Vitória Gomez

12 jurados participam de um julgamento relativamente simples nos Estados Unidos. Um funcionário versus uma empregadora que o acusa de destruir o patrimônio de sua empresa. Por lá, o júri é formado apenas por civis e é dever constitucional de cada um comparecer quando for convocado – então por que não filmar o processo? É assim que Ronald Gladden acaba entre o grupo de 12 pessoas da vez, com a promessa de participar de um documentário sobre esse rito da justiça no país. O que ele não sabe é que ele é o único que está lá com esse propósito: todo o resto, incluindo os outros 11 jurados, os agentes federais, o juiz, a acusadora e até o réu são uma mera armação para emboscá-lo nas situações mais constrangedoras possíveis.

Jury Duty já deixa o público ciente da grande pegadinha acontecendo ali desde o primeiro momento. Apesar de algo realmente estar sendo gravado naquela corte, não é nada parecido com um documentário. No entanto, ao invés de se escorar em um mero programa de chacotas que caçoa do protagonista desavisado, a série cresce justamente por causa da humanidade de Ronald. No estilo mockumentary, a estrela da produção (que sequer sabe que é o centro das atenções) encara o dia a dia do julgamento com a certeza de que tudo está sendo registrado, mas ignorante às reais intenções das câmeras.

Os mockumentaries não são uma novidade no ramo da comédia. O falso documentário já é conhecido de grandes produções, como The Office, Modern Family e What We Do in the Shadows, e mostram como a presença escancarada de uma câmera, a falsa sensação de participação e a dinâmica de depoimentos pode envolver o espectador e fazê-lo adentrar uma realidade. Em um cenário tão rígido como o julgamento de um crime, então, a risada é certa. 

Diferentemente das produções anteriores, que tinham no jogo de montagem e nas sacadas cômicas o seu auge, o trunfo de Na Mira do Júri (na versão traduzida) é seu protagonista. Ronald Gladden viu o anúncio da vaga para o documentário em um site de classificados e aceitou a proposta. Afinal, bastava participar de um julgamento simples e dar seu depoimento do processo. Com um elenco escolhido a dedo para viver personagens assumidamente caricatos, o charme dos episódios vem do contraste entre a naturalidade de Ron e as personalidades escrachadas de seus companheiros de júri, que não deixam dúvidas de que tudo aquilo é roteirizado para se tornar uma grande piada.

Os pés no chão de Gladden é que conquistam. Situações que poderiam rapidamente dar errado e se tornar odiosas de assistir viram um poço de doçura – e ainda mais comédia – graças às reações do jurado. Todd (David Brown), por exemplo, é um nerd obcecado por invenções e insiste em apresentá-las na hora errada, como levar uma cadeira vestível ao tribunal. Apesar dos olhares e risadas desconfortáveis de Ron e do resto da equipe de atores, o protagonista opta por acolhê-lo e incentivá-lo em suas criações sempre que possível.

Sem pesar a mão, o roteiro escrito a múltiplas mãos fabrica situações absurdas, certos de que Gladden fará jus à expectativa. Não por menos, o trabalho foi digno da indicação à categoria de Melhor Roteiro em Série de Comédia no Emmy – nesse caso, especificamente pelo episódio Ineffective Assistance, escrito por Mekki Leeper, que também atua na obra. A condução conta com a bondade, sabendo que Ron não caçoará de Noah (Leeper) quando o jovem entra em negação sobre estar sendo traído e o ajuda a lidar com Jeannie (Edy Modica), uma colega jurada que dá em cima dele; acalma Ken (Ron Song) sobre um dívida de jogo na casa dos milhares; e aconselha Ross (Ross Kimball) sobre seu divórcio. Mesmo que nada disso seja real, o personagem não sabe disso.

Alguns dos melhores momentos dos oitos episódios acontecem entre o protagonista e James Marsden – que, inclusive, foi mencionado na categoria de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia do Oscar da TV ao interpretar ele mesmo. Quando a celebridade entra em cena (a princípio sem ser reconhecido) e é convocado para participar como jurado reserva, apesar das tentativas falhas de usar a fama para livrá-lo do dever, ele se mostra egocêntrico e desesperado por atenção. Desde momentos naturais, como Ron perguntando se ele havia atuado nos filmes de X-Men e lembrando que o live-action de Sonic não foi dos melhores, até os mais roteirizados, como o jurado tendo que levar a culpa por um vaso entupido do ator, as interações mostram dois personagens extremamente opostos e que rendem as reações mais improváveis em todos os capítulos.

