonomia, o roteiro está muito bem escrito, fazendo com que eles trabalhem bem entre si. A quarta parte de Big Mouth não é maçante ou tediosa – como a segunda – não é aquele tipo de série que você assiste, com muita dificuldade, apenas pelo interesse no desfecho no final. Não, agora você vai querer maratonar a temporada toda de uma vez.

O primeiro episódio mostra como estão se desenvolvendo as intrigas geradas no final da terceira temporada com o beijo entre Missy e Nick, que deixou Andrew muito irritado. Este ainda se torna um bullie. Nesse ponto, é interessante como a série consegue desenvolver conceitos pouco materiais por meio de analogias, por exemplo, o sentimento de ódio que Andrew não consegue abrir mão se torna, literalmente, uma dolorosa e furiosa constipação intestinal, dublada por Paul Giamatti.

Logo no início, somos expostos a vários novos elementos e personagens singulares. Temos a aparição de Natalie (Josie Totah), uma adolescente trans. Big Mouth surpreende porque, de maneira geral, séries e filmes  – como o aclamado A Garota Dinamarquesa (2015) – tendem a tratar seus personagens trans como “personagens tipo”, ou seja, personagens extremamente genéricos e muito caricatos de um determinado grupo a ser representado, e sem a efetiva representação de atores e atrizes transexuais no elenco.

Mas não é isso que ocorre  aqui, começando pela atriz que dá voz à Natalie e também é uma mulher transexual. A personagem é uma menina complexa, tem suas próprias questões pessoais e sua personalidade não é apenas mostrar o orgulho trans ou ter um arco sofrido para se aceitar, ela é esperta, adora piadinhas de gosto duvidoso, fica ansiosa e insegura às vezes, mas tenta se mostrar forte e inabalável na maior parte do tempo. Ela é só mais uma pré-adolescente enfrentando grandes primeiras emoções e passando pela puberdade. 

Aparecendo junto com Natalie, temos Tito (Maria Bamford), o Mosquito da Ansiedade. Ele, sem dúvida, foi mais uma das sacadas geniais da série. Personificar um sentimento, como já havia acontecido antes com a Gata da Depressão (Jean Smart) e o Mago da Vergonha (David Thelwlis), é um dos melhores caminhos para demonstrá-los de uma forma que não vire gatilho para pessoa mais sensíveis, e mantém a proposta da série de explorar a puberdade enquanto “abraça as fraquezas do corpo humano e do sexo”. Tudo isso, claro, mantendo um tom leve e divertido.

Agora, o Mosquito é o responsável pela maioria dos conflitos envolvendo os personagens. Ele é irritante, insistente, não para de falar, sabe das maiores inseguranças de cada um e consegue alimentá-las; não é surpresa que essa seja a motriz do efeito dominó nos conflitos na série. É interessante como conseguimos nos identificar com os personagens quando eles estão vulneráveis pelo Tito, porque, de fato, todos já tivemos problemas com os mosquitos da ansiedade durante a adolescência, essa fase confusa tanto para nós, quanto para os personagens. Esse é, com toda certeza, um dos elementos que deixou essa temporada de Big Mouth tão provocante. 

Outro personagem que também ganha destaque é o Nick do futuro, ou Nick Starr. Ele não é novo dessa temporada, já havia sido mencionado anteriormente em um episódio do segundo ano de Big Mouth. Mas, agora, ele tem um destaque de super vilão ao estilo Psicopata Americano. Nick Starr é um episódio singular nessa temporada, ele quebra um pouco o ritmo da série e, a priori, pode ser incômodo para aquele que já se sente vidrado ao enredo. 

O capítulo do futuro acontece inteiramente na cabeça do Nick do presente, na forma de um pesadelo. Esse é o Nick completamente tomado por suas inseguranças e medos, ele é solitário, rico, viciado numa droga que o faz ter orgasmos, é narcisista e egoísta. Nesse futuro, há leis ambientais que protegem os mosquitos, todos idênticos ao Tito, e, por mais incômodos que eles sejam, ninguém pode matar nenhum, e também o planeta está entrando em colapso com o apogeu capitalista.

Esse não é o melhor dos futuros, mas é realista. Big Mouth, apesar de manter o mesmo nível desde o seu início, tomou um tom mais duro e crítico, talvez até mesmo sombrio. Isso é bem coeso, já que vemos esse mundo através dos personagens e, agora, é a vez deles estarem sendo, de fato, adolescentes e não mais pré-adolescentes, a infância morreu de vez. Eles não estão, necessariamente, mais maduros, e sim mais críticos, políticos, revoltados, ansiosos e inseguros.  

