Já estamos cansados de reclamar da situação do país em meio a esse turbilhão de confusões, esquemas e agressões vindas da politicagem brasileira. Será que a Arte ainda é capaz de nos fazer esquecer de toda essa bagunça no mundo exterior? Ou é ela que nos mantém sãos? Bem, não há resposta certa para isso. Junho chegou, Junho foi embora e a leva de filmes e séries que marcaram a metade do ano não poderia ter sido mais diferente uma da outra.

No mundo cinematográfico, onde alguns poucos irresponsáveis arriscam ir aos cinemas, as produções foram escassas e não muito chamativas. Os apaixonados pelo medo e pelo horror ganharam de presente duas bombas: Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio não é um fracasso completo, mas abala o ânimo dos fãs da franquia com uma trama fraca e pouco impressionante. Por outro lado, para quem pensava que não poderia ser pior, Espiral: O Legado de Jogos Mortais se esforçou para entregar um dos piores filmes da saga de Jigsaw. Não foi dessa vez que o deus da carga dramática te abençoou, Chris Rock.

Os streamings, pelo menos, nos garantiram um pouco mais de diversão. A nova animação do Disney+ pode ter uma narrativa marcada pela simplicidade, mas não falha em emocionar o espectador com a sua fofura. Estamos falando de Luca, que conta com os dois monstros marinhos mais carismáticos desde o peixão apaixonado de A Forma da Água, lá em 2017. Pelas mãos da dona Netlfix, Carnaval foi lançado e conseguiu o feito de nos fazer fechar a cara só de ouvir o nome da melhor festa do ano. Mesmo assim, nessa altura do campeonato, dá vontade de pular um bloquinho, não é?

Lin-Manuel Miranda emplacou mais um hit e trouxe os musicais de volta ao cinemas com Em um Bairro de Nova York, que encantou a crítica com suas coreografias e o protagonismo de Anthony Ramos – não, não é o ator da Globo. No entanto, faltou tato por parte da produção do filme, que foi duramente criticada pela falta de representação entre o elenco principal de afro-latinos no bairro de Washington Heights. Apesar de Miranda se pronunciar “verdadeiramente arrependido”, o resto dos envolvidos protagonizou um show de horrores ao comentar a polêmica. Complicado, Rita Moreno.

Na parte da TV, o cenário foi mais positivo. No Brasil, O Caso Evandro chocou tanto que até ganhou episódios extras, com informações importantíssimas que só foram descobertas pela repercussão do documentário. Colônia, original do Canal Brasil, ganhou casa no Globoplay, dando voz e rostos aos temas do livro Holocausto Brasileiro, de Daniela Arbex.

O Amazon Prime Video finalmente investiu nas produções nacionais, entregando DOM e Manhãs de Setembro. A primeira leva a periferia e o tráfico em discussões que perpassam temas sociais, enquanto a segunda finalmente dá a Liniker um papel de atuação. A artista canta e encanta, se firmando como um símbolo de poder e resistência nesse Mês do Orgulho.

Fora do radar nacional, We Are Lady Parts inovou as típicas narrativas musicais que estamos acostumados, Grey’s Anatomy finalizou seu 17º ano na união da ficção de Meredith com a pandemia do mundo real e RuPaul’s Drag Race Down Under se provou a pior temporada do reality de competição de drag queens. Original do Hulu, mas com exibição do Paramount+ no Brasil, The Handmaid’s Tale finalmente entregou um ótimo capítulo neste livro de sofrimentos que é a vida de June.

A Netflix continuou Lupin e nos deu uma overdose de Elite. Além da estreia do quarto ano da sacanagem espanhola do Ensino Médio, fomos agraciados com curtas especiais, que não agregaram muito, mas foram agradáveis de acompanhar. O HBO Max aterrissou por aqui e duas de suas melhores produções acabaram em Junho: Hacks coroa o talento inestimável de Jean Smart na comédia e Legendary continua na construção de seu maravilhoso império. É sério, vejam Legendary.

O Mês do Orgulho coloriu a arte desse Cineclube de Junho, com o azul-claro da bandeira trans se prostrando como resistência. Uma das melhores séries da história, Pose, deu um tristonho tchau, através de uma terceira temporada cautelosa, calorosa e cheia de paixão. Para além de ser ‘apenas’ a produção com o maior elenco trans da história da TV, a obra-prima do FX se livrou das amarras narrativas que uma história LGBT pode se colocar, dando suficiente material para que MJ Rodriguez, Dominique Jackson, Indya Moore, Billy Porter e cia cravem seus nomes para a eternidade.

O Persona fecha o primeiro semestre com um Cineclube mais modesto que o habitual (é que o frio de Junho congelou até a gente). A conclusão do Mês do Orgulho não deixa dúvidas: o nosso papel, como espectadores e divulgadores de conteúdo, é o de prestigiar, aclamar, indicar e celebrar essas joias raras. Agora, é só chegar junto da Editoria e dos Colaboradores para conferir tudo o que falamos sobre o Cinema e a TV no sexto mês de 2021.

Cinema

Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio (The Conjuring: The Devil Made Me Do It, Michael Chaves)

Que bagunça que fizeram com o pobre Invocação do Mal. Quando James Wan deu a luz ao primeiro filme da franquia lá em 2013, os fãs de terror convulsionaram tamanha a qualidade e o carisma do longa. 8 anos e sete filmes depois, Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio chegou aos cinemas e ao HBO Max para provar que, infelizmente, tudo que é bom dura pouco.

O problema já começa na trama. Apesar do caso interessantíssimo que tinha em mãos – o julgamento de Arne Cheyenne Johnson que, acusado de assassinato, alegou ter estado sob possessão demoníaca –, Michael Chaves não se decide quanto ao rumo que pretende dar ao seu filme. As cenas nos tribunais, que poderiam ter aberto outras portas para a franquia, são esquecidas e retomadas apenas nos minutos finais. Ao invés disso, Chaves prefere inserir um plot horrendo envolvendo os talentos sensitivos de Lorraine Warren, que se torna quase uma X-Men perdida no mundo de Annabelle. 

Extremamente convenientes para a narrativa e utilizados com um excesso pavoroso, os poderes da demonologista e sua relação psíquica com a Ocultista bagunçam a história de forma quase incorrigível. No entanto, uma coisa é fato: Vera Farmiga e Patrick Wilson continuam impecáveis como Ed e Lorraine Warren. Um dos melhores casais do Cinema contemporâneo, Wilson e Farmiga entregam qualidade demais em comparação com o resto da trama. Filmes ruins de franquias boas assustam mais que os demônios de Michael Chaves. – Caroline Campos

Carnaval (Leandro Neri)

Quem não está com saudades do calor do Carnaval bom sujeito não é. Com  suas gravações iniciadas antes da pandemia, a Netflix tenta engajar um filme nacional com os camarotes da festa de Salvador. A primeira metade do longa é pavorosa, depois, descemos descontroladamente a ladeira da vergonha alheia com o enredo e personagens vazios e sem nenhum atrativo externo ou de contexto.

Com um elenco temível – Giovana Cordeiro e Gkay – não podemos contar nem com boas atuações. O filme não traz o melhor do Carnaval de Salvador, que são os blocos de rua. Os camarotes, que são forçados a todo momento, se encaixam com sentido na premissa que a história segue, mas, exclui toda parte contagiante da festa, que renderia uma boa produção.

Tenho que ser justa. Nem só de calamidade se constrói o longa da Netflix. A representatividade dos orixás dentro do filme arrepia, há respeito em demonstrar figuras sagradas e pais de muitos. Carnaval acerta em trazer o candomblé, com misticismo, para o grande público. Não recomendo Gkay nem para minha pior inimiga, entretanto, se você estiver – assim como eu – com saudades do Carnaval,  assista essa produção que o sentimento passa. – Ana Júlia Trevisan

Luca (Idem, Enrico Casarosa)

Trazer até as crianças o debate sobre a inclusão através de metáforas é uma ferramenta que os estúdios de animação adoram. Em um mundo tão excludente, filmes que abordam essa universalidade conseguem sempre um lugar especial no nosso coração. A bola da vez está em Luca, a nova animação da Pixar, dirigida por Enrico Casarosa, que conseguiu mesclar A Pequena Sereia e Me Chame Pelo Seu Nome em uma narrativa simples e eficiente sobre amizade e criaturas marinhas.

Abraçados pela comunidade LGBTQIA+ por conta de suas alegorias, os dois peixinhos Luca e Alberto conseguem assumir a forma humana fora da água. Enquanto o primeiro possui uma família protetora e um medo absurdo do mundo terrestre, o outro parece viver sozinho e se aventurar por qualquer coisa que o mundo tem a oferecer. Sem tramas complexas nem reviravoltas absurdas, Luca, disponível no Disney+, encanta pela simplicidade e delicadeza com que relaciona seus personagens, todos procurando e explorando o seu lugar no mundo e as possibilidades desse vasto universo.