É também no aprofundamento das relações de Gladden com o restante do elenco de atores que ele deixa de ser unilateral. Não é surpresa que reality shows se formam na base da colagem de filmagens, recortando momentos indesejados e priorizando os que servem ao propósito do produto final. Mesmo que a desconfiança não deixe de existir em Jury Duty – o que não foi mostrado? Ron realmente não sabia que tudo era armado? -, a série se dedica aos momentos em que a estrela da produção quebra expectativas, revela seus reais pensamentos acerca dos colegas (inclusive Marsden) e admite fraqueza diante da posição de liderança na qual foi colocado. Unidos, as peças que compõem o tabuleiro de Na Mira do Júri foram reconhecidos na indicação como Melhor Elenco em Série de Comédia no Emmys.

E para não deixar dúvidas acerca dos seus méritos e sanar a curiosidade daqueles que duvidam da veracidade das pegadinhas, o episódio final, The Veredict, mostra como Na Mira do Júri confeccionou o que vemos em cena. O posicionamento de câmeras milimetricamente ensaiado, as improvisações do elenco e as reações dos próprios atores quando algo dá errado provam que a comédia vem justamente da imprevisibilidade das situações cotidianas. Repetidamente, a série prova desse inusitado.

Se a ganância dos streamings pode tirar a essência da produção com uma continuação, a primeira temporada de Jury Duty surge como um respiro de originalidade. A série também foi reconhecida no Emmy na categoria de Melhor Série de Comédia, uma das mais notáveis da TV, e deve rezar por um milagre se quiser levar a melhor. Ainda assim, entre os oito nomes da modalidade este ano, o mockumentary conquista pelo inusitado e pela singularidade de seu protagonista, mostra que, se os realities shows não passam de uma grande mentira, essa é a mais engraçada delas.

O post Reality shows são uma mentira – e Jury Duty é uma muito engraçada apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Borges

Considerada uma das melhores séries de comédia produzidas pela Netflix, Disque Amiga para Matar conta com humor perverso em meio a ironia, exageros e muita sinceridade. O enredo do seriado é centrado na história de Jen Harding – papel interpretado por Christina Applegate – que perdeu o marido em um trágico acidente de carro e que, em meio a tanta desordem, conhece Judy Hale (Linda Cardellini), uma simples mulher que guarda segredos sombrios a respeito de seu passado.

Ao longo da primeira temporada, a série criada por Liz Feldman apresenta a trama da vida de Jen lidando com seu pós-luto. Na esperança de passar por esse momento da forma menos dolorosa possível, ela entra para um grupo de apoio no qual conhece Judy, a nova colega. Na medida em que a poderosa amizade entre as duas floresce, os segredos de Hale começam a transparecer e é revelado que ela não era quem fingia ser esse tempo todo. 

Com direito a boas taças de vinho em frente a piscina, a segunda temporada de Dead to Me entregou muito drama acumulado, principalmente após Judy descobrir que seu ex-noivo, Steve Wood (James Marsden), foi assassinado. Entre piadas desbocadas e corpos enterrados na floresta, o desenrolar dos episódios da segunda etapa apresenta a dupla de amigas correndo contra o tempo para despistar todas as provas criminais de que elas haviam cometido um delito. Porém, os pequenos detalhes deixados para trás são considerados como a cereja do bolo para o seriado se arrastar novamente para uma próxima temporada e colocar as personagens no meio de uma grande bomba-relógio prestes a explodir.

Com um adeus agridoce e ambíguo, a terceira e última temporada de Disque Amiga para Matar encerra o ciclo do seriado de forma comovente e inevitável. O enredo, agora centrado na luta pela vida de Judy, desloca o foco dos crimes para a dolorosa jornada da amizade diante da adversidade. Ao mesmo tempo, Jen também se encontra envolvida em uma teia de circunstâncias delicadas, enfrentando as complexidades inesperadas da vida e da maternidade.

