Sinara Martins

A 68ª edição do Grammy Awards aconteceu no domingo, 1 de fevereiro, em Los Angeles, reunindo os maiores nomes da música em uma noite que terminou sendo menos lembrada pelos looks do tapete vermelho e mais por discursos e protestos que ecoaram no palco. O que se viu foram escolhas seguras e cores neutras, que afastaram o foco dos figurinos e abriram espaço para uma discussão mais urgente sobre o contexto político que atravessa o momento.

No tapete vermelho, a paleta manteve uma linha discreta de tons neutros, beges e pretos que dominaram as fotos e fizeram pouco barulho estético. Entre as celebridades que seguiram essa tendência estiveram Tyla, FKA Twigs, Coco Jones e Heidi Klum, todos com produções sofisticadas, porém contidas, que não romperam com a previsibilidade visual da noite. O resultado foi um conjunto harmonioso – ainda que pouco ousado para um evento conhecido por momentos marcantes de estilo.

Ainda assim, alguns nomes conseguiram atrair olhares mesmo dentro desse cenário contido. Lady Gaga, vencedora das categorias de Melhor Álbum Vocal de Pop com Mayhem e Melhor Gravação de Pop Dance por Abracadabra, apareceu inspirada, incorporando elementos que lembram a estética de Mayhem. Olivia Dean, que conquistou o prêmio de Melhor Artista Revelação, Teyana Taylor, Rosé e Nikki Glaser também se destacaram com escolhas que, embora dentro do neutro, trouxeram personalidade.

Poucos, como Zara Larsson, Chappel Roan e Doechii, fugiram da paleta predominante e ganharam atenção justamente por ousarem cores e recortes menos previsíveis. Em um tapete vermelho marcado pela contenção, essas exceções tornaram-se pontos de contraste visual, evidenciando o quanto a moda da noite privilegiou a segurança estética.

Ao contrário do que Miuccia Prada sugeriu ao afirmar que “a moda é para quando você está feliz, quando você não tem problemas, porque no momento em que alguém tem um problema de saúde ou de guerra, a moda definitivamente não é relevante”, o Grammy mostrou que a moda ainda influencia quando colocada em segundo plano e abre espaço para outras formas de expressão.

A noite de premiações ficou marcada por protestos e posicionamentos políticos notáveis, especialmente contra o ICE (Serviço de Imigração e Alfândega dos EUA). Diversos artistas aproveitaram seus discursos de vitória para denunciar políticas de imigração severas, usando frases de impacto e símbolos como broches com a frase “ICE Out” no tapete vermelho e no palco, que contribuiu para transformar a premiação em uma plataforma de debate sobre direitos humanos e imigração, conectando a música, a moda e o ativismo de forma mais explícita que em anos anteriores. 

Bad Bunny, vencedor do Álbum do Ano e também Melhor Álbum de Música Urbana com Debí Tirar Más Fotos, abriu seus discursos com críticas diretas ao ICE, defendendo solidariedade e amor ao invés de ódio. Billie Eilish, que recebeu o prêmio de Canção do Ano com Wildflower, usou sua vitória para incentivar a continuidade dos protestos e da ação coletiva. Essas falas mostraram que a música e seus protagonistas vêem o palco do evento como um lugar legítimo de mobilização e de expressão política.

Entre os homens, poucos arriscaram ousadias visuais além de Harry Styles, que optou por jeans e sensualidade discreta. Bad Bunny, além de seu posicionamento político, brilhou com um terno marcante da Schiaparelli. Outros nomes como Pharrell Williams e Jon Batiste permaneceram fiéis a estilos pessoais que, embora clássicos, reforçaram uma estética que dialoga com suas identidades.

No fim das contas, o Grammy mostrou que, mesmo com um tapete vermelho sem grandes excessos visuais, a noite foi tudo menos neutra. A moda ficou em segundo plano para dar espaço a discursos fortes e posicionamentos claros, reforçando o palco da premiação como um lugar de fala e mobilização. Entre escolhas seguras de estilo e vozes que se levantaram contra políticas injustas, a edição deixou evidente que, naquele momento, o impacto não estava no figurino, mas na mensagem que cada artista decidiu levar ao público.

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Sofia Ferreira Santos

Ao longo de sua carreira, Lady Gaga consolidou-se como uma criadora de extremos: do pop dançante de The Fame (2008) à densidade conceitual de ARTPOP (2013), da vulnerabilidade íntima de Joanne (2016) à catarse eletrônica de Chromatica (2020). Essa habilidade de transitar entre o espetáculo e a confissão, entre o acessível e a experimentação, alimentou expectativas intensas do público e da crítica a cada novo lançamento. MAYHEM (2025), portanto, surge não apenas como o oitavo álbum de estúdio da estrela, mas como uma produção que dialoga com essa herança: um retorno à teatralidade sombria de Born This Way, às canções confessionais de Joanne e à energia catártica de Chromatica. 

MAYHEM ganhou vida além do estúdio durante a Mayhem Ball Tour, uma encenação teatral de proporções épicas. No Brasil, a celebração atingiu seu ápice em Copacabana, com um show gratuito na praia que reuniu cerca de 2,1 milhões de pessoas, tornando-se a maior apresentação já feita por uma mulher na história. Dividido em cinco atos temáticos – ‘ópera gótica’ em formato pop –, a apresentação incluiu suas faixas de maior sucesso, como Poker Face, Bad Romance e Shallow, tudo embalado em visuais grandiosos e figurinos teatrais. Esse momento histórico não só coroou o ciclo do projeto, como reafirmou a capacidade de Gaga de transformar música e imagem em experiência coletiva – com forte ressonância cultural e emocional no país.

Mais do que simplesmente atender às expectativas, a musa as redefine ao entregar uma obra completa que se assume como ‘caos’ – entretanto, trata-se de um caos específico: estruturado, encenado e transformado em espetáculo sonoro e visual. Além disso, como apontou a Zane Lowe durante a entrevista sobre a produção para a Apple Music, esse seria justamente o que a persona Lady Gaga representa para ela. Com esse material, a performer revela múltiplas facetas de sua identidade artística e, sobretudo, uma intersecção singular entre três extremos que apenas ela poderia oferecer ao público: a balada, o amor e o gótico.

A BALADA

Inicialmente, Balada, foi o primeiro tema apresentado aos little monsters (como são chamados seus fãs) sobre a novidade. A faixa se trata de uma colaboração feita com Bruno Mars, Die With a Smile, lançada em 2024, escolhida como última da tracklist. Com esse estilo musical elegante, aborda um amor carregado de emoções, vulnerabilidade e quase melancolia, em que, por tanta entrega, a pessoa deseja, caso o mundo se acabe, estar com quem ama nos últimos instantes e, assim, como o próprio nome da música diz, morrer com um sorriso.

O sentido de discoteca também aparece na obra pelo ambiente em que é reproduzida, especialmente em festas voltadas ao público LGBTQIAPN+, onde grandes hits da carreira da estrela costumam estar presentes. Na nova produção, isso se mantém: o single Abracadabra traz batidas densas e um experimentalismo que favorece a criação de remixes e versões alternativas, aproximando-se da estética sonora do submundo. Esse estilo vem ganhando força nos últimos anos, sobretudo com a festa Submundo 808, criada pelo Coletivo 808 – Produções em Campinas e hoje presente em diversos estados do país, alcançando também projeção internacional.

Além disso, o MAYHEM não tem suas referências presentes oriundas desses ambientes somente pela musicalidade, como também, pela cultura de ballroom, representada pela personagem Senhora do Caos (Mistress of Mayhem), personificada por Gaga e mostrada previamente no clipe de Disease. Neste caso, como no outro videoclipe, ela é mostrada em um conflito com a outra persona – que seria a própria Lady Gaga, porém, neste momento, inicia o videoclipe apresentando uma competição de ballroom, dizendo: “Dance ou morra”.

Essa batalha representa não somente uma luta pela própria vida, e sim, por sua liberdade dentro da indústria musical, refletida em músicas como Disease e Perfect Celebrity, em que a cantora aborda como se sente moldada por esse sistema a ser um exemplo perfeito para a sociedade, e em como essa constante cobrança a afeta. Esse conceito é apresentado principalmente na segunda faixa citada, em que ela expõe que se sente como uma ‘boneca humana de plástico’, obrigada a mostrar-se sempre impecável para que seja vendável, e consequentemente, suscetível também a perder sua personalidade.

Enquanto isso, em Disease, somos conduzidos a outro aspecto dessa excessiva cobrança: o de sentir a obrigação de curar o outro – não apenas seus fãs, mas também a própria indústria musical, que projeta sobre a artista expectativas de regeneração e superação. Ao mesmo tempo, a canção também pode ser lida como uma tentativa de cura de si própria, uma resposta íntima às marcas deixadas pelo constante julgamento e pelas exigências externas que atravessam sua trajetória.

O AMOR

A segunda intersecção – Amor – é abordada como a anterior; sempre com duas facetas: a primeira, em uma busca por esse sentimento, em um sentido existencial, de aceitação e resistência frente a opressão sofrida pela indústria musical como pela sociedade. A segunda, é abordada pela complexidade de uma relação amorosa, como na faixa Blade of Grass, em que, com um tom melancólico, o eu lírico apresenta ao ouvinte uma vivência verdadeira e complicado, além de revelar a profundidade e a poesia desse relacionamento, como pode ser observado logo nos primeiros dois versos: “Namorados se beijam em um jardim feito de espinhos / Vestígios de palavras solitárias, ilusões despedaçadas”, em que se aborda como experiências passadas de dor e ilusão são contrastantes com a atual.

Após versar suas tristezas e dores passadas, em Vanish into You, é mostrado um lado ainda mais vulnerável do amor: uma entrega total. Em que almeja-se a perda do ‘eu’, que constrói muros para a existência de um ‘nós’, tornando tudo uma coisa só. Mostra-se uma paixão que procura uma fusão quase espiritual, em contraste com o individualismo da fama que cerca e assombra Gaga.

O GÓTICO

Sobre a terceira intersecção do disco, o Gótico, é importante compreender que essa faceta se mostra, não somente nas temáticas das canções, mas também na estética do próprio MAYHEM, presente primeiramente em seu título, que poderia ser traduzido como ‘confusão’ ou ‘caos’ – elementos comumente encontrados em obras desse cunho, tanto na música quanto na literatura. Um exemplo notável é a obra Frankenstein: ou o Prometeu Moderno (1818), de Mary Shelley, importante contribuinte para o gótico. Assim como Gaga aborda sentimentos complexos em suas canções, a Criatura criada por Victor Frankenstein também é apresentada como uma personagem multifacetada, sobrecarregada não apenas pelo seu criador, entretanto, por toda a sociedade que a teme – do mesmo modo sentem medo da ‘verdadeira’ singularidade da artista em seu último álbum: ousada, amante, sombria e, principalmente, incrivelmente mutável.

