Giovanna Freisinger

Um bar fuleiro, na fronteira de uma remota cidade mineradora no deserto australiano, com a população majoritariamente masculina. Essa é a ambientação de The Royal Hotel. Não tem espíritos possessivos nem psicopatas mascarados, mas é um cenário para um filme de terror tão assustador quanto, senão mais. Pergunte a qualquer mulher. A diretora Kitty Green aperfeiçoa o pesadelo feminino, comunicando eficientemente a sensação de ser observada como um pedaço de carne fresca, em meio a predadores famintos. O suspense se constrói sobre aquilo que é desconfortável, sinistro e, assustadoramente, familiar. 

“Vocês terão que estar ok com um pouco de atenção masculina”. As personagens de Julia Garner e Jessica Henwick são avisadas antes de seguir para o local do seu emprego de férias, após o dinheiro das amigas acabar no meio do seu mochilão pela Austrália. Lá, elas se veem diante do que é verdade para muitas mulheres em ambientes de trabalho: são forçadas a engolir seco e escutar as piadas machistas, os assédios e insinuações, os olhares e o comportamento bêbado desagradável. Elas são orientadas a sorrir mais, para não afastar os clientes. Green constrói representações fiéis das micro-agressões que acompanham a opressão estrutural e cultural.

Sabemos muito pouco sobre a dupla central. Elas comentam que procuraram o lugar mais afastado possível de onde vieram, mentem ser do Canadá e parecem querer deixar algo para trás. O roteiro de Green e Oscar Redding não oferece uma janela para as motivações e intenções das protagonistas, ao invés disso, elas servem como avatares para a experiência feminina generalizada. Apesar desse elemento empobrecer o enredo, dificultando a conexão do público com as personagens, Garner e Henwick entregam performances sinceras e intensas, que ajudam a adicionar a profundidade que falta aos papéis.

O Royal Hotel, como é chamado o bar, tem seus fregueses habituais. A cada cerveja que as garotas servem sobre a bancada, presenciamos as interações sempre um pouco incômodas. A paisagem da porta para fora é um horizonte vasto que parece infinito, mas lá dentro o ar é claustrofóbico. A câmera espelha a perspectiva de Hanna durante toda a trama, colocando o espectador no mesmo estado mental de constante alerta da personagem, necessário para se manter segura. A atmosfera indica perigo, mas tudo parece normal. Ela é levada a questionar o tempo inteiro se está exagerando, ou imaginando coisas onde não tem. 

A progressão do desconforto ao medo e, eventualmente, à violência é realizada com maestria. A tensão vai aumentando conforme fica mais certo que algo ruim está prestes a acontecer. As garotas se veem cada vez mais sozinhas, contra a cidade, contra o sistema, contra a cultura. O filme subverte o terror, mas sabe brincar com os seus elementos. Caminhando para a conclusão, a direção de Green e a cinematografia de Michael Latham incorporam mais recursos clássicos do gênero.

Toda a construção da narrativa em torno do gradual acúmulo de tensão pede uma resolução que finalmente compense isso. Porém, o que recebemos é um sentimento frustrado de: é isso? O filme não entrega o final catártico que antecipa, nem se compromete com a decepção intencional de uma dura mensagem pessimista – à la Bela Vingança. A última cena é o cerne da obra e é tão deslocada do restante que é quase cômica. 

Nesse caso, o desfecho compromete todo o enredo. É como se caminhássemos com aquelas personagens durante toda a duração de The Royal Hotel, para não chegarmos a lugar nenhum. É evidente que Green tem o que dizer. A diretora faz um comentário pertinente sobre a vivência feminina e a cultura do estupro, mas, ao final de tudo, falta coesão narrativa que justifique o tempo de uma hora e meia para passar essa mensagem. 

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Mariana Chagas

Até onde o amor é capaz de levar alguém? Alguns saem do avião em direção ao trabalho dos sonhos para ir atrás de seu amado, como Rachel em Friends. Na fantasia de Sarah J. Maas, o amor motiva Feyre a subir a montanha e encarar sua maior inimiga. Em Romeu e Julieta, ele guia o encontro do casal com a morte. E, no filme Amor e Monstros, esse sentimento que é tão confuso, mágico e poderoso leva Joel Dawson a encarar um mundo pós-apocalíptico e seres gigantes, apenas para tentar achar a garota que ele ama.

Não é a primeira vez – e muito menos a última – que o fim do mundo é utilizado como plot para obras cinematográficas. Love & Monsters, porém, escolhe seguir um caminho diferente e usar a tragédia de uma forma cômica. O famoso ‘é melhor rir para não chorar’. E mesmo com as partes tensas e tristes, a maioria das cenas garantem que o público, antes de tudo, se divirta assistindo. E é por isso que a escolha de ter Dylan O’Brien como protagonista foi tão perspicaz.

O ator norte-americano ganhou destaque em Teen Wolf. O seu papel foi tão querido que, mesmo sendo um personagem secundário, ele era, e ainda é, o mais amado da série. Isso porque a naturalidade de Dylan em fazer cenas engraçadas torna impossível de não rir quando ele aparece nas telas. E tal habilidade era necessária para quem quer que fosse dar vida a Joel Dawson. Sem plots muito inovadores, quem prende o público durante os 109 minutos da história é o fofo do protagonista.