A despedida repentina da série ocorreu em um ritmo inesperado, quando Christina Applegate, durante as filmagens, surpreendeu ao divulgar publicamente seu diagnóstico de esclerose múltipla, lançando uma sombra inesperada sobre o destino da talentosa atriz. No papel de Jen Harding, Applegate se despediu da trama e das telas da TV, e afirmou que o sentimento de adeus é uma das coisas mais difíceis para ela.

A julgar pela narrativa construída nos dez últimos episódios, a produção mantém seu nível de excelência, mas também entrega reviravoltas que deixam o público ansioso por cada novo desdobramento. O drama emocional da temporada final se encerra com uma proposta totalmente diferente do esperado pelos espectadores. No entanto, como nem tudo é perfeito, alguns podem argumentar que certas reviravoltas são previsíveis. À medida que o seriado explora a complexidade das personagens, a obra carece de conclusões e parece perder seu verdadeiro rumo por revelar nuances surpreendentes que acrescentam mais camadas à narrativa original da trama. Os capítulos finais ainda trazem à tona eventos passados que giravam em torno da morte de Ted e de Steve, afinal, ambas as protagonistas têm sua parcela de culpa nos fatídicos acontecimentos.

O final trágico de Judy Hale deixa claro que Dead to Me retoma o ponto principal: expor a dor compartilhada que une a dupla de amigas. Contudo, o desfecho nada feliz para a personagem apresenta uma grande evolução dela durante as três partes da obra, já que estava disposta a se redimir com sua melhor amiga por erros cometidos no passado. Assim, a terceira temporada caracteriza-se como uma espécie de redenção das protagonistas, especialmente para Jen, que finalmente entende o que Judy quis dizer quando ela havia prometido estar sempre por perto – em especial nos momentos dolorosos do luto.

A habilidade da trama em abordar questões profundas como luto, redenção e arrependimento atingiu seu ápice na última temporada. Presumir que as subtramas da série estão entrelaçadas de maneira magistral contribui para um enredo coeso e deixa um tributo à qualidade excepcional que a produção manteve ao longo de sua jornada. Além disso, a química palpável entre Christina Applegate e Linda Cardellini, que também desempenham papéis como produtoras-executivas, acrescentou uma dimensão extra à narrativa, solidificando uma influência notável no processo criativo da parte final.

As atuações da dupla tiram de letra o humor ácido e descrevem perfeitamente o bom relacionamento entre as personagens. Não é à toa que a obra já foi indicada a seis Emmys, – o famoso Oscar da TV –  incluindo como Melhor Série de Comédia. Ao todo, o seriado já recebeu cerca de 70 indicações nas mais variadas premiações televisivas, como o Globo de Ouro e o Writers Guild Awards – premiação organizada pela Associação de Escritores da América para prestigiar roteiristas.

Em 2023, Christina Applegate está concorrendo novamente na categoria de Melhor Atriz em Série de Comédia. Ela disputa ao lado das atrizes Jenna Ortega (Wandinha), Natasha Lyonne (Poker Face), Quinta Brunson (Abbott Elementary), e Rachel Brosnahan (Maravilhosa Sra. Maisel). É tangível acrescentar que a intérprete já chegou a concorrer na mesma modalidade com sua colega de cena, Linda Cardellini, em 2020. Embora ela não esteja entre as favoritas para vencer o prêmio este ano, os fãs estão esperançosos pela vitória – principalmente por se tratar de seu último papel interpretado nas telas.

Acompanhar a cômica jornada de Jen e Judy durante a última temporada mostra que as emoções são como uma tempestade calma no olho de um furacão. O momento de despedida das personagens apresenta uma conclusão digna de um seriado que sabe misturar equilibradamente a comédia e o drama com o uso perspicaz de diálogos afiados e situações inesperadas. A fase final da série mantém a audiência do público muito bem envolvida e proporciona um toque humano genuíno ao enredo – que encerra sua narrativa de maneira memorável.