Acerca da estética mostrada, em muitas imagens conceituais do projeto, assim como na capa, Gaga se mostra interseccionada entre três elementos: ela mesma, com uma expressão séria, mas ainda assim, suave; o vidro quebrado, que cobre metade de sua face; além de sua reflexão emitida no vidro de maneira turbulenta. Além disso, toda a idealização visual também explora o gótico, em que, com um primeiro contato com o material, o público logo percebe a coloração, que em sua maioria, é preta e branca, puxada para um tom acinzentado.

Porém, o gótico não é abordado somente com elementos como as cores, pois vai além disso, mostrando, logo na capa, o conceito do álbum, que é sombriamente conturbado, entretanto, ainda assim, amoroso. Ali, mostra-se no vidro, um reflexo de como a cantora se sente em meio ao caos que tenta organizar, tanto em sua vida profissional, como também na pessoal, e, além disso nos clipes de MAYHEM, apesar dos diferentes conceitos, a fuga de si e do sofrimento está sempre presente, assim como em obras sobrenaturais, primordialmente, naquelas do período romântico, onde o escapismo e o sentimento de não pertencimento tornam-se temas centrais.

Para além da visualidade gótica – com elementos além do preto e branco, como turbulência, comparação, medo, morte e fuga –, Gaga também aborda o sombrio desgaste que sente. Em sua volta, falando sobre um final de festa com a canção Zombieboy, aborda-se uma faceta diferente do cansaço: em como ele também pode trazer sensualidade. Em diversos trechos a cantora, além de, primeiro, animalizar a pessoa almejada, quando diz “Coloque suas patas em mim”, como também, fazer referência à sua relação com seus fãs e os paws up de Gaga, em um sinal de união em meio ao caos; e em contraste, aborda o desejo, primordialmente carnal, mas ainda sim, transgressor.

A recepção do disco reforça a ideia de versatilidade que caracteriza o projeto. MAYHEM se movimenta por diferentes registros, do vibrante dance às emocionais canções lentas, passando pela nostalgia dos anos 80 até o gótico performático. A produção equilibra teatralidade, humor e vulnerabilidade, traduzindo as contradições de Gaga em ARTPOP. Essa combinação gerou um certo ‘caos organizado’ na estrutura do projeto, com momentos de grande potência, especialmente nas faixas de abertura, e pequenas irregularidades nas partes mais introspectivas.

Os fãs receberam o lançamento de forma calorosa, celebrando tanto a inovação sonora quanto a ousadia estética. Comparado aos projetos anteriores, MAYHEM mostra uma expansão da paleta musical da artista e reafirma seu papel de provocadora no cenário pop, mantendo o equilíbrio entre entretenimento e expressão artística intensa.

A Balada revela a vulnerabilidade e a delicadeza em momentos de introspecção, reforçada pela versatilidade musical que permite às suas canções ocupar diferentes espaços. O Amor surge como uma busca constante, ora marcada pela entrega espiritual às relações, ora atravessada pela dor e pela perda. Já o Gótico se manifesta tanto na estética sombria quanto na crítica à indústria e às pressões da fama. É no encontro desses três eixos que Gaga constrói a identidade de MAYHEM, reafirmando-se como criadora capaz de transitar entre extremos sem perder a coerência de sua trajetória.

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Lucas Barbosa

Cinco anos após o primeiro filme, Coringa: Delírio a dois não correspondeu às altíssimas expectativas que pesavam sobre o longa-metragem que carrega a continuação da história problemática e exotérica de um dos maiores seres vilanescos do universo dos quadrinhos. Sendo a sombra de uma das melhores películas de 2019, garantindo até Oscar de melhor Ator para o Joaquim Phoenix, a continuação deixou lacunas mal resolvidas, questionamentos desnecessários sobre a história e aquele velho pensamento se uma continuação de uma obra amplamente premiada é realmente necessária.

Dentro do longa, a continuação é historicamente correta. Arthur Fleck (Joaquim Phoenix) está preso dentro do Asilo Arkham, esperando seu julgamento que o sentenciará a morte. Com o desenrolar da história, acaba conhecendo dentro do asilo a personagem interpretada pela Lady Gaga, Harleen Lee Quinzel, que é completamente apaixonada pelo protagonista, e assim a história se desenrola entre o amor dos dois.

Um destaque positivo é a Fotografia, Lawrence Sher novamente deixa o ar noir de uma Gotham City devastada pela violência e desigualdade social, que era um ponto positivo do primeiro filme, e consegue ser primoroso nas cenas que Coringa e a Harleen estavam em evidência. A trilha sonora também merece elogios. As canções interpretadas pelos protagonistas e as trilhas, feitas pela compositora Hildur Guðnadóttir, complementam e aliviam a tensão de toda a jornada do casal do filme.

Gaga e Joaquim Phoenix tentam ao máximo trazer bons momentos de atuação dentro do filme, até mesmo nas sequências de musical, onde conseguem explorar de uma ótima forma a história de amor e loucura dos dois personagens. Entretanto, mesmo com todas as qualidades dos atores, o roteiro fica apenas rodeando entre o psicótico amor entre os dois e deixa de explorar outros bons personagens que o filme introduz, como o Harvey Dent (Harry Lawtey) – o Duas Caras –, que é utilizado apenas nas cenas do julgamento do Arthur e poderia ter mais tempo de tela, mesmo em contato com o Coringa. Outra ótima atuação é de Catherine Keener, interpretando a advogada Maryanne Stewart que, acima de tudo, tentou, minimamente, dar humanidade ao protagonista.

Mesmo com a sequência da fuga do julgamento, que foi a melhor, os momentos finais deixam não apenas um sentimento de dúvida para quem assiste, como também criam uma sensação de desconexão entre as cenas desse longa e do primeiro Coringa, que é aflorado ainda com os últimos momentos do filme. É até possível distinguir em algumas partes se é Arthur ou seu alter-ego falando, entretanto, quando discorre o relacionamento com a Harleen e a percepção de que, mesmo com o julgamento, o seu futuro já está praticamente decretado, o real e a ilusão da personalidade do protagonista entram em conflito. 

Todd Phillips, em Outubro de 2024, deu uma declaração dizendo que Arthur Fleck nunca foi realmente o Coringa, ele era apenas um ícone involuntário que não queria mais toda aquela farsa, e esse é um problema que o roteiro não consegue sustentar por completo, principalmente quando o relacionamento do Arthur e da Harleen começa. A força dele é o desejo de Lee pelo vilão e, assim, o alter-ego do protagonista toma conta durante certo tempo. A cena da demissão da advogada é o ápice da imprevisibilidade e insanidade do protagonista, e no momento que ela vai embora do tribunal, é quando a personalidade do Arthur retorna, se tornando um personagem fraco, solitário e dependente de qualquer tipo de amor.

Arthur Fleck se mistura com o seu alter ego psicótico em certos momentos do filme, onde a solidão e a ruptura dos valores morais e sociais entram em colapso. O Coringa está isolado mesmo com o apoio da multidão e Arthur é solitário pelas suas próprias dificuldades que o seu próprio universo impõe. Quando ocorre essas misturas, é exatamente o momento que as necessidades emocionais dele são supridas, e as loucuras do Coringa são exploradas. O amor por Harleen aflora o delírio dele, e os diálogos com a Dra. Stewart, tentam explorar a humanidade e as fraquezas do réu.

O filme chegou às plataformas de streaming norte-americanas menos de um mês depois  de sair dos cinemas. A estimativa de prejuízo foi de US$ 200 milhões de dólares. As notas ruins nos sites de críticas e o destaque dentro do Framboesa de Ouro, com simplesmente 7 indicações, deixam uma triste realidade. Infelizmente, Coringa: Delírio a dois não correspondeu às expectativas e, mesmo com decentes atuações de seu elenco, o roteiro frágil deixa diversas pontas soltas – que devem ser utilizadas para um spin-off dentro deste universo – que nunca terão soluções. Dessa forma, se consagra o longa entre uma das mais fracas continuações do universo DC Comics.

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Henrique Marinhos e Nathalia Tetzner

Se em algum momento você achou que Lady Gaga havia perdido sua capacidade de inovar, Harlequin (2024) vem para confirmar a sua desconfiança. Lançado poucos dias antes do filme Coringa: Delírio a Dois, o álbum, composto majoritariamente por regravações de jazz, parece ser uma tentativa de Gaga de provar que ainda tem a sofisticação para dominar qualquer gênero. Mas será que a artista que nos deu The Fame Monster e Born This Way ainda consegue trazer algo novo aos palcos?

Depois das colaborações com Tony Bennett em Cheek to Cheek (2014) e Love for Sale (2021), aqui ela se aventura em seu primeiro álbum solo de jazz. São 41 minutos distribuídos em 13 faixas, das quais apenas duas são originais (Folie à Deux e Happy Mistake). Lançado pela Interscope Records, a obra conta com uma produção vocal de Gaga e Benjamin Rice e reúne uma equipe de mais de 30 músicos, um exemplo claro do que se espera de uma gravação com orçamento alto e uma equipe de engenheiros de som premiados. 

No aspecto técnico, a produção é belíssima. Stefani Joanne Angelina Germanotta faz jus às raízes no Teatro e entrega uma performance vocal repleta de emoções. Obviamente, não deixando de ser um tanto quanto caricata em certos momentos, até porque, há de se concordar que não exagerar maneirismos não é necessariamente o feitio da cantora, acostumada a levar diferentes personas ao público. Em Harlequin, ela une a sua essência irritante de theater kid com a perspicácia do produtor Rice, adicionados à masterização e mixagem de Emily Lazar e Serban Ghenea, que fazem os instrumentos brilharem.

Toda essa grandiosidade técnica, no entanto, parece mais voltada para manter a segurança do que para oferecer algo surpreendente. Esse é o caso da faixa Folie à Deux, em que a artista é creditada como única escritora, trazendo uma fusão fluída de rock com elementos de jazz, enquanto The Joker oferece a Gaga o espaço para brilhar com uma releitura ousada,  – bem no estilo de Descendentes, da Disney – no tom certo para a Arlequina.