Opostos, Luca e Alberto, dublados no original por Jacob Tremblay e Jack Dylan Grazer, se enveredam pelo mundo humano com o medo constante da rejeição e da exclusão. Assim, de forma sutil, Luca constrói seu carisma e apelo ao tratar das diferenças sociais com tamanha sensibilidade, sem deixar de lado a aventura juvenil e divertida de seus protagonistas. Mesmo com a conclusão morna, não há nada que apague o encanto dos monstrinhos em meio aos terrestres. Silenzio, Bruno! – Caroline Campos

Em um Bairro de Nova York (In The Heights, Jon M. Chu)

O sucesso absoluto de Hamilton trouxe outra obra de Lin-Manuel Miranda da Broadway para as telas do mundo todo. Agora, é hora de conhecer In The Heights, a adaptação de um musical criado pelo dramaturgo, ator, produtor, cantor e compositor, que apresenta uma história de sonhos e raízes num bairro predominantemente latino de Nova York. 

Esse cenário é Washington Heights, que abriga uma comunidade imigrante em busca de oportunidades na terra da liberdade, e que é onde Miranda, de descendência porto-riquenha, nasceu e cresceu. A proximidade do dramaturgo com a história, no entanto, não garantiu que sua transposição para o Cinema (na direção de Jon M. Chu) fosse representativa como o planejado quando a história ganhou seus contornos através da peça.

O musical protagonizado pelo carisma brilhante de Anthony Ramos decepciona com a falta de representação fiel da comunidade latinoamericana. In The Heights é tudo o que se esperaria de algo com a assinatura artística de Lin-Manuel Miranda (que respondeu às críticas e se desculpou pela falha na produção do filme), exceto pelo descuido em algo tão fundamental para a narrativa da obra e para o significado de seu trabalho. – Raquel Dutra

Espiral: O Legado de Jogos Mortais (Spiral: From the Book of Saw, Darren Lynn Bousman)

Como se não bastasse uma decepção no mês, os obcecados pelo Cinema de horror ganharam outra. Espiral: O Legado de Jogos Mortais causa, na melhor das hipóteses, gargalhadas. Falta de tudo na obra de Darren Lynn Bousman: criatividade, originalidade, roteiro, atuações decentes, e, se tratando de Jogos Mortais, muito sangue. A franquia de sucesso dos anos 2000, que com certeza transita entre altos e baixos, ficou conhecida pelo seu horror corporal e tortura explícita em cenas de causar enjoo no espectador. O filme de 2021, no entanto, não consegue transmitir nem um mal-estar.

Tentando recriar a estética do primeiro longa, dirigido por James Wan (olha ele de novo!) em 2004, Bousman deixa seu filme caricato e repetitivo, com momentos que, segundo a Geração Z, se enquadram em cringe total. Chris Rock, o detetive protagonista, parece ter colocado em si mesmo uma trava de segurança que o impede de expressar emoções minimamente convincentes, e sua relação com o assassino, principalmente durante os momentos finais, é talvez o plot twist mais sem graça de 2021.

Só para não descer a lenha em absolutamente todos os pontos de Espiral, Samuel L. Jackson convence. Apenas isso. Não é dono de uma atuação primorosa, mas também não se junta a sinfonia de fracasso do cineasta, que dirigiu outros filmes da saga ao longo da carreira. Isso talvez porque o personagem do veterano tem duas cenas na obra – a última delas, inclusive, o mais próximo da vibe contagiante de Jogos Mortais que esse filme tem a oferecer. Jigsaw estaria envergonhado. – Caroline Campos

TV

O Conto da Aia (The Handmaid’s Tale, 4ª temporada, Hulu/Paramount+)

Depois de um chove, não molha desgraçado, The Handmaid’s Tale conseguiu entregar uma temporada intensa, corajosa e, o mais importante, que tomou decisões drásticas em direção à conclusão da trama. O ano 4 tirou June (Elisabeth Moss) de Gilead, guiando a jornada da personagem para o encerramento de ciclos. Com 3 episódios a menos que o habitual, a série de Bruce Miller demonstrou assertividade e culhões, dando a Moira, Emily, Serena, Janine, Waterford e até à Tia Lydia, muito o que fazer.

Com a sombra de um quinto ano pela frente, O Conto da Aia fez de 2021 um chamariz de boas ideias, com destaque para a sempre formidável Mckenna Grace, jovem prodígio de Hollywood e que agora interpreta uma Esposa, ainda adolescente. O choque pelo choque continua sendo o lema da produção, não recomendada para quem tem problemas em ver gente se ferrando muito antes de começar a se dar bem. O presente floresceu The Handmaid’s Tale, e a dúvida que fica é se o fruto abençoado por Ele vai vingar quando as Aias darem seu adeus no ano que vem. – Vitor Evangelista

We Are Lady Parts (1ª temporada, Channel 4/Peacock)

Lançada originalmente no Reino Unido através do Channel 4 em maio, a 1ª temporada de We Are Lady Parts chegou aos Estados Unidos através do serviço de streaming da NBC, o Peacock. Baseada no curta Lady Parts, ela narra a vida de cinco jovens muçulmanas que formam a banda de punk rock Lady Parts, acompanhando-as através dos olhos de sua mais nova integrante, Amina (Anjana Vasan), uma doutoranda introvertida que tem medo de tocar guitarra em público.

O roteiro e a direção de Nida Manzoor capturam sagazmente a essência e as nuances de cada uma das personagens, rejeitando estereótipos e criando uma trama de crescimento pessoal poderosa ancorada em excelentes atuações e uma estética feroz. Ao longo de seus seis curtos episódios, somos transportados até a realidade de suas personagens e partilhamos de cada risada e cada lágrima derramada.

Através de uma série de músicas originais e alguns covers excelentes de Queen e Dolly Parton, vemos o crescimento do grupo enquanto banda, mas também como pessoas. Ao final do último episódio, a sensação que fica é de que as Lady Parts só começaram e, mesmo que não haja uma segunda temporada confirmada, o público clama por um bis. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Elite Histórias Breves (Elite Short Stories, Especial de Elite, Netflix)

Depois de muita espera, Elite finalmente retorna com novos episódios. A série espanhola trouxe personagens e tramas diferentes, mas não sem antes se despedir das figuras que conquistaram o público, para início de conversa. Se, no final da terceira temporada, vemos o encerramento do ano escolar em Las Encinas, as Histórias Breves nos mostram um pouco das férias de seus alunos. 

Com narrativas que se conectam, os curtas são divididos em quatro partes. E, como não poderia faltar, duas delas focam em um dos aspectos mais marcantes da série: os romances. Samuel com Carla, assim como Guzmán e Nadia, sofrem turbulências ao serem separados pela Universidade. Namoros de Ensino Médio são, de fato, ótimos. Mas quando os anos mágicos acabam, a magia dos amores pode sumir junto. Sabendo que Carla (Ester Expósito) e Nadia (Mina El Hammani) precisavam sair da série, a Netflix deu um final quase digno para cada uma. 

Alguns personagens, por outro lado, continuaram suas jornadas. Omar, Ander, Cayetana, Rebeka e Guzmán protagonizam seus curtas com muita comédia e drama. É difícil não rir com a festa bagunçada de um trio inesperado, assim como não é fácil segurar as lágrimas quando o percurso de Ander com o câncer resulta na perda de um grande amigo. Resumindo Elite em poucos minutos, Histórias Breves é um compilado perfeito para matar a saudade do seriado. – Mariana Chagas

Colônia (1ª temporada, Canal Brasil/Globoplay)

Baseado no livro Holocausto Brasileiro de Daniela Arbex, a série Colônia narra, algumas das situações reais que foram vivenciadas no hospício Colônia de Barbacena, em Minas Gerais. Por meio de personagens ficcionais são contados alguns dos absurdos ocorridos neste período terrível da história nacional e que foi estrategicamente apagado dos livros de História. Acompanhamos em 10 episódios a história de Elisa, interpretada pela atriz Fernanda Marques, e pelo ponto de vista da personagem começamos a entender o que acontece e como funciona a instituição.

“Ninguém entra naquele vagão por acaso”. As pessoas mandadas para o Colônia não eram somente as que possuíam patologias mentais, muitas pessoas eram apenas descartadas naquele lugar. Negros, LGBTQIA+, mulheres grávidas, prostitutas, pessoas consideradas inimigas da ditadura militar ou mesmo as que sabiam de segredos de indivíduos ricos e influentes eram mandadas para a unidade para nunca mais voltaram às suas casas. Todos os internos eram tratados de maneira desumana, sendo violentados, torturados e consequentemente enlouquecendo.

A direção da série, de André Ristum, fez a escolha de apresentar os episódios em preto-e-branco, dando à narrativa um tom melancólico. Colônia é uma obra que em cada personagem acompanhado questiona temáticas que atualmente continuam pertinentes, como por exemplo, a luta antimanicomial, as visões extremamente conservadoras afetando vidas, a desumanização consequente do sistema capitalista e o respeito aos direitos humanos. – Ma Ferreira

Elite (Élite, 4ª temporada, Netflix)

A preparação do novo ano em Las Encinas começou com quatro histórias breves, amarrando os nós deixados pela terceira temporada. Depois de metade do elenco ter se despedido das gravações, sobrou para Cayetana (Georgina Amorós) e Rebeka (Claudia Salas) carregarem a nova fase nas costas, já que Samu (Itzan Escamilla) e Guzmán (Miguel Bernadeau) ficaram disputando o cargo de macho alfa da alcateia. Além disso, o relacionamento de Ander (Arón Piper) e Omar (Omar Ayuso) tentava voltar nos trilhos, com tudo o que aconteceu anteriormente. 

