Davi Marcelgo

Ao assistir a um filme, a atividade é inconsciente. O cérebro vai interpretando através do olhar, dos ouvidos e das convenções e elementos em cena que são familiares. Uma pessoa andando sozinha em uma noite escura é sinal de que o assassino vem aí, já um parceiro novo em uma franquia de ação, na certa, é um agente duplo. Na Comédia romântica, clichês não faltam, mas são justamente eles que fazem tantas pessoas terem como confort movie 10 Coisas que Eu Odeio em Você (1999), por exemplo. Nesse sentido, Todo Tempo que Temos é o mais novo candidato para entrar na lista de filmes que assistimos quando precisamos. 

Tobias (Andrew Garfield) é um recém divorciado que, por obra do destino, conhece Almut (Florence Pugh), uma talentosa cozinheira. Eles se apaixonam, vivem um amor de Cinema e formam uma família – o que poderia dar errado? Sempre tem algo para tremer a relação de um casal e o longa de John Crowley entende isso muito bem. É um filme que lida com os códigos do gênero de uma maneira bem sincera, sem vergonha ou disfarce. Tudo que um ‘dramalhão’ tem direito está aqui: um problema grave, situações exageradas, um segredo, cena de despedida e um marido tão perfeito que só existe em ficção mesmo. 

Ainda que abuse, positivamente, dos clichês, a forma como a história é contada garante originalidade e coerência com a temática sobre ‘quanto tempo temos para aproveitar a vida?’. Indo e voltando para o passado e presente, às vezes, nem de forma linear, o filme se apresenta como uma espécie de livro de memórias sobre a história de duas pessoas, o que garante a construção de rimas visuais que atendem ao propósito de te fazer sentir.

Em determinadas sequências, Crowley abraça o piegas e o absurdo sem medo algum de ser rejeitado por uma antipatia com a breguice, postura de outros públicos não interessados na linguagem romântica. A direção utiliza de movimentos rápidos e música triste para invocar a atmosfera perfeita na geração de laços com personagens. Nesse vai e vem de cronologia, o roteiro de Nick Payne instiga o público a criar sua própria colcha de retalhos sobre a história.

A dupla de atores está encantadora. Seguindo à risca os protagonistas de uma comédia romântica: são opostos que se atraem. Andrew Garfield é uma ótima escalação de elenco; carismático como já provou ser, dentro e fora dos sets, se é para fazer o público se apaixonar por um protagonista, a bola foi direto para o gol. Por outro lado, Florence Pugh é o lado mais dramático do casal, seja por sua trama ou dando o tom certo ao texto – em cenas mais sensíveis ou explosivas, ela sai como destaque. 

Todo Tempo Que Temos é tudo que o gênero tem de marcante. O longa não é rebuscado, porém tem exatamente o espírito que quer ter e sabe seu público-alvo. Brincando o tempo todo com os sentidos e a memória, provoca felicidade, riso, choro e ansiedade em um ótimo malabarismo com os elementos de romance. Se o casal Tobias e Almut aproveitaram todo o tempo que tiveram, o assunto é outro, mas o diretor com certeza aproveitou uma caixa de clichês ao seu bel-prazer.

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Guilherme Moraes

Em 1973, William Friedkin lançava O Exorcista, uma película de terror que logo se tornaria um clássico e mudaria o modo de se fazer filmes de demônio. No início da década de 2010, longas de terror psicológico começaram a fazer sucesso no Cinema pelas metáforas de medos sociais reais, como o racismo, a misoginia e a depressão, os transformando em algo concreto, como um ser místico ou, até mesmo, assassinos. Esse é o caso de filmes como A Bruxa (2015), Corra! (2017) e O Babadook (2014). Nesse sentido, O Exorcismo, de Joshua John Miller, tenta emplacar uma narrativa sobre depressão, alcoolismo, abuso e paternidade, ao mesmo tempo que faz uma referência ao clássico, porém, a obra acaba se tornando enxuta em seu conteúdo e rasa em sua forma.

Em princípio, o filme fala sobre as gravações de um longa-metragem de terror, em que o ator que interpreta o padre morre no set de filmagens, com isso, o diretor passa a procurar um outro ator para interpretar o personagem. Anthony Miller (Russell Crowe), um pai pouco presente e ‘ex-bebum’, decide fazer um teste para o papel; paralelamente a isso, ele tenta se reaproximar da filha, em uma busca de redenção e de ajustar a sua vida. No entanto, o protagonista acaba sendo possuído pelo demônio que matou o primeiro intérprete e, assim, acaba revivendo seus antigos traumas.