Em uma das faixas originais, Happy Mistake, a intérprete de Shallow consegue finalmente dialogar com as diferentes vidas dela: pessoal, nos palcos e, agora, nas ‘telonas’ do Cinema. ‘Palhetando’ gentilmente um violão, ela compõe uma canção honesta e linda: “Uma disposição solitária/Retratos de uma garota desgastada/Como eu me tornei tão viciada/No amor do mundo todo?”. Por alguns minutos, Lady Gaga nos transporta para uma atmosfera melancólica à là Billie Eilish, que serve como ponte entre a loucura da fama e a insanidade da ‘loirinha’ mais insana dos quadrinhos.

Outros momentos de destaque são em Get Happy (2024) e World on a String, produções em que Rice permite que o âmago teatral de Gaga domine, sem deixar o instrumental ficar atrás. Enquanto os arranjos orquestrais das guitarras, por Tim Stewart nos remetem a uma qualidade quase cinematográfica (e muito bem-vinda) dado o envolvimento do álbum com a trilha sonora do filme, que não são as mesmas versões.

Gaga, que dispensa apresentações, opta aqui por um caminho seguro, quase reverente demais às canções originais. Oh, When the Saints é um exemplo de como a falta de conexão temática com o filme e a sequência do álbum prejudica o ritmo — enquanto releituras como a de Visões da Raven se tornam icônicas, essa é uma das irônicas. Embora a faixa tenha um solo de guitarra interessante, a estrutura geral não é diferente de qualquer outra versão que já ouvimos de jazz tradicional.

É justamente na concepção que o disco peca. Por se tratar de uma maioria de covers, o projeto, recheado de fotos conceituais e expectativas, não acaba soando original. As estruturas das faixas sofreram poucas alterações, fazendo com que Harlequin se encaixe mais como uma remasterização do que, de fato, uma releitura. Para o ouvinte, fica a sensação de que Lady Gaga esperava entrelaçar a sua figura com a anti-heroína da DC suficientemente para emplacar um filme solo no futuro. Contudo, isso fica difícil quando um projeto como esse parece não tomar decisões tão objetivas, além do fracasso em bilheteria de Coringa: Delírio a Dois.

A escolha de regravações clássicas, como Smile e If My Friends Could See Me Now, peca ao manter arranjos que soam desatualizados. E se Lady Gaga queria emular Judy Garland ou Frank Sinatra, ela até acerta no tom. O problema é que, quando a comparação inevitável com esses gigantes é feita, Gaga simplesmente não acrescenta nada de novo. Tudo é muito competente, mas não suficiente para compensar a falta de inovação. O álbum flui como uma sequência de homenagens ao passado e falha em conectá-las a algo que faça sentido em sua carreira em 2024, ou mesmo no universo do Coringa.

Tal falta de conexão é ainda mais decepcionante quando pensamos nas promessas realizadas na semana que antecedeu o lançamento de Harlequin. Anunciado de surpresa, a gestação do disco foi curta, porém, repleta de declarações e visuais, no mínimo, intrigantes. Uma pena que, quando colocado em prática, o apelido ‘LG 6.5’ tenha sido tão preciso; o disco não consegue decidir o que quer ser e acaba soando como algo perdido na discografia de Gaga. Dotado de qualidade artística e faltando a criatividade característica da artista, o projeto tem tudo para passar despercebido, algo nem um pouco usual para quem já dominou o mundo na década de 2010.

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Guilherme Barbosa

A música pop sempre esteve no auge do mundo, principalmente após o início dos anos 2000. A ascensão de nomes como Britney Spears, Beyoncé, Lady Gaga e Rihanna fez com que a régua de exigência em relação a cantoras que iriam surgir a partir dali fosse muito alta. Com o passar do tempo, a forma de se consumir música pela grande massa mudou. O TikTok, a rede social mais usada pela Geração Z, tem grande influência na indústria fonográfica, com o poder de ressuscitar grandes clássicos e fazer pequenos artistas se tornarem globais, como Olivia Rodrigo, por exemplo. Tate McRae também faz parte dessa nova leva de cantores, e isso fica evidente em seu novo álbum de estúdio, THINK LATER.

Desde pequena, a cantora canadense faz parte do ambiente artístico, seja na dança ou na música. Foi somente em 2023, após lançar Greedy – o lead single de seu novo álbum – que a cantora atingiu novos patamares. Até então, McRae havia estreado com o primogênito i used to think i could fly e tinha uma pequena base de seguidores. Ao viralizar com a música no TikTok, mesmo com uma carreira tão recente na indústria, a intérprete chegou no topo da playlist Spotify Global, onde permaneceu por várias semanas, e alcançou também o topo da parada musical Billboard Global 200.

Com a viralização de Greedy, a cantora intensificou a divulgação do single, desde performances em programas de TV e em premiações. Ela ainda investiu em um videoclipe clássico, com figurino esportivo de hóquei, bailarinos e muita dança. É perceptível a confiança que ela demonstra, muito confortável com as câmeras e servindo uma postura digna de diva pop que, de certa forma, se perdeu ao longo do tempo no cenário da música do gênero. A canadense foi alvo de diversas comparações, chegando a ser chamada de Britney Spears da nova geração. São tantas referências e paralelos que sua autenticidade acaba se perdendo, fazendo com que a confiança apresentada na canção não fique tão evidente no restante do álbum.

Durante as 14 faixas que compõem a obra de McRae, ela incorpora seu lado bad ass girl – a famosa garota má – para mostrar que está pronta para devorar todos os homens que aparecerem e para fazer com que o cara que a deixou se arrependa disso, mesmo estando presa a ele. Essa fórmula não é nada inovadora, por ser uma cartada coringa de quase toda cantora do cenário pop e já tendo sido utilizada diversas vezes na indústria, como nas canções How to Be a Heartbreaker, da Marina and The Diamonds; Blank Space, da Taylor Swift e Maneater, da Nelly Furtado.

A sonoridade do disco revela uma combinação de influências, indo de elementos clássicos do pop, como sintetizadores, até toques mais experimentais, como os componentes trazidos do R&B. Essa diversidade nas referências gera uma sensação convidativa e dançante ao trabalho, deixando-o confortável aos ouvidos dos consumidores do estilo musical. As letras não apresentam profundidade, mas expressam os sentimentos de McRae, demonstrando uma pequena fração da personalidade da artista.

Além de sua presença musical cativante, os visuais e a estética de Tate McRae desempenham um papel importante na construção de sua identidade artística única. Seja nos figurinos arrojados, na coreografia impecável ou na escolha de cenários, McRae transforma cada apresentação em uma experiência imagética envolvente. Os videoclipes de suas músicas são como extensões das narrativas e adicionam uma perspectiva intrigante ao trabalho, mostrando-a não apenas como uma cantora talentosa, mas como uma artista completa e influente em todos os aspectos de sua arte.

THINK LATER é um capítulo significativo na carreira de Tate McRae. Embora ceda temporariamente às tendências pop predominantes, ela também demonstra uma habilidade única de modificar padrões, criando momentos inovadores e resgatando referências de cantoras consagradas. O álbum em sua totalidade não é apenas mais um produto da era TikTok: ele tem sua singularidade e sugere que, mesmo em meio a um cenário musical em constante mudança, a intérprete está firmemente determinada a trilhar seu próprio caminho.

A ascensão meteórica de Tate McRae no mainstream atual é inegável, sendo considerada uma das vozes promissoras da nova geração. Contudo, no universo saturado de fórmulas comerciais que caracterizam o cenário da música atual, surge a inquietação sobre como ela irá equilibrar sua autenticidade diante das constantes pressões para se alinhar a padrões instantâneos e superficiais. 

Será que a ousadia criativa de McRae será uma resistência ao efêmero ou haverá conformidade ao caminho mais trilhado em busca do sucesso imediato? Essas são questões que pairam diante do dilema enfrentado por novos artistas, e THINK LATER se torna um espaço para ver como Tate McRae vai lidar com as novas demandas da indústria musical.

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Davi Marcelgo

Em Nasce Uma Estrela (2018), Jackson Maine (Bradley Cooper) é um astro do country que se apaixona por Ally (Lady Gaga). Os dois constroem uma relação através da Música, que é abalada quando o passado e os vícios de Jack surgem à tona. Além dessa última releitura, a história já foi contada outras três vezes: a primeira em 1937, dirigida por William A. Wellman; a segunda 17 anos mais tarde, estrelada por Judy Garland, de O Mágico de Oz; e a terceira em 1976, protagonizada por Barbra Streisand. Os remakes diferenciam-se principalmente nos cenários, pois, enquanto os outros dois narram ascensão e queda de estrelas de Cinema, os mais recentes são sobre astros da Música.

Dessa vez, vemos um sujeito forte. Chucro. Macho. Esses adjetivos foram atrelados à figura do caubói durante toda era de ouro do gênero na Sétima Arte, definindo também o que é ser homem. Para Bradley Cooper, diretor do filme, essas características são destrutivas. O canal Entreplanos, em seu vídeo sobre a obra, cita a perda auditiva do protagonista como uma alegoria sobre um cantor que não se ouve. Nesse sentido, Maine canta que “talvez seja a hora de deixar os velhos hábitos morrerem”, mas continua repetindo-os. Pelas cordas de sua guitarra e letras melancólicas, ele confronta o passado e dá seu máximo para não se tornar um disco arranhado. 

É claro que Cooper e a dupla de escritores Eric Roth e Will Fetters não foram os primeiros a desbravar essas terras e nem os últimos. No começo deste milênio, em 2005, Ang Lee dirigiu seu western gay Brokeback Mountain. Depois, vieram outros filmes, como Ataque dos Cães. No entanto, a forma como essa desconstrução é realizada aqui é única, tanto em relação aos remakes da história, quanto ao Cinema em geral. 

Jackson Maine é assombrado pelo passado, pois nunca conheceu a mãe e, na adolescência, perdeu o pai, companheiro de bar. Seu irmão mais velho, Bobby (Sam Elliott, o ator já participou de faroestes, inclusive) foi quem o criou e assumiu a administração de sua carreira. Ambos construíram uma relação tóxica de cobranças e rivalidade, pois Jackson não fala o que sente, sem ser através da violência (ou da música). A estrela country entra em um ciclo destrutivo de recordações que o machucam e, como a maioria dos homens, também não se importa com a saúde, ignora indicações médicas e retruca qualquer questionamento sobre seu estilo de vida.