No mais, Disque Amiga para Matar é uma daquelas produções que te prende do início ao fim. O vínculo improvável da amizade das protagonistas é o que cativa a aventura sem sentido. Se a história dessas duas amigas parece um tanto louca é por que foi pensada para ser exatamente assim, e a forma transparente que o seriado propôs seus momentos finais em meio ao caos de acontecimentos mostra o amadurecimento e o impacto duradouro na história de Jen Harding e Judy Hale. Afinal, se você precisar de ajuda, é só discar para sua amiga te ajudar a matar.

O post O drama cômico da terceira temporada de Disque Amiga para Matar realmente é de matar apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Ana Nóbrega

Em 2020, a maior parte do público não esperava muito de Sonic – O Filme. Afinal, o longa já havia passado por um baita de um rebuliço ao liberar o seu trailer e não agradar nada os fãs com o design “diferente” do ouriço azul mais conhecido do mundo. No entanto, o filme – que praticamente encerrou o funcionamento de cinemas no início da pandemia – ganhou o coração da audiência com um bom redesign e uma ótima trama. Desta forma, sua sequência não poderia ser diferente.  

Sonic 2 – O Filme, dirigido por Jeff Fowler, chegou aos cinemas dois anos, e uma pandemia, depois do primeiro longa-metragem, e conseguiu trazer a fórmula de sequências do MCU direto para as adaptações de games. Desta vez, muito mais focado no desenvolvimento do universo do Sonic (Ben Schwartz), do que no planeta Terra. Assim, a produção entrega para seus espectadores tudo que há de bom no mundo dos jogos, a animação, o enredo, o plot line e as referências.

A trama começa algum tempo depois de Sonic derrotar Robotnik (Jim Carrey), e enviá-lo direto para o planeta dos cogumelos. Enquanto Tom (James Marsden) e Maddie Wachowski (Tika Sumpter) viajam para o Havaí para prestigiar o casamento de Rachel (Natasha Rothwell), irmã de Maddie, o Doutor Robotnik cruza novamente o caminho de Sonic. Ainda depois de escapar do planeta cogumelo com a ajuda de Knuckles (Idris Elba), o equidna vermelho que busca pela esmeralda mestre.

Logo, o ouriço azul também precisa entrar em uma viagem cheia de aventuras para encontrar a esmeralda, e impedir que ela acabe nas mãos do cientista maluco. Para isso, ele conta com a ajuda de Tails (Colleen O’Shaughnessey), a raposa amarela de cauda dupla mais famosa do mundo dos videogames, que veio para a Terra apenas para alertar Sonic sobre Knuckles. Quando Tails entra em cena, o filme se torna uma animação realista quase que perfeita, vista pela última vez apenas quando Hollywood lançou a adaptação de Smurfs. Deste momento em diante, os atores que interpretam seres humanos se tornam meros coadjuvantes em uma trama enemies to friends (inimigos para amigos), com um quê de “a amizade é mágica”, entre um equidna, um ouriço e uma raposa extraterrestre.

O segundo Sonic se dedica em explicar as origens do ouriço azul e as complexidades de seu universo. Com o desenrolar da trama, o telespectador consegue aprender mais sobre a importância dos poderes do personagem. Além de desenvolver melhor a razão pela qual ele é perseguido por Knuckles, e a sua relação com a coruja Garra Longa, que o criou como um filho e o enviou para a Terra em uma tentativa de fuga.

Apesar das adaptações de videogames serem conhecidas por seu fracasso entre os fãs e o público geral, como Super Mario Bros.(1993) e Assassin’s Creed (2016), Sonic the Hedgehog 2 continua o legado de seu filme antecessor, só que ainda melhor. Isso porque ele agrada os fãs, trazendo referências e plots da história original, ao mesmo tempo que dialoga com o público geral, utilizando de tramas diferentes, como, por exemplo, a relação do Sonic com o mundo humano e o planeta de onde veio. Ou seja, ele consegue equilibrar ambos os lados, sem precisar fugir totalmente do enredo do jogo. 

A mistura de realidade com animação consegue atrair não apenas os adultos, como as crianças e os fãs da trama de jogos. Mesmo que — se você prestar bastante atenção — a atuação dos humanos com os personagens animados não seja tão boa, a produção do longa se dedica em fazer tudo parecer o mais natural possível. Desde a relação paternal entre Tom e Sonic, até o acordo de interesses entre o equidna vermelho e o Doutor Robotnik. Em alguns momentos optando por manter esses dois núcleos separados, em prol da qualidade do filme.

