Marcela Jardim

Cinco anos após sua estreia, Julie and the Phantoms permanece como um dos casos mais emblemáticos, e talvez frustrantes, da cultura pop adolescente recente. Cancelada pela Netflix mesmo diante de números expressivos, engajamento orgânico e forte apelo musical, a série se tornou símbolo de uma era em que sucesso nem sempre garante continuidade. O encerramento precoce deixou um rastro de pontas soltas e narrativas que impedem a obra de atingir seu pleno potencial, transformando o carinho do público em uma nostalgia agridoce. Mais do que um seriado interrompido, Julie and the Phantoms virou um luto coletivo compartilhado por seus fãs.

Parte desse impacto vem da força de suas músicas, que extrapolaram a tela e se consolidaram como o maior legado da produção. Canções como Bright, Finally Free, Edge of Great e Stand Tall não funcionam apenas como números musicais isolados, mas como demonstrações de que a banda fictícia tinha uma identidade sonora sólida, coerente e carismática. O entrosamento entre os integrantes fazia cada performance parecer legítima, quase documental, reforçando a ideia de que aquele grupo realmente existia e merecia continuar existindo.

Além disso, outro fator que sustenta a força emocional e estética da obra é a bagagem de Kenny Ortega, diretor que carrega no currículo clássicos formadores de gerações como High School Musical (2006) e Descendentes (2015). Sua experiência em unir narrativa juvenil, música e emoção é evidente em cada escolha, desde a coreografia até a forma como as canções avançam a trama. Ortega aposta em performances intensas, números musicais grandiosos e uma sensibilidade rara ao lidar com temas como luto, pertencimento e identidade.

O sucesso da produção também se traduziu em trajetórias individuais, ainda que de forma desigual. Charlie Gillespie acabou sendo o único do elenco a continuar com certo destaque na indústria do cinema e música, enquanto os demais seguiram caminhos mais discretos. Ainda assim, o vínculo entre os atores permanece forte até hoje, com encontros, interações públicas e declarações de afeto que reforçam a sensação de que Julie and the Phantoms foi mais do que um trabalho passageiro: foi uma experiência formadora, tanto para quem fez quanto para quem assistiu.

No Brasil, a nostalgia ganhou uma camada extra graças à versão nacional, que ajudou a ampliar o alcance do seriado e criou uma relação afetiva ainda mais profunda com o público local. A produção também marcou uma espécie de retorno à estética das séries dos anos 2010, apostando em cores vibrantes, trilhas pop-rock e uma narrativa emocionalmente direta. Esse resgate, longe de soar datado, permitiu que o seriado dialogasse com diferentes gerações, alcançando crianças, adolescentes e adultos em busca de conforto emocional.

Exibida em plena pandemia, Julie and the Phantoms se destacou pela forma sensível com que abordou o luto, sem cair em melodrama excessivo. A série entende a dor da perda como algo contínuo, que não se resolve facilmente, e aposta nas amizades como ferramenta fundamental para atravessar esse processo. A música surge como ponte entre mundos, entre vivos e mortos, entre passado e presente, um conceito que ecoa em outras produções contemporâneas, como Stranger Things (2016), especialmente na associação entre música e alma vista no arco da Maldição do Vecna, por exemplo.

Ainda assim, o cancelamento impediu que relações centrais fossem desenvolvidas com a profundidade necessária. A falta de evolução da dinâmica entre Julie e Luke é particularmente dolorosa, sobretudo diante da química evidente dos dois em Perfect Harmony. O que poderia se tornar um dos romances mais memoráveis da televisão juvenil ficou suspenso no tempo, reforçando a sensação de incompletude que acompanha a série desde seu fim abrupto.

Visualmente, Julie and the Phantoms também deixou sua marca. Os looks maximalistas, cheios de camadas, brilho, estampas e personalidade, se destacaram em uma era dominada pelo minimalismo e acabaram influenciando tendências entre fãs. Essa estética dialogava diretamente com a proposta da produção: celebrar a expressão individual, a emoção exagerada e a intensidade juvenil, valores que também se refletem em suas músicas motivacionais e energéticas, além de referenciar o estilo dos anos 2000.

Por fim, o maior fantasma que assombra Julie and the Phantoms são suas inúmeras perguntas sem resposta. Qual é, afinal, o assunto inacabado de Willie e dos meninos da Sunset Curve? O que explica o fato de Julie conseguir tocá-los após a apresentação no Orpheum? Qual a real conexão deles com a mãe da protagonista? E, talvez a mais intrigante: de onde vêm e até onde vão os poderes de Caleb? Cinco anos depois, essas lacunas infelizmente continuam abertas, transformando a série em um eterno ‘quase’, uma obra que provou sua força, mas foi privada do direito de se concluir.