A chegada do trio de irmãos Ari (Carla Díaz), Patrick (Manu Rios) e Mencía (Martina Cariddi) e do príncipe Phillippe (Pol Granch) desequilibra o ambiente em diversas formas. Contudo, o ponto mais importante para desprender de toda série é a abordagem dos relacionamentos abusivos. Caye se reinventa de diversas maneiras e se mostra muito mais amadurecida e longe do fantasma de Polo. Mesmo que no começo isso pode ter acontecido, até mesmo o repugnante príncipe não dispersa os olhos da nova faxineira de Las Encinas. 

Já no seu quarto ano de exibição, Elite não se inovou, continuando na mesma fórmula de: 1) um corpo foi encontrado e 2) todos os alunos são suspeitos. Com novas saídas do elenco principal e a adição de outros personagens, resta a dúvida se uma quinta temporada seria realmente necessária ou não, mesmo com numerosas pontas soltas. Mantendo ainda as (muitas) cenas de sexo e aquele ar de mistério, já podemos dizer que a série espanhola já se banalizou, mas que não precisamos ter vergonha de mostrar que a gente gosta. – Júlia Paes de Arruda

DOM (1ª temporada, Amazon Prime Video)

A história de Pedro Machado Lomba Neto, mais conhecido como Pedro Dom, chega ao Amazon Prime Video como uma forte produção brasileira. O “bandido gato” fez fama ao assaltar prédios e casas da alta sociedade fluminense no começo dos anos 2000, usando o racismo estrutural a seu favor e se popularizando entre as manchetes dos jornais. Mas a produção do cineasta Breno Silveira (2 Filhos de Francisco) conta não só a história de um criminoso, também mostra como isso afetou sua família e principalmente seu pai, Victor Dantas, um policial civil aposentado que foi pioneiro no combate às drogas no Rio de Janeiro.

A produção tem dado o que falar e já se tornou a produção internacional mais assistida do Prime Video, e ela é recheada de boas atuações. O protagonismo é de Gabriel Leone (Eduardo e Mônica), que entrega uma bela parceria de cena com Flávio Tolezani, que retrata Dantas. DOM ainda conta com outros grandes nomes: Raquel Villar, Ramon Francisco, Isabella Santoni e Digão Ribeiro como integrantes do “bonde”. Já Filipe Bragança interpreta o personagem do pai quando jovem em uma das fases da narrativa, passada nos anos 1970, enquanto Laila Garin vive a mãe de Pedro, e Mariana Cerrone é, na série, irmã do personagem principal. Fábio Lago, Julia Konrad e André Mattos complementam o elenco principal.

DOM é um ótimo drama policial, com uma bela fotografia que retrata o Rio de Janeiro dos morros e praias aos condomínios de luxo. Baseado em fatos reais, a sua premissa aborda um problema social: o tráfico de drogas e os 8 episódios tem um bom ritmo e prendem a atenção do espectador apesar da temática pesada. É uma produção ousada e envolvente, para quem gosta de uma boa série dramática com boas cenas de ação, essa é com certeza uma das melhores produções lançadas recentemente. – Nicole Saraiva 

Grey’s Anatomy (17ª temporada, ABC)

É 2021 e precisamos falar da 17ª temporada de Grey’s Anatomy mesmo depois de tanto tempo. Não porque, nesse ano conturbado por si só, a produção teve que introduzir os dramas médicos da vida real para a frente das câmeras, mas também porque, aos trancos e barrancos, a série conseguiu fazer isso de maneira interessante, mesmo com os elos dramáticos que percorrem todos os anos da série. 

Com uma premissa de então abordar a pandemia da covid-19, a série da ABC deu mais uma vez à protagonista, Meredith Grey (Ellen Pompeo) o posto de carregar o peso da produção nas costas. Mas dessa vez de uma maneira diferente, já que ela pode estar ao lado, mais uma vez, de grandes nomes como Patrick Dempsey, Chyler Leigh, Eric Dane e T.R. Knight que voltaram do mundo dos mortos, literalmente, como um modo de levar a série para a sua última temporada, se não fossem os altos índices de audiência. 

Além disso, a vida dentro dos hospitais foi retratada como uma forma de humanizar os verdadeiros médicos por trás das máscaras. No entanto, por mais um ano, Grey’s Anatomy pecou no sentido medicina, e se carregou nos dramas pessoais dos protagonistas. Ainda assim, a temporada teve um brilhantismo único e imbatível que, com certeza, vai dar trabalho para Krista Vernoff, responsável pela série, manter o patamar no ano seguinte. – Larissa Vieira 

Manhãs de Setembro (1ª temporada, Amazon Prime Video)

De quem foi a ideia de manter Liniker tanto tempo longe dos papéis de drama? Não há como apontar o responsável por tal barbaridade, mas, finalmente, deram a essa mulher uma série para ela estrelar. O serviço de streaming felizardo foi o Amazon Prime Video e, nesse mês de junho, os cinco episódios da primeira temporada de Manhãs de Setembro aterrissaram entre nós. A cantora vive Cassandra, uma motogirl trans que descobre do dia para a noite que teve um filho 10 anos atrás com Leide, interpretada pela também magnífica Karine Teles. 

Gersinho, o fruto desse relacionamento, passa perrengue atrás de perrengue com a mãe, já que os dois vivem num carro embaixo de um viaduto e vendem o que conseguem nos faróis de São Paulo. O que não falta em Manhãs de Setembro é talento: além de Liniker e Teles, Gustavo Coelho, que interpreta o garoto, é uma revelação e tanto. O título da série vem através da música da cantora Vanusa, que, pela voz de Elisa Lucinda, dá conselhos dentro da cabeça de Cassandra durante toda a temporada.

Construindo o afeto entre a protagonista e seu filho de forma gradual e detalhista, Manhãs de Setembro entende que a realidade da comunidade trans não se resume apenas a violência e transfobia – isso também porque a série conta com a ícone do queernejo Alice Marcone em seu time de roteiristas. Cassandra é dona de uma narrativa complexa, de altos e baixos, cheia de amores e desamores. Vivendo no país que mais mata pessoas trans em todo o mundo, a nova produção do Prime Video é um conforto, um ato de resistência e um manifesto. – Caroline Campos

Lupin (Parte 2, Netflix)

Em Junho também houve a volta de Lupin, a queridinha francesa da Netflix estrelada por Omar Sy e criada por George Kay, que retorna após um hiato de cinco meses. A nova leva de cinco episódios traz de volta o carisma sobrenatural de Sy na pele de Assane, o lendário ladrão de casaca, mas carece do foco narrativo e da estrutura que tornaram os primeiros capítulos da série tão saborosos.

Ela começa com um episódio que teria se encaixado muito melhor no final chocante da parte anterior, resolvendo o seu clímax e oferecendo um gancho tragicamente forte para sua sequência. Do jeito que está, a narrativa perde fôlego após os dois primeiros capítulos, por mais que a atuação impecável de Sy segure as viradas mais abruptas que o roteiro dá. Os episódios ainda são bem construídos e oferecem pontos de virada engajantes, com grande parte deles vendo o protagonista na defensiva, tendo que improvisar ao longo do caminho, nos oferecendo outra perspectiva para o personagem.

Com um clímax elaborado e surpreendente, Lupin  nos oferece um final que amarra satisfatoriamente as pontas da história da vingança de Assane contra a família Pellegrini, o que deixa difícil ficar de mal com a série por conta de seus poucos erros. A promessa de uma terceira parte em desenvolvimento chega como um suspiro de alívio: essa não é a última que vemos do astuto ladrão de casaca e seus roubos elegantes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Hacks (1ª temporada, HBO Max)

Hacks. Guardem bem o nome dessa série, vocês vão ouvir falar dela em setembro. Não é novidade para ninguém a alta presença das originais HBO na premiação do Emmy que, aliás, foi a emissora que mais levou estatuetas no ano de 2020. Agora, Hacks está entre as cotadas para representar o mais novo streaming que chegou ao Brasil. Isso por causa do bom desempenho da série que facilmente agrada os assinantes e mesmo não popularizada no país conquista o Top 10 assistidos da semana.

Não é à toa. O HBO Max traz sua veterana de guerra, Jean Smart – que também está presente em grandes produções como Mare of Easttown e Watchmen -, para um papel de estrelato pleno. A atriz brilha e reluz numa personagem complexa que tem um certo toque inovador para as telas. Jean Smart domina a arte de fazer comédia sobre comédia interpretando Deborah Vance, que é famosa em Las Vegas por sua longa trajetória, mas passa a perder os melhores horários de apresentação por suas piadas ultrapassadas. 

A solução para o problema é contratar uma estagiária, Ava (Hannah Einbinder). É assim que Hacks ganha sua proporção. A dualidade entre as mulheres e a diferença de idade combinadas a dificuldade de ser do sexo feminino e fazer parte da industria hollywoodiana são os pontos altos da produção que acerta a mão em representá-los. A série consegue construir tramas paralelas dentro de sua própria história, o que a torna mais cativante. Jean Smart ganhará o Emmy de Melhor Atriz em Série de Comédia. Anotem. Me cobrem. – Ana Júlia Trevisan

RuPaul’s Drag Race Down Under (1ª temporada, Stan)

A exportação do programa de RuPaul Charles nos rendeu frutos de diversas qualidades, desde divertidas e empolgantes temporadas (2ª do Reino Unido) até jurados decepcionantes mas competidoras exemplares (1ª do Canadá). Na versão da Oceania, Drag Race Down Under, encontramos um show realmente de cabeça para baixo. A começar pela produção, que claramente sofreu com um orçamento menor, já que assistimos as queens performarem em um palco pequeno, quase como alguns caixotes de madeira colocados lado a lado. 