É perceptível a preocupação dos roteiristas, Patrick Casey, Josh Miller e John Whittington, em agradar não apenas o público geral, como também os fãs do game. Afinal, as referências são facilmente encontradas por aqueles que conhecem e admiram o jogo desde a infância, e a trama é absorvida com facilidade por quem nunca ouviu falar da história original. Outro fator que faz com que a obra não seja voltada apenas para um grupo de espectadores específico, já que tudo é feito com sutileza. 

Um dos erros que mais chamam atenção no longa-metragem são os cortes secos que transitam de uma cena para outra. Em boa parte da produção, principalmente mais perto do fim, as cenas não alternam de maneira fluída, e sim com cortes bruscos. Essa mudança repentina faz com que o público se questione como o cenário se modificou de maneira tão rápida, e tira a fluidez da produção visual. Esse fator aponta que, apesar de ser uma adaptação promissora e bem desenvolvida, a saga de Sonic ainda não saiu do patamar de filmes da “Sessão da Tarde”. Sonic 2 está mais para segunda opção, do que uma atração principal nos cinemas. Característica que é reforçada quando a trama se revela uma surpresa para o seu público, que já chegou às salas com baixas expectativas na estreia do primeiro. 

A interação entre os humanos e o núcleo animado ainda continua um pouco engessada,  algo claramente notável nas interações do ouriço azul com a sua família humana, Maddie e Tom. Em alguns momentos, em que o alienígena está levando broncas e conselhos de seus amigos terrestres, a atuação não acompanha o tempo e a posição da animação, o que torna as cenas algo bobo, de uma maneira que chega a ser cômico. Desta forma, o relacionamento de Sonic com seus amigos humanos evoluiu positivamente para um clima mais ao estilo de Eu, a Patroa e as Crianças.  

No entanto, essas preocupações se perdem quando Sonic se reúne com Tails e Knuckles, e o foco do filme passa para a animação. A relação entre os três personagens do desenho é bem explorada, e o vilanismo do Doutor Robotnik não fica de fora disso. Em Sonic 2 – O Filme, o personagem de Jim Carrey chega mais próximo do Doutor Eggman dos videogames, não só em aparência como em personalidade e loucura, algo que não era tão presente no primeiro longa.

Além disso, a dinâmica entre o Doutor Robotnik e seu fiel escudeiro, o Agente Rocha, é transformada em um ponto ainda mais cômico do que o filme de 2020. Os dois passam a ser uma dupla quase romântica, que é incentivada pelo amor platônico de Rocha por seu mestre, por muitas vezes sendo o núcleo humano mais interessante da história. Afinal, eles contracenam diretamente com as animações em diversas situações.

O cientista maluco também se torna um alento ao coração dos fãs do videogame, já que suas tecnologias e suas características se igualam cada vez mais ao Doutor Robotnik original. Suas referências a cultura pop, a atuação impecável de Jim Carrey e a presença do robô gigante criado pelo cientista – que faz parte do jogo – diverte tanto as crianças quanto os adultos loucos pelo universo nerd. 

Por fim, as cenas finais e os pós-créditos deixam o telespectador com um gostinho de quero mais, que só era encontrado antes em filmes da Marvel. Isso porque aqueles que não entendem as referências ficam curiosos para compreender o significado do fim da produção, e os que entendem ficam ansiosos pelo desenvolvimento de mais personagens e características vindas diretamente dos jogos da SEGA.

Toda essa expectativa aponta que, mesmo com falhas perceptíveis de roteiro e montagem, e ainda em um patamar de qualidade meio duvidoso, o live-action de Sonic apresenta um futuro promissor. A relação do primeiro filme com o segundo aponta a evolução da produção, pois, dessa vez, Sonic não é apenas sobre um ouriço perdido no mundo humano, e sim um personagem mais bem desenvolvido com toda uma história por trás. Fator que pode abrir caminho para adaptações de mais jogos e que eleva a expectativa de qualidade das que estão por vir, como a próxima adaptação de Super Mario Bros.

O post Sonic 2: ele não tem um roteiro inovador, não tem boa edição, mas ele tem o povo apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.