Este novo velho oeste do rock é reprimido, seja Maine ou seu irmão em todas as relações. Quando há espaço para dizer o que sente, é com poucas palavras e uma despedida sem calor. Nem a direção de Cooper ou os figurinos de Erin Benach conseguem quebrar a espinhosa personalidade destes homens, exceto pela música e que por ela todas personagens são capazes de se expressar.  

As músicas conduzem Nasce Uma Estrela. Maybe It’s Time, por exemplo, aumenta o grau de compreensão sobre o Maine, enquanto Shallow mergulha nas ânsias do caubói e de Ally. “Você não está cansado, tentando preencher esse vazio?”, questiona um dos versos da canção. Ele pede refúgio na bebida e drogas, bem como se atira para o que estiver mais próximo de agarrar. Logo após tomar um porre e perder o show de estreia da carreira solo de sua amada, pede-a em casamento numa tentativa de costurar erros e ter esperança – “E em todos bons momentos eu anseio por uma mudança”. O cantor tem expectativas que novidades em sua vida possam tirá-lo da profundeza.

Cooper, juntamente com o diretor de fotografia Matthew Libatique, toma decisões criativas que rimam com o roteiro. Se Jackson está em declínio e Ally em escalada, as apresentações de cada um são diferentes. Para o garoto do Arizona, a câmera é inquieta, trêmula e perdida como um bêbado. Já os espetáculos da personagem de Gaga tem estabilidade, foco e serenidade, afinal ela possui um objetivo bem definido. 

Para Ally, a regra se mantém até o momento em que se torna uma diva pop, quando as cenas passam a incorporar artificialidade e as músicas da cantora, como Why Did You Do That?, se tornam produtos decorrentes de interferências executivas, deixando para trás a Arte e o espontâneo. O filme prefere não dar atenção a isso,  cortando a cena ou deixando a canção como ambiente enquanto outros personagens conversam. Um dos pontos de Maine é que, para cantar, é preciso ter algo a dizer. 

As cores vermelho e azul permeiam os dois desde o primeiro até o último encontro, pelas roupas, luzes, sirenes ou tonalidades de cabelo, marcando o final da vida de Maine e o renascer artístico de Ally. Em dois momentos separados, o astro e a novata são enquadrados em close-up, dividindo o mesmo plano. A iluminação dessas cenas comunica: ele tem a luz vermelha no rosto e o azul sob a nuca, ela o oposto. Enquanto o caubói embarca nessa cor quente e perigosa, se afastando do estrelato, a cantora alcança cada vez mais essa luz divina, fazendo jus ao título. 

O diretor também prefere uma abordagem realista, optando por filmar em festivais reais, como o Coachella. A atuação de Cooper e as situações embaraçosas vividas por Maine devido a bebida, salientam a inclinação do cineasta nesse tipo de estética. Para quem convive ou já conviveu com pessoas alcoólatras, é possível se identificar com os cenários e admirar a interpretação do veterano, que não cai no vale da caricatura. Ademais, o filme propõe a desconstrução dessas figuras ídolos do country/rock e do faroeste, e dos comportamento destrutivos quanto abuso de drogas e álcool, numa música decrescente que não endeusa personagens públicos, mas humaniza. 

Durante esses cinco anos, o filme ganhou mais força a cada visita, com o surgimento de novos olhares e interpretações que aumentam a admiração por ele. Assim como Jackson Maine, Bradley Cooper parece acreditar que é preciso ter algo a falar ao fazer Arte. Aqui, ele tem um longo discurso para se destacar entre os remakes. Daqui mais cinco, Nasce Uma Estrela continuará vivo na memória dos cinéfilos, seja pela sua direção afiada, as músicas estrondosas de Lady Gaga ou pela narrativa relacionável que confronta os caubóis da vida.

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Nathalia Tetzner

36 anos após tirar o fôlego de uma geração inteira com Top Gun: Ases Indomáveis, Tom Cruise está de volta na direção dos aviões de caça, dessa vez, apontando o alvo da trama diretamente para si na pele do protagonista e dono de um dos codinomes mais conhecidos do Cinema, Maverick. A sequência do clássico coloca nas lentes de Joseph Kosinski a missão de dar continuidade ao legado do falecido diretor Tony Scott. Assim, com quase 1,5 bilhão de dólares arrecadados em bilheteria mundial e 6 indicações ao Oscar 2023, Top Gun: Maverick revive os tempos de glória do audiovisual e prova que ainda queremos voar com Cruise.

A fim de novamente “pilotar para a zona de perigo”, o longa se destaca na temporada como a principal ode a Hollywood. Isto mesmo, nem a crítica de Não! Não Olhe! (Jordan Peele) ou a extravagância de Babilônia (Damien Chazelle) conseguem tamanha glória. Incoerentemente, foi necessário alguns truques de enredo batidos, um romance barato, grandes efeitos visuais e um toque de propaganda militar para o público voltar a buscar o que Martin Scorsese classifica como a experiência cinematográfica de encher as salas e encarar as grandes telas. Isso, em meio a uma indústria dominada pelo avanço dos streamings, que se aproveitam do conforto do sofá de casa. 

Em uma inversão de papéis, Pete ‘Maverick’ Mitchell passa de um aluno da escola naval Top Gun apaixonado por sua instrutora para o comandante de uma missão quase impossível. Habituado a altas pressões, ele se vê frente a uma classe de pilotos diversificada. Porém, é a presença do filho de Goose, seu melhor amigo morto durante uma simulação de combate, que cria o conflito interno de Mav. Teimoso como o pai, Bradley ‘Rooster’ Bradshaw é o coadjuvante que perfeitamente auxilia a jornada do herói graças a atuação de Miles Teller, responsável pelas cenas mais emocionantes da obra.

Fato é que Top Gun: Maverick chegou para esgotar a saudade de quem clamava por uma obra sem medo de ser o que é. Com direito a todos os aspectos que caracterizam o gênero de ação, os minutos iniciais simulam a série de créditos da primeira versão e deixam um sentimento de nostalgia tão forte que faz o público questionar se a sessão está certa ou se, por obra do divino, foram transportados para os anos 80; época em que o filme arrebatou 4 indicações ao Oscar e levou para casa a estatueta dourada de Melhor Canção Original pela melodia atemporal de Take My Breath Away, entoada pela vocalista Terri Nunn da banda Berlin.

A diferença essencial entre o primeiro e segundo filme reside na representatividade. Aqui, incorporada pela atriz Monica Barbaro, escalada para viver a pilota pioneira Natasha ‘Phoenix’ Trace. Este ano, a nova estruturação que traz sentido para a aventura pôde ser indicada à categoria de Melhor Roteiro Adaptado, por se tratar da sequência de uma produção já existente. Notável, a escrita de Ehren Kruger, Justin Marks e Christopher McQuarrie se une à história precisa de Eric Warren Singer e Peter Craig, mas alcançando poucas chances junto as outras nomeadas: Living, Glass Onion: um Mistério Knives Out, Nada de Novo no Front e Entre Mulheres.

Indicada a Melhor Canção Original, a belíssima Hold My Hand, de Lady Gaga, toca com esplendor para finalizar a trama. Por isso, a vitória não é óbvia e a concorrência vem forte, com faixas como Lift Me Up, do blockbuster Pantera Negra: Wakanda Para Sempre, e Naatu Naatu, do longa indiano RRR (Revolta, Rebelião, Revolução). Já em Melhor Som, Al Nelson é magnífico e se coloca entre os títulos Elvis, Nada de Novo no Front, Batman e Avatar: O Caminho da Água. Entretanto, nada marcou tanto quanto OneRepublic com I Ain’t Worried, trilha sonora da partida de futebol americano na praia que viralizou nas redes sociais.  

O loiro antagonista da vez é Jake ‘Hangman’ Seresin que, através das expressões de Glen Powell, replica o frenesi causado por Val Kilmer como o rival de Maverick, Tom ‘Iceman’ Kazansky. Powell traz para a sua interpretação as características centrais do papel, tornando a sua presença não menos tocante que o reencontro entre Kilmer e Tom Cruise. O ator da primeira exibição do clássico teve a sua voz recriada por inteligência artificial devido às consequências da luta contra um câncer de garganta, e agora assume os postos de almirante e conselheiro de Mav nas horas vagas. 

No entanto, nem só de galãs vive Top Gun: Maverick. A fotografia, surpreendentemente esnobada pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, também é irresistível. Assinada por Claudio Miranda, a composição visual é deslumbrante e acaba com a ambiguidade da ambientação construída pelo roteiro com o intuito de suavizar abordagens políticas. Afinal, se a escrita borra as margens, a imagem não deixa dúvida de qual é o país extremamente gelado que a marinha dos Estados Unidos tenta a todo custo derrotar. 

Parte fundamental do trabalho de Miranda reflete no editor Eddie Hamilton, peça essencial para a formação da sensação de grandiosidade que o longa transmite. Por isso, ele enfrenta Os Banshees de Inisherin, Elvis, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e Tár na corrida pelo Oscar de Melhor Montagem. Igualmente capazes de abrir a boca do espectador, os profissionais criativos Ryan Tudhope, Seth Hill, Bryan Litson e Scott R. Fisher reúnem toda a magia da tecnologia para competirem ao lado de Nada de Novo no Front, Avatar: O Caminho da Água, Batman e Pantera Negra: Wakanda Para Sempre por Melhores Efeitos Visuais. 

Os anos passam, os tempos mudam, a diversidade chega e, mesmo assim, o público-alvo do filme permanece intacto. A verdade é que ninguém nunca se identificará tanto com Pete ‘Maverick’ Mitchell quanto aqueles meninos estadunidenses que parecem ter saído direto de um comercial de margarina. Mas, eternizado como um clássico, o longa obviamente possui diferentes aspectos que atraem as demais audiências. Seja pela representação de valores morais, pela nostalgia ou pelo próprio Tom Cruise trajado como um herói tão ideológico quanto o Super-Homem, toda geração merece assistir a sua versão de Top Gun. 

Ponto no mínimo questionável da produção é a troca da atriz que se relaciona com o protagonista. Kelly McGillis foi a astrofísica Charlie Blackwood em 1986 e não retorna para o papel. Pelo contrário, é substituída pela bartender Penny Benjamin, que embala o público, movido pelo saudosismo, na falta de algo que eternize o enlace com a personagem interpretada por Jennifer Connelly, 13 e 8 anos mais nova que McGillis e Tom Cruise, respectivamente. Em entrevista para o Entertainment Tonight, a loira que tirou o chão de Maverick explicou o motivo pelo o que acredita não ter sido convidada para a sequência: “Eles não entraram em contato comigo, e nem achei que iriam. Eu estou velha, estou gorda, e tenho uma aparência apropriada para a minha idade.” 