As competidoras também não impressionaram: nada do que foi apresentado ali era inédito, e a chance de vermos a diversidade étnica do continente representada no programa foi limitada pela própria produção, que convidou um elenco majoritariamente branco. Jojo Zaho, a primeira competidora aborígene australiana, acabou sendo também a primeira a ir para a casa; Coco Jumbo, de descendência fijiana, deu adeus ao reality no terceiro episódio. A partir daí, passamos a assistir um elenco formado apenas por queens brancas, duas delas com passado racista: Scarlet Adams, que fez blackface e brownface em apresentações anteriores ao programa, e Karen From Finance, que colecionava bonecos racistas e até mesmo chegou a tatuar um deles em sua pele.

RuPaul e Michelle Visage pareciam cansados, e Rhys Nicholson caiu na maldição da chatice aguda quando se faz parte da bancada internacional de Drag Race. A eliminação precoce de Anita Wigl’it, mesmo tendo vencido o Snatch Game nos episódios anteriores, nos doeu na alma, mas, pelo menos, Kita Mean pôde vingar a amiga e levar a Coroa para a casa, justamente. A maior (e melhor) zebra da temporada foi Elektra Shock, perseguida nos primeiros episódios e subestimada, a neozelandesa ganhou o coração dos fãs e, mesmo fora do top 4, saiu por cima e encontrou paz em sua narrativa. Não é claro ainda se teremos uma nova chance para as vizinhas da Lorde, mas, caso uma segunda temporada venha aí, que os erros da produção não sejam cometidos novamente. – Jho Brunhara

O Caso Evandro (Minissérie Documental, Globoplay)

A minissérie documental que narra os acontecimentos do Caso Evandro, dirigida por Michelle Chevrand e Aly Muritiba, é um dos lançamentos recentes do Globoplay. A produção, dividida em 9 episódios, apresenta a história a partir do seu princípio, com o desaparecimento de Evandro Ramos Caetano, de apenas 6 anos, na cidade de Guaratuba, no Paraná. Em uma época em que já havia uma forte comoção em torno do sumiço de diversas crianças na região, o fato chocou pelos aspectos macabros e pelas diversas reviravoltas em seu julgamento. 

O corpo de Evandro foi encontrado em um matagal sem os órgãos e com as mãos e dedos dos pés cortados. Com o passar da investigação, o ocorrido passou a ser direcionado como um caso de magia negra, a partir de fortes intervenções de um dos parentes do menino. Os principais acusados – e, por fim, condenados – foram o pai de santo Osvaldo Marcineiro, a então primeira dama Celina Abagge e sua filha, Beatriz Abagge; Vicente de Paula Ferreira, ajudante de Marcineiro; Davi dos Santos Soares, artesão de Guaratuba; Francisco Sergio Cristofolini, vizinho e dono do imóvel onde Marcineiro morava; e Airton Bardelli, funcionário da serraria da família Abagge.

O Caso Evandro aposta em cenas que simulam os acontecimentos que são narrados como forma de ilustração, dando um verdadeiro toque de suspense para esse crime tão brutal por si só. São apresentadas diversas facetas da história, contando com mais de 30 personagens, entre eles, jornalistas, policiais, testemunhas, advogados, promotores e acusados. O jornalista Ivan Mizanzuk, criador do podcast que inspirou a série, surge como um grande norteador de interpretações que podem ser feitas acerca das evidências mostradas. Ao longo dos episódios, é difícil saber em que lado acreditar, ao passo que a produção se encerra sem trazer as devidas respostas, pelo próprio julgamento não poder ser considerado, de fato, encerrado.  – Vitória Silva

Legendary (2ª temporada, HBO Max)

Legendary é uma das séries mais importantes no ar. O reality show de competição, com foco na cultura de ballroom e no Vogue, chegou ao segundo ano muito mais maduro e despojado. A bancada de jurados permaneceu igual, mas recebeu o adicional de placares numéricos e mais argumentação na hora de deliberar. Law Roach é o Pray Tell da vida real, Jameela Jamil é agradavelmente entediante e Megan Thee Stallion parece ter encontrado seu tom e aura naquele painel.

As estrelas do show são Dashaun Wesley, que apresenta, e Leiomy Maldonado, jurada especialista em Vogue, ícone do ballroom e uma personalidade da mídia que faz por merecer seu holofote. As Casas aumentaram o nível de estrelato e valor de produção, com destaque para a Haus of Tisci (injustamente eliminados e os vencedores morais) e a Haus of Balenciaga, que começou com a bola toda e foi murchando ao passo que os consecutivos salva-vidas foram acionados.

Quem saiu com o título foi a Haus of Miyake-Mugler, um grupo envolvente mas sem a faísca familiar que nos faz apaixonar pelos competidores. O time de jurados convidados entreteu com maestria, valendo a menção para Taraji P. Henson, Adam Lambert, Tiffany Haddish e Demi Lovato. No mesmo mês em que Pose se despediu, é de importância imprescindível que séries como Legendary, que honram a cultura negra, os ballrooms e as pessoas trans, sejam prestigiadas e cresçam mais e mais. Está sem nada para fazer no feriado? Abra seu HBO Max e dê play em Legendary. – Vitor Evangelista

Pose (3ª temporada, FX)

E chega ao fim uma das maiores e mais importantes séries da história. Do momento mais triste ao mais feliz, da representação mais pura de amor à mais crua de violência, Pose segurou as mãos de seus personagens e soube compreender tudo o que eles representavam. Sempre com delicadeza quando necessário e força quando oportuno, o drama encerra uma história de glória, que se transforma em algo muito maior do que a já grandiosa experiência de seus três anos, protagonizados pelo trabalho do maior elenco trans da história da televisão.

O que se vê no encerramento de Pose é uma narrativa que cresceu cada vez mais, desdobrando-se em algo cada vez mais significativo, ao mesmo tempo em que manteve sua proposta desde o início. Essa nunca foi uma história reduzida ao sobreviver às margens. Pose abraça a completude do viver e encerra sua jornada em pleno mês do Orgulho LGBTQIA+, quando o debate é, sobretudo, o direito à vida. Nisso, o show dá seu recado na existência maravilhosa do lendário, amado e venerado Pray Tell de Billy Porter: Live. Werk. Pose. – Raquel Dutra

O post Cineclube Persona – Junho de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Em um ano livre da pandemia, janeiro é considerado o mês dos descartes. A temporada 2020 jogou todas as regras pela janela, entretanto, e lançar filmes no primeiro mês do ano ainda qualifica-os para a glória do Oscar. Dito isso, a Netflix continua sua linha de produção massiva em busca da estatueta dourada, e finalmente disponibilizou sua compra mais importante do Festival de Veneza: o brutal Pieces of a Woman. Na vizinhança ao lado, a Amazon nos agraciou com Uma Noite em Miami…, estreia de Regina King como diretora de longas.

No mundo televisivo, a Netflix reina soberana. O formato de maratona impera no mercado, e novas temporadas de (Des)encanto, o fenômeno Cobra Kai, e as avassaladoras estreias de Lupin e da controversa Fate: A Saga Winx foram pautas de conversas acaloradas nesse início de ciclo. Mas todos os olhos foram vidrados pela aparente esquisitice vintage de WandaVision, primeira investida televisa do Universo da Marvel e que, semanalmente, tem surpreendido pelo delírio.

O Cineclube voltou em 2021 para recapitular o melhor e o pior que passou na TV e no cinema. Para filmes, a regra é simples: entra na Curadoria do Mês o que foi lançado nas salas, no streaming ou o que vazou online. Quando falamos das séries, as que aparecerem aqui devem ser transmitidas por completo no mês (como a Netflix faz), ou finalizar a exibição da temporada (por isso a série da Feiticeira Escarlate só aparecerá em março, quando acabar seu percurso na TV). Por enquanto, vamos descobrir o que Janeiro de 2021 nos proveu em termos audiovisuais.

Cinema

Uma Noite em Miami… (One Night in Miami…, Regina King)

Uma Noite em Miami… é uma cinebiografia feita da maneira certa. Com o recorte temporal da celebração da vitória do boxeador Cassius Clay em 64, o filme da Amazon Prime Video passeia pela excelência de seus protagonistas, discutindo temas viris e cheios de camadas. Os quatro homens batem de frente, e o roteiro de Kemp Powers (que codirigiu Soul) é recheado de toques sensíveis, sem a camada de plasticidade muito comum aos ‘filmes de Oscar’.

Ainda mais quando o assunto são os longas que dramatizam lutas raciais e de direitos sociais, acostumados com a preguiça e o clichê. Regina King, que ano após ano acha um jeito de ser aclamada numa área diferente, dirige com a maestria de alguém confortável com a história que conta. Sua suavidade transitando nos quatro núcleos do elenco é de uma primazia invejável, principalmente considerando que Uma Noite em Miami… marca sua estreia como diretora de cinema.