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Guilherme Machado Leal

Quando chegou às telonas em 2006, High School Musical iniciava – ao lado de Hannah Montana e Zack & Cody: Gêmeos em Ação, séries de 2005 – uma nova era no Disney Channel. Há 20 anos, o amor entre o capitão do time de basquete da escola East High e a aluna recém chegada na cidade de Salt Lake abriu portas para uma trilogia que abordaria o crescimento da juventude, a busca pelos sonhos e o encontro da sua melhor versão. 

Um mesmo ambiente, inúmeros grupos sociais, aulas das mais variadas matérias, tudo isso compõe o cenário escolar do filme. Assim como na cadeia alimentar, cada aluno foi designado a uma função. Se você gosta de esportes, tem duas opções: ser um(a) líder de torcida ou se juntar aos times do colégio. Caso sua vocação seja qualquer tipo de arte, o grupo de teatro é o ideal. E para aqueles que amam as matérias regulares, entrar em sessões de estudos garante a ida para uma faculdade de nome.

É nesse contexto que se encontram os seis personagens principais do longa-metragem dirigido e coreografado por Kenny Ortega. Troy Bolton (Zac Efron) é o homem mais popular do lugar. Semelhante à relação que fãs possuem com jogadores, naquele território quem manda são os Wildcats – o time de basquete. Enquanto isso, Gabriella Montez (Vanessa Hudgens) é a aluna com um desempenho acadêmico perfeito. No entanto, há um universo que foi aberto tanto para a moça quanto para o rapaz: o da música. O primeiro contato entre eles acontece na noite de Ano novo, quando os dois performam Start of Something New, em uma festa antes mesmo das aulas retornarem. A partir disso, um vínculo que se desenvolverá ao longo da trilogia foi criado dentro dos dois.

O número Stick To The Status Quo exemplifica a máxima da obra. Embora tenha um leque de especialidades para os estudantes, entendemos que o East High é um lugar para os alunos serem quem os pais e os amigos gostariam que eles fossem. “Faça aquilo que você sabe” é uma das traduções do título da canção e, se ancorada ao momento em que Ryan (Lucas Grabeel) e Sharpay Evans (Ashley Tisdale) gritam “Temos que colocar as coisas de volta no lugar delas”, percebemos o padrão levado à risca naquele universo. É como se não existisse espaço para se arriscar, mesmo vivendo em um ambiente próprio para o seu desenvolvimento pessoal e profissional.

Assim como no esporte, o mundo dos talentos artísticos também possui competições. Os irmãos Evans estrelam todos os musicais administrados pela Sra. Darbus (Alyson Reed), mas têm o seu reinado ameaçado com a possível inscrição de Troy e Gabriella para a peça de inverno. Muito antes das adaptações de heróis com uma roupagem que ia à direção oposta do maniqueísmo, os ‘vilões’ de High School Musical já tinham suas camadas dissecadas e eram amados justamente pelas imperfeições.

Há quem considere Sharpay invejosa; há quem a veja como um ícone incompreendido. Na produção, o sexteto adota características e opiniões diferentes dos fãs dependendo do ponto de vista analisado. Aqui, os dilemas, as ações e os sonhos dos personagens estão distantes de serem retratados de maneira banal. Na verdade, o anseio pelo futuro e a forma como eles irão chegar até lá são os combustíveis dessa corrida maluca que é o ensino médio. Chad Danforth (Corbin Bleu) e Taylor McKessie (Monique Coleman), assim como os seus amigos, são de mundos diferentes, porém juntos, tentam separar Troy e Gabriella.

No pensamento do aluno médio do East High, as coisas não se misturam. Ao passo que Chad deseja ser um atleta para além das quadras da escola, Taylor tem o foco de se tornar Presidente dos Estados Unidos. A aliança incomum gera questionamentos sobre o papel da dupla enquanto amigos: “Será que eles são tão diferentes dos Evans?”. A possibilidade de escolher, tentar, cair e levantar, assim como em qualquer outra época da vida, é inegociável ao ser humano. Crescer tem dessas: tentamos aqui, conseguimos ali, finalizamos um capítulo e iniciamos outro. Apesar disso, no final, podemos dizer que vivemos. 