Provando que ainda queremos voar com Tom Cruise, a sequência faz o seu nome na categoria de Melhor Filme, na qual compete com Nada de Novo no Front, Avatar: O Caminho da Água, Os Banshees de Inisherin, Elvis, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, Os Fabelmans, Tár, Triângulo da Tristeza e Entre Mulheres. Com ambição e grandiosidade, o diretor Joseph Kosinski ficou de fora das indicações ao Oscar de Melhor Direção, contudo, o seu maior desafio se transformou em realidade; as qualidades do clássico de Tony Scott se repetem e alçam novos ares em Top Gun: Maverick.

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Raquel Dutra

Como uma de suas metáforas musicais favoritas, o Grammy encerrou a caliginosa caminhada que o levou até a sua 64ª edição ao fim luminoso da noite do dia 3 de abril de 2022. Sob os holofotes da MGM Grand Garden Arena, no glamour de Las Vegas, cantores, compositores, produtores e instrumentistas se reuniram, junto da Academia de Gravação, para reconhecer “o melhor da Música” realizada entre o dia 1 de setembro de 2020 e 30 de setembro de 2021 e submetida à consideração da premiação. No palco, brilharam os nomes de Jon Batiste, Olivia Rodrigo, Doja Cat, SZA, Bruno Mars e Anderson .Paak, que com suas celebrações fervorosas e feições vitoriosas, encerraram um período que aconteceu exatamente de acordo com uma das leis mais fundamentais da natureza que produz tais fenômenos – antes da luz, vem a escuridão. 

E assim foi como tudo começou, quando o Grammy anunciou seus indicados da vez no dia 23 de novembro de 2021. Dentre os considerados para os títulos de maior prestígio da música mundial, a Academia de Gravação incluiu alguns dos mais infames nomes da Indústria: Louis CK e Lukasz Gottwald (vulgo Dr. Luke, já numa tentativa de se disfarçar) e Marilyn Manson, três homens que acumulam acusações e investigações graves e públicas de assédio, abuso e violência sexual contra mulheres. Diferentemente do que significou para boa parte do público da premiação, que questionou a atitude, a resposta apresentada pelo presidente da Academia não entendeu a situação como um problema.

“Não vamos restringir as pessoas que podem enviar seu material para consideração. Não analisaremos a história das pessoas, não analisaremos seus antecedentes criminais, não analisaremos nada além da legalidade dentro de nossas regras, se essa gravação para este trabalho é elegível com base na data e em outros critérios. Se for, eles podem enviar para consideração.”
– Harvey Mason Jr., CEO da Academia de Gravação, em entrevista ao The Wrap

Assim, o nome do agressor de Abby, Rebecca, Dana e Julia foi o vencedor do prêmio de Melhor Álbum de Comédia com Sincerely Louis CK, que faz piada das acusações já assumidas e confirmadas pelo mesmo; o agressor de Ke$ha (que inclusive já usou o espaço do próprio Grammy para ecoar suas denúncias) também esteve dentre os nomeados para a principal categoria da premiação, pela sua controversa participação em Planet Her, de Doja Cat; e o nome do agressor de Evan Rachel Wood apareceu dentre os indicados a Álbum do Ano e Melhor Álbum de Rap, pela sua participação no naturalmente polêmico Donda, de Kanye West.

Por coincidência, ali também estava mais um dos maiores problemas do ano para a premiação que procura, nos últimos 4 anos, ampliar o acesso de artistas mulheres em gêneros de predominância masculina. Depois do vexame de 2018, o Grammy realizou diversas mudanças nos sistemas de indicações e votos e entregou um 2019 repleto de marcos positivos e avanços importantes para o trabalho de mulheres na música. No rap, Cardi B foi a primeira mulher a vencer o prêmio de Melhor Álbum, mas a conquista não foi mantida nos próximos anos, restringindo o conhecimento das rappers às canções e deixando de notar seus trabalhos completos. 

Com a chance de fazer diferente em 2022, a Academia de Gravação não foi capaz de escolher um disco sequer para concorrer ao principal prêmio de rap. Das 4 mulheres nomeadas por suas canções e performances (Cardi B, Doja Cat, Megan Thee Stallion e Saweetie), nenhum foi chamado ao palco como vencedor. Nos fazendo agradecer a mínima atitude de não completar as honras do disco que atrela um dos nomes mais culturalmente relevantes da Música ao perturbador histórico de um dos maiores agressores da Indústria, o Grammy não só deixou de contemplar artistas mulheres como usou o espaço que tinha para tal a fim de reconhecer os homens que a agrediram.

Lá, alguns favoritismos foram superados e tendências foram criadas. O prêmio máximo não completou a história de Terror que envolvia os méritos de Kanye West em Donda, mas optou por honrar o nome de Tyler, The Creator. Com CALL ME IF YOU GET LOST, definido pela crítica não só como um dos melhores discos do ano, como também o melhor de sua carreira, o rapper de 31 anos agora tem uma sequência de três discos nomeados e dois premiados na honraria máxima do seu gênero. 

Já para os prêmios de canção e performance, a Academia aproveitou a ausência de Marilyn Manson para apreciar Kanye West, consolidando sua relação conturbada com o rapper que saiu como o maior vencedor do gênero da noite depois de ser proibido de se apresentar na premiação. As vitórias foram nas categorias de Melhor Canção de Rap (por Jail, ao lado do outro gigante Jay-Z) e Melhor Performance de Rap Melódico (com Hurricane, sua parceria com o veterano Lil Baby e o badalado The Weeknd). Na última, outro marco: a primeira vez em que o astro canadense é citado e premiado pelo Grammy depois dos eventos de 2021, quando a premiação desconsiderou completamente o impacto de After Hours como um dos discos mais vendidos do ano na hora de definir os nomeados. 

Completando as categorias do gênero, o novato Baby Keem venceu Melhor Performance de Rap com o apoio de seu primo Kendrick Lamar, um dos nomes mais fortes do gênero, que participou do single family ties, do elogiado álbum de estreia do rapper, impulsionando sua vitória no Grammy. A ascensão, no entanto, acarretou mais uma desconsideração pelas mulheres, na única categoria do Grammy 2022 com mais de uma indicada.

A forma como a Academia lidou com suas escolhas de 2022, obviamente, aprofundou a crise de imagem que questiona a sua legitimidade e relevância há pelo menos 5 anos. Depois das respostas nada satisfatórias do presidente, a organização se viu na necessidade de reproduzir uma auto-propaganda ao vivo, no meio da cerimônia de entrega dos prêmios. O significado de rostos como os de H.E.R. estampou o lema “eu sou a Academia”, como forma de tentar recuperar a imagem de quem realiza a premiação e ilustrar os avanços de representatividade do Grammy.   

Mas no nome de artistas como H.E.R., eles se mostraram, mais uma vez, vazios. Vista como uma das mais promissoras da música estadunidense, recordista de premiações mas também alvo de controvérsias (por dividir seus vocais com Chris Brown, agressor de Rihanna, em seu disco mais recente), a jovem de apenas 24 anos acumulou 8 indicações e venceu 1. Dentre nomeações à categoria principal, em R&B, trilhas sonoras e até música cristã, seu gramofone de 2022 veio pela vencedora do Oscar 2021 Fight For You, canção de Judas e o Messias Negro, na categoria de Mehor Performance de R&B Tradicional, numa vitória que não compensa seus esforços em limpar a barra da Academia e ressocializar artistas em favor à gravadora.

Ainda no R&B, existe outra evidência: Jazmine Sullivan e Heaux Tales. O grandioso quarto registro da artista, que é uma força do gênero norte-americano, foi eleito o Melhor Álbum de R&B, mas na condição de destaque da crítica dentre os discos de 2021, não foi considerada para o prêmio principal. Seu single, Pick Up Your Feelings, apareceu em Melhor Canção de R&B e venceu em empate a categoria de Melhor Performance de R&B, com quem os queridinhos do ano – que também foram a pedra no seu sapato na categoria -, Silk Sonic em Leave The Door Open. 

E de tanto Bruno Mars e Anderson .Paak cantarem para alguém deixar a porta aberta, o Grammy 2022 os recebeu como se fosse em casa. Com 100% de aproveitamento de sua estreia na premiação, Silk Sonic venceu as 4 categorias em que concorria. Nas principais, o duo levou Gravação do Ano, com sua produção à altura do título para um dos maiores hits de 2021. Mas em Canção do Ano, é preciso dizer que a dupla foi beneficiada pela preguiça dos votantes do Grammy em ponderar as diferenças das categorias que ele mesmo inventou de separar.

Afinal, são dois prêmios diferentes por uma razão. Enquanto a de canção ressalta os méritos dos compositores das letras musicais de destaque do ano, a de gravação contempla o conjunto da obra, para notar, além dos compositores e intérpretes, os produtores e demais profissionais que foram responsáveis pelo sucesso sonoro da música. Assim, as faixas que atendem os dois requisitos apresentam, essencialmente, propostas diferentes, e por isso, dificilmente contemplam as duas categorias de premiação ao mesmo tempo. 

Mas o Grammy não se importa. Para além da razão mais óbvia de aproveitar a oportunidade para premiar mais de um trabalho, a Academia simplesmente acreditou que versos como “O que você está fazendo?/Onde você está?/Oh, você tem planos?/Não diga isso” e “Eu estou bonito demais para ficar sozinho” eram o suficiente para suceder a força de I Can’t Breathe, a vencedora de 2021. As lamentações libidinosas de Mars e .Paak foram entendidas como superiores à algumas das verdadeiramente melhores composições do ano, expressas nas músicas de Brandi Carlile, Alicia Keys, Billie Eilish, e Lil Nas X.

No restante do Big 4, as coisas foram melhores – mas não por isso mais tranquilas. O título de Artista Revelação de 2022 parecia ser de Olivia Rodrigo junto com sua drivers license e a decepção amorosa que rasgou seu coração lá em janeiro de 2021, o que posteriormente se transformaria em sua estreia estrondosa através de SOUR. Sucessora natural de Billie Eilish e perfeita representação da tão desejada nova era do Grammy, agora muito mais aberto à nova geração e sensível ao espectro do trabalho musical de mulheres, Olivia angariou 7 indicações. Delas, fez bingo nas categorias principais, foi notada pelo clipe de good 4 u em Melhor Vídeo Musical e apareceu em 2 de pop, onde aconteceu seu maior – e mais controverso – triunfo. 