Os debates político-religiosos de Malcolm X dão à Kingsley Ben-Adir material suficiente para aclamação, assim como a voz acolhedora de Leslie Odom, Jr. no papel de Sam Cooke. Quando ele canta Speak Now, candidata ao careca dourado de Canção Original, é fácil imaginar uma sala de cinema com os olhos marejados e o coração acelerando. Eli Goree tem o charme que Cassius Clay emana, e só de saber que ele saiu do cativeiro de Riverdale já ficamos felizes. O destaque, todavia, fica com Aldis Hodge na pele do jogador da NFL, Jim Brown, sarcástico e com sangue nos olhos. Uma Noite em Miami… é um filmaço imperdível. – Vitor Evangelista

Bela Vingança (Promising Young Woman, Emerald Fennell)

Jovem Promissora. Não existem palavras que melhor definam Emerald Fennell do que as que batizam seu primeiro filme, talvez uma das obras de estreia mais corajosas e irretocáveis de toda a história do cinema. A diretora e roteirista não se aquietou em encarar machismo, a misoginia e a cultura do estupro corriqueiros da indústria cinematográfica e da vida cotidiana de uma mulher e levou tudo isso numa comédia ácida incômoda paras telas que reproduziram Promising Young Woman.

No enredo do filme, entretanto, o significado que o título toma é um pouco mais sombrio e nada positivo. Cassie (Carey Mulligan) teve cada aspecto de sua vida roubado por traumas decorrentes de um estupro que aconteceu com sua melhor amiga. Depois de deixar seu sonho da faculdade de medicina em apoio à amiga, trabalha numa cafeteria junto de sua única colega, Gail (Laverne Cox), ainda mora com os pais e não se relaciona amorosamente com ninguém. Seu passatempo favorito, no entanto, não é nada pacato, e é para onde Cassie direciona sua energia e inteligência: assombrar todos os homens que cruzam seu caminho até chegar ao seu plano final de vingar a amiga. 

O trabalho que Mulligan faz com cada uma das camadas da personagem de Cassie é dolorosamente impressionante, junto à direção e roteiro destemidos, confiantes e certeiros de Fennell, que já fez história abalando a predominância masculina nas categorias de direção das premiações e em muito lembra a ousadia de Michaela Coel para tratar dos mesmos temas em I May Destroy You. Assim como a série, em meio à aura psicótica-cômica da narrativa, o que nos assombra de verdade é a lembrança da dimensão da cultura do estupro e do potencial destrutivo que ela tem para nós, mulheres, que se converte em algo revoltante de tão ameno e insignificante para eles, os homens. – Raquel Dutra

Pieces of a Woman (Idem, Kornél Mundruczó)

Após a estreia no Festival de Veneza em setembro do ano passado, finalmente foi disponibilizado pela Netflix o sensível Pieces of a Woman. A trama da narrativa é marcada logo no início com uma tragédia durante um parto domiciliar que dá errado, retratado, inclusive, com um plano sequência teatral brilhante. Já Vanessa Kirby interpreta com firmeza uma mulher lidando não apenas com sua perda, mas também com o tratamento hostil e a insensibilidade de seu marido e mãe.

Ao contrário do esperado, pouco se tem do processo criminal contra a parteira (Molly Parker). O foco é justamente o longo processo que Martha, vivida por Kirby, passa nos próximos meses, a dificuldade de voltar ao casamento e o relacionamento conturbado com a mãe marcam esse drama sobre o luto parental, e a dor incomparável que Martha sente enquanto tenta voltar à realidade.

Além da atuação impecável da protagonista, outros nomes surpreendem no longa, Ellen Burstyn e Shia LaBeouf também impressionam com personagens que ora geram raiva, ora nos instigam certa empatia. Pieces of a Woman, dirigido pelo talentoso Kornél Mundruczó, não apresenta grandes reviravoltas ou a busca desenfreada por justiça, mas sim a calma e transparência de uma história sobre dor e arrependimento. – Isabella Siqueira

A Escavação (The Dig, Simon Stone)

Com a temporada de premiações encaminhada, a Netflix lança o drama de época A Escavação quase que atrás dos panos. A história e os conflitos são potentes, asseguro isso, mas o filme parece ter sido ofuscado pelo contexto em que foi inserido. Carey Mulligan, que será indicada ao Oscar por Promising Young Woman, estrela aqui ao lado do ardiloso Ralph Fiennes, no papel principal. É bom ressaltar que o roteiro adaptado do livro de John Preston narrativiza uma história real. 

Fiennes vive Basil Brown, um escavador experiente e desacreditado pelos colegas, que é contratado para investigar montes de terra no terreno da bem afortunada Senhora Pretty, a personagem de Mulligan. A primeira hora de The Dig parece rumar para o entrelaçar espiritual dos protagonistas, mas assim que o objeto escavado vira de conhecimento da comunidade de arqueólogos, o longa dá um cavalo de pau.

O foco se afasta da díade Fiennes e Mulligan e mergulha em Lily James, o terceiro dos grandes nomes que estampa o pôster diurno do filme. Ela é Peggy, esposa de um dos escavadores, mas que acaba encontrando refúgio, físico e sentimental, no primo de Mulligan, um charmoso loiro (papel de Johnny Flynn) que logo, logo vai servir na Guerra. A Escavação tem tragédia, tem sentimentalismo e mostra que filmes do nicho de época e guerra não precisam se engessar em homens brutos e intrigas alemãs. – Vitor Evangelista

A Assistente (The Assistant, Kitty Green)

A arte imita a vida de diversas formas, e A Assistente mostra a mais perversa de todas elas. A diretora e roteirista Kitty Green buscou abordar sobre as denúncias do movimento Me Too sob uma visão subjetiva, na vivência da fictícia Jane (Julia Garner), assistente de um empresário do ramo cinematográfico. Sem grandes reviravoltas ou discursos de empoderamento, a narrativa vaga pelos mínimos detalhes da rotina da funcionária, que mostram muito sobre a verdade escondida por trás das cortinas de Hollywood. 

O filme é quase uma obra documental, que transpõe acontecimentos da realidade na sua mais pura forma, e é isso que o torna tão cruel. Na ausência de muitos diálogos, os movimentos da trama são quase todos explicados pelo olhar e feições da protagonista, com a atuação majestosa de Julia Garner. A Assistente traz uma abordagem totalmente necessária ao se tratar de um tema tão delicado, o que retrata a importância de se ter mulheres contando histórias sobre outras mulheres. – Vitória Silva

O Tigre Branco (The White Tiger, Ramin Bahrani)

Quando um filme do naipe de Parasita estoura em audiência e crítica, sua transformação em token é inevitável. Então, não foi surpresa alguma ver O Tigre Branco ser referenciado como a versão indiana da trama de Bong Joon-ho. O subgênero de guerra de classes que coloca o termo ‘eat the rich’ na boca do povo é comum ao cinema fora do eixo norte-americano.

Esse lançamento da Netflix, que adapta o livro de Aravind Adiga, brinca com conceitos estereotipados da Índia, mas encontra, especialmente na sagacidade do protagonista Adarsh Gourav, a chave para se sobressair e alcançar o status de filmão. Ele interpreta o pobre motorista Balram, que trabalha para patrões corruptos e que abusam de sua boa vontade e espírito leve, mas não por muito tempo!

O Tigre Branco inverte a lógica da história recorrendo ao recurso de mostrar o coitado do garoto narrando sua história de ascensão. Agora, ele é um homem rico, de terno caro e cabelo penteado, mas como diabos ele chegou ali? A jornada é prazerosa, o trabalho coadjuvante de Rajkummar Rao e Priyanka Chopra Jonas enche os olhos, e The White Tiger merece ser a recomendação do momento no catálogo da Netflix. – Vitor Evangelista

Pai em Dobro (Cris D’Amato)

Não é de hoje que Thalita Rebouças nos presenteia com histórias fofas, conscientes e ainda divertidas. E, por mais que Pai em Dobro, adaptação do livro homônimo da autora pela Netflix, tenha todos esses elementos, é na estereotipização que ele se afunda. Ao acompanharmos a história de Vicenza em busca de seu pai, acabamos nos deparando com a reprodução de preconceitos que se destacam mais do que o roteiro.

Engraçado e leve, o filme é uma ótima pedida ao estilo Sessão da Tarde, trazendo Maísa que, pela terceira vez, interpreta uma das personagens de Rebouças, mas que, agora, está ainda mais confiante e natural em seu papel. E é exclusivamente pelo carisma dos atores que constroem a trama que nos apegamos a ela, permitindo que alguns furos passem como se não tivéssemos nem percebido. Mesmo preso em meio a características pouco originais e repetitivas que reproduzem estereótipos, Pai em Dobro ainda conquista o coração dos espectadores com sua delicadeza ao lidar com a ideia de família. – Ana Laura Ferreira

Locked Down (Idem, Doug Liman)

Se a pandemia inviabilizou algumas produções, outras só existem por conta dela. É o caso de Locked Down, a comédia de assalto ambientada na cidade de Londres nas primeiras semanas do isolamento social, e gravada em moldes pandêmicos. A história gira em torno de Linda (Anne Hathaway) e Paxton (Chiwetel Ejiofor), que, além de seus problemas emocionais pessoais, enfrentam um casamento de mais de dez anos em ruínas e permanecem juntos apenas por conta da quarentena. A atmosfera é a pandemia-da-classe-média mais familiar possível: explorar os cantos da casa, muitas vídeochamadas de trabalho, experimentar todas opções de delivery, matar o tempo fazendo pão caseiro e conhecendo os vizinhos de janela, e surtar vez ou outra. Exceto, claro, pela parte do roubo – assim espero.