Outro ponto chave nessa última parte é a jornada de autoconhecimento de Missy (Ayo Edebiri). Ao final da terceira temporada, ela conhece Mona (Thandie Newton), sua Monstra Hormonal, o que leva ao fim da sua infância. O arco de descobrimento de sua identidade é uma das melhores partes desse ano. Missy é muito doce e gentil, mas precisa se descobrir e aceitar todas as partes de sua personalidade – incluindo a mais ousada e assertiva de todas. As várias Missys, incluindo a Missy revoltada e agressiva, a ajudam a iniciar sua adolescência e a se tornar menos inocente. Esse foi um desenvolvimento muito importante para a narrativa, ela ter ganhado tamanha progressão tornou a trama muito mais cativante. 

Ainda sobre a personagem, por causa do fomento nos debates sobre dubladores brancos dublarem personagens não-brancos, houve uma mudança no elenco dos voice actors. Missy não foi e não será mais dublada pela atriz branca Jenny Slate, agora  a atriz, escritora, comediante e produtora Ayo Edebiri será a porta-voz da personagem. Isso é pertinente também para a subjetividade da trama, já que esse é o momento em que a garota começa a se enxergar como uma pessoa negra e a levantar questões estéticas, sociais e culturais sobre sua auto expressão. Esse é o momento, por exemplo, que ela decide trançar o cabelo. 

Big Mouth realmente acertou nesta quarta temporada, trouxe elementos interessantes, amadureceu o tom e, finalmente, parou de incentivar o uso da pornografia. A Netflix já renovou a série para o quinto ciclo e, até mesmo, confirmou que haverá o sexto. Com base nas últimas datas de lançamento das temporadas anteriores, é provável que a próxima fique para o final de 2021, entretanto, ainda é possível que haja atrasos na produção em decorrência da pandemia e ela só esteja disponível no início de 2022. Agora, basta esperar para ver se ela vai seguir a evolução da quarta, se manter no nível das primeiras, ou nos surpreender ainda mais.

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Carol Dalla Vecchia

Em 2000, Julia Quinn (pseudônimo de Julie Pottinger) dava um dos maiores passos de sua carreira como escritora ao lançar o primeiro livro da série Os Bridgertons. Mais tarde, ela seria mundialmente reconhecida como um dos maiores nomes no gênero romance de época, com seus diálogos efervescentes, personagens petulantes e intrigas polêmicas que estavam presentes desde O Duque e Eu, volume que dá início à coleção. Mesmo com tanto sucesso, foram necessários vinte anos para que a autora realizasse o sonho de ver sua obra adaptada para outras plataformas: a série Bridgerton chegou à Netflix em 25 de dezembro de 2020 e já divide opiniões.

Para falar sobre a nova produção original do serviço de streaming, é necessário se aprofundar no conceito entregue por Quinn em seus romances. São oito livros, cada um trazendo um relato separado dos oito irmãos Bridgertons se apaixonando. Eles podem ser lidos em sequência (minha recomendação) ou não, e depois que o leitor acabar todas as histórias, ele pode se deliciar com um nono livro. O último é um bônus de pequenos epílogos nos quais a autora fala o que aconteceu depois do ‘felizes para sempre’, além de se aprofundar na matriarca da família (basicamente, a própria autora escreveu fanfics sobre seus livros).

A irmã escolhida para ser a primeira protagonista é Daphne Bridgerton, a mais velha entre as filhas mulheres que sonha em seguir os passos de sua mãe, Violet: debutar na sociedade, casar-se por amor e constituir uma família com um bom número de filhos. No meio do caminho, ela encontra Simon Basset, o jovem Duque de Hastings que sonha em não se casar e jamais ter filhos. Como os dois encontram dificuldades para alcançar seus objetivos, eles decidem fazer um acordo que seria proveitoso para os dois lados, mas é claro que eles se apaixonam em um clichê de amor por conveniência e ambos os planos são destruídos.

Os outros livros da série seguem no mesmo formato, focalizando um casal principal e mostrando pequenos quadros do restante da família. Ao longo da leitura, isso traz benefícios, como o bom desenvolvimento do relacionamento entre os pares românticos, e malefícios, como o mau desenvolvimento dos irmãos mais novos, que não tem tanto espaço nas páginas das obras que os precedem. Particularmente, acredito que esse seja o motivo pelo qual os fãs tendem a preferir os primeiros cinco livros aos quatro últimos.