Logo no começo, dá pra perceber que o nosso herói não é muito bem um herói, pelo menos inicialmente. Dentro do seu grupo, suas atividades se resumem a cozinhar. E é isso. Joel é medroso e não tem jeito com armas, nem nada que possa realmente ajudar na segurança da casa improvisada deles. Mas ele tem algo que, talvez, seja ainda mais importante do que tudo isso: um motivo. Sua namorada, por quem ele se apaixonou antes do fim do mundo, continuou em seus pensamentos mesmo tantos anos depois. E em um súbito momento de coragem – ou talvez loucura – ele decide que irá percorrer os 130Km que o separam dela. Sozinho.

Os parceiros de Joel não acreditam de primeira, mas quando percebem que o garoto não está de brincadeira, se despedem com uma certeza de que ele não iria voltar vivo. Afinal, como ele poderia em um mundo tomado por criaturas mortais? Mas nada disso impede o protagonista. Então, mesmo sem ter noção nenhuma do que está fazendo, ele começa sua jornada. A forma confusa, porém firme, com que Joel segue seu caminho é adoravelmente boba e super fofa. Então torcemos para que dê certo, mesmo com as probabilidades altíssimas de dar tudo muito, muito errado.

Em um dos momentos iniciais de Amor e Monstros já temos o primeiro embate do jovem com um monstro. E quando ele é salvo por um aliado improvável, conhecemos quem viria a se tornar um dos personagens principais: Boy. Ainda que seu nome signifique garoto, Boy é um cachorro. O animal parece ter uma instantânea conexão com o protagonista, e se junta a ele em sua aventura. Os momentos mais emocionantes da obra acontecem, na verdade, por conta dessa relação. Toda vez que eles se separam ou correm perigo, o abraço que dão ao se reencontrarem vivos é de deixar os olhos lacrimejando. Mais do que nunca, o cachorro é, de fato, o melhor amigo do homem.

Além de Boy, Clyde Dutton (Michael Rooker) e  Minnow (Ariana Greenblatt) aparecem como parceiros de viagem de Joel. O caçador experiente e a garotinha corajosa são uma dupla apaixonante. Eles zombam da falta de habilidade do protagonista, mas o ajudam a aprender como sobreviver entre os diversos perigos do mundo pós-apocalíptico. E entre as noites mal dormidas, fuga de monstros e provocações entre os personagens, nasce uma amizade bela e verdadeira entre os quatro aventureiros. No meio de todas as lições que Joel aprendeu com seus novos companheiros, talvez a mais valiosa seja a importância de ter alguém para lhe dar a mão em um momento de vulnerabilidade. Clyde e Minnow são, no final das contas, os heróis do nosso herói.

Dos mesmos produtores de Stranger Things, Shawn Levy e Dan Cohen, o filme tem cenas que seguem o mesmo estilo da série da Netflix. Quando a iluminação fica mais fria e vem o silêncio típico que antecipa um momento de susto, em algum lugar no meio de toda tensão surge um comentário ou acontecimento que traz alívio cômico. Por mais clichê que seja, há algo delicioso nessa combinação de medo e risada que Amor e Monstros traz diversas vezes durante o percurso.

Os efeitos visuais são outro elemento que garantiram a qualidade do longa. Sendo os monstros uma parte primordial da história, era necessário que fizessem justiça ao seu papel de destruidores da população. E graças ao projeto admirável da equipe de 145 pessoas que trabalhou no filme, ele foi indicado ao Oscar 2021 na categoria de Melhores Efeitos Visuais, disputando o prêmio com grandes nomes da indústria cinematográfica de 2020, como Tenet e O Céu da Meia-Noite. Tal indicação em Best Visual Effects foi motivo de comemoração para os fãs de Dylan O’Brien, que subiram no Twitter a hashtag PROUD OF DYLAN para celebrar.

E depois de toda a luta de Joel, ele é compensado quando finalmente encontra o seu destino. Os últimos minutos do filme dirigido por Michael Matthews são um tanto corridos e por vezes até confusos, mas é no meio da bagunça que é possível ver a evolução do jovem. Se ele começou como um personagem inocente e um até mesmo tolo, a sua decisão que serviu como estopim para a aventura o transformou em um verdadeiro herói. Não tem como negar que o garoto é valente e mereceu completamente o seu lugar como protagonista.

Na obra dos roteiristas Brian Duffield e Matthew Robinson, Joel aprendeu diversas lições durante seu caminho, e no final ele ensina uma também. Para todos os sobreviventes, ele passa um recado: vale a pena se arriscar. Que não precisam deixar de ter medo, mas conseguirem superar este sentimento e saírem de seus esconderijos para viver no mundo tão belo e vasto que existe do lado de fora. A mensagem, apesar de passada na ficção, serve para todos que assistirem o filme. Cada um tem seus terrores dos quais se escondem, mas o que nos espera do outro lado sempre valerá a pena. Até mesmo em um mundo de amor e monstros.

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