Estruturalmente, o filme é tudo o que a gente espera de algo que seja fiel à nossa realidade pandêmica: nada demais e sem dramatizações desse período tão difícil e destrutivo. Justamente por ter consciência disso, Locked Down guarda boas reviravoltas, tensões e emoções para quem está preso no ciclo apático do isolamento social com a vazão que os personagens encontram para seu tédio e seus problemas pessoais e de relacionamento. De quebra, podemos matar um pouco a saudade de alguns atores queridos, com pontinhas de Lucy Boynton e Ben Stiller, e assistir ela, a majestosa Anne Hathaway, pirando com as emoções à flor da pele por estar presa em casa, batendo panela com os vizinhos como forma de agradecimento aos profissionais da saúde e envolvida em roubos de artigos de luxo mais uma vez. – Raquel Dutra

Os Pequenos Vestígios (The Little Things, John Lee Hancock)

Nos tempos em que vivemos, até o anúncio de elenco pode estragar as surpresas de um filme. Então, dando o play em The Little Things, quando percebemos que Denzel Washington é o policial veterano e Rami Malek o jovem detetive, já fica claro que o vilão virá na cadavérica e sebosa cara de Jared Leto, com pele de vampiro, cabelo oleoso e a profundidade artística de um requeijão fora da geladeira.

O filme, um dos primeiros lançamentos híbridos de cinema e HBO Max nos EUA, é um simples jogo de gato e rato investigativo. John Lee Hancock escreve e dirige, mas não fornece ao espectador suficientes elementos para gerar intriga, inquietação e o senso de recompensa quando a dupla da lei liga os pontos e descobre o culpado. O texto corre pelas beiradas, mas o trabalho de direção nunca nivela acima do comum, falta assinatura ou visão de autor.

O trio de, infelizmente, vencedores do Oscar brinca bem com a química e os trejeitos necessários para construir um feijão-com-arroz com ritmo acelerado e devidamente proveitoso. A surpresa de Os Pequenos Vestígios (o filme chega no Brasil em março) veio com o reconhecimento de Leto como Melhor Ator Coadjuvante no Globo de Ouro e no SAG. Quem sabe a quinta vaga da categoria no Oscar esteja reservada ao cantor, que venceu anos atrás pela caricatura de um personagem trans. The Little Things cria frases de efeito e ângulos na tentativa de se tornar icônico, e, quem sabe, no futuro ele consiga. – Vitor Evangelista

TV

High School Musical: A Série: O Musical (High School Musical: The Musical: The Series, 1ª temporada, Disney+)

Anos após o lançamento da trilogia de High School Musical que, além de uma legião de fãs, ganhou um spin off e até uma versão brasileira, a Disney nos presenteou, no final de 2019, com High School Musical: The Musical: The Series. Mesmo com mais de um ano de seu lançamento original, a obra só recebeu seu devido holofote poucos meses atrás, com a chegada do Disney+ ao Brasil.

Com o título tão grande quanto o talento do novo elenco, a série traz de volta East High, o mesmo local que foi sede das gravações originais. Norteada por um tom que não preza por qualquer semelhança com os filmes, a nova leva de Wildcats não procurou nos dar uma sequência, mas sim relembrar os queridinhos musicais de um modo jovem, atualizado e com todos os traços que nos fizeram nos apaixonar. A chegada de uma nova professora de teatro agita a escola para uma produção de High School Musical, que, ironicamente, ninguém ainda havia pensado. Em meio a toda a atmosfera musical são apresentados os novos personagens, bem como seus dramas adolescentes que nos prendem em frente às telas.

Uma das muitas revelações do elenco foi Olivia Rodrigo. A estadunidense de apenas 17 anos estreou em uma série da Disney no ano de 2016, porém só atingiu o estrelato ao interpretar a protagonista Nini Salazar-Roberts. Sendo peça principal de todo o drama teen, Nini tem seu coração partido e passa por um processo de autoconhecimento enquanto se envolve com as produções do musical, no qual recebe o ilustre papel de Gabriella Montez. Além de uma excelente atriz, Olivia também emplacou seu novo single, drivers license, que lhe rendeu posições de destaque no cenário musical. High School Musical: The Musical: The Series foi uma grande surpresa que fez a Geração HSM reviver os bons momentos, e ter um gostinho de quero mais. – Heloísa Ançanello

As Five (1ª temporada, Globoplay)

Após o sucesso de Malhação: Viva a Diferença, as Five, nome do grupo formado pelas protagonistas da edição, renderam um spin-off homônimo e consagraram a vigésima quinta temporada da novela, que é a única a se prolongar por mais de um ano. Seis anos após os acontecimentos que encerram a temporada, Benê, Tina, Lica, Ellen e Keyla se reencontram no velório da mãe de Tina. Com o fim do Ensino Médio, cada uma tomou um rumo, mantendo sua essência e personalidade. Tina passa pelo término de um longo relacionamento, enquanto Benê está apenas começando a descobrir mais da própria sexualidade. Ao mesmo tempo que Keyla sofre para conciliar a maternidade e o trabalho, Lica, ainda sustentada pela mãe, tenta descobrir o que quer da vida. 

Até Ellen, que está noiva e terminando o mestrado nos Estado Unidos, não tem tudo resolvido como parece. Apesar de estarem em momentos distintos da vida, as cinco procuram se encontrar no mundo e relembram que as diferenças entre elas as unem e torna a amizade tão cativante para o espectador. Usando das situações inusitadas em que cada uma se encontra, o criador Cao Hamburguer traz temas comuns à geração Z, bem ilustrada pelas meninas, que são acompanhadas de personagens secundários já conhecidos e novos, prezando pela diversidade. 

Vício nas redes sociais, sexualidade, as consequências da pornografia, relacionamentos amorosos e com os pais, drogas e problemas da vida adulta em geral são assuntos explorados francamente, sem tabu ou um moralismo desnecessário, ainda que com os limites da emissora. As Five estabelece um diálogo honesto com o jovem espectador: as meninas cresceram e amadureceram, mas continuam perdidas e em busca do seu lugar no mundo – assim como todos nós. – Vitória Lopes Gomez

Part 2: Jules – Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob (Episódio Especial de Euphoria, HBO)

Depois de ressoar em nós que Problemas Não Duram Para Sempre, com a primeira parte do Especial dedicada às indagações de Rue (Zendaya) sobre morte, deus e revolução em pleno Natal pós-recaída, Euphoria não tinha um trabalho fácil pela frente com o próximo episódio – como sempre, graças à profundidade com que escolhe tratar as coisas. O público esperava, a série pedia e a personagem merecia algo que atingisse a mesma profundidade emocional com Jules (Hunter Schafer), que, embora presente e marcante na trama da série, sofria suas dores sozinha de uma forma abstrata e distante desde a primeira temporada.

E então, o showrunner Sam Levinson e a própria Hunter trabalharam juntos no roteiro de Fuck Anyone Who’s Not a Sea Blob, a Parte 2 do Especial, e o resultado testifica mais uma vez a potência que Euphoria é em cada uma de suas esquinas. Na primeira sessão de terapia de Jules, uma fenda no espaço-tempo se abre para encontrarmos o fantasma que era a personagem e para descascar as camadas de traumas, medos, culpas e incertezas que a sufocavam. Longe dos clichês de episódios aprofundados no psicológico de seus personagens e de debates rasos que podem permear a existência de uma jovem trans na ficção, a performance de Hunter voa sem qualquer amarra para dissecar os sentimentos de sua personagem diante de temas como feminilidade, sexualidade, relações familiares e amorosas, além da própria ideia de amor.

Mas como tudo de Euphoria, as questões trabalhadas, as intenções e os impactos ainda vão além. Muito mais do que dar sustância para a personagem de Jules, a Parte 2 do Especial consegue transformá-la em uma pessoa de carne e osso que reage a todos os incômodos que a atingiram – e a nós também – em toda a sua conturbada história. E eu não sei como explicar isso em palavras. Cada episódio da série que tem a essência da nossa juventude em todo canto (roteiro, produção, atuação, trilha…) consegue ser uma revolução que precisa ser sentida. – Raquel Dutra

Night Stalker: Tortura e Terror (Night Stalker: The Hunt for a Serial Killer, Minissérie, Netflix)

A palavra que melhor define essa minissérie documental é cautela. Primeiro, para não glamourizar o assassino Richard Ramirez, o Night Stalker (ou Perseguidor Noturno). Segundo, para dar voz aos policiais e detetives, sob o ponto de vista técnico, e também para filhos e netos das vítimas, além de entrevistar alguns sobreviventes, focando no lado emocional da história.

Night Stalker: Tortura e Terror navega a partir dos anos 80, catalogando cada crime, visitando cada cena e nos levando no banco do passageiro da longa e entruncada investigação. Misturando imagens de documentos, filmagens da época e uma porção de fotos (censuradas, mas ainda muito gráficas), a direção de James Carroll e Tiller Russell sabe como quer contar essa delicada história.