De toda forma, a série televisiva era esperada com altas expectativas, tanto pela aclamação dos livros, quanto por ser o primeiro projeto da produtora Shonda Rhimes (Grey’s Anatomy, Scandal e How to Get Away with Murder) dentro da Netflix. A produção foi anunciada em 2018, sob a criação de Chris Van Dusen (que já trabalhava em parceria com Rhimes), e o elenco só foi divulgado um ano mais tarde, trazendo Phoebe Dynevor no papel de Daphne e Regé-Jean Page como Simon, o Duque de Hastings.

O roteiro fez algumas mudanças em relação à O Duque e Eu, o primeiro livro da série, transformando a jornada do casal principal em uma parte de um enredo mais complexo e que desenvolve os personagens ao redor. Nos livros, se o leitor quiser conhecer o Visconde Bridgerton, Anthony (Jonathan Bailey), é preciso ler o segundo volume. Na série, a dinâmica muda, fazendo com que o personagem seja construído desde o primeiro episódio. Assim, todos os irmãos que não tiveram uma boa evolução ao longo da trama agora podem ter seu espaço e crescer diante dos espectadores.

Além de Anthony, Benedict (Luke Thompson), Colin (Luke Newton) e Eloise (Claudia Jessie) também ganham tempo de tela, construindo personalidades mais verídicas e preparando o público para as próximas temporadas, que mudarão o foco da série cada vez que um Bridgerton se apaixonar. O único ponto negativo dessa introdução é que a série traz alguns spoilers dos livros ainda não adaptados, principalmente do quarto volume (Os Segredos de Colin Bridgerton), que tem uma de suas principais reviravoltas reveladas.

Porém, a família Bridgerton não é a única com melhorias na série. Alguns personagens que não existiam nos livros foram adicionados, como a Rainha Charlotte (Golda Rosheuvel) e outros tiveram suas histórias alteradas para trazerem discussões mais variadas, como Marina Thompson (Ruby Barker) e Siena Rosso (Sabrina Bartlett). Outros ganharam aprofundamento em personalidades que não podiam ser tão exploradas dentro das páginas originais, como as mulheres da família Featherington e Lady Danbury (Adjoa Andoh).

Lady Whistledown (originalmente narrada por Julie Andrews) também se torna um ponto focal do enredo, com Eloise Bridgerton tentando descobrir sua verdadeira identidade. Ela é uma mulher que usa esse pseudônimo para escrever um jornal de fofocas e bagunçar a temporada social, num estilo Gossip Girl de época. Nos livros, trechos de suas colunas aparecem como epígrafes no começo de cada capítulo e sua personalidade só é explorada no quarto volume, entretanto, na série ela se torna uma peça influente e fundamental para a reputação dos protagonistas.

Como pode ser notado, há uma pluralidade de vozes femininas que estão em evidência dentro do seriado. O protagonismo feminino é um fato que foi muito elogiado pela crítica, juntamente à representatividade de pessoas negras e asiáticas dentro da sociedade britânica. Tudo se potencializa com a figura prestigiada da Rainha Charlotte, que historicamente era descendente de africanos e que na série tem mais força e significado do que o próprio rei. 

Mesmo com o avanço dentro de debates atuais e necessários, a série ainda se perde um pouco em seus posicionamentos. Em alguns pontos é possível perceber falas que não se encaixam no contexto idealizado do gênero: os livros de época naturalmente são romantizações de um momento histórico.

Por isso, não vemos pessoas amputando pernas apenas porque bateram o dedinho no pé da cama, como poderia acontecer antigamente. Mas também, vemos coisas que estão muito distantes da verdade daquele período: como alguns figurinos usados pelas atrizes da série, cenários extremamente coloridos e artificiais, e cenas que mereciam uma classificação indicativa para maiores de dezoito anos (tirem as crianças da sala antes do sexto episódio, Farfalhar).

As condições de romance de época nas quais a produção televisiva está embasada fazem com que discursos valorosos se percam, e a série continue sendo um conteúdo de entretenimento acima de qualquer reflexão. Isso pode ser considerado positivo ou negativo, tudo depende do que o espectador está buscando.

Em síntese, a primeira temporada de Bridgerton é uma expansão do universo criado dentro dos livros e uma atualização de perspectivas sobre o gênero. Sempre haverá fãs dos livros que ficaram chateados com a adaptação, no entanto, é preciso reconhecer que foi alcançado o objetivo de trazer essa amada família para as telas. A série literária já havia conquistado milhões de corações, e agora essa nova plataforma abre oportunidades para que os Bridgertons sejam plenamente conhecidos através do mundo. Assim como cada um dos irmãos, você também pode se apaixonar.

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