No meio de divas como Billie Eilish e Doja Cat, e veteranos como Justin Bieber e Ariana Grande, a novata ascendeu com o título de Melhor Álbum de Pop Vocal e Melhor Performance de Pop Solo. Aplaudida pelos seus companheiros de categoria, a questão foi na internet: o mesmo público que a jogou ao estrelato e aproveitou ao máximo seus singles enérgicos não se deu por satisfeito com as primeiras apresentações ao vivo da artista. Aos 18 anos, Olivia nunca fugiu de entoar suas músicas diante do público que a recebeu, inicialmente, com tanto carinho, apesar das dificuldades que encontrava em um início de carreira que exigiu tanto dela. Então, a jovem artista literalmente perdia o fôlego em suas primeiras performances, que agitavam os palcos e os públicos de suas estreias em premiações. 

Só que à medida que seus vídeos viralizavam com críticas ao seu desempenho, Rodrigo assumia de vez o pop-rock que expressou da melhor maneira possível seus desabafos adolescentes – e que exigia todo o ar de seus pulmões e toda a força de sua sustentação vocal. Mas quando ela encerrou o primeiro ato de sua carreira com uma dedicação expressiva para entregar o seu melhor no palco mais importante da música, sua primeira fanbase não soube reconhecer seus avanços e potencial de entrega à Arte que escolheu. Do outro lado, acontecia o que realmente merecia a nossa atenção, e a Academia, mais uma vez, recebia e identificava os méritos de uma nova artista para além de suas pompas, burocracias, tradições e preconceitos.

Outro exemplo disso será, felizmente, atrelado ao nome de Doja Cat e SZA. Representantes femininas e negras de grande importância no rap, pop e R&B, a dupla dona de um dos maiores sucessos de 2021 se consagrou com a segunda vitória de mulheres em Melhor Performance Pop em Duo/Grupo, desde que a recente categoria foi implementada no Grammy há 10 anos. Queridas sucessoras e companheiras do título alcançado por Lady Gaga e Ariana Grande pela primeira vez em 2021, as vozes de Kiss Me More também venceram seus primeiros Grammys na ocasião, transformando o momento um dos mais especiais da noite com a simpatia e espontaneidade de algumas das artistas mais bem-sucedidas da geração.

E se o assunto são os mais queridos do público e da crítica que finalmente tiveram seu reconhecimento devido no Grammy, 2022 também brilhou o nome de Jack Antonoff. A assinatura do produtor e compositor sempre aparece nos melhores trabalhos da Música pop e alternativa, mas estreou na premiação da Academia bem longe disso em 2013, premiado como Canção do Ano e Artista Revelação junto da banda fun.. Desde então, acumula 17 indicações, dentre as quais a de Álbum do Ano de 2018 por Melodrama, de Lorde, e de 2019 por Norman Fucking Rockwell!, de Lana Del Rey. Sua principal dupla, no entanto, é Taylor Swift, com quem venceu o prêmio máximo de 2017 e 2021 por 1989 e folklore.

Em 2022, seu trabalho incansável ao lado de Clairo, Del Rey e Lorde não teve uma recepção tão positiva na Academia e na crítica, mas trouxe sua vitória na categoria que era sua por direito. A comemoração não foi ao lado de Swift, sua companhia frequente na cerimônia, que sequer compareceu à premiação com sua indicação única para evermore, mas sim com St. Vincent, outra colaboradora frequente de Antonoff, A artista também saiu vencedora da noite, na categoria de Melhor Álbum de Música Alternativa por Daddy’s Home, repetindo a parceria de sucesso que levou o Grammy de Melhor Canção do gênero por Masseduction em 2019.

Já no rock, a predominância indiscutível foi de Foo Fighters, que apesar de vencer as 3 categorias do gênero (Melhor Álbum por Medicine at Midnight, Melhor Canção por Waiting On A War e Melhor Performance por Making a Fire) não compareceu à cerimônia. A banda passa pelo luto do baterista Taylor Hawkins, que faleceu no dia 25 de março. Fenômeno do rock que produziu o trabalho de mais destaque do gênero do último ano, a banda deu conta de suceder as honras de Fiona Apple em 2021 com Fetch the Bolt Cutters, mas se envolveu num cenário não muito bom em meio aos demais indicados da categoria, que vindo de uma igualdade para artistas mulheres indicadas do ano passado, não lembrou de nenhuma roqueira em 2022.

Mas as homenagens devidas foram prestadas, com destaque maior para a performance de Billie Elish. Na companhia fiel de seu irmão FINNEAS (controversamente indicado a Artista Revelação de 2022 depois de vencer tudo o que tinha direito com ela em 2020), a força do pop aproveitou o flerte com o rock manifesto em Happier Than Ever, seu disco mais recente, também honrado pela Academia nas categorias principais assim como foi seu álbum de estreia, para referenciar o trabalho de Hawkins com Foo Fighters. A grande vencedora de 2020 saiu de mãos abanando de 2022, mas sua passagem pela edição sempre será lembrada pela sua tremenda apresentação em que homenageou a estrela do rock.

É por movimentações complexas como essa que o Grammy 2022 surpreendeu as expectativas de uma edição desmotivada, e que a grande vitória da noite teve um brilho e um gosto especial. Afinal, quando o nome mais indicado da noite foi chamado ao palco para receber o prêmio de Álbum do Ano, a cerimônia ganhou um novo significado. Com a grandiosidade de WE ARE, Jon Batiste contrariou as apostas, venceu favoritismos e se transformou no primeiro artista negro a vencer o prêmio em 14 anos, e o 11º na história das 64 edições da premiação.

Em 2022, ele acumulou 11 indicações, das quais venceu 5. O seu desempenho nas nomeações era por si só impressionante, já que mesmo com uma carreira consistente no jazz, soul e R&B norte-americano, havia sido lembrado pela Academia apenas 3 vezes nos últimos 5 anos, bem longe das categorias principais. Mas sua habilidade em conduzir a premiada trilha sonora de Soul colocou o pianista em outro nível de visibilidade, impulsionando o seu oitavo disco nos ouvidos da Academia. 

Numa performance mágica e hipnótica, Jon Batiste parecia prenunciar sua própria vitória. Depois que ele transformou a cerimônia da Academia em uma festa ao som de FREEDOM, nenhuma outra reação foi possível ao artista e ao público quando que ele recebeu seu prêmio máximo: as lágrimas não tiveram espaço em meio à manifestação de alegria do seu mais sincero e brilhante sorriso – e que felicidade é imaginar que essa será a cena do Grammy 2022.

No protagonismo das principais vitórias de 2022, vê-se a necessidade da Academia de ampliar o acesso de artistas mulheres, jovens, não-brancos e fora dos Estados Unidos, e de preparação do público do Grammy, para saber apreciar o triunfo desses artistas ante aos nomes já devidamente considerados pela na premiação. Basta a Academia e seu público enxergarem, através do brilho de sorrisos como os de Jon Batiste, ou da alegria de presenças como a de SZA, ou do poder de personalidades como Jazmine Sullivan, ou da preciosidade do reconhecimento de artistas como Arooj Aftab, a luz que iluminou a 64ª edição da premiação – nada além de um reflexo.

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Ana Júlia Trevisan

Uma história de glamour, cobiça, loucura e morte. Esse foi o subtítulo dado ao livro que inspirou Ridley Scott a dirigir uma das adaptações mais aguardadas do ano: Casa Gucci. A grife italiana, fundada em 1921, é um majestoso império da Moda e uma das marcas mais valiosas do mundo, cujo nome carrega um grande escândalo. Em 27 de março de 1995, Maurizio Gucci, herdeiro da empresa, foi assassinado a mando de sua ex-esposa Patrizia Reggiani. 

Legado e família são os fragmentos mais necessários para entender a estrutura maquiavélica do império Gucci, mas o que chegou aos cinemas em 25 de novembro não se ajusta aos dois poderes. Os direitos para a produção do filme foram comprados em 2006, e de lá pra cá, nomes como Angelina Jolie e Leo DiCaprio foram cotados para os papéis principais. O ano de 2021 finalmente trouxe o filme para as telonas, protagonizado por Lady Gaga e Adam Driver. Mas, para lidar com o longa, é necessário fazer o mesmo processo de periciamento de um delito.

No início da perícia, uma equipe de profissionais entra em cena para desvendar o crime enquanto a polícia assiste do lado de fora. Falar de House of Gucci exige o desmembramento cômodo por cômodo da planta prestes a ser periciada. Para iniciar o trabalho neste ambiente interno, o bom senso é que primeiro seja examinado o local que outros integrantes da equipe precisam usar para atividades pessoais, ou seja, o banheiro.

Banheiro, local em que jogamos o que não presta ralo a baixo. Aqui, infelizmente, se encontra a direção e montagem de Casa Gucci, apenas esperando a descarga ser puxada. O filme apresenta um apelo cômico que não se encaixa com a premissa de glamour, cobiça, loucura e morte. O humor impresso na adaptação do roteiro, escrito por Becky Johnston e Roberto Bentivegna, tira toda carga dramática que Casa Gucci demandava por se tratar de um crime real envolvendo um império multimilionário e que até hoje gera controvérsias. Essa atitude da direção prejudica pelo inesperado e quase desrespeitoso com a temática. As cenas em família italiana são como dar play em Succession e assistir a um stand up dos Roy.

A montagem, responsabilidade de Claire Simpson, é declarada culpada pela perda de ritmo da produção. Desde os primeiros minutos de Casa Gucci é notável a falta de um continuísta que auxilie nos processos de filmagem e edição. Por se tratar de um escândalo não ficcional, os espectadores que fizeram uma pesquisa prévia do caso estão cientes que o longa cobre duas décadas de história. Aos que foram ao cinema às cegas, o filme não deixa pistas da passagem temporal dos anos 70 aos anos 90, muito menos pela armação de óculos de Adam Driver, que se mantém intacta durante toda ascensão e queda da marca.

O texto base para Casa Gucci, que parte do livro de Sara Gay Forden publicado em 2001, é um trabalho jornalístico bem elaborado que introduz todos os pontos da marca. Isso corrobora para o entendimento de ascensão do império Gucci e sua queda ou a tentativa de transformação no Vaticano da Moda. O longa não dispensa essa contextualização, e nem poderia, mas seu desassossego em roteirizar o crime faz com que o legado e família que são essenciais à história não tenham equilíbrio.