As pouco mais de três horas, condensadas em quatro capítulos, passam num piscar de olhos, por mais que a série toque em tendões sensíveis, mas sempre tomando pausas para, assim como os que depõem em cena, deixar o espectador sentir uma parcela mínima do horror infligido. Como obra audiovisual, Night Stalker: Terror e Tortura é bem sucedido em todas as categorias, e como produto jornalístico e investigativo, o resultado é melhor ainda. – Vitor Evangelista

A Cor do Poder (Noughts + Crosses, Minissérie, Rede Globo)

Um dos maiores investimentos da Globo durante o ano de 2020 foi em sua plataforma digital de streaming de vídeos sob demanda, a famosa Globoplay. Além de melhorias técnicas, o foco da gigante de comunicação no Brasil foi e segue sendo em ampliar o seu catálogo de séries, filmes, documentários e outros produtos audiovisuais. Nesse cenário, e levando em conta as questões raciais em voga no mundo todo, a emissora decidiu comprar a obra britânica A Cor do Poder (originalmente Noughts + Crosses), produzida pela BBC One. 

A obra, inspirada no romance de mesmo nome da autora Malorie Blackman, em um primeiro instante, chama a atenção ao retratar um mundo inverso da realidade onde as vítimas sociais são os brancos e não os negros. Mas ao longo da trama sofrida entre o casal shakespeariano, muitas coisas problemáticas vão aparecendo até tornarem a série um tanto intragável. Um exemplo é como os brancos da classe baixa reproduzem falas, estereótipos e comportamentos – inclusive estéticos – dos negros na realidade em que vivemos. Tudo isso faz da minissérie uma ilusão de existência de um racismo reverso. Talvez essa tenha sido a ideia, fazer com que os brancos se simpatizem pelas temáticas raciais os representando na situação de minoria. Ideia interessante, execução nem tanto. – Giovanne Ramos

A História do Palavrão (History of Swear Words, 1ª temporada, Netflix)

Essa série de comédia original da Netflix pode parecer uma bobeira fútil, mas é muito mais que isso. O programete, dividido pelos tais palavrões do título em capítulos de 20 minutos, usa de comediantes e especialistas em linguística para dissecar a origem, propagação, significado e impacto dos xingamentos.

Nicolas Cage apresenta com a virilidade que lhe é de direito, e as piadas chulas ganham contornos artísticos vindas de suas expressões faciais e modulações da voz. Uma porrada de comediantes famosos aparece para opinar e se divertir, mesmo os linguistas, cientistas e especialistas se esbaldam de bom humor e não demoram a cair na gargalhada.

A História do Palavrão busca encontrar as raízes e o reflexo na cultura popular dessas palavras proibidas. Afinal, é impossível falar sobre Fuck sem citar Samuel L. Jackson e o cinema negro dos anos 70 e 80, ou conversar sobre Bitch sem reconhecer a maneira como as mulheres e a comunidade LGBT ressiginificaram o termo, e seria ridículo discutir o uso de Pussy sem WAP de trilha sonora. Tudo numa aula de história, línguas e muito bom humor. – Vitor Evangelista

Shippados (1ª temporada, Rede Globo)

Quase dois anos após a sua estreia, Shippados finalmente foi transmitida na TV aberta. A série original do Globoplay trata sobre as relações amorosas na era digital, com foco nos personagens Rita (Tatá Werneck) e Enzo (Eduardo Sterblitch), que ficam frustrados por não encontrarem o seu par ideal em um aplicativo de relacionamento. A partir dessa premissa, surge uma linda história de amor e amizade.

Alexandre Machado e Fernanda Young, dupla da vida e dos roteiros, conseguiram dosar a quantidade ideal de comédia e drama, criando uma narrativa divertida, mas que também nos faz refletir sobre a superficialidade das nossas relações. E não poderiam ter escolhido figuras melhores para interpretar o casal protagonista, Tatá e Sterblitch tem a química e timing perfeitos, consequentes de seus anos de amizade. A sintonia se completa ainda mais com o resto do grupo de amigos: Brita (Clarice Falcão), Valdir (Luis Lobianco), Hélio (Rafael Queiroga) e Suzete (Júlia Rabello). 

Shippados poderia ser colocada perfeitamente como uma adaptação de Os Normais para a atualidade, por relembrar a essência dos diálogos de Young e Machado na vivência de um casal e por servir de conforto em meio ao caos que enfrentamos diariamente. Fernanda, sem dúvidas, deixa muitas saudades. – Vitória Silva

Fate: A Saga Winx (Fate: The Winx Saga, 1ª temporada, Netflix)

Para as crianças dos anos 2000 que não conseguiam decidir entre ser a Flora ou a Stella, a Netflix anunciou que O Clube das Winx seria adaptado em uma série live-action. Quando o primeiro trailer saiu, o choque. Tudo bem que todo mundo esperava glitter e minissaias, mas aquela vibe dark com monstrões queimados não colou muito. No entanto, quando se trata de adaptações, é sempre bom manter a cabeça aberta. Afinal, se você quer assistir o material idêntico ao original, é mais fácil voltar a ver o desenho.

O problema de Fate: A Saga Winx não é necessariamente ser diferente da animação. O problema é ser ruim. Pavoroso. Chato. Mal desenvolvido e sem sustentação. As fadas são sonsas e irritantes e os especialistas são tão cativantes quanto pombos em um terminal de ônibus. A história passa a impressão de que poderia ser facilmente resolvida com um diálogo, já que os antagonistas vão oscilando entre diretoras vivas e mortas, uma fada desequilibrada cujo único traço de personalidade é ser desequilibrada e uma rainha que não sabe lidar com a filha adolescente (ou não, já que a Stella se veste como uma CEO de 40 anos). 

Nem tudo é uma desgraça, a mente que criou aquele triângulo amoroso ridículo e infantil entre Sky, Bloom e Stella também conseguiu misteriosamente criar Musa, que conseguiu o posto de, literalmente, fada sensata. Musa é a única personagem que gera algum tipo de interesse no espectador, inclusive quando engata um relacionamento com Sam, que é o mais fofo da série (tá, não precisa de muito para conseguir o posto). Apesar das polêmicas que envolveram Fate: A Saga Winx desde o anúncio do elenco, a sacada de homens fadas e mulheres especialistas foi satisfatória. E, bem… só. O resto a gente ignora. – Caroline Campos

(Des)encanto (Disenchantment, Parte 3, Netflix)

Após ficar mais de um ano sem lançar episódios novos, a terceira temporada de (Des)encanto finalmente chegou à Netflix para trazer a dose de humor ácido que janeiro precisava. Sem desapegar da particularidade sarcástica de Matt Groening, a animação explorou novas aventuras, reinos e personagens em cenas que revelam mais maturidade na narrativa.

Com a instabilidade tomando conta, não só da Terra dos Sonhos, como do Rei Zog (John DiMaggio), a Princesa Bean (Abbi Jacobson) assume o trono e começa uma jornada de evolução e autoconhecimento que vai de enfrentar conflitos a viver um novo amor, e insere um ponto de vista um pouco mais sóbrio para a produção. A nova fase do universo também é marcada por carregar temáticas e alusões muito bem trabalhadas sobre questões como o trabalho nas indústrias, a desigualdade de gênero e a situação política dos Estados Unidos. 

Os pontos negativos ficam por conta dos muitos fios ainda soltos, e da participação fraca e repetitiva dos também protagonistas Elfo (Nat Faxon) e Luci (Eric André), que apareceram com menos relevância nesses 10 episódios. Ainda sim, (Des)encanto tem potencial para devolver as coisas aos trilhos na próxima temporada, por enquanto, a série se mantém como um ótimo entretenimento com audiovisual maravilhoso e comicidade inteligente que vale a pena assistir. – Jamily Rigonatto

Lupin (Parte 1, Netflix)

Lupin, a nova empreitada francesa da Netflix criada por George Kay e François Uzan, é uma série plural. Digo plural porque ela é capaz tanto de agradar aquele espectador mais despercebido e casual, quanto o mais atento. O primeiro, fisgado pela proposta e pela trama, recebe twists satisfatórios e sequências de assalto divertidas, protagonizados com versatilidade por Omar Sy (de Intocáveis). O segundo, mais exigente, percebe alguns detalhes mais interessantes e sutis, mas que perdem força ao longo dos episódios, dando lugar a uma trama simples e, infelizmente, mais desinteressante e pouco inventiva.

A sensação que fica é que, depois de um primeiro episódio feito com maestria, que contextualiza as motivações do protagonista intercalando passado e presente enquanto nos apresenta um plano de assalto coerente e bem executado, e ainda arranja tempo para inserir um subtexto social marcante, o desenvolvimento da trama não recebeu o mesmo carinho da produção. Os próximos capítulos têm sequências muito menos inspiradas e muito mais convenientes, e a história ganha contornos mais clichês e parece enrolar para chegar onde quer, fugindo da proposta inicial (o gênero de assalto) e embarcando num drama que se sustenta, mas não tem impacto. No fim, a série acabou por construir em mim expectativas que não conseguiu cumprir. – Flora Vieira

Cobra Kai (3ª temporada, Netflix)

Cobra Kai já é um fenômeno do streaming e os espectadores realmente abraçaram a série. Desta vez, Jon Hurwitz, Josh Heald e Hayden Schlossberg optaram por resgatar as personagens essenciais na construção do passado de ambos (Johnny e Daniel). A empolgação da nova temporada acabou, também, sendo enxergada como motivo de descontentamento pelo público.