A obra se assume como um drama psicológico de maneira metalinguística, falando sobre o filme dentro do filme e, dessa forma, tenta esconder as suas fragilidades, principalmente quando se trata de trabalhar com o medo e a tensão típicos do gênero de terror. Nesse sentido, falta criatividade para Joshua John Miller. Ele até consegue trabalhar bem com os cenários, como a casa do Anthony sendo muito fechada, escura e claustrofóbica – as escadas conseguem imprimir um estado de alerta no espectador –, mas a montagem das cenas sugere sempre um drama relacionado ao trauma do personagem, e essa tentativa não consegue equilibrar o terror tradicional com o psicológico, tornando os dois rasos.

O longa exibe traços da obra original de William Friedkin: a trama focada na possessão e na relação pai e filha – em O Exorcista, era mãe e filha –; a construção da casa cenográfica; a iluminação esverdeada e azulada nas cenas do exorcismo; a maquiagem sobre o rosto transfigurado naquele que foi possuído. Essas características se tornaram típicas depois do clássico de 1973 e, aqui, são utilizadas como referência e uma tentativa de emular o horror que a personagem da Regan gerava. Porém, não conseguem alçar a mesma potência, pois, enquanto O Exorcista e, também, o remake O Exorcista – O Devoto, escolhem uma criança para ser a ‘endemoniada’, O Exorcismo escolhe o pai problemático, o que causa menos empatia.

Esses filmes tem uma relação de automutilação e profanação com corpo possuído, pois o demônio não oferece perigo apenas àqueles que estão rondando o personagem, mas também e, principalmente, à pele que ele tomou. É nesse sentido que a escolha por Anthony como “casca” enfraquece o horror, pois causa menos agonia ver um corpo de um homem adulto, “impuro”, sendo rondado pela morte. No entanto, aí reside algo de interessante, pois o corpo do protagonista se torna o melhor “receptáculo” para o monstro, visto que existem traumas e pecados que o tornam fraco perante ele.

Na cena final, a iluminação esverdeada e azulada, junto com a maquiagem que apodrece o corpo, elevam a sensação de nojo e horror. Isso acontece na obra original, porém, nesse filme, a impressão que passa é de que todas essas técnicas foram usadas achando que, por si só, já bastassem, sem um uso específico e criativo, tornando a cena do exorcismo muito estéril. Assim como em toda cena que buscava implementar uma tensão, essa também contém cortes a todo momento para relembrar o trauma de abuso que o Anthony sofreu e, nessa última cena, fica mais evidente a fragilidade dessa ideia, pois há um contraste muito grande do cenário frio e esverdeado, do presente, com o quente e vermelho, do passado, causando uma certa estranheza.

Até mesmo as questões dramáticas do protagonista são mal exploradas, porque The Exorcism (no original) é tão atulhado de informações que eles nem sabem o que trabalhar. A fita até instiga o espectador a pensar que tudo é uma consequência, ou seja, os problemas com a filha são resultado da relação problemática com a sua ex-mulher, que são efeito da ‘bebedeira’ e depressão que, por sua vez, são frutos do abuso quando era criança. Todavia, nenhuma dessas problemáticas são realmente aprofundadas, todas são exploradas de maneira intercalada durante o longa, reaparecendo de maneira burocrática, como toda cena com a filha parece lidar  com paternidade, porém sendo esquecido em todos os outros momentos.

É de se esperar que, uma película com Kevin Williamson na produção e Russell Crowe como protagonista, seja recheada de boas ideias e sonhe alto, mas a execução de tudo isso foi mal feita, seja por falta de criatividade, por ser enxuta demais ou, até mesmo, pela falta de tempo, pois é uma obra curta para os padrões atuais. De maneira geral, é um filme que busca ser interessante e profundo, no entanto, gera o efeito contrário, se tornando, na verdade, raso em sua confecção.

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Ana Clara Archanjo

No primeiro ato de Instinto Materno, que se passa na década de 1960, as casas vizinhas e os filhos da mesma idade são o pano de fundo para a amizade entre Céline (Anne Hathaway) e Alice (Jessica Chastain). Como ponto de tensão, ocorre um acidente que transforma a relação entre as duas e desperta o que há de mais instintivo entre essas mulheres. O desenrolar, em um suspense fraco e previsível, é pautado em desconfiança e inveja, que interferem na amizade entre as protagonistas. Não é um exercício de criatividade muito complexo imaginar o final de Mothers’ Instinct (no original). Então, é preciso se esforçar para capturar os únicos acertos do filme: as atuações.