Indo para a cozinha da casa, ambiente convidativo e familiar, é possível encontrar duas figuras chaves para o filme: Paolo Gucci e seu pai, Aldo. O primeiro, interpretado por Jared Leto, é o cúmulo do absurdo, e o personagem está em uma órbita que não pertence a House of Gucci. Sua atuação é uma tentativa caricata de extravasar uma energia que não existe no filme. O ator se mostra preso a seu papel de Coringa, ao mesmo tempo que, se Leto tivesse interpretado o excêntrico italiano antes de Esquadrão Suicida, talvez o desastre não tivesse sido tão tenebroso.

Já Al Pacino na pele de Aldo Gucci consegue ser uma das poucas coisas que fazem o ingresso valer a pena. Apesar de suas roupas serem totalmente fora do alto padrão italiano, o personagem cumpre sua sina gananciosa. É em sua figura que o legado e a família, questões primordiais ao roteiro do filme, tomam forma. Do mercenarismo de Patrizia Reggiani à sonegação de impostos da Casa Gucci, tudo que vai além do romântico reflete na atuação natural do eterno Michael Corleone.

O próximo membro da família e chave mestra para o roteiro está em outro cômodo da casa. Ao abrirmos a porta do quarto, encontramos o pacato Maurizio Gucci, filho único de Rodolfo Gucci (esse muito bem dominado por Jeremy Irons) e herdeiro direto do império. Para encontrar Adam Driver nessa narrativa é necessário fazer o uso de luminol no ambiente. Um dos maiores atores de sua geração, Driver parece não caber dentro de Casa Gucci. Seu personagem simpático e bonzinho não tem uma trajetória evolutiva convincente para seus atos dramáticos mais ao fim da produção. A narrativa da vítima tem espaço, pois Driver tem uma atenção magnética oriunda, do contrário, o protagonista se transformaria em coadjuvante.

No segundo quarto é o momento de fazer uma vistoria no assassinato de Maurizio Gucci. Segunda-feira, 27 de março de 1995. É com duas horas e meia de filme que o espaço temporal é delimitado. A partir daqui tudo é tosco, principalmente a câmera lenta de Dariusz Wolski usada no ápice da cena, tirando qualquer adrenalina que o momento poderia causar. A análise nesse cômodo nos leva a fazer mais alguns reparos no laudo de outro crime: de produção. O horário desse delito acontece na passagem do segundo para o terceiro ato, que ao entrar em sua progressão final, decai sem sua peça principal e mais chamativa. O filme não tem a menor salvação depois de uma hora e meia, tendo direito até a sequência de fuga com trilha sonora imitando os Trapalhões.

E, finalmente, chegamos no momento de periciar a sala da casa, lugar social de recepção. É aqui que se encontra a figura central do filme e que dá a ele todos os holofotes. A Patrizia Reggiani de Lady Gaga começa como uma jovem encantada e vai se revelando uma verdadeira manipuladora explosiva. Em 2019, quando Gaga foi indicada ao Oscar de Melhor Atriz por Nasce Uma Estrela, ela estava interpretando um arquétipo conveniente perante sua carreira consolidada como um dos maiores ícones pop. Agora, ela enfrenta um papel fora de sua zona de conforto e faz isso com muita propriedade. Mesmo gastando todo o fôlego para tentar fingir o choro, Patrizia é o pilar que sustenta as quase três horas de Casa Gucci.

A duração do filme não o torna cansativo, entretanto também não faz de House of Gucci uma produção memorável por sua qualidade. A pressa da direção de Ridley Scott em aproveitar o máximo de elementos da obra-mãe deixou pontas soltas por todos os atos e o apego criado na figura de Lady Gaga prejudica o momento em que a escolha é focar em Adam Driver. O ritmo cai sem Patrizia e seu autocentrismo. Sua participação ativa em todos os negócios da Gucci, e seu pensamento à frente para dominar a marca, tiram o forçado protagonismo nos outros membros da família. A partir disso, cada atitude tomada por eles se torna incompleta sem sua figura.

O laudo da perícia aponta os seguintes resultados. Primeiro: a Casa Gucci é mal-assombrada. Segundo: o filme sofreu uma overdose de elementos. O diretor tinha em suas mãos uma história gigante e um elenco maior ainda. Na ânsia de conciliar as duas grandezas, Ridley Scott tira mal proveito de ambos. Os fantasmas da Casa Gucci que vão desde a primeira geração do império, sejam eles pelo sobrenome amaldiçoado que a família carrega ou os mortos que o nome deixou, assombram a produção que soa como uma grande história inacabada.

O plano malévolo de Patrizia, que foi premeditado por anos ao lado de Pina (Salma Hayek), se faz do dia pra noite, e o círculo de legado e família mais uma vez não se fecha. Pouco, ou praticamente nada, é explorado da protagonista depois do crime, mesmo ela sendo conhecida pela alcunha de viúva negra por conta do episódio. Antes mesmo disso, o filme não mostra a ruptura do casal, e segue por difíceis minutos apenas com indícios do divórcio.

Por fim, o maior inimigo de Casa Gucci é seu próprio ego. O filme sofre de uma produção que tem muito a oferecer e acaba se perdendo. Potencial, elenco e direção não são problemas à primeira vista. Mas todos saem culpados desse crime. Não é à toa que até o encosto de Patrizia Reggiani – que está viva, por sinal – decidiu aparecer no set para assombrar Lady Gaga.

Ridley Scott, que também lançou O Último Duelo este ano, faz de Casa Gucci seu cavalo branco para a temporada de premiações. Se o legado de Gucci chegará ao tapete vermelho, apenas os indicados aos prêmios que antecedem o Oscar poderão trazer uma noção. Por livre especulação, acredita-se que Lady Gaga e suas oitenta páginas biográficas levam ao menos a nomeação. A extrapolação do queridinho Jared Leto também deve encontrar espaço nas listas. O maior mérito fica nas categorias técnicas. Já Adam Driver tem sérios riscos de morrer na escadaria tal qual Maurizio Gucci. Será que é isso que a artista chama de empoderamento feminino? Penso que seja apenas a reação ao criminoso Casa Gucci.

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Jho Brunhara

Over The Rainbow, I Will Survive, I’m Coming Out, True Colors, Express Yourself, Beautiful, Firework. Ao longo da história, a comunidade LGBTQIA+ encontrou nas músicas de grandes cantoras o conforto proporcionado por letras sobre esperança, libertação e expressão. Algumas dessas, com uma mensagem quase explícita sobre aceitação direcionada ao público queer, confirmada pelos clipes, onde tinham maior liberdade do que nas letras (que poderiam ser boicotadas pelas rádios). Quando Lady Gaga lançou a faixa Born This Way e colocou a canção para tocar no mundo todo, ela também estava transmitindo o trecho “Não importa se você é gay, hétero ou bi/Lésbica ou transgênero/Eu estou no caminho certo, baby/Eu nasci para sobreviver”.

Dez anos atrás, o mundo já estava avançando em algumas pautas relacionadas à comunidade LGBTQIA+, mas 2011 ainda era 2011. Para uma artista do calibre de Gaga, que estava no auge da carreira como fenômeno pop instantâneo, divertir o mundo com suas investidas bizarras do The Fame Monster era completamente diferente de fazer uma afirmação política tão direta. Mas a intenção deu certo, e, apesar da rejeição por parte de seu público herdado do sucesso de Just Dance, Poker Face e Bad Romance, a artista conseguiu respaldo para seguir com seu projeto mais ambicioso até então.

O disco Born This Way, diferentemente da faixa homônima, abandona o electropop convencional que a cantora ajudou a popularizar nos anos anteriores e cria diversas camadas que difundem a mensagem do LP: encontrar força nas singularidades e estranhezas. Seja através da estética noturna metálica, punk e rebelde; da sonoridade electropop com influências diretas do rock, metal, synthpop, techno e, até mesmo, ópera; da mitologia alienígena análoga ao dualismo cristão; ou das letras sobre identidade, sexualidade, religião e liberdade. Ao longo das faixas, Gaga funde elementos de sua própria história com a narrativa que apresenta ao ouvinte, e, desde Marry The Night, com seus sinos de igreja, convida todos aqueles que precisarem para uma oração.

Naquele momento, suas palavras eram direcionadas aos seus fãs. Para aqueles jovens LGBTQIA+ que não sentiam apoio em casa e buscavam a aceitação, Gaga ergueu uma igreja e abriu as portas para os que procuravam refúgio. Se ofereceu como a figura materna que não encontravam em suas famílias de verdade, e tentou escrever, com base em suas próprias vivências, o que acreditava que aquelas pessoas precisavam ouvir, para se sentirem amadas e livres, para se expressarem do jeito que quisessem. A mesma megalomania que transformou Stefani Germanotta em Lady Gaga fez nascer o Born This Way, enterrando qualquer iconoclastia, consolidando a artista como Mother Monster, e oferecendo um lugar seguro para seus seguidores.

POR DEUS E PELOS GAYS

Muito antes de Born This Way, Gaga (que é bissexual) já declarava seu apoio à comunidade LGBTQIA+, e participou de diversas ações contra a homofobia nos EUA. Sempre trabalhando ao lado de pessoas queer, a cantora usava de sua Haus para dar vida às criações desses artistas. Até mesmo em premiações, foram muitos os discursos em que Gaga agradeceu a “Deus e aos gays”. Foi, inclusive, ao aceitar o prêmio de Vídeo do Ano por Bad Romance, no VMA de 2010, que ela anunciou o álbum Born This Way. 

Utilizando o polêmico e controverso vestido de carne, Gaga usou do figurino para protestar contra o lema “Don’t ask, don’t tell”, revogado apenas em 2011. A política instaurada por Bill Clinton na década de 90 proibia que pessoas abertamente homossexuais ou bissexuais fizessem parte do exército estadunidense, e declarava um movimento de silenciamento com os que já eram militares, impedindo que os indivíduos “saíssem do armário”. Para a artista, que passou pelo tapete vermelho com dispensados do exército americano por sua sexualidade, a roupa feita de carne era um alerta para que as pessoas lutassem antes que tivessem “tantos direitos quanto carne em nossos ossos”.

O primeiro single da era, a faixa-título, saiu em meados de fevereiro de 2011. Com um clipe de mais de sete minutos, dava-se início a narrativa que acompanharia Born This Way até o fim dolorido e antecipado da turnê mundial. Dirigido pelo lendário Nick Knight, o vídeo introduziu a mitologia do álbum a partir do “Manifesto of Mother Monster”, um discurso sobre o nascimento de duas novas raças, uma representando o bem, sem qualquer preconceito, e uma representando o mal. Nesse novo mundo, chamado de G.O.A.T. (Government Owned Alien Territory, em tradução livre, Território Alienígena Comandado pelo Governo), Gaga imprimiu sua teatralidade genial de contar histórias.