Dessa forma, impedir os dois protagonistas de explorarem outras áreas dentro de si mesmos é evidenciar a própria limitação dos personagens ao redor. Em Breaking Free, o dueto do atleta com a estudante, os versos mostram a mudança do casal: agora, eles não têm mais medo. Pelo contrário, batem no peito e entoam no refrão: “Estamos nos libertando!”. Já We’re All in This Together, faixa que encerra o primeiro filme, pontua assertivamente o aprendizado daqueles alunos.

“Eu finalmente entendi (sim, sim)/Que todos os nossos sonhos (uh) não têm limitações” – We’re All in This Together

Após 20 anos, o legado de High School Musical segue memorável e fresco como um vento em um dia quente. As vocações e crises existenciais daqueles seis adolescentes dialogam com aquela geração e com as próximas. Ter obras que te ajudam a ser um jovem em construção é muito especial, mas crescer com as produções dirigidas por Kenny Ortega é melhor ainda. Quem deles seis você é? Não importa! Nessa trilogia, há lugar para todo mundo. Como Troy Bolton, símbolo da intersecção desses dois mundos (o esporte e as artes), disse no discurso de formatura de High School Musical 3: “uma vez um Wildcat, sempre um Wildcat”. Nunca se esqueça, estamos juntos nessa.

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Laura Hirata-Vale

Salém, Dia das Bruxas e uma noite de lua cheia. Nessa receita de poção mágica, faltam somente dois ingredientes para que as irmãs Sanderson voltem à vida: alguém virgem, que acendesse uma vela de chama escura. Na noite de 31 de Outubro de 1993, dentro de um casebre abandonado, Max Dennison (Omri Katz) faz todos os passos do ritual, achando que nada iria acontecer. Dessa forma, as três bruxas retornam do mundo dos mortos, à procura de crianças e adolescentes para devorar. A história de Abracadabra (1993) termina com Winifred (Bette Midler), Sarah (Sarah Jessica  Parker) e Mary Sanderson (Kathy Najimy) virando pó com o raiar do Dia de Todos os Santos, para a alegria dos protagonistas.

Porém, 29 anos depois, uma nova narrativa começa. Abracadabra 2 traz – de forma nostálgica e musical – as bruxas mais comicamente assustadoras de volta. Cheio de feitiços, piadas e risadas maléficas, o segundo longa homenageia o original, tentando superá-lo, mas não conseguindo. Em uma outra noite de Dia das Bruxas, com a lua cheia brilhando no céu, uma vela de chama escura é acendida. Seria isso um acidente? O que as irmãs Sanderson vão aprontar dessa vez?

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Na história inédita, conhecemos Becca (Whitney Peak), uma garota cujo aniversário é o dia de Halloween. Durante uma visita à Loja de Mágica de Salém – a loja-museu instalada no antigo casebre de Winnie, Sarah e Mary –, a adolescente recebe de seu dono um presente, para fazer um pequeno ritual de magia, que é uma de suas tradições da data. Porém, Becca é pega de surpresa, e o mimo – na verdade – é uma vela de chama escura. E, de forma batida, as três bruxas retornam, com sede de poder e vingança: estariam elas atrás da juventude eterna, ou de outra coisa?

Abracadabra 2 é, em sua essência, um filme muito mais leve do que seu irmão mais velho. O longa original trata temas mais obscuros e pesados, como o assassinato de crianças, além do plano de Max, Dani e Vinessa envolver a morte das irmãs Sanderson. Já o segundo trata a amizade, o perigo da ganância e de sempre querer mais, mais e mais. A fotografia da primeira produção – feita por Hiro Narita, responsável pelo mesmo setor em Querida, Encolhi as Crianças (1989) – era analógica, cheia de texturas e com cores queimadas e alaranjadas, vindas diretamente do Outono. Já seu sucessor, que teve esse campo comandado por Elliot Davis, de Crepúsculo (2008), foi gravado com câmeras digitais, que possuem mais profundidade, mas que tiram o aspecto de cor fantasioso, deixando-o mais real. 

Com tons de laranja, vermelho e marrom, o filme captura o meio do Outono de forma caramelada e doce, como a noite de Halloween. Repleto de pessoas fantasiadas como esqueletos, vampiros e – é claro – como o trio de bruxas mais querido dos Estúdios Disney, Abracadabra 2 tem vários pequenos detalhes que nos teletransportam para o ano de 1993. Durante o longa, referências são salpicadas aqui e ali, dando um sabor de nostalgia – e de risadas – para quem assistiu o original anos atrás. Porém, o gosto do caramelo de saudades pode facilmente se tornar enjoativo e até amargo, por mostrar tantos momentos repetidos e recriados, que podem não satisfazer quem tem memórias afetivas do primogênito. 