A história, em si, não é inédita. O roteiro do longa é baseado no livro homônimo de Barbara Abel e a obra já havia sido adaptada às telonas em 2018, sob a direção de Olivier Masset-Depasse. Originalmente, o cineasta belga também encabeçaria a refilmagem norte-americana, mas teve que deixar o projeto. Com a cadeira de diretor vaga, Benoît Delhomme, que já assinava a direção de fotografia, viu uma oportunidade de estrear no comando da produção. 

Delhomme é um cinegrafista francês conhecido por seu trabalho em O Menino do Pijama Listrado (2008), Um Dia (2011) e A Teoria de Tudo (2014). Em entrevista ao Estadão, o diretor de Instinto Materno conta: “Três dias antes do início das filmagens, Anne e Jessica, disseram: ‘Benoît, se você não fizer, o filme vai colapsar. Se aceitar dirigir também, poderemos seguir em frente’”.

Fórmulas clássicas e preguiçosas de se fazer suspenses são as ferramentas favoritas do cineasta. É por esse motivo que é fácil saber para onde o filme quer levar o espectador logo nos primeiros minutos de exibição. Com a mediocridade do roteiro de Barbara Abel e Sarah Conradt-Kroehler escancarada nas cenas iniciais, fica difícil não se lembrar constantemente que as protagonistas têm um Oscar em cada um de seus currículos e que a presença das duas no elenco é o que o filme tem de melhor.

Para além de premiações, ambas também são queridas pelo público. Anne Hathaway, anteriormente, mostrou potencial e encantou em O Diabo Veste Prada (2006), Os Miseráveis (2012) e Interstelar (2014), que também conta com Jessica Chastain. Essa, para além do clássico, entregou uma atuação espetacular na minissérie Cenas de um Casamento (2021). Não importa o gênero, as duas atrizes já têm uma filmografia suficientemente completa e amada para provar que, mesmo no mais fraco dos suspenses, como é o caso de Instinto Materno, são capazes de entregar atuações revigorantes e convincentes. Então, a presença delas no longa não apenas fez com que as pessoas fossem ao cinema, como também garantiu que elas não percebessem – pelo menos, logo de cara – o quão ruim a narrativa é.

Em outras palavras, a relação construída entre as protagonistas de Instinto Materno só tem pontos positivos graças à interpretação das atrizes. Há, aliás, um ‘quê’ de homoerotismo iminente – mas não explorado –, que poderia trazer uma nova camada às personagens. Isso, no entanto, só aconteceria em nossos sonhos mais loucos, porque o filme não se cansa de firmar seu endereço no ‘lugar comum’.

Sem profundidade nenhuma, os temas que perpassam diferenças de gênero, luto e maternidade compulsória existem na narrativa como se fossem notas de rodapé. Com a química e habilidades excepcionais entre Hathaway e Chastain e com o roteiro certo, inveja, desconfiança e luto poderiam ter sido aproveitados com maior profundidade e cuidado. Nos momentos em que Delhomme ensaia trazer um assunto mais sério, o tema logo é substituído por mais uma cena batida de suspense. E, no que diz respeito ao clima de tensão em si, não há nem um ‘gostinho’ de quero mais, porque o filme se dá por satisfeito mesmo sem entregar nada. 

Visualmente, o filme constrói um cenário imersivo e bem elaborado. Nele, a ambientação das casas vizinhas das protagonistas reflete diretamente nas características de cada uma e contribui – brevemente – à construção da personalidade delas. O problema, então, é que nada disso é genuinamente explorado. Há um ensaio constante de se aprofundar na personalidade intrigante das protagonistas, mas não há um exercício efetivo do diretor, Benoît Delhomme,  em fazê-las. Ao assistir Instinto Materno, a impressão que fica é que Anne Hathaway e Jessica Chastain fazem o máximo para tirar leite de pedra em uma atuação simultaneamente empática e assustadora. O potencial existe, mas apenas de potencial não se faz bons filmes.