A dicotomia do bem e do mal, por mais simples que seja, tinha exatamente a simplicidade como propósito de resgatar a dualidade cristã do céu e do inferno, dos puritanos e dos pecadores. Born This Way se apresenta como um distante apócrifo da Bíblia, com a figura da Mother Monster como uma líder religiosa futurista, e seus ensinamentos como uma tentativa de guiar uma geração que já enxergava em Lady Gaga a figura de um Messias (ou Anticristo) da revolução cultural. 

Não à toa a nova-iorquina se estabeleceu como um camaleão na cultura pop e viciou o mundo em sua identidade visual bizarra. Aqui, seu comprometimento com sua estética atingiu o ápice: Gaga queria se portar como uma alienígena social, desde as jaquetas punk, até a maquiagem pesada preta, roupas de látex e as próteses faciais imitando chifres. Tudo dentro da proposta do Born This Way, encorajar e celebrar o esquisito e o único, através da expressão rebelde contra a norma convencional.

Um ano mais tarde, em 2012, Gaga abriu ainda mais as suas asas, disposta a estabelecer uma conexão direta com os seus fãs. Numa época em que as redes sociais ainda não eram centralizadas nas mãos de Mark Zuckerberg, o site Little Monsters funcionava como um Facebook para os little monsters, seguidores da cantora. Com um milhão de usuários registrados em 2013, a Mother Monster usava o canal para falar diretamente com seus monstrinhos, que utilizavam do espaço para compartilhar memes, artes e desabafar, muitas vezes, sobre homofobia, depressão, ansiedade e, até mesmo, publicar cartas de suicídio. Ativa na plataforma, a artista interagia com os posts e escrevia mensagens para os autores, na tentativa de ajudá-los com os problemas internos e externos, e promover um espaço de apoio, assim como o propósito da Born This Way Foundation, criada por Gaga e sua mãe.

ME ENCONTRE NA CAPELA ELÉTRICA

Com o lançamento do disco, em maio de 2011, não restaram dúvidas do que aquele universo queria ser: uma homenagem à noite e tudo que ela representa para as pessoas LGBTQIA+, que, historicamente, encontraram refúgio sob a luz da lua e na liberdade das boates. Combinar letras sobre sexualidade, identidade, feminismo, pecado, moda, esperança, medo e glória parece uma colcha de retalhos, mas Gaga costura com uma linha metálica e estampa sua jaqueta de couro personalizada com strass e spikes.

Assim como o caos da juventude, Born This Way é um caldeirão de sentimentos sobre quem ser e como se expressar. Como na faixa Hair, em que a artista conversa diretamente com sua adolescência e discursa a favor da singularidade de cada um, que, muitas vezes, encontra o escape através das roupas e do cabelo. “Eu só quero ser eu mesma e quero que vocês me amem por quem eu sou”, canta para seus pais.

A sonoridade dançante do álbum, já utilizada desde antes pela nova-iorquina, é alinhada com o que o gênero pop sempre representou para a comunidade queer, que utilizavam das boates como um espaço de expressão e libertação. “Reze por seus pecados embaixo do globo espelhado da discoteca”. Gaga canta em Electric Chapel, afirmando que o espaço seguro para a purificação dos medos e inseguranças é na pista de dança da Capela Elétrica, onde cada um pode ser quem quiser.

O profano, associado com a liberdade sexual, de gênero e da forma de se expressar, aqui, é subvertido como um ato glorioso, seja com Bloody Mary (uma de suas melhores letras), Heavy Metal Lover (talvez a melhor música da carreira), ou Scheiße (o hino feminista de Gaga que, infelizmente, não foi single). Embalado em um techno gótico, a artista coproduz o disco ao lado de Fernando Garibay, DJ White Shadow e RedOne, e consegue transparecer as intenções do LP através da diversidade de sons, modulações vocais e temas, e, ainda assim, encontrar uma linha para fazer com que aquelas canções pareçam pertencer ao Born This Way e nenhum outro álbum.

Os clipes também ajudam a construir o universo criado pela Mãe Monstro, como a já citada incubadora da raça alienígena sem preconceitos da faixa-título. Judas coloca Gaga como Maria Madalena e reconta o apócrifo bíblico de sua relação com Jesus, em uma analogia ao amor proibido, dualismo entre o bem e o mal, e a má interpretação da figura feminina, subvertendo as ferramentas opressoras da religião. The Edge of Glory evoca a energia de I Will Survive e coloca a cantora para dançar vestida com strass e spikes por uma Nova York iluminada por luzes rosas e roxas (quer algo mais gay que isso?). Em Yoü and I, Gaga apresentou ao mundo seu alter ego drag king, Jo Calderone, que chegou até mesmo a performar no VMA de 2011.

Marry the Night, último single da era, é uma síntese do Born This Way. O curta-metragem, dirigido pela própria artista, reconta sua trajetória antes do início da carreira e cola todas as peças que constituem o álbum. Em entrevista, a nova-iorquina compartilhou relatos sobre abusos sexuais que sofreu quando tinha 19 anos, e, aparentemente, Gaga usou de sua arte para reinterpretar esses eventos no clipe. Esse, que é um dos trabalhos mais pessoais da carreira, e se mostra ainda mais significativo agora, por dividir seus traumas com o mundo para se curar, sonhar com um futuro melhor, e inspirar vítimas de violência a buscar forças e não desistir de viver.

BORN THIS WAY BALL TOUR

Debaixo de holofotes pesados e enfrentando um frio de quase 10 graus negativos, Gaga fez um dos shows mais importantes de sua carreira na noite de 12 de dezembro de 2012, em Moscou, na Rússia. Sob ameaças de ser processada e presa por propaganda gay, a artista, mesmo assim, levou a Born This Way Ball Tour para o gélido país do leste europeu, onde é crime desde o início dos anos 2010 fazer qualquer menção pública pró-pessoas LGBTQIA+. Isso não impediu ela de transmitir a mensagem principal de seu trabalho. Do fundo dos pulmões, a artista e ativista gritou noite adentro, para um estádio lotado, palavras de ordem contra o governo russo: “Eu acredito que tanto homens quanto mulheres merecem amar uns aos outros igualmente. Me prendam, Rússia!”. 

Para promover o disco e levar sua mensagem de aceitação e luta, Gaga saiu em turnê mundial e passou por seis continentes. Expandindo a história contada no clipe de Born This Way, o show deu vida ao universo de G.O.A.T., por meio de um palco em formato de castelo medieval e uma narrativa regada de teatralidade. Foi criada uma área especial na frente da pista premium reservada aos fãs que chegassem mais cedo (chamada de The Monster Pit), que também possibilitava a chance de alguns serem selecionados para conhecer a cantora nos bastidores, de graça.

Todos os elementos da tour foram pensados como uma experiência completa para os espectadores se sentirem integrados na mitologia do Born This Way, materializando o culto que Gaga construiu a cada noite de apresentação. O espetáculo teatral mostrou que a grandiloquência da artista não conhece limites, e, além do gigantesco castelo interativo colorido por diferentes jogos de luz, a mente da Haus colocou no palco seu melhor. Um cavalo mecânico, uma vagina gigante, manequins sobre rodinhas controlados a distância, uma moto em que Gaga deitava em cima e se transformava no híbrido da capa do disco para passear pelo palco, um sofá de carne (de mentira, dessa vez), um rosto suspenso em uma caixa de vidro que conversava com o público, e a lista vai longe.

A Born This Way Ball Tour marca, também, a última vez, até agora, que Gaga performou no Brasil. Passando por três cidades brasileiras em novembro de 2012 (Rio de Janeiro, São Paulo e Porto Alegre), a artista encontrou o maior público na capital paulista, se apresentando para mais de 52 mil pessoas, no Morumbi. Assim como nos outros shows da turnê, alguns fãs brasileiros foram convidados para sentar com Gaga no seu piano-motocicleta, e, no Rio, a artista chegou até mesmo a chorar enquanto conversava com o público. O Rock in Rio pode ter traumatizado os monstrinhos do Brasil, mas a Mãe Monstro, com certeza, leva lembranças inesquecíveis de quando esteve no país, tão eternizadas quanto a tatuagem em sua nuca.

A dedicação sem descanso da performer para com a turnê encerrou a BTWBT com um fim trágico: depois da apresentação em Montreal no dia 11 de fevereiro de 2013, Gaga revelou que estava com uma fratura no quadril desde dezembro, se agravando ao ponto que ela não conseguia mais andar. Todas as datas seguintes foram canceladas para que a artista pudesse passar por cirurgia e iniciar o tratamento.

THIS ALBUM IS FOR Ü

Esse álbum é para vocês. Quando se abre o encarte da versão física do Born This Way, essa é a primeira mensagem que se lê. Declarando um disco inteiro para os fãs, Gaga colheu os frutos de criar uma rede de apoio para seus seguidores, e consolidou o suporte incondicional de seus monstrinhos. Ela sempre soube que, para enfrentar o mundo real, é necessário uma jaqueta de couro simbólica para se proteger da rejeição quando se é diferente.

Em uma nota pessoal, o Born This Way é, provavelmente, o álbum mais importante da minha vida. Aos 11 anos, ouvir de alguém que eu admirava que estava tudo bem ser eu mesmo e que havia beleza no que me fazia diferente dos outros, me deu força para não ceder à autodestruição causada pela homofobia e a pressão de não se encaixar na heteronormatividade. Me fez conhecer outras pessoas que estavam passando pelas mesmas coisas que eu e também encontraram conforto na mensagem do disco, como um dos meus melhores amigos até hoje. Me fez viver um dos dias mais felizes da minha vida no show da turnê em São Paulo. Me fez perceber que eu não estava sozinho, e que poderíamos ajudar uns aos outros.

Born This Way é sim um projeto pensado para os little monsters, mas, antes disso, é um excelente disco pop, impecável em sua construção sonora e estética, e que vai envelhecer como um dos melhores trabalhos de Gaga, se não o melhor. Divisor de águas na carreira, polêmico e arriscado, mas gigantesco em sua ambição e proposta. A igreja de Lady Gaga agora se coordena sozinha, e aqueles jovens de 2011, que ainda carregam o suporte que o álbum possibilitou a eles, encontraram um mundo um pouco mais fácil de sobreviver. É como fechar os olhos e sentir a jaqueta de couro invisível sobre meus ombros.

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