As ideias de Kenny Ortega são reutilizadas no segundo capítulo, dirigido por Anne Fletcher – de Se Ela Dança, Eu Danço (2006) e A Proposta (2009). No primeiro filme, temos a icônica cena musical de I Put a Spell on You; já na sequência, recebemos uma versão repaginada: a faixa da vez One Way or Another, da banda americana Blondie. Além disso, o longa possui a canção original The Witches Are Back – que traz Elton John como um de seus compositores – que mostra toda a versatilidade e vitalidade das bruxas, recém-ressuscitadas. Por ter ficado novamente nas mãos de John Debney, a trilha sonora manteve seu padrão de qualidade e é um dos pontos altos de Abracadabra 2.

Enquanto o primeiro filme teve sua estreia nos cinemas, Abracadabra 2 foi lançado em 2022 diretamente no Disney+, serviço de streaming da Disney. É por esta razão que o longa pôde entrar na lista de indicados ao Primetime Emmys de 2023, na categoria de Melhor Telefilme. Seus concorrentes são Dolly Parton’s Mountain Magic Christmas, O Predador: A Caçada, Orgulho e Sedução e Weird: The Al Yankovic Story. Além dessa indicação, a produção ainda foi lembrada na categoria de Melhor Trilha Sonora em Minissérie, Antologia ou Telefilme – provando a qualidade contínua de sua música, feita pelo veterano John Debney. 

Por causa do trabalho de Salvador Pérez, Abracadabra 2 também foi indicado a Melhor Figurino de Fantasia/Ficção Científica, mostrando outro ponto de importância do filme. As cores clássicas de cada bruxa – Winnie e seu verde, Mary e o vermelho, Sarah com o roxo – fazem seu retorno em veludos, brilhos e tecidos esvoaçantes. Botas de bico fino, capas, colares de pedrarias e capuzes voltam à moda, principalmente na noite de Halloween. A receita utilizada por Salvador Pérez para a criação do figurino icônico continuou a mesma, dando um conforto e a sensação de normalidade para quem era fã do primeiro longa.

Ao final, as Sanderson lançam um feitiço para engrandecer seus poderes. Porém, como toda magia tem um preço, Winnie acaba pagando com o que era mais importante para ela: suas irmãs. Assim, a bruxa mais maldosa do trio desiste de ser poderosa e vai ao encontro de sua família. Abracadabra 2 segue a mesma receita de seu irmão mais velho – ressuscitar bruxas más por uma noite –, mas não consegue chegar aos pés dele. 

Mesmo usando tantas referências repaginadas – como Winnie voando em uma vassoura, Sarah em um mope e Mary em dois aspiradores de pó robóticos – lembranças afetivas e números musicais bem elaborados, a nova história não se equipara à original, desapontando uma boa parte dos apaixonados pela narrativa. A sequência não consegue segurar o tom de horror infantil, fantástico e cômico  presente em Abracadabra, que é considerado não só como um clássico dos anos 1990, mas também como um período de Halloween. O tão aguardado retorno das Irmãs Sanderson trouxe a nostalgia, porém, não trouxe toda a magia da volta anterior. 

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Anna Clara Leandro Candido 

“You get the best of both worlds,  Chillin’ out, take it slow. Then you rock out the show.” É quase impossível que qualquer um pertencente a geração de crianças dos anos 2000 seja capaz de ler essa frase sem cantá-la. Hoje, produções como essa estão em decadência, sendo substituídas por narrativas que agradam mais as novas gerações que estão chegando e preferem streamings ao bom e velho sofá em frente à TV.

Contudo, uma onda de remakes recentemente começou a trazer séries e filmes de 10-20 anos atrás e adaptá-las a nova realidade onde seu público-alvo se encontra. Julie and The Phantoms é exatamente isso, uma série com os mesmo moldes de Hannah Montana, As Visões da Raven e High School Musical, mas atualizadas para a nova geração de crianças e adolescentes.

Adaptada pela Netflix a nova versão criada pelo streaming não se preocupa com uma produção grandiosa ou plots-twists inovadores. Ela utiliza de uma narrativa e personagens clichês para entreter o novo público, e trazer o sentimento de nostalgia para aqueles que cresceram assistindo esse tipo de produção.

A série conta a história de Julie (Madison Reyes), uma garota apaixonada por música e muito talentosa que, por conta da morte da mãe, não consegue mais tocar ou cantar. Um dia ela coloca o CD antigo de uma banda dos anos 90 chamada Sunset Curve para tocar em sua garagem/estúdio e três fantasmas aparecem para ela.