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Matheus Santos

A última aparição de Xuxa como protagonista em filmes infantis foi há 14 anos, na adaptação do livro O Fantástico Mistério de Feiurinha, escrito pelo renomado autor de literatura infanto-juvenil Pedro Bandeira. Na época, o longa-metragem, cheio de falhas de roteiro e clichês, foi responsável por levar aos cinemas pouco mais de 1.300.000 espectadores, número relativamente baixo se levarmos em consideração que Lua de Cristal foi o título brasileiro de maior bilheteria dos anos 1990.

Depois do fiasco de É Fada! (2016), a primeira versão para o audiovisual do best-seller de Thalita Rebouças, Uma Fada Veio Me Visitar, estrelada pela sensação do YouTube e atriz Kéfera Buchmann, foi a vez da Rainha dos Baixinhos interpretar a fada Tatu. Ambas as produções apostaram na presença de influenciadores digitais para chamar a atenção do público. Na montagem mais recente, por exemplo, a também youtuber Camila Loures aparece em cenas relativamente curtas e mal roteirizadas.

O enredo é bastante simples e sem muitas amarrações, característica comum a todos os livros de Thalita Rebouças. No entanto, a presença de falhas de continuidade no roteiro evidencia o ritmo acelerado das gravações em menos de duas semanas, devido à agenda frenética de Xuxa, que estava promovendo seu documentário.

Apesar de leve, o roteiro de Patrícia Andrade possui elementos de complexidade ao abordar temas contemporâneos, como cancelamento na internet e etarismo, mas apresenta lacunas percebidas já no início do longa. A história também é assinada por Rebouças, que, desde as diversas críticas recebidas pelo filme É Fada!, tem estado envolvida diretamente no set de filmagens de todas as suas obras adaptadas.

Assim como no livro, Luna (Tontom Périssé) está vivenciando a rebeldia da adolescência e tendo dificuldades na escola. Na madrugada anterior à prova de matemática, ela recebe a visita de uma fada tagarela e desengonçada chamada Tatu (Xuxa), que tem a missão de torná-la a melhor amiga de sua rival, Lara Amaral (Vitória Valentin), uma garota mesquinha e a mais popular do colégio.

A última vez que a fada apareceu por aqui foi na década de 1960, o que justifica seu vestido amarelo de bolinhas pretas, semelhante ao visual de Olivia Newton-John em Grease – Nos Tempos da Brilhantina. Mas a abordagem do longa é ainda mais interessante: os trajes de Tatu referenciam, a cada aparição, as cores vibrantes e a extravagância dos anos 1980.

É divertido observar como Xuxa consegue transitar entre tantos personagens, sejam eles masculinos, fictícios ou não, após sua participação no reality Caravana das Drags do Prime Video. Algumas das caracterizações mais marcantes incluem a do cantor andrógino Boy George e de Cindy Lauper, além dela mesma quando mais jovem. A referência à época que a consagrou como a Rainha dos Baixinhos é uma excelente estratégia para atrair a geração de crianças que cresceu com a apresentadora e, agora, a acompanha com seus próprios filhos.

Porém, algumas alusões podem não ser compreendidas pelos ‘baixinhos‘ de hoje. Isso acontece especialmente com as cenas que mencionam memes da carreira de Xuxa. Porém, isso não importa quando o objetivo é discutir sobre como o cancelamento na internet é prejudicial. Apesar da temática séria e relevante, as falhas deixadas pela diretora Viviane Jundi (De Volta aos 15) prejudicaram a compreensão da trama. Quando a irmã de Lara, Milena (Camila Loures), surge no enredo, acusada de cyberbullying, todos desejam linchá-la, mas não há evidências concretas de suas ações, o que acaba gerando confusão no espectador.

Com participações especiais de Dani Calabresa, Zezeh Barbosa e Livia Inhudes, Uma Fada Veio Me Visitar é uma viagem no tempo, uma comédia divertida que garante entretenimento para toda a família. As crianças se divertem com o carisma de Xuxa, que ri de si mesma, ainda que o riso seja provocado por um certo sentimento de vergonha alheia.  Além disso, o filme também presta homenagem ao funk carioca, especialmente a MC Marcinho, que nos deixou em Agosto. O ritmo animado de Glamurosa faz com que todos queiram cantar junto no Cinema.

Ao equilibrar elementos nostálgicos com uma narrativa moderna, o longa-metragem consegue atrair diferentes públicos, mantendo a essência do livro de Thalita Rebouças. No entanto, embora a participação de Xuxa tenha gerado bastante expectativa, a produção não conseguiu arrecadar uma bilheteria satisfatória como o esperado.

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