Fato é que a terceira temporada soube conversar com os problemas mal resolvidos da anterior, começando pela maneira como Daniel Larusso se portou diante de seus conflitos financeiros e familiares. A escolha da filmografia e fotografia foi espetacular. Rapidamente percebemos o espaço/tempo das cenas, sem nos desviarmos necessariamente do contexto onde são narrados os fatos apresentados.

Há também de se elogiar a trilha que, novamente, soube selecionar o melhor do rock old school dos anos 1980. Dee Snider teve uma participação extraordinária, que representa o sentimento de dever cumprido para o fan service. Além disso, podemos transitar por peculiaridades nunca antes esclarecidas, a exemplo do passado sombrio de Kreese. Em suma, os produtores foram ousados, brincaram novamente com a cronologia dos acontecimentos e trouxeram o melhor da fusão entre os millenials e os old school em prol da mesma causa: “cobras never dies”! – Gabriel Gomes Santana

Faz de Conta que NY é uma Cidade (Pretend It’s a City, Minissérie, Netflix)

O título curioso brincando com a metrópole mais cobiçada do mundo e a assinatura de Martin Scorsese tornam Faz de Conta que NY é Uma Cidade uma das produções mais organicamente atraentes de todo o catálogo da Netflix. Sem muitas promessas, a série documental nos apresenta à Nova Iorque de uma das melhores amigas do diretor, a escritora e humorista Fran Lebowitz, através das suas opiniões impopulares sobre questões corriqueiras da cidade, como arte e cultura, mobilidade urbana, dinheiro e economia, que vez ou outra desembocam em lembranças pessoais e devaneios aleatórios sobre uso da tecnologia, vícios e até as impressões da intelectual sobre as Kardashians.

A liga de tudo é a conexão da dupla, que vem da combinação da personalidade disruptiva de Fran e da admiração e confiança que Martin conserva pela amiga, que, mesmo tímidas, são completamente visíveis em todas as vezes em que o diretor gargalha das ideias e histórias malucas de Lebowitz. Nem sempre o espectador pega todas as piadas internas dos dois, que cultivam a amizade há mais de 50 anos e conhecem a cidade como a palma de suas mãos, mas a diversão genuína que os dois emanam quando estão juntos já é mais do que o suficiente para ganhar quem está do outro lado da tela.

Tudo fica ainda mais único quando o caráter documental de Scorsese entra em cena, atingindo o feito majestoso de transpor aquela identidade mais pura do cinema clássico que vem à cabeça quando pensamos no nome do diretor para uma série de TV não-ficcional de 30 minutos. E falando de riqueza cinematográfica, a produção ainda inclui recortes de outras entrevistas divertidíssimas e imperdíveis que Fran forneceu para outros grandes nomes do cinema estadunidense, como Spike Lee, Olivia Wilde e Alec Baldwin. Divertida, inteligente e cheia de personalidade, Faz de Conta que NY é Uma Cidade tem tudo para ser uma das melhores produções originais da Netflix do ano. – Raquel Dutra

Pose (2ª temporada, Netflix)

A segunda temporada de Pose finalmente chegou ao serviço de streaming mais queridinho do mundo, com atraso de mais de um ano. Transmitida originalmente pela FX em meados de 2019, o segundo ano dessa que é uma das séries mais importantes da atualidade foi lotado de novas emoções e novas narrativas. Diferentemente dos episódios anteriores, que seguiram uma cronologia mais fechada (já que existia a possibilidade de nem existir continuação), na segunda temporada podemos passear de forma mais livre nos eventos do universo da série.

Nos novos rumos, vemos Blanca Evangelista se envolver com o grupo ativista ACT UP, que lutou pela conscientização do HIV e da AIDS na década de 90 em todo o mundo. Também a assistimos enfrentar o mercado imobiliário transfóbico e racista de Nova Iorque ao tentar alugar um imóvel para montar seu salão de manicure. No mundo dos balls, a esperança de reconhecimento nasce ao Madonna lançar sua icônica Vogue.

Novos romances desabrocham e novos medos também. Com o avanço da epidemia do HIV, assistimos apreensivos outros personagens se tornarem soropositivos, e tememos por aqueles que já estão em estados mais avançados da doença. O talentosíssimo elenco mostra, mais uma vez, atuações viscerais, que foram completamente esnobadas nas principais premiações. Com inspiração na morte real de Venus Xtravaganza, nos despedimos de uma personagem extremamente querida, com direito a um emocionante número musical bem à la Ryan Murphy. Pose é um clássico instantâneo, e a cada novo capítulo assistimos a história ser feita na TV. A terceira temporada vem aí para provar isso mais uma vez. – Jho Brunhara

O post Cineclube Persona – Janeiro de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Gabriel Oliveira F. Arruda

Uma quasi adaptação dos livros publicadas por Maurice Leblanc entre 1905 e 1935, a nova série francesa da Netflix busca tanto resgatar a figura misteriosa do infame ladrão de casaca, Arsène Lupin, quanto reinventá-la. Quem assume o manto nessa versão da história é Omar Sy, interpretando não o personagem homônimo, mas um ladrão igualmente astuto chamado Assane Diop que se inspira nos contos escritos por Leblanc para elaborar suas próprias escapadas mirabolantes.

Há um elemento de autoconsciência em Lupin que a separa de premissas similares, como Sherlock, da BBC. A existência das obras de Leblanc serve de um ponto chave na narrativa tanto pelas referências que ela proporciona quanto pela importância que o personagem original tem para Assane. Assim, é aberto um caminho para que os roteiristas busquem inspiração no texto original ao mesmo tempo em que tecem uma narrativa autêntica ao redor de um novo personagem.

“Se eu fosse britânico, teria dito James Bond, mas já que sou francês, eu disse Lupin. Ele é divertido, é esperto, ele rouba, está sempre cercado de mulheres. Além do que, ele é um personagem que interpreta personagens. Para um ator, ele é o melhor.”

• Omar Sy, sobre porque gostaria de interpretar Lupin.

Apesar de Lupin ser um personagem icônico da literatura francesa, a série faz um bom trabalho ao apresentar suas histórias e o que faz delas serem atemporais para os leigos sem precisar dar um sumário detalhado. Nós nos importamos com elas independentemente de as conhecermos ou não, porque Assane se importa com elas. 

Assane, diferente de Arsène, é filho de um imigrante senegalês que vem até a França quando é novo, mas que é separado de seu pai  através de circunstâncias suspeitas. Deixando-o apenas com um livro do “ladrão de casaca” que acaba inspirando não apenas os roubos, mas toda a vida do filho.

A série também incita discussões sobre raça e classe ao longo de sua duração, deixando claro o espaço que Assane, um homem negro, ocupa dentro da sociedade francesa. Ele é constantemente posto em oposição à antagonistas brancos e afluentes que fazem suposições baseadas na cor de sua pele e que o próprio Assane usa para pegá-los de surpresa.

E Omar Sy veste esse personagem multifacetado como ninguém. O carisma do ator é o que carrega a série para frente com seu jeito suave e adaptativo. Como Lupin, Assane é um mestre dos disfarces, mas isso não se limita a maquiagens intrincadas e figurinos complexos: quando ele muda de persona, todos os seus trejeitos mudam, da maneira que ele caminha por determinados espaços até a maneira com que ele olha para as pessoas que os ocupam. A transformação é total, e é também como a audiência nunca conhece completamente o personagem, que permanece surpreendente até o último episódio.

Infelizmente, esse episódio chega depressa. Com apenas cinco capítulos, a primeira parte da série apresenta o seu herói muito bem e introduz arcos narrativos promissores, mas nada muito além disso. Os poucos personagens secundários desenvolvidos servem sempre à história de Assane e nunca roubam o holofote. É evidente que Lupin guarda suas cartas para futuras partes, mas é impossível terminá-la sem sentir que seria possível fechar essa temporada de maneira mais satisfatória com mais episódios.

O carro chefe de cada um deles é sem dúvidas a interpretação de Omar Sy aliada a execução de um plano elaborado e Lupin se sobressai nos dois pontos: é extremamente divertido ver os métodos que Assane encontra para resolver os problemas de um esquema enquanto tentamos ficar um passo à sua frente. Com a exceção de um detalhe cartunesco ou outro, todas as execuções fazem sentido e respeitam a inteligência da audiência, apresentando efetivamente suas soluções de maneiras coesas e inteligentes.

Como evidenciado por basicamente todo filme de roubo já feito, é incrivelmente satisfatório ver pessoas altamente competentes e carismáticas executando perfeitamente suas ideias e se adaptando às dificuldades ao longo do caminho. O mesmo conceito se aplica em diferentes gêneros: é o mesmo motivo pelo qual a audiência gravita ao redor da assassina Villanelle e a premiada performance de Jodie Comer em Killing Eve, por exemplo. Não é coincidência que Lupin tenha sido criada por um dos roteiristas da série de Sandra Oh, George Kay.

Lupin entende esse fascínio, entregando uma narrativa construída ao redor desse personagem e desses momentos sem limitar o escopo de sua história que, apesar de curta, promete um futuro brilhante. Com uma performance central hipnotizante e assaltos ousados contra o establishment francês, não há razão para duvidar que esse futuro se concretize.

Dê uma chance e Lupin irá roubar seu coração.

O post Lupin é uma reinvenção com charme e autenticidade de sobra apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.