Alex (Owen Patrick), Reggie (Jeremy Shada) e Luke (Charlie Gillispie), os integrantes da banda, estavam quase alcançando a fama quando morrem por comer um cachorro quente estragado. Os personagens começam a se entender e descobrem que quando cantam com Julie, as pessoas vivas podem ver e escutar os meninos. Eles então decidem montar uma banda juntos.

Essa história é, na verdade, uma adaptação do seriado brasileiro Julie e Os Fantasmas, produzindo pela Band e a Nickelodeon entre 2011 e 2012. A base narrativa das duas produções é a mesma, mas apenas isso. A versão estadunidense mudou vários pontos para melhor adaptá-la ao novo público de crianças que assistem a série . Enquanto a produção brasileira, protagonizada por Mariana Lessa, focou no triângulo amoroso que foi criado entre os personagens, a da Netflix possui como foco principal as músicas e coreografia.

Não por menos, já que o diretor de Julie and The Phantoms é Kenny Ortega, responsável também pela produção de High School Musical e de Os Descendentes, dois musicais bem aclamados pelos público infanto-juvenil, tanto o atual quanto o antigo. O produtor, além de ter uma marca registrada e experiência com musicais, sabe amarrar narrativa e música de uma maneira que agrada e envolve o espectador.

Com um diretor mais do que envolvido em musicais, era de se esperar uma certa qualidade na produção das músicas e coreografias da série. Há uma grande variedade de ritmos e estilos que marcam não só a narrativa mas também os personagens que as cantam. A banda Sunset Curve é bem puxada para o rock, mas quando eles estão com Julie o som fica mais para o pop-rock.

O fato da série se valer da banda para justificar toda a música e dança traz um tom mais realístico e fácil de aceitar. Diferente de muitos musicais que utilizam das letras e melodias para narrar a história, tornando-se incômodo para alguns espectadores que não são muito fãs desse estilo. As coreografias e fotografia também são muito bem trabalhadas e bonitas de se ver, valendo o destaque para o número musical do vilão Caleb, que protagoniza um show no estilo cassino de Las Vegas.

O antagonista também merece ser destacado por sua presença na série e atuação. Cheyenne Jackson, o ator que dá vida a Caleb, é um típico vilão no maior estilo Disney Clássica possível. Cheio de carisma, risadas maléficas e planos diabólico, o personagem é responsável por dificultar o vida dos meninos e trazer um pouco mais do lado fantasmagórico do trama.

Além das músicas cativantes, outro ponto positivo que o remake traz é a representatividade. Enquanto o elenco brasileiro da série é majoritariamente branco, a atriz principal escolhida por Ortega, Madison Reyes, é latino-americana, assim como a família da personagem na série. Já Alex, o baterista, é abertamente homossexual e possuí seu próprio plot e interesse amoroso com Willie (Booboo Stewart). Ainda há uma relutância da série em aprofundar as demonstrações de afeto entre os personagens, mas espera-se que isso evolua com o passar da produção.

Julie and the Phantoms é uma produção feita visando um público infantil de no máximo 12 anos, ou seja, o plot, roteiro e direção não são complexos nem inovadores. Se forçada a ser qualquer coisa além disso, as qualidades que a série possuí irão decair, e os defeitos de uma narrativa infantil serão acentuados. Pois é praticamente impossível querer dar um sentido realista a uma narrativa onde a banda da garota é composta por três fantasmas, que só aparecem quando eles cantam juntos e ela fala para o público que são hologramas.

No entanto, a série é uma grande conquista para o público juvenil que não pôde ter o prazer de pegar seu prato do almoço ou jantar, sentar no sofá em frente à televisão e assistir As Visões da Raven, Zack & Cody: Gêmeos em Ação ou Rebeldes. A nova geração hoje assiste aos filmes e seriados a hora que quiserem através das plataformas de streaming, uma realidade que os produtores originais de Julie e Os Fantasmas nem sonhavam na época.

Portanto, é importante que os antigos modelos dos seriados de sucesso sejam readaptados e atualizados, com representatividade e assuntos sociais importantes a serem discutidos, sem perder sua essência. Pois, além de proporcionar um entretenimento às crianças e adolescentes dessa nova geração, traz aos espectadores das produções originais um sentimento nostálgico e uma oportunidade de se distrair do cotidiano adulto. Julie and The Phantoms é o melhor, não só de dois mundos, mas também de duas gerações, possuindo ainda muito potencial e espaço para melhorar.

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